100 Harika Yabancı Film

Yapım: Fransa, 1902. Yazan ve yöneten J. Méliès. Misho operatörü. Kostümler: Madam Melies. Oyuncular: J. Melies, V. Andre, J. d'Alcy, A. Delannoy, Depierre, Farzho, Kelm, Folies Bergère'den dansçılar ve akrobatlar.

Sinemanın doğum günü, Lumiere kardeşlerin çektiği "hareketli resimlerin" Paris'teki Boulevard des Capucines'de ilk kez halka açık gösteriminin yapıldığı 28 Aralık 1895 olarak kabul edilir. Araziler gösterildi: "Lumiere fabrikasından işçilerin çıkışı", "Çocuğun kahvaltısı", "Trenin gelişi". Seyirciler arasında tiyatro yönetmeni ve yönetmen Georges Méliès de vardı. O zamana kadar, Robert Houdin'in sihirli tiyatrosunda beyaz büyü ve illüzyonizm konusunda uzmanlaşmış bir gazete karikatüristi, tiyatro dekoratörü, yönetmen ve oyuncu, teknisyen ve tasarımcı olarak çalıştı. Méliès kendisi hakkında şunları söyledi: “Ben bir sanatçının ruhuyla doğdum, el çabukluğu, zeka ve doğuştan gelen oyunculuk yeteneği ile yetenekliyim. Aynı zamanda hem zihinsel hem de fiziksel emeğin işçisiydim.

Méliès, Lumières'ten bir film kamerası satın almak istedi ve onlara 10.000 frank teklif etti. Ama reddedildi.

1896'nın başlarında Méliès, Londra'dan gözlükçü Robert W. Pohl'un 1.000 franka aparatlar sattığını öğrendi. Méliès cihazı satın aldı ve Mart 1896'dan itibaren tiyatrosunda Paul'ün filmlerini ve Edison'un kinetoskop kasetlerini göstermeye başladı. Film kamerasının inanılmaz olanaklarla dolu olduğunu hemen fark etti ve kendisi film çekmeye başladı.

Georges Méliès, özel bir sinema türünün - fanteziler veya peri masallarının - kurucusudur. Extravaganzas için araziler ilk peri masallarıydı: "Külkedisi", "Kırmızı Başlıklı Kız", "Mavi Sakal", "Peri Karabas". Ama sonra Jules Verne'in romanları ve hatta "Faust", "Jeanne d'Arc" devreye girdi. Méliès ayrıca Dreyfus Olayı, McKinley Suikastı, VII.

1900'den 1905'e kadar olan dönem, Méliès için en verimli dönemdir. Fantastik filmler yönetti: "Bando Adam", "Lastik Kafalı Adam", "Küçük Dansçı", "İmkansız Yolculuk" ve "Denizler Altında 20 Bin Fersah".

1902'de, Fransız film eleştirmeni Georges Sadoul'un büyük başarısını dekorasyon ve kostümler alanındaki yaratıcılığa atfettiği sinema bilimkurgunun atasının başyapıtı Aya Yolculuk yayınlandı.

Méliès, filmi kağıt üzerinde ilk planlayanlardan biriydi. Filmin senaryosu Méliès En İyi Filmler kataloğunda şu şekilde sunuldu.

"Ay'a Yolculuk". 30 sahnede 10 harika film serisi. Projeksiyon süresi - 16 dakika.

1. Astronomi Kulübünde Bilimsel Kongre.

2. Seyahat planı. Kaşiflerin ve yol arkadaşlarının seçimi. Genel coşku. Ayrılık

3. Canavar bitki. mermi yapımı.

4. Ocaklar, fırınlar, dev bir topun inşası.

5. Gökbilimciler çekirdekte otururlar.

6. Silahı dolduruyorum.

7. Büyük silah. Muhafız geçit töreni. Selamlamak.

8. Uzayda uçuş. Ay geliyor.

9. Çekirdek Ay'ın gözüne çarpar!!!

10. Çekirdeğin Ay'a düşmesi. Dünyanın ışığı. Ay'dan Dünya'nın görünümü.

11. kraterler vadisi. Volkanların patlaması.

12. "Yıldız" rüyaları (ateş topları, Büyük Ayı, Phoebe, İkizler, Satürn).

13. kar fırtınası

14. Sıfırın altında 40 derece. Ay kraterine iniş.

15. Ayın içinde. Dev mantar mağarası.

16. Selenitler ile buluşma ve savaş.

17. yakalandı!!

18. Ay Kralı. Selenit ordusu.

19. Kaçmak.

20. Şeytan kovalamacası.

21. Astronotlar çekirdeği bulur. Ay'dan ayrılış.

22. Çekirdeğin uzayda düşmesi.

23. Çekirdek okyanusa düşer.

24. Okyanusun dibinde.

25. kurtarma limana dön.

26. Tatil. zafer yürüyüşü

27. Yolculuğun kahramanlarını onurlandırmak ve ödüllendirmek.

28. Denizciler ve itfaiyecilerin geçit töreni. zafer yürüyüşü

29. Olayların onuruna bir anıtın dikilmesi.

30. şenlikler Ay'da yakalanan selenit merak konusu olarak sergileniyor.

Filmde - 260 metre. "Aya Yolculuk" senaryosunun ana bölümleri iki ünlü romandan ödünç alınmıştır - Jules Verne'nin "Dünyadan Ay'a" (1894) ve H.G. Wells'in "Aydaki İlk İnsanlar" (1895). İlkinden çekirdek alınır, dev bir top, bir deliler sopası. İkinciden - ay bölümlerinin çoğu: kar fırtınası, ay kraterine iniş, selenitlerle savaş, okyanusun dibine düşme vb.

Méliès'de astronomlar sivri uçlu şapkalar ve astrolog cübbeleri giyerler ve antik kalenin salonunda toplanırlar. Profesör Barbanfui'nin (Georges Méliès'in bizzat canlandırdığı) başkanlık ettiği Dernek, gezegenler arası bir keşif gezisi düzenlemeye karar verir.

Ay'a uçuş için çekirdeğin yapıldığı "canavar fabrika" nın endüstriyel peyzajı Art Nouveau tarzında yapılmıştır. Aktörler bu resimde görünmediği için zekice bestelenmiş ve gösterişli bir izlenim veriyor.

Méliès'in sinematik bir ritim duygusu ve esprili ve neşeyle şaka yapma yeteneği vardı. Örneğin, astronotlarla birlikte bir merminin çeşitli gök cisimlerini geçerek Ay'a uçuşunun değeri nedir, "pencerelerinden" hoş gelen yolcular, güzel kızlar bakar.

Güllenin gökyüzünü aşıp aya indiği sahne filmin en unutulmaz sahnelerinden biridir. Çekirdek, ayın "gözüne" çarpar ("Ay'ın yüzü" acı içinde eğridir) ve ardından bölüm daha "gerçekçi" bir yorumla tekrarlanır (çekirdek, gezegenin çöl yüzeyini deler).

Méliès montajı modern anlamda kullanır. Bir nesnenin çok sayıda "değiştirilmesinin" dayandığı "gizli kurulum" u tercih etti. Georges Sadoul bunun hakkında şöyle yazıyor: “Kalkıştan hemen sonra gülle, Lastik Kafalı Adam'da olduğu gibi, raylar üzerindeki bir aparat tarafından fotoğraflanan boyalı bir tuvali geçiyor. Bir ara verirler ve Ay'ı gözünde bir gülle ile tasvir eden başka bir maketi değiştirirler. Etki mükemmel. Bu, Méliès'in bir dizi numarayı görsel bir araç olarak kullandığı nadir bir örnek."

Tuhaf buz sarkıtlarıyla "Kraterler Vadisi" (resim 11), manzara açısından muhteşem. Üzerinde "dünyanın ışığının" kademeli olarak belirdiği (resim 10), ardından "uyku" sırasında çeşitli yıldızların göründüğü (resim 12) büyük bir siyah gökyüzü parçası içerir. Böyle bir "yıldız revü", Méliès'in favori bir temasıdır ("Kutubun Fethi" ni hatırlamak için yeterli).

Sadoul'un belirttiği gibi, "Ay'ın içi" (resim 15) büyük ölçekte yapılır, ancak dev sarkıtlar ve mantarlar, preslenmiş kartondan yapılmış zırh giymiş selenitlerle biraz birleşir. "Ay kralının" şatosu çok fazla operetlerin maskeli balo tarzı kokuyor, ancak bilim adamlarının dünyaya geri gönderildiği, ay yosunları ve anemonlarla çevrili, gökyüzünde asılı kayalık uçurum gerçekten muhteşem.

Ay'ın sakinleri, Selenites, Folies Bergère'den akrobatlar tarafından canlandırıldı ve Chatelet Tiyatrosu'ndaki balerinler gök cisimleriydi.

Méliès bir senarist, yönetmen, aktör, sanatçı, tamirci, senarist, koreograf, dublör efektlerinin, kostümlerin, mizanpajların yaratıcısı ve aynı zamanda filmlerinin yapımcısı ve dağıtımcısıydı. 1902'de Star-film şirketini kurdu. Yıldız onun ticari markası oldu. Aya Yolculuk'un üretimi Méliès'e 10.000 franka mal oldu (o zamanlar önemli bir meblağ).

"Aya Yolculuk" filmi, tüm sinema türünün gelişim tarihinde bir mihenk taşı haline geldi. Sinemadaki tüm özel efektlerin kökeninde onun yenilikçi yöntemleri vardı. Star Wars'ın (1977) yaratıcıları, Méliès'in deneyimini kullandıkları gerçeğini gizlemediler.

Méliès'in filmleri bir taklit dalgasına neden oldu ve kısa süre sonra sahip olduğu yapım sırları artık kimse için bir sır olmaktan çıktı. Georges Méliès bir iş adamı değil, bir sanatçıydı, dolayısıyla film yapımında ve dağıtımında meydana gelen dönüşümleri yakalayamadı. Extravaganzas ustasının film kariyeri 1913'te sona erdi. İflas ettikten sonra, hayatının sonunda Montparnasse'de sadece bir oyuncak büfesi yaptı.

Méliès'in sinemaya katkısı çok büyük. Sinemada sadece bir cazibe değil, aynı zamanda özel bir sanat türü de gördü. Bu nedenle, Fransız film eleştirmenlerinin sinema tarihini Lumiere ve Méliès'den olmak üzere iki akıma ayırmayı sevmeleri tesadüf değildir. Lumiere'den - kurgu dışı sinema, gerçek hayatı kendi biçimlerinde gösteren bir tarih. Méliès'den - bir olay örgüsü, oyuncular, sahne yardımıyla hayatı yeniden yaratan uzun metrajlı filmler.

"TOLERANSIZLIK"

(Hoşgörüsüzlük: Çağlar Boyunca Aşkın Mücadelesi)

Yapım: ABD, 1916 D. W. Griffith tarafından yazıldı ve yönetildi. Operatör G. V. Bitzer. Sanatçı D. W. Griffith. Oyuncular: L. Gish, C. Talmadge, E. Clifton, A. Paget, S. Owen, X. Gay, L. Langdon, O. Gray, J. Walsh, B. Love, J. Crowell, F. Bennett , M. Wilson, S. de Grasse, Y. Pallet, M. Marsh, F. Turner, R. Harron, W. Long, M. Cooper ve diğerleri.

Sinemanın öncülerinden Amerikalı yönetmen David Wark Griffith, kariyerinin başında şöyle bir hayal kurmuştu: “Sinema, Euripides'in trajedileriyle ya da Homer, Shakespeare, Ibsen'in eserleri ya da Handel'in müziği ile karşılaştırılmaya değer bir şey yarattığında. ve Bach, o zaman "film gösterilerini" sanat olarak adlandırabiliriz - ondan önce değil.

1916'da hayali gerçek oldu. Griffith "Hoşgörüsüzlük"ü ekrana getirdi.

David Wark Griffith, tiyatroyla olan bağını kaybettikten sonra 1907 yazında sinemaya girdi. Biograph stüdyosuna ilk olarak oyuncu olarak girdi. Yakından bakıldığında, David Wark senaryo yazmaya başlar ve bir yıl sonra stüdyoda personel müdürü olur. Önümüzdeki altı veya yedi yıl boyunca Griffith, zanaatkarlığın yasalarını ve sırlarını öğrenir. Yavaş yavaş şöhret geliyor. Güney ve Kuzey İç Savaşı'na adanmış "Bir Ulusun Doğuşu" adlı filmi, eşi görülmemiş bir izleyici başarısı elde etti. Eleştirmenler, resmin teknik mükemmelliğini övdü ve yaratıcılarının ırkçı görüşlerinden şikayet etti.

Belki de büyük sahneli bir film yaratma fikri, yönetmene İtalyan aksiyon filmlerinin ve özellikle de Giovanni Pastrone tarafından Cabiria'nın başarısından kaynaklandı.

Filmin ana fikri, dini ve sosyal hoşgörüsüzlüğün insanlık tarihindeki en büyük kötülük olduğu ve yalnızca modern Amerika'da ortadan kaldırıldığıydı. Bu noktayı kanıtlamak için Griffith, dört tarihsel çağdan örnekler ödünç aldı.

Babil'de (MÖ 539), güç mücadelesinde rahipler Kral Belşatsar'a ihanet ettiler. Eski Yahudiye'de, dini hoşgörüsüzlük nedeniyle Ferisiler Mesih'i çarmıha gerdiler. Fransa'da Protestanlar ve Huguenotlar arasındaki mücadele St.Petersburg gecesi katliama neden oldu. Bartholomeos (1572). Son olarak, modernite: emek ve sermaye arasındaki düşmanlık neredeyse masum bir kişinin ölüm cezasına çarptırılmasına yol açar ve yalnızca ABD demokratik yasaları valiye haksız cezayı gözden geçirme hakkı verir.

Griffith filmi 80 parçaya ayırıp seri halinde yayınlamak istedi, ancak böylesine görkemli bir planı uygulayacak finansörler bulamadı. Nihayetinde yönetmen 14 bölümle yetindi ama bu bile o zamanlar eşsiz bir fenomendi.

Hoşgörüsüzlük, David Wark Griffith Corporation tarafından yapılmıştır. Resmin yapımı için Griffith büyük fonlar aldı.

1915 yazında, Sunset Bulvarı ile Hollywood'un köşesinde, Babil, Orta Çağ Parisi ve Kudüs'ün devasa setlerinin inşaatına başlandı.

Çekimler henüz başlamadı ve maliyetler şimdiden yarım milyon doları aştı. Bu, yoldaşları korkuttu ve Griffith, birikimlerini üretime yatırmak ve büyük bir kredi almak zorunda kaldı. Filmin nihai maliyeti yaklaşık iki milyon dolardı.

Hoşgörüsüzlük bugün bile korkunçluğuyla etkiliyor. Babil kısmının en pahalı ve gösterişli olduğu ortaya çıktı. Hikayesi iyi biliniyor.

... Pers kralı Cyrus, Babil'i tehdit ediyor. Kral Belshazzar (Alfred Paget), kraliçesi (Sina Owen) ile daha meşguldür. Baal'ın baş rahibi (Tulli Marshall), bir İştar (aşk tanrıçası) kültü uğruna eski tanrıları ihmal eden kraldan nefret eder.

Bir dağ sakini inatçı kız kardeşini köle pazarına getirmek için şehre getirir. Herkes ona gülüyor, onu satın almak istemiyorlar. Yanından geçen çar, Kızı dağlardan (Constance Talmadge) serbest bırakma emri verdi. Baş rahibin suç ortağı olan şarkıcı Rhapsode (Elmer Clifton) ona aşık olur. Bu arada, Cyrus'un birlikleri Babil'in duvarlarına başarısız bir şekilde saldırıyor.

Festival. Rahip, Rhapsode'u geceleri Perslere kapıları açacağına dair bir mesajla Cyrus'a gönderir. Rhapsode, dağlardan Kız'a izin verir. Kral Belshazzar'ı uyarmak için acele eder, ancak şehrin kapılarında alıkonulur.

Savaş arabalarındaki Cyrus ordusu şehre koşar. Saldırı, haince kapıları açın, Persler şehre koşar, dayak başlar. Dağlardan gelen düşman Kızın okundan ölür. Kral Belşatsar, kraliçeyle birlikte intihar eder...

Babil kısmı, Birth of a Nation tarafından Griffith'e getirilen milyon doları emdi. Bunlardan 650 bini Belshazzar bayramını yeniden yaratmaya gitti. Tek başına kraliçenin kıyafeti 7 bin dolara, corps de ballet 20 bin dolara mal oldu (o zamanın ortalama bir filminin bütçesi). "Babylon Düştü" bölümünde 16.000'e kadar figüran kullanıldı. Stüdyonun karşısında inşaat işçileri ve ekstralar için evler ve çadırlar vardı. Duvarlarla çevrili Babil'in kapılarına demiryolu rayları döşendi. Yük vagonları yiyecek, inşaat malzemeleri, atlar ve filler getirdi.

Birçok sahne aynı anda birkaç operatör tarafından filme alındı. Griffith kamerayı daha yükseğe kaldırmaya karar verdi. O zamanlar çekim vinçleri yoktu ve ne yazık ki Griffith'in bu sorunu nasıl çözdüğüne dair kesin bir bilgi yok. Aktris Lillian Gish şunları söyledi: “Griffith sabit bir noktadan çekim yapmak istemedi. Kameranın sahnenin her detayını yakalayabilmesini istedi ve bunu yapmak için Billy Bitzer'ı yükseltilip alçaltılabilen bir balona yerleştirdi. Ancak rüzgar, Billy'nin manzaranın içinde kalma girişimlerini sık sık boşa çıkardı. O zaman Griffith'in aklına orijinal bir fikir geldi. Kamerayı kabloyla kontrol edilen bir asansöre yerleştirdi. Geniş platformun kendisi, Billy ve ben daha az yer kaplamak için kenarda oturmuş bacakları sarkıtıyorduk. Yapı, manzaranın derinliklerine inen raylar üzerine yerleştirilmiştir...

Belshazzar'ın Ziyafetinin başlangıcında, hücre büyük bir avlunun sonundan çeyrek mil uzakta bulunuyordu. Sahneye doğru ilerledi, dans eden kızların başlarının üzerinden yavaşça kaydı, tekrar ilerledi ve içinde iki beyaz güvercinin beyaz bir gül taşıdığı minyatür bir arabanın önünde oyalandı - kraldan kraliçeye bir hediye. Bu çekimler, Billy'nin büyük becerisinin bir kanıtıdır - hareket eden bir vinçten çekim yaparken, tüm setin uçsuz bucaksız genişliğinden gül yapraklarına kadar görüntünün keskinliğini ve netliğini mükemmel bir şekilde korumayı başardı.

"Hoşgörüsüzlük"ün ikinci bölümünün yazarları havariler Matta, Luka, Markos ve Yuhanna sayılabilir. Müjdeden, Griffith yalnızca üç veya dört bölüm aldı. Pek çok önemli müjde olayı (Pilate, Yahuda, tapınaktan kovulma, Lazarus'un dirilişi, Son Akşam Yemeği sahneleri) çıkarılmıştır.

Howard Gay İsa Mesih'i canlandırıyor. Cana'dan gelin ve damadı George Walsh ve Bessie Love, Mecdelli Meryem'i ise Olga Gray canlandırdı. Sanatçılar arasında von Stroheim da var. Aslında, büyük sessiz film yönetmeni Hoşgörüsüzlük'te rol almadı. Griffith ona rollerden yalnızca birini vaat etti, ancak sonra fikrini değiştirdi ve ikinci Pharisee'yi oynaması için von Stroheim takma adını alan William Cotright'a emanet etti. Gerçek Erik von Stroheim, Babylon bölümünde yapım yönetmeni yardımcısıydı.

The Passion of the Christ bölümü Griffith'e 300.000 dolara mal oldu. Çekim için 3.500 figüran topladı. Bu bölüm neredeyse tamamen genel planlar üzerine inşa edilmiştir. Frank Wortman'ın stüdyonun üç mil batısında çok dikkatli bir şekilde yeniden yarattığı İncil hikayesindeki Celile'nin taş tapınakları ve dar yolları oldukça gerçekçi görünüyordu.

Düğün sahnesi Yahudi geleneklerine göre sahnelendi. Yönetmene Rabbi Myers danıştı.

Üçüncü bölümde - "Bartholomew's Night" da - asıl yer Catherine de Medici'nin (Josephine Crowell) ve tüm mahkemenin kararsız Kral Charles IX (Frank Bennet) ile mücadelesi tarafından işgal ediliyor. Ama burada bile "özel" bir hikaye var: Huguenot Brown Eyes'ın (Margery Wilson) asilzade Prosper Latour (Eugene Pallet) ile ilişkisi. Katliamın olduğu gece bir paralı asker eve girer, kıza tecavüz eder ve onu öldürür. Prosper bir askeri öldürür ve kendisi ölür.

Fransız bölümü, Charles IX ve Catherine'in sarayındaki sahnelerle başlar ve kaos ve katliamla biter.

"Aziz Bartholomew Gecesi" için eski Paris'in dörtte biri dikildi. Bu kısım 250 bin dolara mal oldu, 2.5 bin figüran katıldı.

Modern bölüm, Hoşgörüsüzlük'te en karmaşık ve anlamlı olanıdır, içindeki sinema dili en anlamlı olanıdır.

...İl imalatçısı Jenkins (Sam de Grasse) işçilere maaş kesintisi yapacağını duyurur. Grev başlıyor. Protestocular arasında "en şirin kızın" babası (Mae Marsh tarafından canlandırılıyor) ve bir işçi çocuğu (Robert Harroy) yer alıyor. Ülke grevcilere ateş ediyor. Grev ezildi.

Kız ve adam, çalışan köyü terk etmek ve büyük bir şehre taşınmak zorunda kalır. Kahraman, işsizlik tarafından yoldan geçenleri soymaya başladığı ve "gecekondu silahşörleri" çetesinin bir üyesi olduğu noktaya getirilir. Kahramanın babası olan yaşlı adam ölür. Bir adamla tanışır ve onunla evlenir. Adam dürüst bir hayata geri döner.

"Silahşörler"in öfkeli lideri (Walter Long) metresini kovar ("terk edilmiş" Miriam Cooper tarafından canlandırılır). Adama çalıntı şeyler atılır ve parmaklıkların ardına düşer. Yakında genç karısından bir çocuk doğar. Ancak toplum onun anne olmaya layık olmadığına inanıyor, Püritenler çocuğunu elinden alıyor. "Kızların en güzeli", "silahşörlerin" liderinden yardım ister. Evine gelir ve ona tecavüz etmeye çalışır. Arkalarında pencereden "terk edilmiş" dikizler.

Lider, kocası serbest bırakılmasaydı genç bir kadına tecavüz ederdi - aniden belirir ve kötü adama saldırır. "Terk edilmiş", "silahşörü" öldürür ve tabancayı odaya fırlatır. Adam otomatik olarak alıyor ve o anda polis devreye girdi ...

Hızlı bir yargılama ve ağır bir ceza: asılarak ölüm. Adamın arkadaşları başarısız bir şekilde validen af ister. Tövbe eden "terk edilmiş", suçunu itiraf ediyor. Ama vali kasabayı yeni terk etti. Bir yarış arabasında vali ile trene yetişmek mümkündür. Bu arada hapishanede mahkum, son cemaati alarak ölüme hazırlanıyor. İnfaza dakikalar kaldı. Bütün bunlar, kısa çekimlerin paralel bir montajıyla gösteriliyor: bir tren - bir hapishane - bir araba - bir hapishane: yüzlerin yakın çekimleri - bir kadın ve bir mahkum, daha da büyük - valinin af imzalayan elleri ve hatta daha büyük - ipi kesmek üzere olan cellatların elleri. Son anda, af arabası hapishane bahçesine daldı...

Film kısa bir sonsözle biter, sonuç uzun planla çekilen bölümlerde verilir. Seymour Stern onlar hakkında şunları söylüyor: "Sonsözde Griffith, bir dünya savaşını başlatan yaklaşan zamanın Kıyametini ve New York'un bombalanmasını, son dünya tiranlarının devrilmesini, hapishanelerin yıkılışını canlı karelerle gösteriyor. ve tüm baskı araçları, tüm insanların ve tüm ulusların her türlü kölelikten kurtarılması, evrensel sevginin temelleri üzerinde evrensel barışın başlangıcı ve sanki her şeyin tacı - bir alt başlık eşliğinde bir kıyamet vizyonu : "Ve gerçek aşk bize sonsuz huzuru getirecek."

Hoşgörüsüzlük, yalnızca Griffith'in grubunun çoğu "keşfedilen" ve kendisi tarafından yetiştirilen en iyi aktörlerinde rol almadı. Filmin son bölümünde yönetmen Lloyd Ingraham jüriyi, yönetmenler Tod Browning ve Edward Dillon hırsızları, Monty Blue ise grevlerin organizatörü rolünü oynadı. Bir papaz kılığında gerçek bir rahip ortaya çıktı - rahip A.-U. McLure.

Griffith kendine zor bir görev koydu: dört bölümün hepsini sırayla değil, aynı anda farklı olay örgüleriyle göstermek. Aralarında bir bağlantı ipliği vardı - filmin alt başlığı tarafından belirlendi: "Çağlar Boyu Aşk Mücadelesi." Griffith, "parçaları kesme" ilkesini ("kesme" değil, değiştirme olarak adlandırdı) senaryonun yapısına aktarmaya karar verdi. Her beş veya altı, hatta üç dakikada bir çağları "değiştirmeye" karar verdi.

Griffith planını şöyle açıkladı: “... Bu farklı hikayeler, bir dağın tepesinden baktığınız dört ırmak gibi akacak. İlk başta, bu dört akış ayrı ayrı, sorunsuz ve sessiz bir şekilde çalışacaktır. Ancak ne kadar uzağa koşarlarsa, o kadar çok yaklaşacaklar, akışları o kadar hızlı olacak ve son olarak, son perdede tek bir heyecanlı duygu akışında birleşecekler.

Hoşgörüsüzlüğün başlangıcında, bu dört hikaye gerçekten de neredeyse destansı geliyor, çünkü hala birbirinden açıkça ayrılmış olan "bölümler" arasında göreli bir denge sağlanıyor. Ama sonra aksiyonun temposu hızlanır, ritim daha kesintili hale gelir ve tüm bölümler, tüm dönemler tek bir yerde birleşiyor gibi görünüyor - bir takipte, Griffith'in en sevdiği cihaza - "son dakika kurtarma" itaat ediyor.

Planının alışılmadıklığını ve karmaşıklığını hisseden Griffith, izleyicinin onu anlamasını kolaylaştırmaya çalıştı. Sanki her şeyi birbirine bağlıyor ve açıklıyormuş gibi bir görüntü buldu - bir kız ya da daha doğrusu, beşiği sallayan genç bir anne. Bu sembolik imge, Griffith'e büyük Amerikalı şair Walt Whitman'ın şu sözleriyle ilham verdi: "... beşik sonsuza dek sallanarak bugünü ve geleceği birbirine bağlıyor."

Film, her hikayenin başlangıcından önce tekrarlanan, Anne'nin (Lilian Gish) sembolik bir çekimiyle başlar. İlk alt başlıkta şöyle yazıyor: "Bu dört hikayeyi birbirine bağlayan altın bir iplik var - saçları güneş tarafından aydınlatılan harika bir kız. Eli insanlığın beşiğini sallıyor... çağlar boyunca sallıyor..."

Kurgu büyük miktarda film tüketti. Hoşgörüsüzlüğün çoğu bir doğaçlama olarak filme alındı. Filmine "güneş draması" adını veren Griffith, öncelikle ekonomik nedenlerle nadiren yapay ışıkta çekim yaptı. Lillian Gish bunun hakkında şöyle yazıyor: “Parlak güneş ışığında çekilen Babil'in çekimi ile parke taşları ay tarafından yıkanan Paris'in karanlık sokakları birbiriyle tezat oluşturuyordu. Griffith filmi duygusal etkiyi artırmak için imzaladı. Gece sahneleri mavi, Babil gece savaş sahnesi kırmızı, Fransız mahkemesi kehribar sarısıydı.

Griffith elektrikten tasarruf etti ama filmden de tasarruf etmedi. Birçok sahneyi birden fazla kamerayla çekti. Hoşgörüsüzlük olay örgüsünün karmaşık iç içe geçmesi ve çekilen film miktarı, malzeme seçiminde olağanüstü bir konsantrasyon ve kesinlik gerektiriyordu, bu da otuz kırk resim için yeterli olacaktır. Griffith, 30 metrelik filmin yalnızca bir metresini kullandı!

Hoşgörüsüzlüğün orijinal versiyonunda, sekiz saatlik bir gösteri için tasarlandı. Dağıtımcıların talebi üzerine Griffith, St. Bartholomew Gecesi'nin çoğunu hariç tutarak ve müjde hikayesi için yalnızca ayrı planlar bırakarak filmi gerekli görüntüye indirdi.

"Hoşgörüsüzlük"ün prömiyeri 5 Ağustos 1916'da Riverside'da (California) yapıldı ve 5 Eylül'de film ilk olarak New York'ta gösterildi. Başarı çok büyüktü. Seyirciler ayağa kalktı ve David Wark Griffith'i ve çalışmalarını uzun süre alkışladı.

Intolerance, Liberty'de gösterildiği ilk dört ayda Birth of a Nation gişe rekorunu kırdı. Sonra katılım düşmeye başladı. Diğer şehirlerde de aynı tablo gözlendi - bir ilgi artışı ve bir süre sonra keskin düşüşü.

Hoşgörüsüzlük prömiyerini İngiltere'de 7 Nisan 1917'de Drury Lane Theatre'da yaptı. Muhabirler filmi Lloyd George, Winston Churchill, Lord Beaverbrook, Herbert George Wells ve diğerlerinin izlediğini yazdı. Kraliyet ailesi ve George V için Buckingham Sarayı'nda özel bir oturum düzenlendi.

Ne yazık ki, Hoşgörüsüzlük, İngiltere'de iki aylık istisnai bir kiralamayı bile başaramadı.

Halk henüz sembollere alışkın değildi ve zaman zaman önlerinde beliren genç annenin görüntüsü sadece seyircinin kafasını karıştırdı - çoğu, açıklayıcı yazıta rağmen, onu Tanrı'nın Annesi zannetti.

Hissedarlar ve alacaklılar masraflarının geri ödenmesini talep ettiler. Uzun yıllar boyunca Griffith, bir milyon dolarlık devasa bir borcu ödemek zorunda kaldı.

Hoşgörüsüzlük, zamanının ötesinde çığır açan bir filmdi. Sadece sonraki nesillerin film yapımcıları bunu takdir edebildi.

Bu nedenle, örneğin, büyük Sovyet yönetmeni Vsevolod Pudovkin, Hoşgörüsüzlük'te, filmin çağdaşlarının şaşkına döndüğü tüm bu erdemleri kaydetti. Yakın çekimlerin olağanüstü ifade gücüne işaret etti: ayrıntıların rolünün derin bir şekilde anlaşılması; karakterlerin psikolojik durumunu vurgulamak için çerçeve kompozisyonunun ustaca kullanılması; üretimin görkemli ölçeği; çekim ekipmanının kullanımındaki çeşitlilik - çarpışmalar, akışlar, kararmalar ve son olarak, kurgu yapılarında mükemmel bir ritim duygusu.

1958'de Brüksel'de Dünya Sergisi düzenlendi ve bu sergi çerçevesinde Belçika sineması, "tüm zamanların ve insanların en iyi on iki filmini" belirlemek için dünyanın önde gelen film eleştirmenleri arasında bir anket yaptı. İlk sırayı 117 oydan 110'unu alan Sergei Eisenstein'ın "Battleship Potemkin" aldı. David Wark Griffith'in "Hoşgörüsüzlük"ü haklı olarak onur listesine girdi.

"DR. CALIGARI'NIN OFİSİ"

(Das Kabine des Dr. Caligari)

Yapım: Almanya, 1920. Senaryo yazarları K. Mayer ve G. Janowitz. Yönetmen R. Wine. Kameraman V. Hameister. Sanatçılar: G. Varm, V. Rochrig ve V. Reiman. Oyuncular: W. Krauss, K. Veidt, F. Feher, G.-G. von Twardowski, L. Dagover ve diğerleri.

"Dr. Caligari'nin Kabinesi" filmi, sinema tarihine Alman dışavurumculuğunun bir örneği olarak girdi. Senaryo Avusturyalı Karl Mayer ve Çek Hans Janowitz tarafından yazılmıştır. Her ikisi de Birinci Dünya Savaşı'na katıldı. Bu çalışmadaki herkesin rolünü tanımlayan Janowitz, kendisini "tohum eken baba" ve Mayer - "fetüsü tasarlayan ve besleyen anne" olarak adlandırdı.

Hans Janowitz, film fikrinin nasıl doğduğunu anlattı. 1913'te bir sonbahar akşamı, kendisini kötü aydınlatılmış bir lunaparkta buldu. Janowitz çekici bir yabancıyı takip etti ve onun peşinden parkın ıssız bir köşesine girdi. Kızın çalıların arasında kaybolduğu ve onun yerine oradan şüpheli bir adam göründüğü ona görünüyordu. Ertesi gün gazeteler parkta bir kızın öldürüldüğünü bildirdi. Cenazede Janowitz, kalabalığın arasında parktan şüpheli bir adam fark etti. Belki de katil oydu...

Bu hikayenin çok azı filmde kaldı. Dedektif doğası kaybolacak. Geriye ezici bir gizem duygusu ve canavarca bir cinayet kalacak.

Yazarlar, prototipi savaş sırasında kendisine eziyet eden nefret edilen psikiyatrist Mayer olan filmin ana karakteri için uzun süredir bir isim arıyorlar. Nadir bulunan Stendhal's Unknown Letters adlı kitap bir çözüm önerdi. Bir gün savaş alanından yeni dönmüş bir Fransız yazar, Milano'nun La Scala'sında Caligari adında bir subayla karşılaştı. Arkadaşlar bu ismi beğendi.

Adı birçok Alman filminin başarısıyla ilişkilendirilen Decla-Bioscope stüdyosunun yönetmeni Eric Pommer, senaryoyu beğendi.

Resmin yönetmeni, dışavurumculuğun ateşli bir hayranı olan ve bu yöndeki birçok sanatçıyla arkadaş olan Robert Wiene idi. Vine tezini felsefe alanında savundu, ancak tiyatroya olan sevgisinin daha güçlü olduğu ortaya çıktı. Dresden'de oyuncu, ardından Berlin'de Lessing Tiyatrosu'nda oyun yazarı ve yönetmen olarak çalıştı. Vine, Kont Sasha Kolovrat'ın daveti üzerine sinemaya girdi ve ilk çıkışını 1913'te bir komedi yapımıyla yaptı.

Caligari'nin Kabinesi'nin eylemi, küçük Alman kasabası Holstenwall'da (belki 1830 yılında) gerçekleşir. Atlıkarınca ve meydan gösterilerinin olduğu bir fuar sırasında, gözlüklü gizemli bir beyefendi olan Dr. Caligari (Werner Krauss), halkı uyurgezer Cesare'ye (Karl Veidt) bakmaya davet eder. Caligari, gösteri için izin almak için belediyeye gider. Burada kendisine saygısızlık yapılıyor. Ertesi sabah, gayretli bir memur ofisinde ölü bulunur.

Doktorun kızı Jane'e (Lil Dagover) aşık olan öğrenciler arkadaşları Francis (Friedrich Feher) ve Alan (Hans-Heinrich von Twardowski) seyirci kalabalığıyla birlikte Dr. Caligari'nin fuar standına gelirler. Derin bir hipnotik uykuya dalmış Cesare'nin dolap benzeri dik bir kutudan yavaşça çıkmasını izliyorlar. Caligari, büyülenmiş seyirciye uyurgezerin geleceği tahmin edebileceğini söyler.

Alan, Cesare'ye ne kadar yaşayacağını sorar. Uyurgezer cevap verir: "Şafağa kadar." Ertesi sabah Alan, belediye yetkilisiyle tamamen aynı şekilde bıçaklanarak öldürülmüş olarak bulunur. Francis, Caligari'nin bu suçlardan şüphelenir.

Geceleri Cesare, Jane'e bir hançer saplamak için gizlice onun yatak odasına girer. Kızın güzelliğinden etkilenen adam cinayeti işleyemez. Somnanbula, bilinçsiz Jane'i kollarına alır ve saklanmaya çalışarak çarpık çatılar boyunca gizlice girer. O kovalanıyor. Kaçıran kişi ormanda yakalanır. Cesare sinir şokundan ölür.

Francis, polis memurları eşliğinde Dr. Caligari'ye gider. Kutuda uyurgezerin tıpatıp aynısı olan bir oyuncak bebek bulurlar. Doktor bir akıl hastanesinin duvarlarının arkasına saklanır.

Francis akıl hastanesine gelir ve müdür ile Caligari'nin aynı kişi olduğunu keşfeder. Ünlü psikiyatristin, medyumuna hipnotik emirler veren İtalyan Caligari üzerinde deneyler yaptığı ortaya çıktı. Hastanedeki hastalardan biri üzerinde deneyler yapıldı.

Cesare'nin öldüğünü öğrenen yönetmen çılgına döner, hademeler ona deli gömleği giydirir.

Hoffmann'ın ruhuna uygun böyle uğursuz bir hikaye, sinema için devrim niteliğindeydi, ancak basitçe deşifre edildi. Medyumunu insanları öldürmek için gönderen Caligari, Alman imparatoru Wilhelm, daha doğrusu onun sistemidir. Senaristlere göre Cesare, sistemin zayıf iradeli bir kurbanı olan bir Alman askerini kişileştiriyor. Janowitz ve Meyer, devlet yetkililerinin keyfiliğini damgalamak istediler. Cesare kabus gibi cinayetler işledi, tıpkı dünya savaşında cephelerdeki insanların iradeleri dışında anlamsızca birbirlerini öldürmeleri gibi...

Ancak Wiene, Fritz Lang'ın Pommer'a yaptığı bir öneri doğrultusunda senaryoyu değiştirdi. Lang, "O anda, örneğin Caligari'yi dışavurumcu bir tarzda çekmek gerekiyordu," diye hatırlıyordu. "En başından beri niyet buydu. Sanırım filme tek katkım şu sözler oldu: “Evlatlarım böyle bir resim çekemezsiniz. Bu çok fazla. Dışavurumculuk, hayal ettiğiniz gibi, imkansızdır. Halkı korkutacak." O zaman eylemi karmaşıklaştırmayı önerdim. Teklif kabul edildi - başlangıç ve bitiş, akıl hastaları için bir evde gerçekleşti. Sonunda, Caligari deli gömleği giydirileceği zaman, bu hikayenin Francis tarafından icat edildiğini ve Caligari'yi hem önsözün hem de sonsözün geçtiği psikiyatri hastanesinin müdürüyle özdeşleştirdiğini açıklıyorlar.

İlk bakışta değişiklikler önemsizdi, ancak gerçekte senaristlerin ideolojik kavramlarının üzerini çizdiler.

"Dr. Caligari'nin Ofisi" şimdi bir parkta iki adam arasında geçen bir konuşmayla başladı. Büyük olan fısıldıyor, “Hayaletler... etrafımızdalar. Beni evimden kovdular, ailemden kopardılar, karımı ve çocuğumu benden aldılar.” Bir kız hayalet gibi yanlarından geçer. Genç olan Francis, onu gelini olarak işaret ederek, "Onun başına gelenler, senin başına gelenlerden daha garip" diyor. Ve sonra Francis'in hikayesi ekranda ortaya çıkıyor.

Sonunda Dr. Caligari, yardımcılarıyla birlikte belirir. Bir psikiyatri hastanesinde hastaları muayene ediyor. Hastalar arasında Cesare ve Jane de dahil olmak üzere Francis'in hikayesindeki birçok karakter var. Sonuç olarak, tüm hikaye, akıl hastası hastanesindeki hastalardan birinin yarı itiraf, yarı yanılgısıdır.

Film korkutucu olmaya devam etti, ancak asi olmaktan çıktı. Sosyal Demokrat Parti'nin yayın organı Vorverts gazetesi ise "Caligari" Berlin sinemalarının ekranlarında göründüğünde, "psikiyatrların özverili ve değerli çalışmalarına" verilen değerlendirmeden duyduğu memnuniyeti dile getirdi.

"Caligari"nin dekoru dışavurumcu sanatçılar tarafından yapılmıştır: Hermann Warm, Walter Roerig ve Walter Reimann.

Herman Varm şunları söyledi: “Senaryonun ilk yazıldığı üslup benim için o kadar beklenmedik, o kadar büyüleyici çıktı ki, böyle bir edebi üslup için eşit derecede sıra dışı bir sahne biçimi bulma ihtiyacının farkına varmak zorunda kaldım. Bu metafizik eserde ancak dışavurumcu manzara bir araç olarak hizmet edebilir ve onun garip olaylarını anlaşılır kılabilir.

Dışavurumcu sanatçılar, etraflarındaki dünyayı bir delinin hayal gücünün prizmasıyla göstermeye karar verdiler. Herman Varma'nın sloganı “Filmler, hayata geçen çizimler olmalıdır” idi. Caligari, uzun bir pavyon filmi serisinin ilkidir.

Kasabanın, sokakların, meydanların ve binaların manzarası ile panayırdaki sahneler dışavurumcu tablolardı. Her şey, olağan ana hatlardan yoksun, deforme olmuştu. Siyah ve beyaz renkler birbiriyle keskin bir tezat oluşturuyordu. Cılız binaların dengesiz cepheleri, keskin köşeler ve kırık sokak hatları, fevkalade bükülmüş borular seyirciler arasında gergin bir ruh haline neden oldu. Pencereler mantıksız bir şekilde ortaya çıktı, fenerler ters döndü ve kaldırımlar başladığı yerde sona erdi.

Herman Warm, manzarasını şöyle anlatıyor:

“Kapı kemerli bahçe duvarı. Duvar, ara sıra çevredeki karanlıkta sönen, zar zor titreyen bir ışıkla aydınlatılıyor.

Çatılar. Cesare tarafından takip edildiğinde, uçuşunun onu kurtarmayacağını anlıyor, ancak tehditkar gölgeler yine de yolunu bulmasına izin veriyor ve yakında açık alana çıkabilecek ... çimlere ve bir tane daha ormanın kenarı. Titreyen çizgiler derinliğinde kaybolur. Kaçağı köprüye ve oradan karşı kıyıya koşmayı hızlandırmaya çağırırlar, ancak kaçağın artık zulümden kaçmak için yeterli gücü yoktur. Kurtuluş yok. Burası sonun geldiği yer."

Filmde gerçekçi hiçbir şey yoktu. Bu duygu, yine doğallıktan yoksun tuhaf bir ışıkla güçlendirilir. Kaynağının ne olduğunu anlamak mümkün değil. Alan cinayetinin çekimleri sırasında ışık efektleri kullanıldı. İzleyici suçluyu görmez: tavan arası duvarında sadece bir öğrencinin gölgesini bıçaklayan Cesare'nin gölgesi vardır. Vurmak. Gölge kaybolur. Bu tür teknikler, Alman sinemasının karakteristik bir işareti haline geldi. Örneğin, Fransız düzyazı yazarı Jean Cassou, "pavyondaki sihirli ışık oyununun" icadıyla Almanlara itibar etti ve Amerikalı eleştirmen Harry Allen Potamkin, Alman filmindeki ışıklandırma tekniklerini "dünya sinemasına muazzam bir katkı" olarak değerlendirdi. .

Genel fikir, oyuncuları jestleri, yüz ifadelerini abartmaya, özel bir hareket esnekliğine - grafik olarak keskin, doğrusal - zorlamaya zorladı. Bu, en çok Werner Krauss (Caligari) ve Conrad Veidt (Cesare) tarafından somutlaştırıldı. Her iki kahraman da daha çok maskeler, bir fikrin sembolleri, bir tür ortak içeriği taşıyan işaretlerdi.

Uzun boylu ve zayıf olan Veidt, Cesare olarak siyah taytlara sarınmıştı. Yüzündeki makyaj keskin darbelerle uygulandı. Kalın gölge, oyuncunun zaten büyük olan gözlerini büyüttü. Cesare rolünü oynadıktan sonra Veidt'e "hayaletlerin arkadaşı", "Gotik adam" lakaplarının verilmesi tesadüf değil.

Film eleştirmeni E. Arnold şunları yazdı: “Conrad Veidt, ekrandaki çılgın dünyaya organik olarak girdi. Yüzü bir maske gibi donmuştu, sarsıcı mimikler, esnek hareketler, bir rüyayı andıran zayıf iradeli kayan yürüyüş. Başkasının iradesinin etkisi altında yaşayan bir yaratık olarak, içinde insan olmayan bir adam, duygu ve düşüncelerden yoksun bir beden olarak temsil edildi ... Veidt, dışavurumculuğun özünü, ruhunu aktardı, dışsallığını değil. biçim.

Ünlü Alman tiyatro ve sinema oyuncusu Werner Krauss, sıradan bir görünüme ve küçük bir yapıya sahipti. Onun için çok yüksek bir silindir şapka yapıldı, oyuncunun omuzlarına hafif siyah bir pelerin atıldı. Aksiyon boyunca, Krauss keskin bir makyajla ve finalde - her zamanki haliyle göründü. Bu, hayatın deliliğini ve tımarhanenin gerçekliğini vurguluyordu.

Hans Janowitz, Jane rolünü, Residence Theatre'da aktris olan arkadaşı Gilda Langer ile birlikte düşünerek yazdı. Ne yazık ki, çekimler başlamadan kısa bir süre önce öldü ve rolü Lil Dagover aldı.

26 Şubat 1920'de Berlin'deki Marmorhaus sinemasındaki galasıyla başlıyor. Dr. Caligari'nin Kabinesi büyük bir başarıydı.

"Caligari" filminin ve "Caligarizm" estetiğinin hem destekçileri hem de rakipleri vardı. Örneğin, Fransız avangardının bir temsilcisi olan ve Caligari'yi sert bir şekilde kınayan yönetmen Jean Epstein şöyle dedi: "Bu filmin tamamı bir dekorasyon, canlı unsurların bir fırça darbesiyle yok edildiği bir natürmorttan başka bir şey değil." Sergei Eisenstein daha da uzlaşmaz bir pozisyon aldı.

Yıllar sonra, önde gelen Polonyalı sanat eleştirmeni Jerzy Teplitz, Wiene'nin filminin sinema tarihindeki olağanüstü rolüne dikkat çekecek: “Dr. Caligari'nin Kabinesi, sinemada dekoratif sanat tarihinde bir dönüm noktasıydı. Oyunculuğun kadrajı olan arka plan, filmin en önemli unsuru haline geldi. Dahası, karakterlerin kendileri ve filmdeki olaylar ikincil, önemsiz bir şey çıktı. Sahne, yazarların estetik platformu için bir tür sözcüye dönüştü... Sinema tarihinde ilk kez, filmin sanatsal biçimi ve ideolojik içeriği üzerinde yönetmen veya oyuncular değil, set tasarımcıları belirleyici bir etkiye sahipti. film.

Caligari, Amerika Birleşik Devletleri'nde serbest bırakılmak üzere satıldı ve yurtsever liglerin boykot etmesine rağmen dikkate değer bir başarı elde etti. Eylül 1921'de Amerikalı bir eleştirmen şunları kaydetti: "Başka hiçbir film, The Birth of a Nation bile, bir ay içinde Dr. Caligari'nin Kabinesi kadar çok yoruma, tartışmaya ve soruya neden olmadı."

Otuz yıl sonra, 1958'deki Brüksel Dünya Sergisinde, Robert Wiene'nin başyapıtı, tüm zamanların en iyi on iki filminden biri olarak listelendi. "Kaligarizm" terimi, kasvetli fanteziyi, zihinsel ve ruhsal durumların depresifliğini ifade ederek günümüze kadar geldi.

"NOSFERATU, KORKU SENFONİSİ"

(Nosferatu, eine Symphonie des Grauens)

Yapım: Almanya, 1922. Senarist G. Galeen, B. Stoker'ın "Drakula" adlı romanından uyarlanmıştır. Yönetmen F. V. Murnau. Operatör F. A. Wagner. Sanatçı A. Grau. Oyuncular: M. Schreck, A. Granach, G. von Wangenheim, G. Schroeder ve diğerleri.

3 Mart 1931'de seçkin bir Alman yönetmen olan Friedrich Wilhelm Murnau, Hollywood yakınlarında bir araba kazasında öldü. 43. yılındaydı. Son filmi Taboo'nun galasına gidiyordu.

Murnau, Hollywood'da münzevi olmakla ünlüydü. Yönetmen, astrologların ve falcıların tahminlerine sıkı sıkıya inanan okültizm ve doğu mistisizmi ile uğraştı. Onu bir araba kazasında ölümü konusunda uyaranlar onlardı ve kaderin etrafından dolaşmak için Murnau, Los Angeles'tan New York'a deniz yoluyla gitmeye karar verdi. Ancak limana giderken yine de bir araba kazası geçirdi. Şaşırtıcı bir şekilde, arkadaşları morluklarla kurtuldu.

Murnau, kaderin kendisine tahsis ettiği yaratıcı yaşamının on iki yılı boyunca yirmi resim sahneledi. Filmlerinin neredeyse tamamı dünya sinemasının altın fonunda yer aldı. Murnau'nun tartışmasız şaheserleri arasında Nosferatu, bir Terör Senfonisi ve Son Adam yer alır. "Nosferatu" ve Fritz Lang'ın "Weary Death" (1921) filmi, dünyevi güçlerin "normal" insan dünyasına istilasını anlatan ilk "korku" filmleri arasında yer aldı.

1897'de İrlandalı tiyatro yönetmeni Bram Stoker, vampir Dracula hakkında bir roman yazdı. Transilvanya'dan gelen zalim bir vali hakkındaki Karpat efsanelerini kullanan Stoker, eylemi çağdaş Londra'da geçen alışılmadık bir çalışma yarattı. Yazar, kitabına bir belge niteliği verir: günlüklerden, mektuplardan, gazete kupürlerinden vs. alıntılar kullanır.

Çeyrek asır sonra Murnau, senarist Karl Mayer'in tavsiyesi üzerine Stoker'ın romanından uyarlanan bir film yapmaya karar verir. Ancak yazarın dul eşi, film haklarını Murnau'ya devretmeyi kesinlikle reddetti. Buna rağmen Murnau, 1920'lerin belki de en karanlık filmi olan ve insan kanı içen ve "kara ölüm"ü, yani vebayı simgeleyen bir vampiri konu alan "Nosferatu, bir korku senfonisi"ni çeker.

Senarist Henryk Galeen olay örgüsünü kendi fikirleriyle doyurdu. Eylem Londra'dan Bremen'e taşındı, karakterler yeni isimler aldı, Kont Orlok'un hikayesi sembolik bir film efsanesinin temeli oldu.

"Bir korku senfonisi olan Nosferatu"nun aksiyon zamanı, 19. yüzyılın ilk üçte biri. Film çok sıradan başlıyor. Bremen'deki bir emlak firmasının yöneticisi (Alexander Granach'ın canlandırdığı) yeni evli katibi Hutter'ı (Gustav von Wangenheim) Kont Orlock'un (Max Schreck) şatosuna gönderir.

Katip'in, her şeyin kasvetli bir sis perdesiyle kaplı olduğu, birçok kurt ve yırtıcı kuşun bulunduğu uğursuz ormanlarda yaptığı yolculuk, kendisini bekleyen talihsiz maceraların masum bir başlangıcı olur.

Hutter kendini eski bir gotik şatoda bulur. Katip, sonunda onu bir tabutta bulana kadar Kont Orlok'u aramak için boş odalarda dolaşır. Zayıf ve kel bir adam olan ve yarasaya benzeyen çıkıntılı kulakları olan kalenin sahibi, iri gözlerle hareketsiz yatıyor. O bir vampir ve vampirler gündüzleri uyurlar. Bir insandan kan içen dev yarasalar hakkında efsaneler var. Acımasız, plastik vampir Nosferatu birçok yönden böyle bir yaratığa benziyordu.

Geceleri Nosferatu, uyuyan memura gizlice yaklaşır. Aynı zamanda, Hutter'ın genç karısı Nina (Greta Schroeder), dudaklarında kocasının adıyla Bremen'de uyanır. Nosferatu hemen kurbandan uzaklaşır. Galeen'e göre bu telepatik fenomen, aşkın doğaüstü gücünü kanıtladı.

Katip kaçar ve Nosferatu kaleden ayrılır ve bir yolculuğa çıkar. Bastığı her yerde fareler istila eder ve insanlar ölür. Vampir geminin güvertesine tırmanıyor - mürettebat ölüyor ve gemi kıyıya çarpana kadar dalgaların emriyle yelken açıyor.

Geceleri vampir, bir tür korkunç salgından etkilenen şehrin içinden evlerin gölgelerinde saklanarak gizlice girer. Hayatta kalan birkaç kişi, bu cehennemden kaçmaya çalışmadan, teslimiyetle, görev bilinciyle ölüleri gömüyor.

Bremen'de Nosferatu, Nina ile tanışır. Hutter'ın karısı vampiri zekasıyla alt etmeye çalışır. Canavardan kaçmıyor ama ... onu ziyarete davet ediyor. Nosferatu, genç bir kadının kanını emmeye başlar ve o kadar kendini kaptırır ki, şafağın nasıl geldiğini fark etmez ve aslında "yaşam alanı" karanlık bir gecedir. Yükselen güneşin ilk ışınları vampiri öldürür. Böylece, "tiranlık güçleri" büyük aşka yenik düşer. Bununla birlikte, zafer doğası gereği trajiktir, çünkü kadın kahramanın ölümüyle birlikte gelir.

Kont Orlok'un kalesi, yüzyıllar boyunca vampirlerin eski sığınağı olan harabeye dönüşür.

"Nosferatu, Dehşet Senfonisi" dışavurumcu estetiğin önemli ölçüde etkilendiği bir dönemde yaratıldı, ancak filmin dekordan çok senaryo ve ruh açısından dışavurumcu olduğu ortaya çıktı. Resim esas olarak dışavurumculukta temelde kontrendike olan bir yerde çekildi ve sanatçı Alben Grau'nun mütevazı manzarası, her halükarda, çoğu doğal manzaradan daha az fantastik - Karpatlar'da bir kale (Bohemya'da çekildi) veya üç Hansa efsaneye göre Nosferatu'nun yaşadığı evler. Grau, sahneyi inşa ederken sivri çizgileriyle Gotik mimarisinin motiflerini kullandı. Pazar, Kont Orlok'un kalesi, deniz kıyısı, garip şehir - bunların hepsi çeşitli yerlerde çekilen sahnelerden kurgu masasında yaratıldı.

Nosferatu üzerindeki çalışmalar Ağustos'tan Ekim 1921'e kadar devam etti. Yazarlar pavyonları doğa için terk ettiler, ancak onu öyle bir şekilde filme aldılar ki, doğal doğa bir hayalete, korkunç rüyalardan oluşan bir manzaraya dönüştü. Macar doğumlu bir film eleştirmeni olan Béla Balázs, 1924'te "Nosferatu'nun sahnelerinin kıyamet gününün tüyler ürpertici soğuğundan geçtiğini" yazdı. Murnau ve görüntü yönetmeni Fritz Arno Wagner bunu çeşitli şekillerde başardı. Negatifin çerçeveleri Karpat ormanlarını tasvir ediyordu - siyah bir gökyüzüne karşı hayaletimsi beyaz ağaçlardan oluşan bir kütle. Çift pozlu çekimler, memurun yatağını uğursuz bir tekneye dönüştürdü. Wagner, Murnau'nun korkunç kargosuyla hayalet geminin fosforlu dalgalar üzerinde süzüldüğü sekansta filme negatif bir görüntü eklemesini önerdi. Bu tür teknikler, resmedilmiş bir dekordan daha güçlü bir izlenim bırakan gergin bir atmosfer yaratıyordu.

Film eleştirmeni Dilyara Tasbulatova, "Nosferatu"da aksiyonun her kareden yeniden başladığını ve bölümler arasındaki bağlantının anlatıdan çok metafiziksel olduğunu belirtti. Örneğin, kahramanın mahzeni keşfettiği bölümde izleyici, vampirin tabutta gözleri kapalı ve kollarını göğsünde kavuşturmuş halde yatmasına rağmen onu izlediğine dair ürkütücü bir izlenim edinir. Bu garip özellik - karakterler arasında, olağan neden-sonuç mantığından kaynaklanmayan bir bağlantı duygusu yaratmak için - bugüne kadar bilmece üzerinde mücadele ettikleri "Murnau'nun hayali alanı" dır.

Nosferatu'yu Max Schreck oynadı. Özenle hazırlanmış makyajı onu şaşırtıcı derecede çirkin gösteriyordu ve izleyenleri korkutuyordu. Oyuncu hakkında çok az şey biliniyor, kabus gibi bir görünümle birleştiğinde birçok karanlık efsaneye yol açan "vampir" makyajsız bir fotoğrafı bile yok. Örneğin, Ado Kiru şunları savundu: “Dahice makyajın sonsuza dek tanınmaz hale getirdiği muhteşem aktörün gerçek adını kimse açıklayamadı. Murnau'nun kendisi olduğunu söylediler. Gerçekten Nosferatu mu oynuyordu?"

Lotta Eisner bu hipotezi reddediyor. Jeneriğin Nosferatu rolünü oynayan aktörün gerçek adını gösterdiğine inanıyor: "Murnau vasat aktör Max Schreck'i yeniden doğurdu ve onu bu ikili karakteri trajik bir kaderle oynamaya zorladı ..."

1920'lerin birçok filminde rol alan Max Schreck'in Münih Kammerspiele'de çalıştığını belirten Gustav von Weigenheim, onunla aynı fikirde. "Sokak", "Dünyanın Sonunda", "Volga-Volga", "Kutsal Günahkar Rasputin", "Tünel" filmlerinde karakter rollerinde rol alan aktör, 1936'da kalp krizinden öldü.

Nosferatu'nun Berlin galası 4 Mart 1922'de planlandı. Ancak Stoker'ın dul eşi mahkemeler aracılığıyla tüm kopyalarının yok edilmesini sağladı. Neyse ki 1929'da mucizevi bir şekilde korunmuş bir kopyası bulundu ve 3 Haziran'da Nosferatu'nun Amerika galasından sonra Murnau'nun sıra dışı eseri tüm dünyada tanınır hale geldi.

Almanya ve Fransa'da resim eleştirmenler tarafından büyük bir başarı elde etti. Bu nedenle Desnoy, "yönetimi bakımından Caligari'den çok daha üstün olan harika bir filmden" söz etti, "tek bir yenilikçi araç bile keyfi değildi, her şey şiire feda edildi ve hiçbir şey çıplak beceriye feda edilmedi." Film daha sonra Sürrealistler tarafından coşkuyla karşılandı.

Murnau'nun resmi, vampirlerle ilgili bir dizi filmin ortaya çıkmasına neden oldu (Drakula hakkında şimdiden otuzdan fazla film çekildi), ancak hiç kimse başrolde aktör Max Schreck'i geçmeyi başaramadı.

"AÇGÖZLÜLÜK"

(Açgözlülük)

Yapım: Metro-Goldwyn-Mayer, ABD, 1924. Senarist, yönetmen ve sanatçı E. von Stroheim. Operatör W. Daniels. Oyuncular: G. Gowland, 3. Pite, J. Hersholt, C. Conklin, S. Ashton, D. Fuller, F. Hayes, C. Gravin ve diğerleri.

"Açgözlülük", yönetmen Erich von Stroheim'ın yaratıcılığının zirvesidir. 1958'de Belçika sinemasının ünlü araştırmasının sonuçlarına göre Açgözlülük tüm zamanların en iyi 12 filmi arasında yer aldı.

Resim, E. Zola'nın çağdaşı ve onun natüralist konseptinin bir destekçisi olan Frank Norris'in MacTeague romanına dayanıyordu. Romanda olaylar 19. yüzyılın son yıllarında geçmektedir. Stroheim, aksiyonu bugüne taşıdı, bu büyük ölçüde prodüksiyon maliyetlerinden kaynaklanıyor: San Francisco sokaklarının 1895-1900'deki haliyle bir stüdyo rekreasyonu çok pahalı olurdu.

Greed'in senaryosu bizzat Stroheim tarafından yazılmıştır. Filmin kahramanı, kendi kendini yetiştirmiş bir diş hekimi olan ve San Francisco'nun bloklarından birinde bir ofis açan bir madenci McTeague'in (Gibson Gowland) oğludur. Müşterileri arasında güzeller güzeli Trina (Zasu Pite) da vardır. Neşeli kıza kuzeni Markus Schuyler (Jean Hersholt) da kur yapıyor.

Saf ve samimi MacTeague, Trina ile evlenir. Yakında bir piyango biletinden büyük miktarda kazanır. Açgözlülük kızda uyanır. Altın paralar satın alan Trina, onları bir çantada saklar, sadece geceleri madeni paralara hayran kalır, onlara dokunur ve okşar.

"Arkadaşını" kıskanan Marcus, tıp departmanına McTeague'in diploması olmadığını bildirir. Dişçi muayenehanesi kapanır ve sahibi bir serseri ve ayyaşa dönüşür. Trina onu terk eder. Zengin ama altının da ona mutluluk getirmediği açık: soygunlardan korktuğu her dakika neredeyse aklını kaybediyordu. Aşırı ihtiyaç ve uyanmış açgözlülük, eski doktorun cinayet işlemesine yol açar: Gizli parayı öğrenen McTeague, Trina'yı öldürür ve Ölüm Vadisi'nde altınla saklanır.

Şerif yardımcısı olan Marcus, McTeague'in peşine düşer. Kaçağı yakalar ve onu bileğine kelepçeler. Bir kavga çıkar, Marcus ölür. Ancak McTeague, kendisini cesetten kurtarmak için kelepçeleri çıkaramaz ve ayrıca Ölüm Vadisi'nde yok olmaya mahkumdur. Yanlarında insan açgözlülüğünün sembolü olan bir çanta dolusu altın yatıyor.

Çekimler için hazırlanmak Stroheim'ın bir yıllık çalışmasını (1922-1923) aldı. Başrollerin oyuncularını titizlikle seçti. Stroheim, "Mümkünse, her zaman aynı oyuncuları kullandığımı görmek kolay," diye yazdı. Gibson Gowland'dan MacTeague oynamasını istediğimde, onun İskoçya'da olduğu ortaya çıktı. Onu çağırdım çünkü hiçbir oyuncu, kahramanın görünüşünü ve karakterini onun kadar tam olarak tanımlayamıyordu. Cesare Gravina'yı kullanmak istediğimde şarkıcı eşiyle Arjantin'e gittiğini öğrendim. O da geri gelmek zorunda kaldı.

Greed ayrıca Zasu Pite ve Jean Hersholt'u da oynadı. Dale Fuller (Silly Wives'da Stroheim'ı canlandırdı), komedyen Chester Conklin (Chaplin'in eski ortağı) ve Frank Hayes (çizgi romanlarda polis rollerinde uzmanlaşmış, çekimler bitmeden öldü).

1940'larda Stroheim, Greed'in o dönemin sahnesiz ve stüdyo dışında üretilen tek resmi olduğunu iddia etti. Bu tamamen doğru değil. Jeneriklerde örneğin set tasarımcısı Richard Day'in adı belirtiliyor. Ve bir iki sahnede, özellikle Trina'nın kocası tarafından öldürüldüğü sahnede, yılbaşı için dekore edilmiş salonda, belli ki gerçek nesneler yerine stüdyo aksesuarları kullanılmış.

Stroheim, San Francisco'da eski bir ev kiraladı ve onu tam olarak romancının tarif ettiği gibi döşedi. Oyuncular, çekimin yapıldığı odalarda yaşadılar. Bu, otelden tasarruf etmemizi sağladı. Stroheim, 35 kişinin üç ay boyunca çalıştığı gerçek bir stüdyo yarattı.

Paul Rota şunları yazdı: “Stroheim, kameranın ayrıntıları çıkarma yeteneğini biliyordu. Ve onları psikolojik bir atmosfer yaratmak için eşi benzeri olmayan bir şekilde kullandı. Hoş olmayan duvar kağıdı, mekanik bir piyano, kirli bulaşıklar, yapılmamış bir yatak, boş bir lavabo, bakır bir yatak, yamalı havlular - tüm bunlar, özünde, önemsiz ayrıntılar, sıkıcı, kirli bir atmosferin iç karartıcı bir hissini yarattı.

Film ayrıca doğal bir ortamda çekildi. Oyuncuların yanında, komşu masalarda rastgele ziyaretçilerin - San Francisco sakinleri olduğu bir kafede. Polk Caddesi'ndeki gerçek bir dişçi muayenehanesinde...

Stroheim, Frank Norris'in romanının aksiyonunun geçtiği yerleri aradı ve durumu kapsamlı bir şekilde yeniden inşa etti. Görüntü yönetmeni William Daniels şunları söyledi: “Gerçekçilik arzusu en başından beri başımızı belaya soktu. Von Stroheim, sonuçları etkilemese de, Colfax'ta (Kuzey Kaliforniya) üç bin fit [yaklaşık bin metre] derinliğe kadar madene inmemizde ısrar etti, ancak bu 30 fit'e değil.

Son bölüm - McTeague ve Marcus'un ölümü - Norris tarafından anlatılan Ölüm Vadisi'nde çekildi.

Stroheim, "Ölüm Vadisi'nde çekim yapmak için hazırlanmaya başladığımda, şirket bana Los Angeles yakınlarındaki Oxnaird'e gitmemi tavsiye etti. “Ama Frank Norris'in gerçek Ölüm Vadisi'ne dair inanılmaz tasvirlerini okudum. Onun Oxnaird'e benzemediğini bildiğim ve gerçekçilik yolunda sürekli ilerlediğim için şirketin önerisine katılamadım. Death Valley'i istedim ve Death Valley'i aldım...

Bu 1923'te oldu. Yol veya otel yoktu. Yerleşimcilerden sonra dünyanın bu en alçak depresyonuna (deniz seviyesinin altında yer alır) giren ilk beyazlar (41 erkek, bir kadın) bizdik. Hem gölgede hem de güneşte 142 Fahrenheit [61 Santigrat derece] sıcaklıkta çalıştık. Bu kadar sıcakta sıkı çalışmanın ardından elde edilen sonuçlar haklı çıktı. Oxnerd'da bu tür sonuçlar elde edilemezdi.”

Deniz seviyesinden 112 metre aşağıda bulunan Ölüm Vadisi hala çok az keşfedildi ve Washington'daki Jeoloji Enstitüsü, Stroheim'dan bu çöl bölgesi hakkında fotoğraf çekmesini ve bilgi toplamasını istedi. Yönetmen 37 gün geçirdiği çölü şöyle anlatıyor: “Amerika'nın bu bölgesi sert doğa koşullarıyla tanınır. Bataklığa ek olarak, aşılmaz alçı kristali yığınları kilometrelerce uzanır, ara sıra ya yavaş ayrışmadan kaynaklanan ölümcül gazın salınmasına ya da zehirli yılanlara ve böceklere rastlarsınız. [...] Burada birçok insan ve hayvan yorgunluktan ve susuzluktan öldü.”

Stroheim, romanın entrikasını aynen takip etmeye çalıştı. Aynı zamanda, eleştirmenlerin de belirttiği gibi, "kendisinden şimdiden dikkate değer miktarda kasvetli sembolizm getirdi." Örneğin, McTeague'in düğünü sırasında, ziyafetin yapıldığı odanın penceresinin dışında cenaze arabaları ve cenaze alayı görülebilir. Takıntılı semboller arasında, bir kişinin servet biriktirmesinin boşuna olduğunu vurgulamak için zaman zaman ortaya çıkan kafatası vardır. Altın, "Açgözlülük" te, insandaki tüm canlıları öldüren bir cimrilik sembolü haline geldi.

Çekimler neredeyse bir yıl sürdü (Ocak-Ekim 1923). 1924'te Stroheim, resmin kaba bir taslağını tamamladı ve arkadaşlarına gösterdi. Fransız gazeteci Jean Bertin'in bu gösterilerden biriyle ilgili bir haberi korunmuştur: “Bu en ilginç filmde en az 47 bölüm vardı. Rezervasyon yapmadım - son versiyondaki gibi kırk yedi, on iki değil. Uzun ama heyecanlıydı. Tüm gösteri boyunca Stroheim filmi "seslendirdi" ve aşırı özenle tasarlanmış bir filmde kaçınılmaz uzun uzunlukları unutturdu ... Yapım hakkında söylenebilecek tek bir şey var: bu doğru Stroheim, yani güçlü natüralizm ile tamamen Alman kökenli acı verici gerçekçiliğin bir karışımı ... »

İlk kurgu versiyonunda "Greed" 10-12 saatlik gösteri için tasarlandı. Stroheim daha sonra filmi 24 parçaya indirdi. Şöyle yazdı: “Herkesten gizlice, o zamanlar New York'ta çalışan arkadaşım Rex Ingram'a banknot üretme talebiyle bir kopya gönderdim. Filmi tek başıma yapamayacağım 18 parçaya indirdi."

Stroheim, öğle yemeği molası ile beş saatlik bir kiralama önerdi. MGM başkanı Louis B. Mayer, filmin on parçaya kesilmesi gerektiğini, aksi takdirde şirketin para kaybedeceğini söyledi. Stroheim itiraz etti. Daha sonra stüdyonun sahipleri onu işin son aşamasından çıkardılar ve editör June Mathis'e filmi iki saatlik ekran süresine koyması talimatını verdiler, bu ne yazık ki bazen mekanik indirgeme nedeniyle yapıldı.

Stroheim acı bir şekilde, "Bu adam [Mayer] iki yıllık emeğimin meyvelerini yok etti," diye yazdı. “Bu iki yıl boyunca çalışmaya devam edebilmek için evimi, arabamı, sigorta poliçemi sattım çünkü ne senaryoyu yazarken ne de filmin kurgusunu yaparken bana para ödenmedi. Dokuz aylık çekim için aldığım para, iki haftalık çekim için ödenen miktara eşitti. Greed'in hem beni hem de bu gerçekçilik anıtının yaratılmasına izin veren şirketi yüceltecek bir şaheser olduğunu biliyordum.

Neyse ki, Greed kesik haliyle bile nefesini tuttu ve seçkin bir sinema sanatı haline geldi. Ünlü Fransız film eleştirmeni Georges Sadoul şöyle yazdı: “... film açgözlülüğe karşı değil, her şeyi ve herkesi amansız bir şekilde yozlaştıran ve ayrıştıran paraya karşı yönetiliyor. Marcus ilk bakışta bir pislik gibi görünüyorsa, o zaman Trina ve McTeague, ilişkilerine para karışana kadar hoş ve hatta çekicidir. Hazineye sahip olmak için - ölümüne - savaşmaya başlar başlamaz canavara dönüşürler ve eylemlerinin nedenleri makul görünür.

"Greed" filmi dünya sinemasının altın fonuna girdi. Stroheim'ın bu yaratımı olmasaydı, 1930'ların Fransız şiirsel gerçekçiliği ve 1940'ların İtalyan Yeni Gerçekçiliği farklı olurdu. Aynı Sadoul'a göre, "parçalanmış ve sakatlanmış, yarı yok edilmiş bile olsa, bu yapıt, sinema sanatı ve onun gelişimi üzerinde, Yunan-Roma kültürünün en parlak dönemindeki edebi, mimari ve heykelsi anıtların etkisiyle karşılaştırılabilir bir etkiye sahipti. Rönesans."

"SON ADAM"
(Der letzte Mann)

Yapım: Almanya, 1924. Senarist K. Mayer. Yönetmen F. V. Murnau. Operatör K. Freund. Sanatçı E. Ulmer. Oyuncular: E. Jannings, M. Delshaft, E. Kurtz, M. Hiller ve diğerleri.

"Son Adam" filmi en yüksek başarıydı ve aynı zamanda sözde Kammerspiele'nin gün batımıydı. Bu terim, "oda tiyatrosu" (kelimenin tam anlamıyla "oda oyunu") anlamına gelir ve soyunu, sınırlı sayıda karakterle oyunları göstermek için küçük bir sahne kullanan Alman tiyatro yönetmeni Max Reinhardt'a kadar izler.

Sinemada kammerspiel'in teorisyeni ve bu akımın ana eserlerinin senaryolarının yazarı, 1920'lerin seçkin oyun yazarı Karl Mayer'dir. Sinematik dışavurumculuktan hayal kırıklığına uğrayan Kammerspiele'deki sıradan insanlara döndü ve günlük gerçeklikte modern trajedilerin temalarını bulmaya çalıştı.

"Son Adam" filmi, en iyi Alman yönetmenlerden biri olan Friedrich Wilhelm Murnau tarafından yönetildi. Çekimler 180 gün sürdü (Mart'tan Ekim 1924'e kadar).

"Son Adam", Batı sineması için eşsiz bir filmdir. Bu aslında sadece bir kişinin oynadığı bir monodramadır (diğerlerinin hepsi çeperdedir). Mayer, başkentteki büyük Atlantic Otel'de çalışan yaşlı bir hamalın (Emil Jannings) hayatındaki birkaç günü anlatıyor. Parlak bir görünüm, "küçük adamı" diğerleri arasında bir otorite yapar, kendi gözünde yüceltir. Otelde sakıncalı ziyaretçileri uzaklaştırıyor ve işten sonra bir apartmanın avlusunda çocuklara şeker veriyor ve burada kızıyla (Marie Delshaft) birlikte bir ev kiralıyor. Film, bir apartmanda yaşayan insanların hayatını çok etkileyici bir şekilde anlatıyor.

Bir gün yaşlı hamal ağır bir valizi kaldıramaz hale geldi ve tuvalette çalışmaya sevk edildi. Parlak üniformanın beyaz bir iş tuniğine dönüştürülmesi gerekiyordu. Çevresindekilerin saygısını hemen kaybetti, “son insan” oldu, akrabaları bile ondan yüz çevirdi. Yaşlı adam tekrar ayağa kalkmak için üniformayı çalar. Ancak bu hareket sadece dramayı şiddetlendirir. Kapıcı, kendini tamamen alçaltmaya eşdeğer, sınırsız bir kendine acıma ile doludur. Filmin sonunda onu karanlık bir otel banyosunda, gece bekçisinin şefkatle üzerini bir perdeyle kapattığını görüyoruz.

Ancak Mayer ve Murnau, inanılmaz bir ironi duygusuyla mutlu bir sonsöz yazdılar. Bu, Amerikan distribütörünün talebi üzerine yapıldı. Parodik bir yazıt yardımıyla olağanüstü bir mucizenin gerçekleştiğini bildiriyorlar: “Bu son aşağılanma sonucunda yaşlı adam yavaş yavaş gözden kayboluyordu. Ve talihsiz yaşlı adamın yazarı acımasaydı ve gerçek hayatta ne yazık ki imkansız olayların gerçekleştiği bir sonsöz eklemeseydi, bu hikayenin sonu olurdu.

Her şey, otel misafirlerinin elden ele bir gülümsemeyle Amerikan milyonerinin ölümüne son tanık olacak kişiye büyük bir servet miras bıraktığını söyleyen bir gazete ile başlamasıyla başlar. Ve bu kişi filmin kahramanı, tuvaletin hizmetçisi olur.

Her şeye gücü yeten zengin bir adam olarak eskiden hizmet verdiği otele gelir. Jannings, ekrandaki tüm davranışlarıyla karakterinin nasıl değiştiğini gözler önüne seriyor. Onu musibette esirgemeyenlere karşı kibirli, kendisine iyilik edenlere karşı şefkatlidir.

Kutlamanın tadını sonuna kadar çıkaran kapıcı, gece bekçisiyle birlikte dört atlı bir arabaya binerek otelden ayrılır.

Jannings, mutlu sonu yaratma konusunda kendisine itibar etti. Anılarında şöyle yazıyor: “Senaryonun değiştirilmesini talep ettim ve kazandım. Senaristlerin direnişine rağmen, kasıtlı olarak muhteşem bir karakter verilen son eklendi: gücenmiş, aşırı derecede aşağılanmış bir kişi aniden milyoner olur. Bu değişiklikleri, mutlu sonları sevdiğim için değil, filmlerim tam tersini kanıtladığı için talep ettim. Sebepler tamamen sanatsaldı. Yaşlı hamalın görüntüsü, yere düşen bir adamı kaldırabilecek kadar trajik bir yoğunluğa sahip değildi. Daha iyi bir gelecek umudunun olmadığı düşüşü somutlaştırdı. Ve bu bakış açısına ihtiyacım var. Bu dünyaya inanmak zorundayım!” Sonunda Jannings, "İzleyiciler bana haklı olduğumu gösterdi!"

Bu arada, Jannings'in kendisi yönetmene UFA stüdyosu tarafından empoze edildi. Murnau, daha önce kontrol edilemeyen "kutsal canavardan" disiplin sağlamayı başardı. Ancak Lotta Eisner'ın yerinde sözlerine göre "oyuncunun kendini beğenmiş kibri, kahramanın karakteriyle örtüşüyordu." Yaşlı, zayıflayan bir adam imajı yaratan kırk yaşındaki Jannings, filmde tanınmaz durumda. Yüzü karmaşık makyaj, favoriler, bıyıklarla kaplıdır.

Kapıcının yürüyüşü izleyiciye çok şey anlatır. Filmin başında, Jannings'in kahramanı, yoldan geçenlerle buluşurken şapkasına zar zor dokunarak meydanda önemli adımlarla ilerliyor. Ve kovulduktan sonra pas geçiyor.

Murnau'nun filminde yüksek hümanizm ilkeleri galip geldi. Bu sessiz film klasiğinin ardından eleştirmenler, Jannings'in ekranda kesinlikle her şeyi oynayabileceğini yazdı.

Bu filmin tarzı, daha önce de belirtildiği gibi, Kammerspiel'e odaklanmıştı. The Last Man'deki kammerspiel kurallarına göre "üç birlik" yasası gözetildi. Murnau bu bağlamda şunları söyledi (1 Nisan 1927): “Basitlik. Sadelik ve bir kez daha sadelik, yarının filmlerinin özü olacak. Elbette sinemanın ötesine geçen her şeyden, saçmalıktan, sıradanlıklardan, yabancı her şeyden - sinemaya yabancı ve sahneden veya kitaplardan ödünç alınmış hileler, şakalar, fırfırlar, şablonlar - "temiz" olmalıyız. Bu sayede gerçek sanat düzeyine ulaşan birkaç film yaratıldı. The Last Man'de yapmaya çalıştığım şey buydu. Tamamen sinemasal teknik ve olay örgüsüne maksimum basitlik ve şaşmaz bir sadakat elde etmek için çabalamalıyız.

The Last Man'de kimse konuşmuyor ama film sessiz olduğu için değil. Sadece yazarlar olayları, kelimeler olmadan her şeyin net olacağı şekilde inşa etmeyi başardılar. Çekim kamerası, bir sanatçının elindeki kalemle aynı rolü oynuyordu. Görüntü yönetmeni Karl Freund, belirli açılardan çekim yaparak anlamlı çekimler elde etti. Kapıcı üniforma giydiğinde, önemli ve kendinden memnun olduğunda, kamera onu aşağıdan çekerek neredeyse yaşayan bir anıta dönüştürür, üniformasını kaybettiğinde ise tam tersine, üst açılardan küçük adamı bastırır. zemin. Kameranın sanki yaşlı adamın bakışlarıyla hizalanmış gibi hareket ettiği ve ardından izleyicinin dünyayı onun algısı üzerinden gördüğü sahneler var. Sallanan bir kamerayla filme alınan kapıcının sarhoş olduğu sahne ustaca inşa edilmiştir.

Filmin tamamı pavyonda çekildi. Mağazaların, geniş kaldırımların ve yolların bulunduğu şehir caddesi bile sanatçının eskizlerine göre inşa edildi. Bu koşullar altında Freund, bunun için çeşitli cihazlar kullanarak deneyler yapabilir. Ve Karl Mayer tüm senaryoyu kamera hareketini göz önünde bulundurarak yeniden yazdı. Set tasarımcısı Robert Herlt'e göre kamera bazen Freund'un karnına monte edildi ve bazen havada asılı kaldı, iskeleye sabitlendi veya kameramanla birlikte bir tekerlekli araba üzerinde ilerledi.

Hareketle çekim yapmanın etkileyici olanakları, film yapımcılarının The Last Man'in kahramanının karmaşık psikolojik deneyimlerini aktarmalarına ve bunu o kadar güçlü bir şekilde yapmalarına yardımcı oldu ki, hayattaki olağan yerini kaybeden "küçük" bir adamın gerçek bir trajedisine dönüştüler.

Karl Mayer tarafından tasarlandığı gibi, kaydırmanın karakterlerin zihinsel durumunu ifade etmenin bir yolu olması gerekiyordu. Panoramik fotoğrafçılığın imkanları daha önce hiç bu kadar kullanılmamıştı. Coşkulu bir izleyici olan genç gazeteci Marcel Carnet, 1929'da bu devrim niteliğindeki yeniliği şöyle anlattı: “Bir el arabasına monte edilen kamera senaryoya göre gerekli yere kaydı, yükseldi, havada asılı kaldı veya oraya gitti. Eyleme katıldı, dizide bir karakter oldu. Artık oyuncuların merceğe yapıştığını görmüyorduk - şimdi oyuncuları hiç beklemedikleri bir anda şaşırttı.

Film 23 Aralık 1924'te Almanya'da gösterime girdi. The Last Man evrensel olarak bir başyapıt olarak kabul edildi.

Bununla birlikte, Amerika Birleşik Devletleri'nde, filmin dağıtımı zor oldu, çünkü kapıcının tuvaletteki bekçiden daha az kazandığını bilen herhangi bir Amerikalı, kahramanın umutsuzluğu için hiçbir neden görmedi. Ancak bu, Murnau'nun ABD'de "Son Gülüş" adını alan tablosunun yılın en iyi tablolarından biri olarak kabul edilmesini engellemedi.

Sanatsal değer ve yenilikçi teknikler, "The Last Man" filmini dünya sinema tarihindeki ilk sıralardan birine taşıdı. 1958'de Brüksel'deki Uluslararası Sergi jürisinin kararıyla "tüm zamanların ve halkların" en iyi on iki filmi arasında yer aldı.

"ALTINA HAREKET"
(Altına Hücum)

Yapım: United Artists, ABD, 1925. Yazan ve yöneten Ch.Chaplin. Kameraman R. Tothero. Sanatçı C. Hall. Oyuncular: Ch. Chaplin, M. Swain, T. Murray, D. Hale, M. White, B. Morrissey, G. Bergman, S. Sanford ve diğerleri.

Charles Chaplin, United Artists'in ilk komedisi olan Altına Hücum fikrini kendisinin bulduğu zamanı çok iyi hatırlıyordu. Eylül veya Ekim 1923'te bir Pazar sabahı, Douglas Fairbanks ve Mary Pickford onu kahvaltıya davet etti. Yemeği bitirdikten sonra bir stereoskop aldı ve resimlerden biri - 1898 "altına hücum" tarafından Klondike'a çekilen sonsuz bir madenci zinciri, Chilkoot Geçidi'nin üstesinden geldi - onun üzerinde özellikle güçlü bir izlenim bıraktı. Fotoğrafın arka yüzünde ise bu geçişte aşılması gereken tehlikelerin ve zorlukların kısa bir açıklaması yer alıyor.

“Sonunda hayal gücümü besleyebilecek bir konu buldum! Chaplin otobiyografisinde haykırıyor. - Hemen birçok fikrim vardı ve olay örgüsünün ana hatlarının yavaş yavaş ortaya çıkmaya başladığı komik durumlar bulmaya başladım. Paradoksal olarak, komedi yaratma sürecinde trajik olandan komik doğar; muhtemelen kahkaha kadere bir meydan okuma olduğu için: gülüyoruz, doğanın güçleri karşısındaki çaresizliğimizin farkına varıyoruz ... delirmemek için gülüyoruz. Kaliforniya'ya giderken yolunu kaybeden ve Sierra Nevada dağlarında bir kar fırtınasına yakalanan Donner Şirketi hakkında bir kitap okudum. Yüz altmış kişiden sadece on sekizi hayatta kaldı - neredeyse tamamı açlıktan ve soğuktan öldü. Bazıları yamyamlıkta, ölüleri yemekte durmadı, diğerleri açlığı bir şekilde aldatmak için mokasenleri kaynattı. Ve bu korkunç trajedi beni filmin en komik bölümlerinden birine sevk etti. Açlıktan bitkin düştüğüm için ayakkabımı kaynatıp yiyorum, narin bir horozun kemikleri gibi tırnaklarını emiyor ve İtalyan makarnası gibi bağcıklarını bağlıyorum. Açlıktan aklını yitiren yoldaşım beni tavuk zannediyor ve beni yemeye çalışıyor.

Altı ay boyunca komedi durumları icat etmekle meşguldüm ve olay örgüsünün bu malzeme üzerinde yavaş yavaş gelişeceğini hissederek filmi senaryosuz çekmeye başladım.

3 Aralık 1923'te Chaplin, telif hakkı kaydı için "The Goldmine" kod adı altında "iki bölümlük bir oyun" sundu. Küçük Charlie her adımda tehlikede - dipsiz uçurumlar, vahşi hayvanlar, ancak çevredeki acımasız ortamla yaptığı çatışmalardan galip çıkıyor.

Aralık ve Ocak aylarında, Chaplin stüdyoda çılgın bir aktivite geliştirdi ve şimdi adı verilen "kuzey resmi" nin çekimine hazırlandı. Hall'un sanat ekibi, açılış sekansları için ayrıntılı setler kurdu. Chaplin'in arka planda dağların olduğu devasa bir siklorama ihtiyacı vardı ve önünde un ve tuz karışımından oluşan "karlı bir ova" vardı. Filmin yönetmenliğini Roland Tothero ve Jack Wilson üstlenecekti.

Başrol oyuncusu rolü için Chaplin, The Kid'de Temptation Meleği'ni oynayan Lilith McMurray'i onayladı. Lilith on beş yıl dokuz aylıktı. 2 Mart 1924'te haftada 75 dolarlık bir sözleşme imzaladı. Oyuncuya Lita Grey takma adı verildi.

Chaplin, 8 Şubat'ta çekimlere başladı. Karlı çölde kaybolan Charlie'nin, sahibi altın avcısı Black Larsen'in onunla çok düşmanca karşılaştığı bir kulübeye rastladığı bölümle başladı. Başka bir altın arayıcısı olan Koca Jimmy (Mac Swain) kulübeye geldiğinde Kara Larsen davetsiz misafirleri kapıdan kovmaya çalışır. Ancak Charlie asla onun emirlerini yerine getiremeyecek çünkü kar fırtınası onu her seferinde kulübeye geri gönderiyor. Larsen'in mükemmel mizaçlı rolü, varyete şovu oyuncusu Tom Murray tarafından oynandı.

Açlık, rastgele birlikte yaşayanları bir çıkış yolu aramaya zorlar. Erzak aramaya kimin gitmesi gerektiği konusunda kura çekildi. Kara Larsen yolda. Kısa süre sonra diğerlerine eziyet eden açlık sancıları dayanılmaz hale gelir. Charlie ayakkabılarından birini demir bir ocakta bir tencerede pişiriyor. Big Jimmy deri sayayı, Charlie ise sert, çivili tabanı alıyor.

Açlık sancıları daha da yoğunlaşır, Koca Jimmy halüsinasyon görmeye başlar: Charlie ona tombul bir tavuk gibi görünür ve Jimmy onu neredeyse yer.

Ayakkabı yeme sekansının çekimi üç gün sürdü ve altmış üç çekim gerektirdi. Chaplin, çekimler sırasında doğaçlama yaptı. Sahte ayakkabı ve bağcıklar meyan kökünden yapıldı ve her iki oyuncunun da meyan kökü etkisinin tüm rahatsızlıklarını yaşadığı söyleniyor.

Charlie'nin tavuğa dönüştüğü bölümde, Chaplin kadrajı her zamanki Tramp kostümüyle başlattı, ardından bir noktada görüntü karartıldı ve kamera durduruldu. Chaplin hemen bir tavuk kostümü giydi. Film, bayılmanın başlangıcına kadar geri sarılmıştı. Sonra kamera yeniden çalıştırıldı, görüntü kararmadan çıktı ve Chaplin az önce yakaladığı hareketleri birer birer tekrarladı. Böylelikle Charlie'nin görüntüsü ile tavuğun görüntüsü filmde tamamen birleştirildi, sanki iç içe geçiyormuş gibi göründü. Aynı tekniğin yardımıyla tavuk tekrar Charlie'ye dönüştü.

Chaplin değişirken kadrajda olan Mack Swain de olduğu yerde donakalmak zorunda kaldı. Onun için özel bir poz seçtiler - başını ellerinin arasına alarak oturuyor ve dirseklerini sıkıca masaya yaslıyor. Film eleştirmenlerinin belirttiği gibi, görüntülerin kusursuz net tutarlılığı, oyunculuk becerilerinin yanı sıra en yüksek kameramanlık sınıfına tanıklık ediyor.

Mac Swain'in yer aldığı baraka sekanslarını düzenlemek ve yeniden çekmek için iki hafta harcandı. Bundan sonra, yerinde çekim yapacakları Donner Geçidi yakınlarındaki bir köy olan Truckee'ye taşınmak için hazırlıklar başladı. Truckee, Sierra Nevada'daki Tahoe Gölü'nün dağlık bölgelerine yakındı, Hollywood'dan yaklaşık dört yüz mil ve Reno'dan yirmi küsur mil uzaktaydı.

Maden kampı ve patika döşeme çalışmalarının tamamlanmasıyla birlikte, uzun bir maden arayıcısı geçidi aştığında ünlü toplu sahne için Sacramento'dan 600 kişi getirildi. İki gün boyunca etkileyici sayıda evsiz insan buraya akın etti. Film grubunun tüm üyeleri, çekimlerden bağımsız olarak onlara katıldı.

Mekan çekimleri Nisan ayı sonunda tamamlandı ve 1 Temmuz'da stüdyoda Chaplin ve Mac Swain'in açlıktan kıvrandığı kulübede yapılan çekimlerle devam etti. Bundan sonra, barakanın uçurumun kenarına kadar indiği, böylece sakinlerinin herhangi bir hareketinin barakanın dengesiz dengesini bozmakla tehdit ettiği bölüme geçtik. Azaltılmış düzenler üzerinde çalışmak zorunda kaldım. Burada her şey kameramanların, yapım tasarımcılarının, dekoratörlerin ve dekoratörlerin becerilerine bağlıydı. Kulübenin gerçek boyutlu çekimleri ile maket çekimleri arasındaki fark neredeyse algılanamaz.

Eylül 1924'ün son günlerinde Chaplin, kar fırtınasında bir kulübeden birkaç çekim daha yaptı, ancak ayın sonunda tüm işler durdu ve Yeni Yıla kadar pavyonlarda hiçbir şey çekmedi. Gerçek şu ki, Lita Gray hamileliğini açıkladı. Chaplin bir aktrisle evlenmek zorunda kaldı - aksi takdirde reşit olmayan biriyle ilişkisi olduğu için hapisle tehdit edildi.

Noel arifesinde Lita Gray oyuncu kadrosunda 18 yaşındaki Georgia Hale ile değiştirildi. Değiştirme filmi özellikle etkilemedi, çünkü kahraman - bardan bir kız - resmin ortasında bir yerde görünüyor.

Bu, başarılı bir ayı avının Charlie'yi korkunç bir ölümden ve Koca Jimmy'yi suç ve delilikten kurtarmasının ardından olur. Etleri doyasıya stoklarlar ve fırtına durduktan sonra farklı yönlere dağılarak kulübeden ayrılırlar.

Charlie küçük bir kasabaya varır ve kendisini yerel "yıldızın" eşsiz güzelliği tarafından büyülendiği altın madencileri için bir barda bulur. Güzel bir kız, yakışıklı servet avcısı Jack Cameron'a (Malcolm White) aşıktır.

Bardaki bölümler çok fazla çalışma ve masraf gerektiriyordu - elde tutulması gereken yüz figüranın maaşları da dahil ve bunların arasında Meksikalılar, Kızılderililer ve - film ekibinin gururu - kayıtlı uzun karaciğer "Papa" vardı. Taylor". Bu yaşlı adamın nasıl dans ettiğini gören Chaplin, Yılbaşı Gecesi bölümünde ona kısa bir numara verdi.

1925 yeni yılı vesilesiyle düzenlenen şenlikler, Chaplin'e, serseri Charlie'nin katılımıyla en dokunaklı bölümleri, etraftaki herkesin eğlendiği ve yalnız araştırmacının hissettiği Yeni Yıl atmosferine aktarma fikrini önermiş olabilir. daha da yalnız.

Charlie, Georgia'nın kalbini kazanmanın hayalini kuruyor. Karı temizleyerek biraz para kazandıktan sonra, güzel ve arkadaşları için bir Yılbaşı gecesi düzenler. Kızlar daveti unuturlar ve gelmezler. Charlie misafirleri beklerken uykuya dalar; partinin başarılı olduğunu hayal ediyor. Herkesi şakalarla eğlendiriyor ve lezzetli bir çörek dansı sergiliyor: iki çatal üzerine küçük bir somun diken Charlie, onların yardımıyla ustalıkla bir varyete dansını taklit ediyor.

Ünlü "Çöreklerin Dansı" bölümün doruk noktasıdır.

Tüm ders kitabı tarzıyla, "Çöreklerin Dansı" ilk kez ekranda görünmedi: 1918'de Roscoe Arbuckle, "Aşçı" filminde çatallara iki çörek dikerek onları bir çift haline getirdi. küçük bir dans gerçekleştiren minyatür ayakkabılar. Her ikisi de Sennett için çalışırken, Arbuckle'ın numarayı Chaplin'den ödünç almış olması mümkündür.

10 Nisan'da Chaplin, Hale ve McSwain, artık milyoner olan Big Jimmy ve Charlie'nin (Jimmy bir altın madenine çarpıyor) tekneyle eve dönen son çekimlerini yapmak için bir kamera ekibiyle San Diego'ya gitti. Ancak Charlie mutsuzdur - Georgia'nın izini kaybetmiştir. Hâlâ iyi kalpli olan Charlie, eski paçavralarıyla foto muhabirlerine poz vermeyi kabul eder. Tökezledikten sonra, zavallıların bindiği alt güverteye yuvarlanır ve kendisini Georgia ile yüz yüze bulur. Kız onu neşeyle selamlar ve kontrolör şüpheli bir serseriden bilet istediğinde, Charlie'nin ücretini ödemek için aceleyle çantasını çıkarır. Charlie mutlu: Milyonlarca kişi tarafından sevilmiyor. Yanlış anlaşılma giderilince Gürcistan'ı basına nişanlısı olarak tanıtır...

Bu bölümün çekimleri, San Diego - Los Angeles - San Francisco rotasında yolculuk yapan "Lark" vapurunda gerçekleşti.

Son bölüm (maketlerdeki yeniden çekimler sayılmaz) 14-15 Mayıs 1925'te çekildi. Tüm filmdeki en muhteşem ve heyecan verici olanlardan biri olacaktı - karlı buzda açılan uçuruma düşen kötü adam Black Larsen'in sonu. Bölüm kısmen maketlerle çekildi, ancak aktör Tom Murray ile tam ölçekli çekimin nasıl mümkün olduğu bir sır olarak kaldı. Devasa bir buzlu kar duvarının çökmesi, sıradağların manzarasının sökülmesi sırasında sahnelenmiş olabilir.

Altına Hücum tüm dünyada büyük bir başarıydı. ABD'li film eleştirmenleri arasında yapılan bir anket sonucunda Film Daily'nin yılın en iyi on Amerikan filmi listesinde birinci sırada yer alan tek Chaplin filmidir.

Altına Hücum'da serseri Charlie mutluluğunu olağanüstü beceriler, olağanüstü güç, çeviklik veya cesaretle kazanmaz. Aksine bir çizgi roman karakteri olarak bu konuda küçümseniyor bile. Yalnızca insani nitelikleri nedeniyle galip gelir. Gelenekselliğe, karikatüre rağmen, Chaplin'in kahramanı aynı zamanda şaşırtıcı bir şekilde insandır.

Aktörün biyografi yazarı A. Kukarkin'in belirttiği gibi, “Altına Hücum'daki dramatik ve lirik sahneler, yumuşak ve esprili bir mizahla komik olanlarla eşit şekilde değişiyor ve iç içe geçiyor. Sanatçı burada komedi türünün gerçekten tükenmez olanaklarını zekice kullandı ve komedinin, "ciddi" türler kadar asil duyguları uyandırma, izleyiciyi eğitme ve yükseltme yeteneğine sahip olduğunu kanıtladı. Chaplin'in anlattığı şiirsel masal, insan ruhunun en güzel tellerini seslendirmişti. Ve bu onun güzelliği."

"GENEL"
(General)

Yapım: Buster Keaton Productions, United Artists, ABD, 1927. Senaryo B. Keaton. Yönetmen B. Keaton ve K. Brookman. Operatörler B. Haynes ve D. Jennings. Sanatçı F. Gaborie. Oyuncular: B. Keaton, M. Mack, C. Smith, F. Barnes, G. Cavender, D. Fairlie, F. Vroom, Joe Keaton ve diğerleri.

Joseph Francis Keaton, 4 Ekim 1895'te Piqua, Kansas'ta doğdu. Varyete şov oyuncularının oğlu, erken çocukluktan itibaren tiyatro atmosferinde yaşadı. Altı aylık bir çocuk, tiyatro merdivenlerinin basamaklarından yuvarlandı ve sağlam kaldı. Ünlü "zincirlerin kralı" Harry Houdini ona "Buster" (şaşırtıcı, olağanüstü, çarpıcı bir şey anlamına gelen argo bir terim) takma adını verdi.

Sinema onu her zaman büyülemiş ve karşı konulamaz bir şekilde kendine çekmiştir. Mack Sennett'ten yeni ayrılan ve kısa filmler için iki "usta" arayan Fatty Arbuckle ile tanıştığında yirmi bir yaşındaydı. Kuzeni Ol St. John ve Buster Keaton'ı seçti.

Genç komedyen, nadir bir soğukkanlılıkla ayırt edildi. Keaton'ın ilk filmi The Butcher's Helper'da (1917), Fatty hile yapmadan veya uyarmadan yüzüne bir çuval un fırlattığında, Buster düştü ama kaşını bile kaldırmadı.

1920'de Buster, Berk adlı uzun metrajlı filmde rol aldı ve hemen popüler oldu. Kısa süre sonra Keaton Film'i kurdu.

Buster, "gülümsemesiz komedyen" veya "taş yüzlü adam" olarak anılırdı. Keaton, maskesinin tamamen tesadüfen ortaya çıktığını iddia etti: “Oyunculuk görevime o kadar odaklanmıştım ki, arkadaşlarım bana bundan bahsedene ve kendimi ekranda görene kadar yüzümdeki ifade hakkında hiçbir şey bilmiyordum. » Daha sonra yapımcılar onun sadece sette değil halka açık yerlerde de gülümsemesini yasakladı; Sözleşmenin bu maddesini ihlal ettiği için Keaton bir ceza ödemek zorunda kaldı.

1923'te Keaton uzun metrajlı komediler yapmaya başladı. Çalışmalarının eşsiz zirvesi The General (1927) filmidir. 1962'de Fransız Cinematheque tarafından büyük bir başarıyla gösterilen General, eleştirmenlere ve halka sessiz sinemanın büyük ustasını hatırlattı.

Keaton, yönetmenlik sanatında Chaplin gibi ustalarla aynı seviyedeydi ve sinema araçlarını kullanma becerisinde belki de onu geride bırakmıştı.

General, Keaton'ın neredeyse tüm diğer filmlerinden oldukça farklı. İlk bakışta bu bir komedi bile değil. Özellikle eksantrik değil.

Senaryo, eski Kuzey Onbaşı William Pittenger tarafından 1863 tarihli Courage and Suffering: The Story of a Great Railroad Adventure adlı kitabında anlatılan, Kuzey ve Güney arasındaki İç Savaş'ın gerçek bir bölümüne dayanıyor.

Nisan 1862'de sivil giysili bir sabotaj grubu güneylilerin arkasına girdi, tren istasyonuna gitti ve General buharlı lokomotifi kaçırdı, Chattanooga'da kendi yollarına girerek arkalarındaki köprüleri yaktı ve telgraf tellerini kırdı. Kaybı fark eden sürücü, yolculardan biriyle birlikte başka bir motorun peşine düştü. Casusları yakaladılar ve ganimetlerle birlikte yakaladılar.

Filmdeki olaylar Kuzey ve Güney arasındaki İç Savaş sırasında da geçiyor. Mühendis Johnny Gray'in (Buster Keaton) iki hobisi vardır: "General" motoru ve albayın sevimli kızı Anabella (Marion Mack). Johnny başarısız bir şekilde güneylilerin birliklerinin saflarına katılmaya çalışır. Arkada ona daha çok ihtiyaç duyulduğu ortaya çıktı. Daha doğrusu, onun buharlı lokomotifine ihtiyacımız var.

Film, İç Savaş'ın gerçek olaylarının geçtiği yerde geçiyor. Keaton'da, kuzeylilerden oluşan bir sabotaj grubu, bir karavan arabasındaki Anabella ile birlikte "General" i çalar. Johnny, onu kaçıranların peşine düşer ve kendi motoruyla birlikte.

Düşman trenleri çarpışır ve havaya uçar, kahramanın ateşe verdiği köprüden geçmeye çalışan trenler uçuruma yuvarlanır, atlı müfrezeler ortalıkta koşuşturur. Sayısız maceradan sonra, Johnny sadece lokomotifi ve gelini kurtarmayı değil, aynı zamanda düşmanı yenmeye de yardım etmeyi başarır ve Keaton tüm hileleri ender bir soğukkanlılıkla yapar. Buster, yedek öğrencilerin hizmetlerini kullanmadı ve her şeyi kendisi yaptı. Doğrudan çekimden önce dublörün dikkatli bir şekilde hazırlanması gelirdi. Bu nedenle, genellikle ilk çekimden sahneler çekti.

Keaton hiçbir filmde oyunculukta bu kadar yükseklere, bu kadar insancıllığa ulaşmaz. Anabella ona yardım etmeye çalışır, ancak uzun eteklerde kafası karışır ve çoğu zaman yoluna girerek pek çok komik duruma yol açar. Bir buharlı lokomotifle düşmanlarından kaçarken, Anabella'dan kendisine yakacak odun getirmesini ister. İngilizce'de hem yakacak odun hem de cips tek kelimeyle gösterilir. Kız itaatkar bir şekilde bir çip getiriyor. Keaton ona gülümsemeden bakar, sonra aniden onu öper, bir cips alır ve fırına atar. Bu çerçevenin büyüsü kelimelerle ifade edilemez.

Başka bir sahnede Anabella, Johnny'nin motor deposuna su doldurmasına yardım etmelidir. Keaton, Marion Mack'e bu durumda ondan ne istendiğini kasıtlı olarak açıklamadı. Bu nedenle, kamera açıldığında gerçekten kafası karışmıştı. Ama çekimler harika oldu.

Johnny - Keaton'ın düşmanın herhangi bir entrikasını yok etme - dahası, kaçınılmaz görünen bir felaketten kaçınmak için onların "yardımlarıyla" yönetme konusundaki eşsiz pikaresk tarzı. İşte yarı ölü bir Keaton'ı hedef alan bir lokomotif topu, lokomotif son dakikada bir yan yola saparken aniden düşmanlarına ateş ediyor!

Rock Nehri yakınında güneyliler ve kuzeyliler arasındaki savaşın kilit sahnesi aynı anda altı kamerayla filme alındı. Çekimlere Oregon'dan 500 Ulusal Muhafız katıldı. Dahası, her iki savaşan tarafı da tasvir ettiler. Patlamalar sırasında birkaç figüran yaralandı, Keaton'ın kendisi de patlama dalgasından yaralandı. Ve sonra nehrin yakınındaki orman alev aldı. Tüm ekip yangını söndürmek için koştu.

General, kalabalık komik savaşlar, heyecan verici buharlı lokomotif yarışları ile Buster Keaton'ın en pahalı ve en sevilen eseriydi (bütçesi 415.232 $).

General Parker'ın emriyle Teksas buharlı lokomotifi alevler içinde köprüyü geçmeye çalışıyor. Ancak girişim bir çarpışmayla sonuçlanır: "Texas" yüksekten nehre düşer.

5 Şubat 1927'deki Amerikan galasında seyirciler General'in ölçeği karşısında şaşkına döndüler - komedyenin adını hafif vodvil minyatürleriyle ilişkilendirmeye alışmışlardı. Resim başarılı olmadı - ne halk ne de eleştirmenler arasında. Kasetin gerçekten gerçekçi tarzından herkesin hayal kırıklığına uğraması mümkündür, her şeyden önce hileler bekliyorlardı. General'de inanılmaz sayıda var, ancak o kadar mükemmelliğe getirildiler ki, hile olarak algılanmadılar.

1928'de Buster Keaton, daha sonra "hayatının en büyük hatası" olarak adlandırdığı şeyi yaptı: kendi stüdyosundan vazgeçti ve MGM ile sözleşme imzaladı. Ancak Keaton, büyük bir şirketin katı film yapım sistemine uyamadı. MGM'nin sahibi onu kapı dışarı etti.

Keaton, arkadaşlarının ve meslektaşlarının filmlerinde küçük roller oynadı. 1959'da sinemaya yaptığı katkılardan dolayı fahri Oscar'a layık görüldü...

General, 1962'de bir Münih distribütörünün girişimiyle yeniden serbest bırakıldı ve haklı olarak tüm dünyada geniş bir başarı kazandı.

Great Mute'un birçok başyapıtı, genel halk için kayıp olarak kabul edildi. Şans eseri, Parisli bir firma olan MK2'nin klasik filmleri hayata döndürdüğü bulundu.

Üçüncü milenyumda Chaplin ve Keaton'ın filmlerini eski haline getirmek için, bütün bir dijital teknoloji sistemi yaratıldı. Bilgisayarların yardımıyla eski filmin tüm kusurları ortaya çıktı. Özel sistemler, eski görüntü kontrastını hesapladı ve geri yükledi. Daha sonra malzeme, resmi kare kare geri yükleyen bilgisayar sanatçılarının kullanımına sunuldu. Sonuç, film eleştirmeni Valery Kichin'in ifade ettiği gibi, yalnızca en yeni filmlerin Cannes festival programıyla rekabet etmekle kalmayıp, aynı zamanda sanatsal kalite, ritim ve gösteri virtüözlüğü açısından onları geride bırakan bir film oldu.

57. Cannes Film Festivali kapsamında düzenlenen güncellenen komedi filmi “The General”in ilk gösterimiyle heyecanlanan seyirci kalabalığından “Buster harika!”

Amerikan sessiz filmlerini değerlendiren film eleştirmenleri, General'in o dönemin en iyi filmlerinden biri olduğunu belirlediler.

"BÜYÜKŞEHİR"

(Merkez)

Yapım: Almanya, 1927. Yazan: T. von Garbow ve F. Lang. Yönetmen: F. Lang. Operatörler K. Freund, G. Rittau. Sanatçılar O. Junte, E. Kettelhut, K. Folbrecht. Oyuncular: A. Abel, B. Helm, G. Freilich, R. Klein-Rogge, X. Georg ve diğerleri.

Seçkin Alman yönetmen Fritz Lang kırk birinci olan son filmini 70 yaşında çekti. İstisnasız, ustanın tüm resimleri yüksek profesyonellik ile işaretlenmiştir ve en iyileri dünya sinemasının klasikleri haline gelmiştir. Lang'in film yapımcılığı, resim tutkusunun yanı sıra mimarlıkla ilgili ilk mesleğinin izlerini de açıkça gösteriyor.

En iyi filmlerinden biri olan "Metropolis" Fritz Lang, neredeyse iki yıl boyunca (22 Mayıs 1925'ten 30 Ekim 1926'ya kadar) çekildi ve UFA film endişesinin en büyük yönetmeni konumunu güvence altına aldı. Senaryo, Lang tarafından aynı adlı roman üzerinde çalışan eşi Thea von Garbow ile birlikte yazıldı.

Lang'a göre Metropolis, “2000 yılının hikayesidir. İşçiler yerin on katında, ev sahipleri ise üst katta yaşıyor... Bunların hepsi çok sembolikti.”

Metropolis, çok katmanlı petek blokları, silindir evleri, yükseltilmiş yolları ve dar sokakları ile bir arı kovanı şehridir. Dünya açıkça bir efendi kast ve bir köle kast olarak bölünmüştür. Dünyayı yöneten teknokrasi parlak, güneşli Yukarı Şehir'de yaşarken, köleler kasvetli Aşağı Şehir'de yaşıyor.

Filmin ilk bölümü, teknolojinin harikalarına duyulan hayranlığın ve sosyal zıtlıklardan kaynaklanan dehşetin, toplam robotlaşmadan bahsetmeye gerek yok, birbirinden ayrılamaz olduğu bir sergi ve bir tür şehir turu. Gökdelenlerin çatılarındaki Cennet Bahçelerinde seçkinler eğleniyor ve kasvetli zindanda köleler sefil varoluşlarını sürüklüyor.

Metropol, dünya hakimiyeti peşinde koşan bir sanayi patronu (Alfred Abel) tarafından yönetiliyor. Freder (Gustav Freilich) adında bir oğlu vardır.

Güzel Maria (Brigitte Helm), bir deri bir kemik kalmış proleterlere özverili bir şekilde alçakgönüllülüğü öğütler. Kız, işçileri isyan etmemeye ikna ediyor, günün geleceğini, aklın (yani sermayenin) ve ellerin (yani işçilerin) yürekte birleşeceğini söylüyorlar.

Maria yetkililere olan güvenini kaybeder. Metropolis'in hükümdarı, çılgın mucit Rotwang'a (Rudolf Klein-Rogge), yardımıyla kitleleri manipüle etmek için Mary'nin ikizi olan bir dişi robot yapması talimatını verir.

Robot tarafından kışkırtılan işçiler, işkencecilerini, yani makineleri yok eder. Santralin yıkılması, Aşağı Şehir'i sular altında bırakmakla tehdit eden devasa su rezervlerini serbest bırakır. Hükümdarın oğlu Freder ve gerçek Maria, işçilerin ve ailelerinin yardımına koşar.

Son sahnede işçiler, ideolojik liderleri olan ustabaşı (Heinrich Georg) ile birlikte patrona yaklaşırlar. Freder, bir uzlaşma işareti olarak babasından ustaya elini uzatmasını ister ve Maria, Emek ve Sermayenin bu sembolik birliğini kutsar.

Lang, Metropolis'in çekimleri sırasında verdiği bir röportajda, filminin temasının "gelecek yıllarda teknolojinin gelişimi" olduğunu söyledi. Bunun "Doctor Mabuse" un devamı olduğu söylenebilir. O filmde, tüm tehlikeli tesadüfleriyle çağımızın bir portresi verilmeye çalışılıyorsa, o zaman yeni resimde uygarlığın fantastik ilerlemesinin telaşlı ritmini yansıtmaya çalışıyorum. Belki de Metropolis'te Dr. Mabuse'dekinden daha fazlasını yapabileceğim... sinemanın insan beyninde meydana gelen süreçleri ifşa edebileceğini kanıtlamak için. Ve sonra olanların psikolojik özü bize açıklanacaktı.

UFA tanıtım malzemelerine göre Metropolis 7 milyon Alman markına mal oldu. Hazırlık döneminde, teleferikleri ve aerodinamik gövdeli arabalarıyla geleceğin şehrinin manzarası minyatür boyutlarda yapılmış ve yeni “yuftan yöntemi” kullanılarak filme alınmıştır. Ancak çok sayıda aktörün ve toplu sahnelerdeki çok sayıda katılımcının tam yükü için, UFA'nın liderlerinden biri olan Eric Pommer, "Yukarı Şehir" ve "Aşağı Şehir" in bazı sektörlerinin sahnelerini inşa etme talimatı verdi. Neubabelsberg'deki film stüdyosunun bölgesi. Toplam 620.000 metre negatif kullanıldı.

Filmde sekiz başrol oyuncusu, 750 yardımcı oyuncu, 25.000 figüran, 11.000 figüran, 1.100 at, 750 çocuk, 100 Afrikalı ve 25 Çinli yer aldı. Oyuncuların maaşı 1,6 milyon marktı. Kostüm üretimine, sahne üretimine ve elektrik ödemesine iki kat daha fazla 200 bin mark harcandı.

O sırada Lang'in Potsdam'daki stüdyosunu ziyaret eden Sergei Eisenstein, gördükleri karşısında şok oldu.

Rus film eleştirmenleri N. Solovyova ve V. Shitova, "O yıllarda sinematografi, birleşik film çekmenin harikalarında henüz usta değildi" diyor. — Ama Lang, Metropolis'in düzenini gerçekten saklamıyor. Film başka bir şey daha veriyor: bir uyarı tedbiri olarak yükselen görüntünün özel bir özgünlüğü. Nefes, ritim, süper şehrin yapısı. Araba akışının yoğun kişiliksizliği; üzerinde, yükseklikte, birbirine eğimli düzlemlerde garip bir hareketli hareket; binanın göğe açılan pencereleri sayısız ve boş, kör görünüyor; insan ortamının ölümcül yapaylığı - beton, cam, perçinli metal, yavan hava, sanki burada üretilmiş gibi ... "

Tufan sahneleri görenleri hayrete düşürür. Yeraltı şehri sular altında kalır ve insanlar yüzeye çıkmaya çalışarak çıkışa koşar. Boğulmanın üstünde - beton, merhametin gelebileceği gökyüzü değil. Korku kalabalığı ele geçirir. Metropolis üzerine ilginç bir çalışmanın yazarı olan Gesta Werner, bu tecrit anına dikkat çekti: “Klostrofobi - kapalı alan korkusu - Lang'in en iyi filmlerinde ilham kaynağıydı ... Yapamayan bir adamın imgesinde. kentin girift labirentinden bir çıkış yolu bulan , çıkış yolu olmayan dışavurumcu “kapalı dünyalar” kavramlarının etkisi, etkiler. Burada Fritz Lang'ın karamsarlığı, her şeyin iyi biteceğini vaat eden Thea von Garbow'un yüzeysel iyimserliğiyle birleşiyor.”

"Metropolis" in prömiyeri, Ocak 1927'nin başlarında Berlin'deki "Palace am Zoo" sinemalarından birinde gerçekleşti. Dönen kopyanın dört bin metreden fazlası vardı ve üç buçuk saat boyunca iki dizi halinde gösterildi.

Seyirci "Metropolis" havasını karşıladı. Ne yönetmenin zengin hayal gücü ne de yapımın ölçeği filmi gişede başarısızlıktan kurtarmadı.

Lang, UFA liderleri tarafından kendisine açıkça dayatılan finali asla kabul etmedi. Yönetmen, iyi duyguların totaliter güce galip geldiği ve işçinin "görünen" kapitaliste elini uzattığı Metropolis'in sonunun yanlış olduğunu düşündü. Lang, 1959'da bundan söz etti: "'Metropolis'i sevmiyorum. Bu sahte ve içindeki sonuçlar da sahte. Bu filmi çekerken kabul etmemiştim." Ve daha sonra (Peter Bogdanovich'e göre) şunları ekledi: “Filmin ana tezi Thea von Garbow tarafından formüle edildi. Ama en az yüzde elli sorumluyum çünkü bu filmi ben yaptım."

Metropolis, tıpkı Fritz Lang'ın sessiz dönemi gibi Alman savaş sonrası sinemasının zirvesiydi. Bu olağanüstü yönetmenin otoritesi ciddi şekilde baltalandı ve polisiye-macera filmlerinin yapımına geri döndü.

Bazı eleştirmenler Lang'in filmlerini, özellikle The Nibelungen ve Metropolis'i faşist ideolojiye bağladılar. Nitekim, Hitler iktidara geldikten hemen sonra Goebbels, Lang'ı ona çağırdı. Yönetmene, birkaç yıl önce bir kasabada kendisinin ve Führer'in Metropolis filmini gördüklerini ve Hitler'in Lang'e Nazi filmlerinin yapımını emanet etme arzusunu ifade ettiğini söyledi.

Lang, Goebbels ile görüşmesinin hemen ardından Paris trenine binerken, eşi Thea von Garbow Almanya'da kaldı.

Lang, çalışmasında Nazi yanlısı propaganda hedefini hiç takip etmedi. Bununla birlikte, nesnel olarak, filmlerinin neredeyse her biri geleceğin kehanetsel bir öngörüsü haline geldi. Metropolis'te, Nasyonal Sosyalistlerin yakında başvuracakları evrensel kaos yaratan suikast, kundakçılık ve felaket taktikleri. "Metropolis", sanatsal çözümün ihtişamıyla hala şaşırtıyor. UNESCO Kültürel Miras Komisyonu, Fritz Lang'ın "Metropolis" filmini, insanlığın en yüksek başarılarının bir koleksiyonu olan "Dünyanın Hafızası" onursal listesine dahil etmeye karar verdi.

8 Kasım 2001'de restore edilen filmin resmi galası Berlin'de yapıldı. Ayrıca "Metropolis" tüm büyük film festivallerinde gösterildi.

Fritz Lang'ın "Sosyal Distopyası", dünya sinematografisinde bütün bir akımın başlangıcı oldu, Godard'ın Alphaville'i ve Kubrick'in A Clockwork Orange'ı adını vermeye yeter.

"NAPOLYON"

(Napolyon)

Yapım: Fransa, 1927. Senaryo ve sahneleme A. Hans'a ait, A. Volkov ve A. Cross, V. Tourzhansky ve J. Lampin'in katılımıyla. Operatörler J. Kruget, L.-A. Burel, J. Lucas, J. Mundwiller, P.-R. Hubert. Sanatçı S. Feldman. Besteci A. Onegger. Oyuncular: A. Dieudonne, V. Rudenko, Van Dael, A. Hans, A. Kubitsky, A. Artaud, E. Buffet, J. Manet ve diğerleri.

Fransız yönetmen Abel Gance, 1921'de Napolyon hakkında bir film yapmaya karar verdi. Sinema kariyerine oyuncu olarak başladı, ardından senaryolar yazdı ve eleştirmenlikle uğraştı. Abel Gance felsefeye, şiire ve edebiyata düşkündü ama asıl mesleğini film yönetmenliğinde buldu.

Napolyon'un üretimine hazırlanırken Abel Gance üç yüzden fazla kitap okudu: Bonaparte'ın anıları, dönemin belgeleri, Thiers, Michelet, Frederic Masson, Stendhal, Eli Faure, Arthur Levy ve diğerleri.

1923'ün sonunda, Avrupa endişesi Vesti'nin kurucusu Rus tüccar Vengerov, Hans'a planını Berlin'de gerçekleştirmesini önerdi. Yönetmen cevap verdi: "Napolyon'u sadece Fransa'da çekeceğim."

Vengerov, ünlü Fransız stüdyosu "Pate" i de içeren bir "uluslararası sendika" yarattığında, Hans işe koyuldu.

1924'ün sonunda senaryo tamamlandı. Her biri üç bin metrelik sekiz bölümden oluşan bir destan tasarlandı:

1. Bonaparte'ın Gençliği.

2. Bonapart ve terör.

3. İtalyan Kampanyası.

4. Mısır kampanyası ve 18 Brumaire.

5. Austerlitz'in güneşi.

6. Rusya'dan geri çekil.

7. Waterloo.

8. Aziz Elena.

Sadece ilk iki bölüm çekildi. "St. Helena'da Napolyon" filmi Berlin'de L. Peak tarafından yönetildi.

Yönetmen, Napolyon rolü için oyun yazarı Rene Foshua, yazar Pierre Bonardi, chansonnier Jean Bastiat, aktörler van Dael (Robespierre'i oynayacak) ve Ivan Mozzukhin'i düşündü. İkincisi, yalnızca bir Fransız'ın güvenilir bir Bonaparte imajı yaratabileceğine inandığı için hemen reddetti. Sonuç olarak, ana rol Hans'ın bir arkadaşı olan 36 yaşındaki yazar, oyuncu ve yönetmen Albert Dieudonnet'e gitti. Antonin Artaud, büyüleyici Eugenie Buffet - Charlotte Corday Marat rolünü üstlendi. Abel Gance, Saint-Just imajını kendisi yaratacak. Filmde kırk ünlü oyuncu rol aldı.

Çekimler 17 Ocak 1925'ten Eylül-Ekim 1926'ya kadar yapıldı (Kasım 1925'ten Mayıs 1926'ya kadar ara verildi). Filmin yapımına 18 milyon frank harcandı - o zamanlar muazzam bir miktar. Teknik kadro, çeşitli mesleklerden iki yüz kişiden oluşuyordu. Hans sekiz bin takım elbise, dört bin silah, altmış silah sipariş etti. Toplu sahnelere altı bine kadar figüran katıldı.

Napoleon, Briançon, Toulon, Corsica, Saint Cloud, Brienne, Malmaison ve Paris'te çekildi. Sanatçıların eskizlerine göre 150 sahne inşa edildi, 19. yüzyılın başında Paris'in bütün bir bölgesi inşa edildi.

Her şey yolunda gidiyor gibiydi, ancak 21 Haziran 1925'te Vesti endişesinin çöktüğüne dair bir mesaj geldi. Abel Gance günlüğüne şunları yazdı: “Bütün kredilerimiz kesintiye uğradı. Önümde kocaman bitmemiş bir film var, zar zor çeyrek çekim ve bugün değil, yarın üç milyon borç bize düşecek.

Napolyon üzerindeki çalışmalar dört ay sonra yeniden başladı. Rus işadamı Grinev yeni finansör oldu.

Film sessiz olmasına rağmen Hans, Danton'u oynaması için profesyonel şarkıcı Alexander Kubitsky'yi seçti. Figüranlar, arka arkaya on iki kez milli marşı söylemek zorunda kaldı. Le Tan'da seti ziyaret eden Emile Vuyermoz şunları yazdı: “Profesyonel olmayan sanatçılar rollerini son derece ciddiye aldılar. Kostümler onlara ruhlarını verdi. Muhteşem bir organizatör olan her yerde bulunan Hans, insan kitlesini heyecanlandırıyor gibiydi ... Tüm bu erkekler ve kadınlar, bir tür içgüdüye uyarak, tarih öncesi duyumlar ve duygular edindiler ... Yönetmen, figüranları bir orkestra şefinin yönettiği gibi kontrol etti. bir orkestra... Hans tamamen teknik talimatlar vermek için tribüne tırmandığında, onun sakin ve yumuşak sesi, kendilerini tamamen liderin gücüne teslim eden bu itaatkâr varlıkların bir hayranlık uğultusuyla karşılandı.

Derler ki, o gün Hans'ın komutası altında tarihle sarhoş ve emir almaya hevesli on bin figüran varsa, yönetmen onları herhangi bir kaleye ve herhangi bir saraya - Bourbon veya Elysée - saldırabilir ve kendisini diktatör ilan edebilir. .

Toulon'un ele geçirilmesinin çekimleri sırasında liman kapatıldı ve İngiliz bayrağı şehrin üzerinde birkaç saat dalgalandı. Akşam doktor Hans'a şöyle dedi: "Bugün kırk iki kurbanımız var." Ve yanıt olarak şunu duydum: "Bu iyi bir işaret, adamlar cehennem gibi kavga ediyor, filmin büyük bir hızı olacak!"

Bir gün, pavyonun köşesindeki bir cephane kutusunun patlaması sonucu Hans'ın kendisi hafif yaralandı. Kliniğe bir taksiye bindi ve bir hafta sonra, kurbanların geri kalanı hala yaralarını iyileştirirken setteydi.

Bonaparte'ın birliklerin etrafını sardığı bölümde, askerler onu "Yaşasın Bonaparte!" Ancak figüranlar bağırdı: "Yaşasın Hans!"

Korsika'da çekimlerin son günleri seçimlere denk geldi. Yerel halkın coşkusu o kadar büyüktü ki, Bonapartistler Cumhuriyetçilere karşı tamamen zafer kazandılar.

"Napolyon" Hans, biyografik bir anlatı değil, kahramanın imajıyla ilişkili bir dizi destansı sahneydi. Filmde her sahne merkezi gibi görünüyor, her sahne duygusal olarak sınıra kadar yükleniyor, her oyuncu iz bırakmadan elinden gelenin en iyisini yapıyor.

Fransız film eleştirmeni P. Leproon, "Hans için görev, tarihi bir tuval çizmek ya da sadece Bonaparte'ın kişiliğini ve faaliyetlerini ekranda göstermek değil, bir film şiiri yaratmak, onun hikayesini epik bir nefesle canlandırmaktı" dedi. "Film, The Song of Roland'dan daha fazla tarihsel doğruluğa sahip olmasa da, içindeki her şey bir halk masalının sıcak nefesiyle doludur."

Hans, geleneksel ekranın bu filmin kapsamına uymadığını fark etti. Daha sonra, normal olanın yanlarına aynı boyutta iki tane daha takıldığında “üçlü” ekranı icat etti. Seyirciler, olan bitenin tüm panoramasını görebilirdi. Donanımlı sınırlı sayıda salona rağmen üçlü ekran göz doldurmuştu.

Üç görüntünün her biri bazen beş veya altı taşma içeriyordu. Hans, "Üst üste yüzen on altı görüntü verdim. Beş görüntüyle gözlerin hiçbir şeyi ayırt etmediğini biliyordum, ancak yine de bir şekilde algılandılar ve bu nedenle izleyiciyi bir orkestra gibi potansiyel olarak etkilediler." , önünüzde elli enstrümanın çaldığı ve her birinin sesini kulağınızla ayrı ayrı yakalamanın imkansız olduğu - asıl mesele sizi dikkatlice seslerle çevrelemektir. Bu akışlar da iyi düşünülmüş, asla on altı görüntünün tümüne aynı anda başlamadım: birincisi ilk geldi, birkaç saniye sonra - ikincisi yirminci metrede bitiyor, üçüncüsü dördüncüde başlayıp on ikincide bitiyor , vb. [...] Bunun anlaşılmaz kalacağını önceden bilmeme rağmen, herhangi bir etki elde etmek için çok kesin değerli zaman aralıkları aldım. Sanatta aksini yapmak imkansızdır.

Bir tekneden çekilen azgın deniz görüntüsünün yerini, Kongre'yi çevreleyen kalabalığın üzerindeki bir salıncaktan çekilen çekimler alır ("Çifte Fırtına" bölümü). Milletvekilleri, öfkeli unsurlarla aynı ritimde ekranda belirir ve (senaryo notlarına göre) “Jirondinler ya sancağa ya da iskeleye atılır”. Birkaç taşınabilir kamera kalabalığı içeriden "belgesel" filme alıyor ve biri tenor Kubicki'nin göğsüne sabitlenmiş, "La Marseillaise" şarkısını söylüyor ve milli marşın nefesinin ritmini aktarıyor.

Abel Gance, "öznel kamera" tekniğini ilk kullanan kişiydi. Korsika'daki sahnede yönetmen, Bonaparte'ı dört nala koşan bir atın sağrısına monte edilmiş bir film kamerasıyla filme aldı ve bölümleri denizde çekmek için su geçirmez bir kasa içinde bir su altı kamerası kullandı.

1925'te Paris Soir gazetesine verdiği bir röportajda Hans, "Şimdiye kadar pasif bir seyirciyi bir oyuncuya dönüştürme arzusunu takip ediyorum. Artık bakmaz, eyleme katılır ve bu nedenle analitik ve eleştirel yeteneklerinin yerini, mutlak yabancılaşmaya ve nihai deneyime yol açan duygusal algı alır.

Brienne'deki ünlü "kar savaşını" çekmeye başlayan, genç Bonaparte bir taktikçi olarak yeteneklerini gösterdiğinde, Hans "savaş alanı" üzerine özel bir halat sistemi kurulmasını emretti ve üzerlerine film kameraları "fırlattı". kartopu uçuşu ile aynı zamana denk geldi. Korsika'da, çelik kablolara asılan ve yerden yüksekte asılı duran bir teleferik mekanizması tarafından sürülen kameralar.

Yönetmen, "Kurbanlar Balosu" (kameraların dansçılarla birlikte daire çizdiği) ve Toulon kuşatması bölümü (kameralar havaya fırlatılan topların içindeydi) için aynı çekim yöntemlerini kullandı. Senaryonun kitabesini oluşturan Napolyon'un şu sözleri tamamen yönetmene atfedilebilir: “İhtişamın sınırlarını zorladım. Zaten bir anlamı var." Hans sinemanın sınırlarını zorladı.

Napolyon'un çekimleri 1926 yazında tamamlandı. Eylül ayında Abel Gance, yedi ay süren filmin kurgusuna başladı. 450 bin metre negatifi vardı! Orijinal versiyonun toplamı on beş bin metreydi; sözde "çok parçalı versiyon" 10.700 metreye (yaklaşık sekiz saatlik projeksiyon) sahipti ve üçlü ekran için bitmiş film 5.500 metreydi.

"Napolyon" un ciddi prömiyeri 7 Nisan 1927'de Paris Opera binasında "üçlü" bir perdenin asıldığı yerde gerçekleşti.

Napolyon dizisinin toplu kiralaması 14 Kasım 1927'de başladı. ABD'de filmin dağıtımı MGM (1929) tarafından 2400 metreye indirildi. Versiyon ne kadar kısaysa, resmin anlamı o kadar az netleşiyordu.

Napolyon'un yaratıcısı, hayatı boyunca sürekli olarak gelişen şaheseri üzerinde çalışmaya devam etti. Filmini hareketli bir çalışma olarak gördü.

1971'de film, birkaç ara sahne ve yeni post-senkronizasyonla, ancak üçlü ekran olmadan ve Bonaparte and the Revolution adıyla yeniden gösterime girdi. Resmin süresi (4 saat 30 dakika) 3 saat 55 dakikaya düşürüldü.

Yapımcı ünlü Fransız yönetmen Claude Lelouch'du. İlk görüşme sırasında, 80 yaşındaki Abel Gance'in neredeyse genç enerjisi onu etkiledi. Tam iki saat boyunca filminin her sahnesini yeniden anlatıyor ve tüm rolleri gerçek bir coşkuyla oynuyor. Birkaç yıl sonra, aynı zamanda Abel Gance ve onun Napolyon'unun coşkulu bir hayranı olan Amerikalı yönetmen Francis Ford Coppola, sessiz versiyonun haklarını aldı. Fikri, filmin gösterimine eşlik edecek film müziğini yazması için besteci babası Carmine Coppola'yı davet etmekti. Neredeyse aynı zamanda, İngiliz Carl Davis, Hans'ın şaheserinin kendi versiyonunu yayınlayarak Napolyon için ses kaydı üzerinde çalışmaya başladı.

"Baba ve Oğul Coppola" imzalı eser, 1981'de New York'taki ünlü Radio City Hall'da prömiyerini yaptı ve bir zafer kazandı.

"JEANNE D'ARC'IN TUTKUSU"

(La Passion de Jeanne d'Arc)

Yapım: Fransa, 1928. Senaryo K. Dreyer tarafından J. Delteil'in oyunundan uyarlanmıştır. Yönetmen: K. Dreyer. Operatör: R. Mate. Sanatçılar: G. Warm ve J. Hugo. Oyuncular: R. Falconetti, E. Sylvain, M. Schultz, M. Simon, A. Artaud ve diğerleri.

Joan of Arc'ın Tutkusu, Carl Theodor Dreyer'in emsalsiz başyapıtı olmaya devam ediyor.

Danimarka sinematografisinin gelişiminin şafağında bile, genç gazeteci Dreyer yeni bir sanat formuyla ciddi şekilde ilgilenmeye başladı. Basında sinema konulu yazıları çıkmaya başladı. Kısa süre sonra Karl Theodor, Nordisk film şirketiyle yakın bir ilişki kurdu, senaryolar yazmaya başladı, ardından yönetmenliğe başladı.

1920'den 1927'ye kadar Dreyer yedi uzun metrajlı film yaptı. Başka bir resim sahnelemek için fon aramak için ülkeden ülkeye taşınmak zorunda kaldı.

Yönetmen, Norveç'te bir "küçük folklor hikayesi" olan The Bride from Glomdal'ı (1925) bitirdikten sonra Fransa'ya gitti ve burada Nisan 1926'da Karını Onurlandır filminin galası yapıldı. Fransız halkı çok sevindi ve Societe Generale Film şirketi, Dreyer'e Joseph Delteil'in The Passion of Joan of Arc adlı oyununu çekmesi için teklif verdi.

Carl Theodor Dreyer, sorgulamalarının orijinal protokolleri de dahil olmak üzere Joan of Arc davasıyla ilgili çok sayıda edebi kaynak ve belgeyi incelemeye başladı. Okudukları yönetmen üzerinde o kadar güçlü bir etki bıraktı ki, kısa süre sonra Delteil'in orijinal fikirlerinden ve oyunundan neredeyse hiçbir şey kalmadı.

1929'da Dreyer, bir Alman dergisinde Joan of Arc imajını nasıl anladığını yazdı:

“En başından beri kendimden ne talep etmem gerektiği açıktı. Olay örgüsünün stilizasyonu, 15. yüzyılın yaşam tarzını ve kültürel ortamını hayal etmeyi mümkün kılacak, filmi dönemler arasında bir karşılaştırmaya dayandıracak ve izleyicinin geçmişe kapıldığından emin olmalıydım. Sonra yeni formlar ve yöntemler kullandım.

Rehabilitasyon sürecinin malzemelerini incelemek gerekiyordu, ancak bana öyle geliyor ki, eylemin tarihi bugünden uzaklığı kadar önemsiz olduğu için dönemin kıyafetlerini ve diğer belirtilerini incelemek için zaman kaybetmedim. Ruhun yaşam karşısındaki zaferine bir ilahi yazmak istedim.”

Dreyer'in tanıtım amaçlı Joseph Deltheil imzalı senaryosuna göre filmdeki tüm olaylar bir gün içinde geçiyor.

Dreyer, eylemi Joan of Arc'ın son sorgulaması ve ardından verilen ceza ve infaz etrafında yoğunlaştırdı. Tarihsel belgelerin ardından, Jeanne'i yukarıdan ilham alan bir aziz olarak değil, yabancı işgalcilere karşı kılıcını cesurca kaldıran bir vatansever olarak gösterdi. Böylece işgalcilerle anlaşma yapan kilisenin temsilcilerinden oluşan mahkeme üyelerinin karakterizasyonu oyundakinden tamamen farklı bir karakter kazandı.

Dreyer, önde gelen tiyatro ve sinema oyuncularını çekmeleri için cezbetti, ancak az tanınan tiyatro oyuncusu Maria-Renata (Rene) Falconetti'nin filmin merkezinde olduğu ortaya çıktı.

Dreyer şunları hatırladı:

“Aktris Falconetti ile görüşmem yavandı. Onu sahnede gördüm. Adını hatırlayamadığım "bulvar tiyatrolarından" birinde ["Théâtre de la Madeleine"]. Hafif, modern bir komedide oynadı ve çok zarifti, biraz anlamsız ama çekiciydi.

Orijinal bir yüzü vardı. Büyüleyici modern görünümüne ek olarak, onda görkemli bir şeyler de vardı. Dış görünüşün arkasında ruh vardı. Sonra onunla makyajsız bazı ekran testleri yapmak istediğimi söyledim ve ekledim: Yüzüne ihtiyacım var. Ertesi gün geldi, yüzündeki tonu kaldırdı ve ekran testi yaptık. Ve Joan of Arc için aradığım her şeyi buldum: basit, çok samimi ve aynı zamanda acı çekebilecek bir kadın.

Rene Falconetti (aktrisin sahne adı), Eugene Sylvain, Maurice Schultz, Michel Simon, Antonin Artaud ve diğerlerini içeren erkek oyunculuk topluluğuna organik olarak girdi.

Sanat uğruna oyuncular genellikle fedakarlık yapmak zorunda kalır. 1964'te Dreyer, Keşiş Massier rolünü oynayan Antonin Artaud'nun sürrealistlerin sık sık toplandığı bir kafede kafatasında bir bademcikle - tüzüğüne tam uygun olarak - görünmesi gerektiğinde hissettiği utancı ve utancı hatırladı. Dominik siparişi.

Falconetti, bir kahraman gibi görünmek için güzel saçlarını kesmeyi kabul etti. Dreyer, bir kadın için böyle bir fedakarlığın ne kadar korkunç olduğunu fark ederek (en azından o sırada) Falconetti'yi neredeyse kel tıraş etmek zorunda kaldı. Bu sahneyi çekerken birçok kişi ağladı. Makinistler dahil herkes ona çiçek vermeye çalıştı.

Falconetti'nin çalışındaki ustaca basitlik seyirciyi şok etti. Oyuncu, rolüne o kadar kapıldı ki, Jeanne d'Arc'ın işkence karelerinde işkence aletlerinin neden olduğu acıyı zihninde hayal ederek bayıldı. Sorgulamanın çekimleri sırasında yönetmenin herhangi bir zorlaması olmadan ağladı - sadece karakterinin iç hayatını yaşadığı için.

Dreyer'in tahmin ettiği gibi, Falconetti'nin ekrandaki yüzü o kadar anlamlı ve etkileyiciydi ki, filmin gösteriminin yaklaşık iki saati boyunca seyircinin dikkatini çekmeyi başardı. Üstelik seyircinin kadın kahramana olan ilgisi derin, samimi bir şefkatle doluydu.

Film üzerinde bir buçuk yıl çalışıldı - Joan of Arc'ın Engizisyoncuların babaları tarafından yargılandığı süre ile aynı süre. Dreyer'in tablosu bir bakıma bir mahkeme raporudur. Piskopos Dubois'nın yazılarında Jeanne davası ayrıntılı olarak anlatılmıştır. Yirmi dokuz sorgulama, bir günün olaylarına odaklandı. Dreyer'in 1964'te kendisinin dediği gibi: “Joan of Arc'ın Tutkusu ... bir belgesel filmdir. Senaryom, Rouen sürecinin protokollerine dayanıyor. Filmin tüm sözleri tarih tarafından kaydedilir. Joan of Arc için "Bu aynı zamanda hem son sessiz film hem de ilk sesli film" diyen Fransız eleştirmen Levinson'ın görüşünü paylaşıyorum.

Katı, özlü manzara, Fransız Jean Hugo ve Alman dışavurumcu ressam Hermann Varm'a aittir.

Billancourt'taki stüdyoya çok yakın olan Renault fabrikasının terk edilmiş atölyesinde, "İç Şapel" ve bitişiğinde bir koruma odası bulunan "Hapishane Hücresi" ve "Sorgulama odalı İşkence Odası" manzarası inşa edildi. Bundan sonra, Paris'in eteklerinde, Montrouge ve Petit Clamart arasında, "Rouen Şehri" manzarasını inşa etmeye başladılar.

Film Mayıs'tan Ekim 1927'ye kadar çekildi. Yönetmen, olayların tarihsel kronolojisini takip etti: yargılama, ceza, infaz. Valentin Yugo çekimler sırasındaki duygularını şöyle anlatıyor: “Sürekli olarak bu baskıcı korku, kanunsuzluk, yasal hata atmosferini yaşıyorduk ... Yönetmenin iradesine ve inancına kapılan en inanılmaz oyuncuların rolü oynamaya nasıl devam ettiğini gördüm. çekimler bittikten sonra bilinçsizce .. "

Joan of Arc'ın Tutkusu, zamanının en iyi kameramanlarından biri olan ve birçok avangart filmde yer almış olan Rudolf Mate tarafından çekildi. Joan of Arc ile ilgili filmde, o zamanlar ender bulunan ve ekranda özellikle etkileyici bir siyah ve beyaz kontrastı yaratabilen pankromatik filmi ilk kullananlardan biriydi. Oyuncular makyajsız çekildi.

Eleştirmen Moussinac, Dreyer'in yakın çekimlerden ve çeşitli açılardan tüm ifade olanaklarından en iyi şekilde yararlandığını belirtti: "Makyajın reddedilmesi yüzlere alışılmadık, korkunç bir güç veriyor, özellikle de karakterlerin duygu veya düşüncelerinin içsel oyununu vurguluyor."

Dreyer'in çok sayıda yakın çekimi, onun belgeselcilik tutkusuyla açıklanıyor. Mahkeme protokolünün tekniği, stili dikte etti. Mahkeme, zorunlu törenler, duruşma tekniği - Dreyer'in filmde aktarmaya çalıştığı tüm bunlar. Kısa ve kesin sorular ve yanıtlar tek doğal çözüme götürdü: her ipucu bir yakın plan üzerine kuruludur. Ayrıca yakın çekimler sayesinde izleyici, sorularla eziyet edildiğinde Jeanne ile aynı darbeleri aldı. Böyle bir durumun yaratılması, yönetmenin planlarının bir parçasıydı.

Dreyer'in tablosu, distribütörlerin daha önce danıştığı Paris Başpiskoposu tarafından beğenilmedi. "Jeanne d'Arc", kilise kürsülerinden kınama ve lanetleme ve Katolikler tarafından sabotajla tehdit edildi.

Dreyer'in katılmadığı yapılan kesintiler ve düzeltmeler o kadar ciddiydi ki, izleyici, Rouen'deki mahkemenin neredeyse sempatik hale geldiği ve sürecin dramatik bir tırmanış olmaksızın teolojik bir tartışmaya indirgendiği sıkıcı bir Katolik filmiyle tanıştırıldı.

Bununla birlikte, 1958'de Brüksel'de yapılan ünlü eleştirmen anketine göre, bu versiyonda bile Dreyer'in başyapıtı, tüm zamanların en iyi on iki filmi arasında yer aldı.

Cocteau şunları yazdı: ",,Potemkin" belgeseli taklit etti ve bizi tamamen şok etti. "Jeanne d'Arc", sinemanın var olmadığı bir döneme ait bir belgeyi yeniden yaratıyor."

Dreyer'in çalışması, Sergei Eisenstein ("Film tarihindeki en güzel resimlerden biri") ve dünya sinemasının diğer birçok klasiği tarafından içtenlikle beğenildi.

"ENDÜLÜS KÖPEK"

(Un chien andalou)

Yapım: Fransa, 1928 Yönetmen L. Bunuel. Senaryo yazarları L. Bunuel ve S. Dali. Operatör A. Duverger. Sanatçı P. Shield. Oyuncular: P. Bachev, S. Marey, X. Miravillas, S. Dali, L. Bunuel.

Yönetmen Luis Bunuel'in ilk eseri olan "Endülüs Köpeği" adlı kısa film, dünya avangart sinemasının en önemli eserlerinden biri haline geldi.

Geleceğin sinema klasiği, İspanya'nın Calanda köyünde (Teruel eyaleti) doğdu. Buñuel, Madrid Üniversitesi'nde okurken Salvador Dali ve Federico García Lorca ile arkadaş oldu.

1925'te Bunuel, Paris'e taşındı. Albatross stüdyosunda Luis, Carmen'de kaçakçı olarak küçük bir rol oynadı.

Kısa süre sonra Bunuel, dünyaya ilk gerçeküstü filmlerini gösterdi: "Endülüs Köpeği" ve "Altın Çağ" - skandal, gizemli, meydan okuyan, mantıksal analize yönelik değil.

"Endülüs Köpeği" Bunuel, Salvador Dali ile birlikte yazdı. Filmin adı bir İspanyol atasözünden esinlenmiştir: "Endülüs köpeği uluması, birinin öldüğü anlamına gelir." Aşk, şehvetli çekim ve ölüm arasındaki yakın bağlantı duygusu, Buñuel'in tüm çalışmalarının özelliği haline gelecek.

Film, gelecekteki ortak yazarların gördüğü rüyaların etkisi altında doğdu. Sanatçıyı ziyaret etmek için birkaç günlüğüne Figueres'e gelen Luis ona, ayın bir bulut tarafından ikiye bölündüğü ve bir usturanın gözünü kestiği bir rüya anlattı. Buna karşılık Dali, dün gece rüyasında tamamen karıncalarla dolu bir el gördüğünü hatırladı. Ve ekledi: "Ya bundan yola çıkarak bir film yapsanız?"

Senaryo birkaç gün içinde yazıldı. Bunuel'e göre, basit bir kurala bağlı kalıyorlardı: “Tamamen rasyonel, psikolojik veya kültürel açıklamalar gerektiren şeyler üzerinde durmayın. Mantıksız olanın yolunu açın. Anlamı ne olursa olsun sadece bizi hayrete düşüren şey kabul edildi ... Tek bir anlaşmazlığımız olmadı. Kusursuz bir anlayış haftası. Diyelim ki biri şöyle dedi: "Bir adam kontrbası sürüklüyor." "Hayır," diye itiraz etti bir başkası. Ve itiraz haklı olarak hemen kabul edildi. Ancak birinin önerisi diğerini beğendiğinde, bize muhteşem, tartışılmaz göründü ve hemen senaryoya dahil edildi.

Endülüs Köpeği'nin senaryosunu bitirdikten sonra Buñuel, bunun tamamen sıra dışı, şok edici bir film olacağını ve hiçbir şirketin onu finanse etmeyi kabul etmeyeceğini fark etti. Sonra yardım için annesine döndü. Señora Bunuel, bir notere danıştıktan sonra Luis'e ilk filmin yapımı için para verdi. Paris'e dönen Bunuel, oyuncular Pierre Bachev ve Simone Marey, kameraman Duverger ve Billancourt stüdyosunun liderleriyle bir araya geldi.

Film sadece iki haftada çekildi. Bunuel, "Sette beş veya altı kişiydik," diye hatırladı. Oyuncular talimatlarımı hiç anlamadılar. Örneğin Bachev'e şöyle dedim: “Wagner dinliyormuşsun gibi pencereden dışarı bak. Daha da hevesli ⁴? Ancak onu arzulanan duruma getirecek hiçbir şey görmedi. Zaten biraz teknik bilgim vardı ve kameraman Duverger ile çok iyi anlaşıyordum.”

Salvador Dali, çekimler bitmeden sadece üç veya dört gün önce geldi. Atölyede doldurulmuş eşeklerin gözlerini reçine ile doldurdu. Bunuel, bir sanatçı arkadaşının, Bachev tarafından güçlükle sürüklenen Aziz Meryem Tarikatı'nın keşişlerinden birini oynamasına izin verdi, ancak bu çekim filme dahil edilmedi. Dali, kahramanın ölümcül düşüşü bölümünde Buñuel'in nişanlısı Jeanne'nin yanında arka planda görülebilir.

Filmi bitirip kurgulayan Buñuel bundan sonra ne yapacağını bilmiyordu. Bu sırada Man Ray, Viscount Charles de Noailles'ın malikanesinde "De Kalesinin Sırları" belgeselinin çekimlerini bitirdi ve programa ek olarak bir film arıyordu.

Man Ray, Bunuel ile La Coupole barda tanıştı ve film yapımcısını Sürrealist gruptan bir yazar olan Louis Aragon ile tanıştırdı. Bunuel, "Aragon benden üç yaş büyüktü ve tamamen Fransız nezaketiyle davrandı," diye hatırlıyordu. Konuştuk ve ona filmimin bazı yönlerden gerçeküstü kabul edilebileceğini söyledim. Ertesi gün, o ve Man Ray, Studio des Ursyulines'de filmi izlediler ve filmin bir an önce seyirciye gösterilmesi gerektiğini, bir prömiyer düzenlenmesi gerektiğini güvenle ilan ettiler.

Prömiyer ücretli biletlerde gerçekleşti ve sözde "Paris çiçeği" nin tamamını - aristokratlar, yazarlar, ünlü sanatçılar (Picasso, Le Corbusier, Cocteau, Christian Berard, besteci Georges Auric) bir araya getirdi. Gerçeküstücüler grubu tam güçle ortaya çıktı.

Bunuel ekranın başına oturdu ve bir gramofon yardımıyla filmin aksiyonuna ya Arjantin tangosu ya da Tristan ve Isolde'den müzik eşliğinde eşlik etti.

"Endülüs Köpeği", herhangi bir edebi olay örgüsüyle bağlantılı olmayan bir dizi garip, acımasız, erotik renkli vizyondur.

Film, ayı kesen dar bir bulutun çekimiyle başlar. Sonraki bölüm: bir ustura bir kadının gözünü keser (çekim yapmak elbette bir numaradır - oyuncunun gözünün yerini bir boğa gözü alır). Film boyunca sokak ortasında yatan kopmuş bir elin çekimleri var; avuç içi deliğinden sürünen karıncalar; bir orman açıklığının ortasında oturan çıplak bir kadın... Aşk cazibesine kapılan kahraman, ipler boyunca çeşitli nesneleri sürüklemek zorunda kaldığı için kıza yaklaşamaz: şamandıralar, balkabakları, St Tarikatından iki keşiş . Mary ve bir eşek cesedi ile bir piyano.

"Muzaffer prömiyerin" ardından "Endülüs köpeği" filmi "Studio 28" Mockler'ın sahibi tarafından satın alındı ve billboard'da sekiz ay sürdü. Gösteri sırasında kırk elli muhbir polise gelerek böylesine ahlaksız ve zalimce bir filmin yasaklanmasını talep etti. Bu, Buñuel'i yaşlanana kadar peşini bırakmayan hakaret ve tehditlerle dolu yılların başlangıcıydı. "Endülüs köpeği" izlerken iki düşük olduğunu söylüyorlar. Ama film hala yasaklanmadı.

Rafael Alberti, The Lost Grove adlı kitabında Endülüs Köpeği'nin ilk gösterimi hakkında şöyle yazıyor: “Film güçlü bir izlenim bıraktı, bazılarını hayrete düşürdü ama bence kimseyi kayıtsız bırakmadı ... Film tam arifesinde çıktı. büyük siyasi değişimler ve bu son derece önemliydi, ateşli nabzı hummalı Madrid'in kalp atışlarını yansıtıyordu.

Resmi rasyonel bir şekilde yorumlamak için defalarca girişimlerde bulunuldu. Sürrealizm bir dereceye kadar Freud'un psikanalizine dayanıyordu ama Bunuel, onun filmlerinin psikanalitik açıklamalarını kabul etmiyordu. Örneğin, Endülüs Köpeği'nin ünlü bölümü, iki balkabağına, iki keşiş ve bir piyanoya iplerle bağlanmış ölü bir eşeğe sahip kahramanın bir kadını öpemeyeceği an, psikanalistler tarafından şu şekilde yorumlanmıştır: kahramanın tutkulu dürtüsü) ve cinsel arzu (kabaklar) dini önyargılar (rahipler) ve burjuva eğitimi (bir piyano ve ölü bir eşek) tarafından "engellenir" (ipler).

Bunuel itiraz etti: "Endülüs Köpeği hakkında az ya da çok yaratıcı yorumlar duydum ya da okudum, ama hepsi de gerçeklerden eşit derecede uzak. Dali ile birlikte akla gelen şakaları ve nesneleri aldık ve ardından en azından bir anlamı olabilecek her şeyi acımasızca bir kenara bıraktık.

Yönetmene göre bu film, burjuva toplumuna ve onun tüm kültürel değerlerine yöneliktir...

İki yıl sonra, Endülüs Köpeği ile aynı çizgide, Buñuel Altın Çağ'ı (1930) çekti, ancak içinde sosyal motifler zaten daha fazla vurgulanıyor. Film, sanatçıya tam bir yaratıcı özgürlük veren Viscount Charles de Noailles tarafından yaptırıldı.

Oyuncular Gaston Modo ve Lea Lis, toplum tarafından kilisenin, ordunun ve ailenin "gerici" güçleri tarafından cinsel ilişkiye girmesi engellenen iki aşığı canlandırdı. Filmde pek çok sarsıcı sahne var: Önsözdeki akrepler, ıssız bir koyda başpiskoposun iskeleti. Resmi bir görevle gelen bakan yardımcısı, her şeyi unutarak kendini sevdiği kadının önüne atar ve onlar, sevgi dolu bir kucaklaşmayla iç içe, herkesin gözü önünde kirli zeminde yuvarlanırlar. Misafirlerle dolu sosyete salonundan sanki hiçbir şey olmamış gibi bir kuyumcu vagonu geçer. İnek, zengin bir hanımın yatak odasına girer ve sakince yatağına uzanır. Orkestranın yaşlı şefi kafasına bir darbe alır ve ardından saygıdeğer beyefendi erotik bir çılgınlığa kapılır. Bahçe bekçisi, küçük oğlunu tabancayla öldürür. Finalde, "Sodom'un 120 Günü" korku kalesinden yeni çıkmış olan ahlaksız Kont Blangy, Mesih kılığına girerek ekranı geçiyor ... Tek kelimeyle, bir saatlik saf sürrealizm.

"Altın Çağ", Paris yüksek sosyetesinde başarılı olmadı. İlk olarak Kasım 1930'da gösterildi, son derece soğuk karşılandı ve ertesi gün filmin yapımcısı Viscount Charles de Noailles Jokey Kulübü'nden atıldığını öğrendi.

Kısa süre sonra, gerçeküstücüler tarafından imzalanan uzun bir manifestodan önce Altın Çağ, Studio 28'de halka gösterildi. Kalabalık bir salondaki gösteriye, fuayede asılı olan sürrealist tabloları yırtan ulusal vatanseverlerin kaba maskaralıkları ve pogromları eşlik etti. Altı gün sonra, Paris Polis Müdürü Jean Hyapp filmin gösterimini yasakladı. Paris ekranlarında "Altın Çağ" yine sadece 17 Haziran 1981'de gösterime girecek.

Prensip meselelerinde haklılıktan yoksun olmayan Luis Bunuel, yıllar sonra gerçeküstücülüğün zulmünden intikam aldı. The Maid's Diary'nin sonunda iğrenç bir tecavüzcü, katil ve faşist "Yaşasın Hyapp!"

"MAVİ MELEK"

(Der blue Engel)

Yapım: Almanya, 1930. Senaryo yazarları K. Vollmöller, R. Liebman ve K. Zuckmayer, T. Mann'ın "Teacher Unrath" adlı romanından uyarlanmıştır. Yönetmen J. von Sternberg. Operatör G. Rittau. Sanatçı O. Junte. Besteci F. Hollender. Oyuncular: E. Jannings, M. Dietrich, K. Gerron, R. Valetti, X. Albers, R. Bernt ve diğerleri.

"Mavi Melek" filmi, Mann'ın fenomeni yansıttığı Heinrich Mann "Teacher Unrat, or the End of a Tyrant" (kahramanın adı bazen tam anlamıyla çevrilir - Gnus) hiciv romanına dayanan Joseph von Sternberg tarafından yönetildi. iktidarın trajikomik bir biçimi.

Çeyrek asır sonra, "Öğretmen Unrat" romanı ünlü Alman film yapımcısı Erich Pommer'ın ilgisini çekti. Heinrich Mann'ın paraya ihtiyacı olduğunu biliyordu ve küçük bir bedel karşılığında romanın film haklarını satın aldı.

Erich Pommer, Hollywood'dan Avusturya doğumlu 35 yaşındaki yönetmen Joseph von Sternberg'i davet etti. Senaryo Dr. Karl Vollmöller, Robert Liebman ve Karl Zuckmayer tarafından yazılmıştır. Sternberg'in ısrarı üzerine film, öğretmenin şarkıcıya aşık olduğu kabak gibi Mavi Melek olarak tanındı. Yönetmen bir öğretmenin düşüşünü değil, bu düşüşe neden olan sinsi bir baştan çıkarıcıyı konu alan bir film yapacaktı.

Tüm roller zaten dağıtılmıştı, ancak kadın kahraman hala kayıptı. Sternberg, "Lola rolü için, geçen yüzyılda yaşamış olan Felicia Rope'a biraz benzeyen çok özel bir kadın arıyordum ve onun ikizini Berlin'de bulacağımdan emindim" dedi.

Çekimlerin ilk günü yaklaşırken, Sternberg'in efsanevi bir kadın aradığına dair söylentiler dolaşmaya başladı. Bir gün, Alman aktrisler kataloğunu karıştırırken, yönetmenin bakışları Fraulein Dietrich'in bir fotoğrafına takıldı (bir UVA stüdyo asistanıyla evliydi ve adı Frau Sieber idi). Ertesi gün Sternberg, filminde rol alan Hans Albers ve Rosa Valetti'nin oynadığı Georg Kaiser'in "Two Ties" adlı oyununa katıldı. Gösteriye elli oyuncu, şarkıcı, dansçı ve Berlin'in popüler grubu "Comedian Musicians" katıldı.

Sternberg, "O akşam, ilk kez Fraulein Dietrich'i, dedikleri gibi, et ve kan içinde gördüm," dedi. - Neden sahnede olduğunu açıklamak zor çünkü tek bir cümle söyledi. Ama gözlerimi ondan alamıyordum. Tam da aradığım türden bir yüze sahipti ve uzaktan görebildiğim kadarıyla mükemmel bir vücuda sahipti. Dahası, benim aramadığım bir şeyi teklif edebileceğini hissettim. [...] O sadece Felicia Rope'a benzemiyordu. Eminim Toulouse-Lautrec onu görseydi kesinlikle amuda kalkardı. Şimdi, bu tür dış verilere sahip olan bu sıra dışı kadına patronluk taslamak istedim!

Ertesi gün Dietrich, UFA stüdyosuna davet edildi.

Sternberg, "Hiç hazır değildi, çünkü tüm fikri zaman kaybı olarak görüyordu ..." diye hatırladı. “Sokak kostümünü kabare havasında daha pejmürde bir şeyle değiştirmesi için onu soyunma odasına gönderdim. O kadar büyük bir elbiseyle döndü ki, içine bir su aygırı kolayca sığabilirdi. Elbiseyi bir şekilde iğnelerle tutturduk ve Dietrich'e önce Almanca, sonra İngilizce bir şeyler söylemesini önerdim. Ve burada bir mucize oldu: aramızda hemen bir tür büyülü bağlantı kuruldu. Marlene, tüm sözlerime, ondan hiç beklemediğim inanılmaz bir rahatlıkla tepki verdi. Onunla çalışmak için bu kadar çaba sarf etmem hoşuna gitmiş gibi geldi bana. Ama seçmelere bakmadı bile ve bana bir kez bile onlar hakkında soru sormadı. Yine de şaşırtıcı canlılığı sonunda ortaya çıktı."

Dietrich, beş bin dolarlık bir ücret karşılığında nişanlandı. Karşılaştırma için: Emil Jannings iki yüz bin dolar aldı!

Blue Angel tavernasının manzarası Hamburg'da inşa edildi. Çekimler gergin bir ritimde gerçekleşti: sabah yediden akşam geç saatlere kadar. Yine de Dietrich tiyatro sahnesinde performans göstermeye devam etti.

Hollywood'daki Paramount Stüdyoları'nın başkanı Schulberg stüdyoya gelip Dietrich'e yedi yıllık bir sözleşme teklif ettiğinde The Blue Angel'ın çekimleri daha yeni başlamıştı. Marlene, "Hiçbir yere gitmek istemiyorum, ailemle birlikte anavatanımda kalmak istiyorum" yanıtını verdi.

The Blue Angel'ın eylemi, muhtemelen 1920'lerin başında veya biraz daha önce bir liman kasabasında geçiyor. Spor salonundaki lise öğretmeni Profesör Unrat, insanlardan ve özgürlükten nefret ediyor, okul çocuklarıyla acımasızca alay ediyor. Öğrencilerinin Blue Angel tavernasından şarkıcıyı ziyaret ettiğini öğrenince onu tehdit eder. Ve beklenmedik bir şey olur: Öğretmenin kendisi Lola-Lola'nın büyüsüne kapılır. Unrat, ahlaki bozulmanın tüm aşamalarından geçer. Bir şarkıcıyla evlenir ve onunla turneye çıkar.

Grup şehir şehir dolaşırken, Lola-Lola kocasını aşağılanmaya maruz bırakır. Unrat, varyete tiyatrosu için bir yük haline gelir. Grup, Unrath'ın memleketine döner. Gösteri tam ev. Sahneye giren eski öğretmen horoz gibi bağırır ardından sahneden koşarak Lola Lola'yı boğmaya başlar. Aktörler onu kurtarmaya gelir. Unrath, eski sınıfına gizlice girer ve orada ölür (Mann'da profesör hapse girer). Lola-Lola küstah, baştan çıkarıcı ve hiç de duygusal değil. Kocası ölüme terk edildiğinde "Kanatlar yanarsa benim suçum değil" şarkısını söyler.

Sette Joseph von Sternberg ışıklandırmayı, çalışanları, makyözleri, figüranları ve oyuncuları ustaca denetledi. Şaşırtıcı bir şekilde, ekrandaki çevre, hayatta olduğundan çok daha pahalı, daha zengin görünüyordu ve bu etkiyi en mütevazı yollarla başardı.

Sternberg, büyük bir yönetmenlik ustalığı gösterirken, alışılmadık açılara takıntılıydı. The Blue Angel'da film sembollerinden çekinmedi: Lola'ya doğru ilerleyen Unrat kendini sahneye asılı ağların içinde buluyor; Lola, kendisi oyuncak bebek gibi görünürken, eşyalarla ve süslemelerle dolu bir platformda şarkı söylüyor.

Film iki versiyonda çekildi - Almanca ve İngilizce. İngilizce versiyonunda Dietrich, Amerikalı bir şarkıcıya dönüştü. Sternberg, Marlene'den net bir telaffuz istedi. Oyuncuların geri kalanı, yazarın niyetine karşılık gelen bir Alman aksanıyla İngilizce konuşuyordu.

Dietrich, filmde Hollender'ın birkaç şarkısını seslendirdi. Marlene'in sesi biraz güçlü

boğuk - Lola-Lola karakterini yaratmak için "çalıştı". Hemingway, "Bu sesten başka hiçbir şeye sahip olmasaydı, yine de tüm kalpleri kazanırdı" diye yazdı.

Lola-Lola, "tepeden tırnağa aşk için yaratıldığını" söylüyor ve yakında şarkısı tüm Almanya'da, tüm Avrupa'da gramofon disklerinde olacak.

Öğretmenin rolü, Alman halkının gözdesi Emil Jannings tarafından oynandı. Mavi Melek, UFA stüdyosunun ilk sesli filmiydi. Jannings mikrofondan çok korkuyordu ve Sternberg'in metni normal tonlamalarla telaffuz etmesini sağlamak için çok çalışması gerekti.

Jannings, diğer aktörlerin sorunlarına tamamen kayıtsızdı ve Marlene Dietrich'in deneyimsizliği hakkında övünüyordu. Sahne biter bitmez Jannings, ona karşı kaba ve küçümseyici davranmaya başladı. Hatta ona yön vermeye çalıştı. Sternberg tecavüzlerini derhal durdurdu.

Dietrich ortağına aynı madeni parayla cevap verdi: “Emil Jannings herkesten nefret etti, kendini kilitledi ve çekime gelmedi. Herr Jannings işe başlayana kadar soyunma odalarımızda bekledik. Bu bekleyiş bazen iki, üç saat sürüyordu. İkna etme yeteneğiyle Von Sternberg, sadece bir kırbaçla cezalandırılmak isteyen psikopat bir başrol oyuncusunu pavyona getirmek için çok çalışmak zorunda kaldı. Ve nihayet barış hüküm sürdüğünde işe koyulduk.”

Sternberg ne tahmini ne de son teslim tarihini karşılamadı. Asistan Sam Winston ile birlikte çekimler sırasında The Blue Angel'ın kurgusunu yaptı. Filmin tamamlanmasının hemen ardından, 30 Ocak 1930'da Sternberg, Bremen buharlı gemisiyle New York'a gitti.

Kısa süre sonra Mavi Melek, UFA stüdyosunun sahibi Alfred Gutenberg ve yardımcıları tarafından gösterildi. Filmin ana karakterinin gerçekten "insan" bir şey yapmamasına ve günlerini utanç verici bir şekilde bitirmesine öfkelendiler. Tablonun Şubat ayındaki gösterimi yasaklandı.

UVA liderlerinin taleplerini öğrenen Marlene Dietrich, "Mavi Melek" in beklentileri karşılamadığına karar verdi. Paramount'un Berlin temsilcisinin ofisinde, haftada 1.750 $ garanti eden iki filmlik bir sözleşme imzaladı.

"Mavi Melek" i kurtarmaya çalışan Pommer, yardım istedi ... Wolfgang Amadeus Mozart'ın aryası. Büyük bestecinin müziğinin izleyiciye günahın cezası fikrini iletmesi gerekiyordu. Pommer daha sonra Mann için Nice'de bir film gösterimi ayarladı. Yazar, destek sözlerini dile getirerek, aynı zamanda torunlarının onu yalnızca "Bayan Dietrich'in çıplak bacakları" sayesinde hatırlayacaklarını söyleyerek şaka yaptı. Sonuç olarak Erich Pommer, The Blue Angel'dan tek bir karenin kesilmemesini sağladı.

Filmin 1 Nisan 1930'da Elector id amm'deki Gloria Sarayı'ndaki galası, Jannings'e adanmış bir akşam olarak hazırlanıyordu. Ünlü, halkın beklentilerini aldatmadı: The Blue Angel'da Jannings, Lola Lola tarafından öldürülen öğrencileriyle alay eden kötü ve dar görüşlü bir profesör olan Alman cahil bir Alman'ın unutulmaz bir imajını yarattı.

Ancak Marlene Dietrich, Usta Jannings'i arka plana itti. Kilo verdi ve galada seyircilerin ihtişamıyla kükredikleri ve ayaklarını yere vurdukları muhteşem Lola-Lola'dan daha zarif görünüyordu. Marlene, neredeyse Jannings'inkinin aynısı olan kocaman bir gül buketi aldı. Fotoğrafçılar zaferini aydınlatmak için magnezyumla parladı. Marlene Dietrich tiyatrodan ayakta alkışlanarak ayrıldı. Tesadüfen ya da değil, aynı akşam Amerika'ya gitti.

Mavi Melek, yeniliği ve dokunaklılığının yanı sıra Marlene Dietrich'in performansı ve Lola-Lola'sının alışılmadık imajı nedeniyle uluslararası bir başarıydı. "Yine aşığım ..." diye şarkı söyledi bir varil üzerinde oturarak. "Tanrım, kaç tane kartpostal verildi, kaç tane taklit vardı - ve bu varil sonsuza kadar!" yıllar sonra şikayet etti Marlene Dietrich.

Filmin gösterime girmesinden kısa bir süre sonra, Paris'te The Blue Angel adlı bir gece kabaresi açıldı.

"m"

(M)

Yapım: Almanya, 1931. F. Lang ve T. von Garbow tarafından yazıldı. Yönetmen: F. Lang. Operatör F. A. Wagner. Sanatçılar E. Hasler, K. Folbrecht. Film, E. Grieg'in müziğini kullanıyor. Oyuncular: P. Lorre, E. Widman, G. Grungens, O. Wernicke ve diğerleri.

1931'de "Metropolis" yönetmeni Fritz Lang, en ilginç filmlerinden biri olan "M" filmini çekiyor. Yaratılışının nedeni, her şeyden önce, bir Alman şehrinin sakinlerini uzun süre korkutan "Düsseldorf vampiri" denen bir manyağın, bir çocuk katilinin, sözde "Düsseldorf vampirinin" yargılanmasıydı.

Lang, temasını doğrudan filminin manşetlerinden aldı. 1929'un başında Düsseldorf'ta birkaç vahşi cinayet işlendi. Manyağın kurbanları çoğunlukla genç kadınlar ve kızlardı. Fail, yerel gazeteye kayıp olduğu düşünülen başka bir kızın cesedinin yerini açıklayan bir mektup gönderdi. Panik Düsseldorf'u sardı ve ardından katilin kurbanlarının kanını içtiğine dair bir söylenti çıktı. Açıklanan 15.000 Reichsmark ödülü, özellikle komşulara karşı bir dizi ifşa mektubuna yol açtı. Polisin şehrin gündelik hayatı haline gelen çaresiz aramaları, toplama ve aramaları sonuç vermedi. Bu arada Maniac, gazeteye bir kez daha yazarak yeni suçlarla tehdit etti ve sözünü tuttu. Sonunda, 24 Mayıs 1930'da kötü adam tamamen tesadüfen yakalandı. Sabıka kaydı olan, evli ve komşuları tarafından nezaketinden dolayı saygı duyulan 47 yaşındaki fabrika işçisi Peter Kürten olduğu ortaya çıktı. Dokuz kişiyi öldürdü.

Lang, çekimlere hazırlanırken Berlin polis departmanına gitti ve burada en son adli tıp yöntemleri ve suç dünyasının yaşamı hakkında araştırmalar yaptı. Lang, kriminolojik teoriler hakkındaki bilgisini adli psikanalistlere ve avukatlara borçludur. Yönetmen, Crime Journal'ın sayfalarında yayınlanan katil dosyasından çok şey öğrendi.

Lang, otuzlu yılların ünlü Berlin dedektifi Ernst Gennat ile bir araya geldi (sadece "Düsseldorf vampirini" arıyordu). Kürten'in psikiyatrik muayenesinin sonuçları filmin hem yönetmeni hem de başrol oyuncusu Peter Lorre tarafından incelendi.

Lang'ın fikri kınamak için değil, suçlunun psikolojisini anlamaktı: "Nibelungen, Metropolis ve Aydaki Kadın'ın büyük fresklerinden sonra, insanın özüyle, eylemlerinin güdüleriyle ilgilenmeye başladım. ." Ancak Frida Grafe'ye göre filmdeki katil ile prototipi arasındaki benzerlik, "bilinmeyen bir suçlu ile tanıkların ifadesine göre polis tarafından derlenen sözlü portresi" arasındaki benzerlikten daha büyük değildi.

Biraz tereddüt ettikten sonra Lang ve senarist eşi Thea von Garbow, "M" ismine karar verdiler (Almanca "Morder" - "katil" kelimesinin ilk harfi). Filmin afişinde, üzerinde kırmızı olarak "M" harfinin yazılı olduğu bir avuç içi yer alıyordu.

Lang, istisnai ve patolojik bir vakadan bahsediyor. Resmi olarak filmin teması suçla mücadeleydi: Komiser Loman (Otto Wernicke) küçük kızların katilini (Peter Lorre) yakalamak zorundaydı. Bununla birlikte, Almanya tarihinde tam olarak o dönemi karakterize eden resimdeki pek çok şey, ülkeyi saran ahlaki kriz duygusunu aktarıyor.

Film, Kürten'in tutuklanmasından yedi ay sonra, Ocak 1931'de çekilmeye başlandı. Prömiyer, o yılın Mayıs ayında, Kürten'in Nisan ayındaki duruşması ile Haziran başındaki infazı arasında gerçekleşti. Yönetmen, kuzey Berlin'in suç bölgelerinin sakinlerini figüran olarak kullandı - hırsızlar, kalpazanlar, pezevenkler.

"M" de son derece kasvetli, umutsuz bir aksiyon atmosferi yaratılıyor. Şehrin vitrinli karanlık sokakları, reklamlı reklam panoları, barlar, kirli arka bahçeler, yoksul apartmanlar - korkunç suçların işlendiği dünya işte böyledir. Buradaki insanlar iğrenç, özellikle de suçlular.

Film, kısa süre sonra ormanda bıçaklanarak öldürülmüş olarak bulunan kayıp kız öğrenci Elsie Beckman'ın hikayesiyle başlar. Katili bu tür birden fazla suçtan sorumlu olduğu için şehir paniğe kapılır.

"M" eylemi genellikle "yansıtılmış" bir ekran yardımıyla ortaya çıkar. İlk sahnelerde katili görmüyoruz ama yaptığı her şeyi biliyoruz. Çerçevede, küçük bir kız öğrenci Elsie kaldırımda yürüyor ve bir topla oynuyor. Üzerinde çocuk katili uyarısı olan bir polis posterinin olduğu bir reklam panosunun önünde durur. Profilden bir adamın gölgesi postere yaklaşıyor. Bu bir katilin gölgesi.

Lang, ilk sesli tablosunda korku ve korku yaratmak için sesi kullanma konusunda ustaca bir beceri sergiliyor. Katilde suç tutkusu alevlendiğinde, Edvard Grieg'in "Peer Gynt" adlı eserinden "Dağ Kralının Şarkısı"nın birkaç ölçüsünü ıslık çalar. Bu ıslık film boyunca devam eder ve uğursuz bir şekilde katilin ekranda göründüğünü haber verir.

Elsie'nin annesi kızı akşam yemeği için birkaç saat bekledikten sonra sahanlığa çıkar ve çaresizlik içinde onu yüksek sesle arar. “Elsie! Elsie!", ekranda bir dizi kare geçer: boş bir sahanlık, boş bir çatı katı, Elsie'nin mutfak masasındaki boş tabağı, çimlerin arasında yatan topu ve katil tarafından askere alınmak üzere kör bir dilenciden satın alınan top. kızın güveni, havalandı ve telgraf tellerine takıldı.

Suikastçı Hans Beckert, filmin ana figürüdür. Peter Lorre tarafından zekice canlandırılan manyak, daha çok bir küçük burjuvaya benziyor. Ev sahibesi sorgulama sırasında polise konuğunu terbiyeli, sessiz biri olarak anlatır.

İnanması zor ama çocuk katili rolü Peter Lorre'nin ilk büyük film çalışması. 1904 yılında doğdu. Gerçek adı ve soyadı - Laszlo Levenshtein. O, milliyete göre bir Macar Yahudisidir. Tiyatroda yedi yıl geçirdikten ve 1928'de fark edilmeyen bir film çıkışından sonra M'de rol aldı. Lorre'nin "M"de yapamadığı tek şey Grieg'in melodisini ıslıkla çalmaktı. Bu, Fritz Lang'ın kendisi tarafından seslendirildi.

... Cinayetlerden korkan kasaba halkı dehşetten donakalır. Bilinmeyen katil, Lang'ın kendisinin sözleriyle, “halk arasında korkunç bir korku psikozu, zihinsel engelli insanların kendi kendini suçlamaları, nefret ve yıllar boyunca birikmiş gibi görünen tüm kıskançlıkların olduğu suçlamaları hayata geçiriyor. birlikte yaşama hakkı ortadan kalkar.”

Polis hiçbir şekilde katili bulamıyor: Ağda yalnızca sıradan hırsızlar ve soyguncular karşımıza çıkıyor. Sorunlu yeraltı dünyası da aramaya dahildir. İlk kez, suçluların çıkarları hukukun arzularıyla örtüşüyor.

Kasete daha fazla belgesel inandırıcılık kazandırmak için, polisin günlük faaliyetlerini anlatan çekimler fotoğrafa o kadar ustaca işlendi ki, sanki eylemin ayrılmaz bir parçası gibi görünüyorlar.

Polisin dünyası ile suçluların yaşamı arasındaki "paralel montaj" sayesinde anlamsal bağlantılar ortaya çıkıyor: suç çetesinin liderleri planlarını tartışırken polis dedektifleri de oturuyor.

Dahası, senarist Thea von Garbow, Brecht'in Üç Kuruşluk Opera'sından bir olay örgüsünü ödünç alır: Bir suçlu çetesi, şehirli dilencileri asistan olarak işe alır. Kör bir balon satıcısı, bir Grieg melodisi ıslık çaldığını duyduğunda katili tanır.

Hırsızların tuttuğu dilenciler takibe devam ediyor. Katil, kader işareti "M" nin zaten sırtında yazılı olduğunu bilmeden küçük kızı yönetir.

Geceleri suçlular, kaçan bir katilin tavan arasında saklandığı bir ofisin binalarına girer. Manyak, kilitli kilidi bıçakla açmaya çalışıyor. Bu gıcırtı sesi suçluyu başıyla ele verir. Çatının altındaki çöplerle dolu tavan arasından alınır ve "linç" düzenledikleri terk edilmiş bir fabrikaya sürüklenir. "Ölüm cezası kimden yana?" haydut yargıç sorar. Suçlular birer birer ellerini kaldırıyor. Polis zamanında gelir ve çocuk katilini adalete teslim eder.

Film, geri yüklenen düzenin bir gösterimiyle sona erer: Beckert'in omzuna bir el ve bir dış ses: "Kanun adına!" Film diplomatik olarak katilin sonraki kaderini açık bırakıyor: ölüm cezası veya Alman ceza kanununun bir psikiyatri kliniğinde zorunlu tedavi anlamına gelen delilik hakkındaki maddesi.

Mayıs 1931'de beyazperdeye giren Lang'in filmi her yerde coşkulu bir tepkiyle karşılandı. "M", stabilizasyon yıllarında piyasaya sürülen bir dizi iddialı zanaattan sonra yönetmenin ilk önemli filmiydi. "M", ilk eserlerinin - "Metropolis", "Weary Death", "Nibelungen" - sanatsal düzeyine yükselir ve bazı açılardan beceri açısından onları geride bırakır.

"M" sadece Lang için değil, tüm Alman sineması için bir dönüm noktasıdır. Yönetmen, Propaganda Bakanı Dr. Goebbels ile yaptığı görüşmenin ardından Fransa'ya göç etti. Ve görünüşe göre, faşizmin sonuçları, onun canlılığı hakkında, kurtarılmış Almanya'da sahnelenen ilk filmin, yönetmen W. Staudte tarafından, Lang'in başlangıçta "M" - "Katiller" olarak adlandırmak istediği gibi adlandırılması tesadüf değil. Aramızda" (1946) .

"M" nin konusu, 1950'de Joseph Losey tarafından - resmin yeniden yapımında ve Claude Chabrol 1991'de - buna dayanan bir fantezide kullanıldı. "Düsseldorf'tan Vampir" (1964) filmindeki Fransız aktör ve yönetmen Robert Hossein, yine "Düsseldorf hayaleti" hikayesine geri döndü ve bir tarihçenin yardımıyla bu kasvetli hikayeyi Nazi propagandasının çekiciliğine bağladı ve faşizmin başlangıcı. 1964'te bunu yapmak zor olmadı çünkü bu geçmişle ilgiliydi. Lang ise faşizmi karakterize eden birçok şeyden daha ortaya çıkmadan önce konuştu, bunu ülkede derin bir ahlaki kriz hisseden bir sanatçı olarak söyledi.

Alman Sinematografi Vakfı'nın (Berlin) 1993-1994 yıllarında sinemanın 100. yılı münasebetiyle Almanya ve diğer ülkelerden uzmanların katıldığı bir ankete göre, "Alman sinemasının en önemli 100 filmi" arasından birincilik tarih", Fritz Lang'ın "M" filmi tarafından çekildi.

"KRAL KONG"
(King Kong)

Yapım: RKO, ABD, 1933. E. Wallace'ın fikrinden yola çıkarak J. A. Creelman, R. Rose tarafından yazılmıştır. Yönetmen E. B. Shadsack, M. C. Cooper. Operatörler E. Linden, W. Walker, D. O. Taylor. Sanatçı K. Clark. Özel efektler W. O'Brien. Besteci M. Steiner. Oyuncular: F. Ray, R. Armstrong, B. Cabot, S. Hardy, N. Johnson, S. Clemente ve diğerleri.

Amerikan sinema mitolojisinin diğer ünlü kahramanlarının aksine - Frankenstein'ın canavarı, vampir Dracula, Shelley, B. Stoker, E. Burroughs'un romanlarından ekrana gelen Tarzan, dev gorilin edebi bir soyağacı yoktu. sinemanın oğludur.

1931'de yapımcı David O. Selznick iflasın eşiğine gelen RKO stüdyosunun yardımına koştu. Yönetmen Merian Cooper'dan (eskiden bir pilot ve gezgin) senaryoları titizlikle incelemesini ve ticari açıdan bir kazan-kazan seçmesini istedi.

Cooper, Yaratılış'ın yapımını iptal etti. Aynı zamanda, bir yıldır bu proje üzerinde çalışan tasarımcı Willis O'Brien'ın profesyonelliğine dikkat çekti. O'Brien sünger bebekler ve mafsallı çelik iskeletler yaptı. Özellikle tarih öncesi yaratıklarda iyiydi. Tiranozorlarından birinin 50 hareketli parçası olan özenle hazırlanmış modeller, lateks derinin altında şişen hava kabarcıkları ile sorunsuz bir şekilde hareket ediyor ve etkileyici bir şekilde nefes alıyordu.

O'Brien en sevdiklerini animasyon yöntemini kullanarak kare kare - yaklaşık 500 hareket - filme aldı - on saatlik çalışma sürdü. Ustaca yapılmış kuklalar, modeller ve süslemeler, doğa ve canlı oyuncularla mükemmel bir şekilde birleştirilmiştir.

Belgesel film yapımcıları Merian Cooper ve Ernst Shedsak, 1920'lerde Doğu'nun büyüsüne kapıldılar, İran ve Laos'ta iki ünlü etnografik tablo - "Çim" ve "Çan" yaptılar. Ardından "Dört Tüy" adlı uzun metrajlı film için Afrika'daki doğayı filme aldılar. Cooper, Afrika'dan sonra goriller hakkında bir şeyler yapmaktan heyecan duydu. O'Brien bu fikri beğendi. King Kong'un o zamanki gizemli Doğu modasıyla ısınan egzotik kökeninin nedeni budur.

Senaryonun popüler macera kitaplarının yazarı Edgar Wallace tarafından yazılması gerekiyordu, ancak adı sadece reklam için jenerikte geçiyor. Wallace, bu film için bir hikaye üzerinde çalışırken Şubat 1932'de Hollywood'da öldü.

Senaryo James Creelman ve Shadsack'in eşi Ruth Rose tarafından yazıldı. Merian Cooper da katkıda bulundu. King Kong'un New York'a saldırdığını hayal eden oydu. Elbette senaryonun yazarları mitlerin ve masalların motiflerini kullanmışlardır. King Kong, ünlü aşk hikayesi Güzel ve Çirkin'in ücretsiz uyarlamasıdır. Öyle bir periyotta - fedakarlık talep eden kişi bir kurbana dönüşür - ve "King Kong" un arsası inşa edilir.

Resimde, filmin keşif gezisi, söylentilere göre yerlilerin King Kong dedikleri devasa bir maymuna tanrı olarak taptığı egzotik bir adaya gidiyor.

Enerjik film yapımcısı-maceracı Carl Denham (Robert Armstrong) bir deniz seferini donatır. İşsiz yıldız adayı aktris Ann Darrow (Jean Harlow'un reddedilmesinin ardından Faye Wray tarafından canlandırılıyor), korkuyu eşsiz bir şekilde tasvir ettiği için keşif gezisine dahil edilecek. Ayrıca bir kahraman var - Jack Driscoll (Bruce Cabot, bu rol için onaylanan Joel McCree'nin yerini aldı).

Film yapımcıları, adanın ormanlarında tarih öncesi hayvanlarla tanışır. Köylerini en yüksek duvarla çeviren yerel vahşiler, büyük ve korkunç Kong'a dua edip fedakarlıklar yaparak bunun için güçlü kapılar açıyor. Yerliler, King Kong için en pahalı hediye olarak sarışın Ann Darrow'u kaçırmayı başarır. Ve sonra dev gorilin kendisi belirir. Bir boa yılanıyla, ardından bir brontosaurus ile savaşır ve onları yener.

Kong, devasa kapıyı kırar ve yarı çıplak Ann'e hayranlıkla bakarak dikkatlice avucunun içinde tutar.

Yoldaşlar, kızı kaçıranın pençelerinden kurtarmayı ve King Kong'u gemiye çekmeyi başarır. Zincirlenmiş bir goril, sahnede gösterilmek üzere New York'a taşınır. Ancak asi hayvan prangalardan kurtulur ve New York sakinlerini korkutarak her şeyi yok etmeye başlar. King Kong'u yok etmek ancak havacılığın yardımıyla mümkündür. Son sahnede, goril Empire State Binasının tepesinde duruyor, bir eliyle kulenin kulesini tutuyor, diğer eliyle onu makineli tüfeklerle vuran can sıkıcı uçaklarla savaşıyor (Cooper ve Shadsack, öfkeli canavar ve pilot ve topçu rollerinde rol aldı). Ve sonra Kong serbest kalır ve aşağı uçar...

Sonunda polis teğmeni mağlup canavara bakarak şöyle diyor: "Evet Denham, uçaklar onun işini bitirdi."

Carl Denham onu düzeltiyor: "Ah hayır. Bunlar uçak değil. Canavarı öldüren Güzellik'ti." (Son cümle Amerikan sinema tarihinin en ünlü yüz cümlesi arasında yer almıştır.)

Filmin adı birkaç kez değişti: "Canavar", "Maymun", "Maymun Kral", "Kong".

Resim, 1932 ilkbahar ve yazında stüdyoda çekildi. Cooper ve Shadsack, mütevazı bir bütçeyle, Faye Wray'in de rol aldığı The Most Dangerous Game'in (1932) çekimleri için inşa edilmiş bir orman ortamı kullandı.

Adadaki dev kapı aslında Griffith'in ünlü filmi Intolerance (1916)'daki Babil sahnesi için yapılmıştı.

Willis O'Brien, stop-motion yöntemini kullanarak, kukla ve canlı karakterlerin inanılmaz bir kombinasyonunu elde etti. Bu yöntem, film kamerasının bir kamera gibi çalışması ve yönetmen yardımcılarının nesnelerin düzenini değiştirdiği ve kuklayı hareket ettirdiği tek çekimler yapması gerçeğinden oluşur. Daha sonra çekimler, canlı oyuncuların rol aldığı diğer çekimlerle birleştirilebilir.

Ne yazık ki, filme Oscar verilmedi - o sırada henüz özel efektler için aday gösterilmedi.

Animasyonlu bölümlerde yerdeki ağaçlar ve çalılar, metal yapılar ve gerçek bitkilerin birleşimidir.

Reklama göre King Kong 50 fit boyundaydı (yaklaşık 15 metre). Aslında, filmde çok daha kısa ve boyu ormanda 19 fit iken New York'ta 25 fit arasında değişiyor. Film için birkaç goril modeli yapıldı. Modelin kendisi sadece 18 inç (45 santimetre) boyundaydı.

King Kong bir dev izlenimi verdi. Yakın çekimler için, ayı postlarıyla kaplı görkemli büstünü (içine vahşi bir fizyonominin yüz ifadelerini kontrol eden üç kişi yerleştirildi) ve aktris Fay Ray'in çığlık atarak savaştığı ünlü pençesini inşa ettiler. Bazen Faye'in ekrandaki korkusu gerçekti - düşüp mekanik parmaklarından kayıp düşmekten korkuyordu. Hollywood'da oyuncuya "Çığlık Kraliçesi" ("Squeal Kraliçesi") takma adı bile verildi.

Fay Ray'in "Op the Other Hand" adlı anıları - İngilizce'de sadece "Diğer yandan" değil, aynı zamanda "Diğer yandan" anlamına da gelir. Sinema tarihinde, oyuncu dev bir maymun avucunun üzerinde yükseldi. Ünlü sahnede Kong, kızı avucunun içine almış, şaşkın şaşkın ona bakmış ve bir çocuğun oyuncak bebek gibi soyunmaya çalışmıştır.

O'Brien, en sevdiği kertenkeleleri unutmadı - King Kong, bir tyrannosaurus rex ile savaştı, kahramanı bir pterodactyl'in pençelerinden kurtardı.

Film gösterime girdi ve hemen bir sansasyon yarattı. İki yıllık emek ve 650 bin dolar boşa gitmedi. Büyük Buhran - yıl 1933'tü - halkın gözlük özlemini baltalamakla kalmadı, hatta artırdı. King Kong, ilk haftasonunda, o günlerde duyulmamış bir miktar olan 90.000 $ hasılat elde etti. Reklam şöyleydi: "Mali kriz, para yok - ve yine de New York City, Radio City'de King Kong'u izlemek için dört günde (2, 3, 4, 5) 89.931 $ topladı."

Filmin ticari başarısı, RKO stüdyosunu iflastan kurtardı.

Uzun yıllar geçecek ve finans girişiminin şiirin büyülü dokunuşuyla damgasını vuran bir sanat eseri olduğu ortaya çıkacak. Paul Eluard'dan sinema kulübünün başkanı olması istendiğinde hemen sordu: "Tamam, King Kong'u gösterecek misin?"

Gişe başarısı, King Kong'u yeniden dirilmeye ve dünya ekranlarında gezinmeye mahkum etti. Bir yıl sonra, Cooper, Shadsack ve O'Brien, orijinalinin komedi devamı olan Son of Kong'u sıcak takipte yayınladı.

1949'da, O'Brien'ın Oscar aldığı "Mighty Joe Young" filmini de yaptılar - burada büyük bir canavar, güzel bir kızın öğrencisiydi, patronunun piyanoda oturduğu bir platformu kafasına sürükledi. , bir gece kulübünde isyan çıkardı ve yanan bir evden çocukları kurtardı.

1960'larda Japonya'da goril, radyoaktif kertenkele Godzilla (King Kong vs. Godzilla, 1962) ve ardından Kong'un kendi suretinde ve benzerliğinde yaratılan bir robot maymunla savaşmak zorunda kaldı.

1970'lerde Britanya'da dişi gorillerin özgürleşmesi için savaşan ve Ray-Fay ("Queen Kong", 1976) adlı hippi bir çocuğa iyilik yapan artık Kral (Kral) değil, Kraliçe (Kraliçe) Kong'du. Ayrıca "Kong" (1961), "King of Kong Island" (1968), "A.R.E." (1976, Kore).

Ancak 1970'lerin başından beri Amerika Birleşik Devletleri'ne yerleşen İtalyan yapımcı Dino De Laurentiis, Kong'u gerçekten ekrana geri getirdi.

1975'te Universal Studios ile bir hukuk savaşını kazandı ve King Kong'u yönetme hakkını kazandı. De Laurentiis klasik filmin olay örgüsünü korudu, jeneriğinde eski senaristlerin isimlerini bıraktı ama aksiyonu günümüze taşıdı ve karakterlerin diyaloglarını önemli ölçüde değiştirerek onlara yeni meslekler ve isimler verdi.

Yönetmen, kısa bir süre önce bir gökdelen yangını hakkında "Gökyüzündeki Cehennem" filmini çeken John Gillerman tarafından onaylandı.

Yeni King Kong'da keşif gezisinin lideri ve finalde ölen ana kötü adam, büyük bir petrol şirketinin temsilcisi çıktı. Bu kez King Kong, Dünya Ticaret Merkezi'ne saldırdı. Goril makineli tüfekle vuruldu ve sokakta öldü.

Kahraman rolünde rol alan büyüleyici manken Jessica Lange, selefi Fay Ray'den çok daha baştan çıkarıcı kıyafetlerle seyirci karşısına çıktı. Yeni resimde her şey daha açık sözlü hale geldi.

Tablo 24 milyon dolara mal oldu. Bu kez 12,5 metre boyunda bir goril maketi yapıldı. Tasarımcı Carlo Rimbaldi, hayvanat bahçesinde gorilin kafesinin yanındaki yüz ifadelerini ve hareketlerini incelemek için yaklaşık iki hafta geçirdi. Elektronik yapı uzaktan kumanda ile çalıştırılmıştır. Genel planda King Kong'u deri giyinmiş bir adam canlandırıyordu - makyaj sanatçısı Rick Baker.

On yıl sonra, De Laurentiis tekrar halka King Kong'u hatırlatmaya karar verdi - ama elbette olay örgüsünü değiştirdi. King Kong Lives filminde dev bir maymuna yapay bir kalp yerleştiren bilim adamları tarafından hayata döndürülür. Üstelik kalp uzaktan kontrol edilebiliyor. Elbette gorilin düşmanları vardır - ama bunlar artık paralı işadamları değil, zalim askerlerdir.

King Kong bir çift bulur - ormandan bir dev. Sonunda Kong yine de ölür ama oğlu kalır.

14 Aralık 2005'te, klasik King Kong filminin yeniden yapımı dünya çapında yayınlandı. Yönetmeni Peter Jackson ("Yüzüklerin Efendisi") tüm yetişkin hayatı boyunca bunun hayalini kurdu.

Üç saatlik film, son yıllarda Hollywood'un en pahalı projelerinden biri haline geldi. Filmin reklam maliyetleri hariç tek başına yapım maliyeti 207 milyon doları buldu. Filmde Oscar kazanan Naomi Watts (Dorrow rolünü Kate Winslet de üstlendi) ve komedyen Jack Black (Carl Denham) Adrian Brody (Jack Driscoll) rol aldı. King Kong'u aktör Andy Serkis canlandırdı.

Özel efektler Veta tarafından gerçekleştirildi. 1933 filminin atmosferini yeniden yaratmakla görevlendirildi. Eski New York, Yeni Zelanda'nın Wellington şehrinde inşa edildi. Daha doğrusu, Yeni Zelanda başkentine 15 kilometre uzaklıktaki Lover Hutt kasabasında. Ancak gökdelen inşa etmeye gerek yoktu - New York'u çekmek için gerekli binaların yalnızca ilk üç katı "uyduruldu".

Hollywood efsanesi Fay Wray, trajik bir şekilde, Jackson'ın yeniden yapımının galasından bir yıl önce 96 yaşında öldü.

Faye Wray 1963'te verdiği bir röportajda "King Kong'a içerlerdim," dedi. Ama artık onunla savaşmıyorum. Bunun bir klasik olduğunu anlıyorum ve adımın bu filmle anılmasından memnunum.

Hikayeye göre King Kong'un öldüğü Empire State Binası'ndaki aktrisin anısına, ışıklar çeyrek saat süreyle söndürüldü ...

"ATALANTA"

(Atalante)

Yapım: Fransa, 1934. Senaryo J. Vigo ve A. Riera tarafından yazılmıştır (J. Guinet'nin hikayesinden uyarlanmıştır). J. Vigo'nun yönettiği. Operatör B. Kaufman. Sanatçı F. Jourdain. Besteci M. Jaubert. Oyuncular: M. Simon, J. Daste, D. Parlo, J. Margaritis, L. Lefebvre ve diğerleri.

Jean Vigo inanılmaz bir kaderi olan bir yönetmen. Sadece yirmi dokuz yıl yaşadı ve üç film çekti: About Nice (1930), Zero for Behavior (1933), Atalanta (1934), hiçbiri normal dağılıma sahip değildi. Ve aynı zamanda resimleri ölmedi, üstelik sinema tarihine girdiler ve gelişiminde büyük etkisi oldu. Örneğin Vigo'nun filmleri "yeni dalga"nın liderlerinden Truffaut, Godard, Chabrol ve diğerlerinden esinlenmiştir.

Atalanta'da Vigo'nun yapıtının ana iç teması olan gizli şiir teması tam bir anlatıma kavuşmuştur. Resim, yazar Rière Guichen'in (gerçek adı Jean Guinet) aynı adlı romanına dayanıyordu.

İşin konusu orijinal değil. Atalanta mavnasının genç sahibi Jean, Juliette adında bir köylü kadınla evlenir. Eski denizci Jules, kamarot ve köpek eşliğinde nehirler ve kanallar boyunca seyahat ederler. Jung, Juliette'e Paris'in zevklerinden bahseder. Kız günaha yenik düşer ve şehirde kalır. Atalanta onsuz yelken açar. Tüm parasını masum eğlenceye harcayan Juliette, bir restoranda hizmetçi olur. Mavna limana döndüğünde Peder Jules, Juliette'i aramaya çıkar ve kızı bulur. Jean onu geri almayı kabul eder. Hayat yoluna girmiş gibi görünüyor. Ancak mutluluk Atalanta'nın yönetim kurulunu terk etti...

Vigo hemen senaryoda önemli bir değişiklik yapılmasını önerdi: Juliette, genç bir denizci tarafından değil, gezici bir tüccar tarafından şehir tarafından baştan çıkarılacaktı. Yapımcı Jacques-Louis Nunetz ve hikayenin yazarı aldırmadı.

Vigo, Guichen ile birlikte birkaç gün içinde doğru bir yönetmen senaryosu geliştirdi. Jean şehirden nefret ediyordu - güzel! Sebeplerden biri, "yağmurlu bir gün için" bir kenara bırakılması gereken parayı çarçur etmeleridir. Belirleyici anda, karısı mavnadan ayrıldığında, "Şehri tanıdıktan sonra geri dönecek ... Ve sadece Atalanta'da mutlu olduğunu öğrenecek" diye haykırıyor.

Çekimlerin çoğu yerinde, güneşli havalarda yapılacaktı. "Gaumont" firması stüdyoya film sağladı ve filmin dağıtımını üstlendi. Bütçe neredeyse bir milyon frank olarak gerçekleşti. Bağımsız ürünler için bu önemli bir miktar olarak kabul edildi. Yapımcının ısrarı üzerine ünlü aktörler Michel Simon (baba Jules) ve Dita Parlo (Juliette) davet edildi.

Jean ve kabin görevlisi rolleri için Vigo, arkadaşları Jean Daste ve Lefebvre'yi aldı. Atalanta film ekibi, görüntü yönetmeni Boris Kaufman ve besteci Maurice Jaubert de dahil olmak üzere Zero for Behavior adlı kısa filmde yer alan pek çok kişiyi içeriyordu. Bunlara ek olarak Vigo, çekim için Francis Jourdain (setler ve düzenler) ve Louis Chavans'ı (kurgu) cezbetti.

Atalanta, Kasım ayı ortasında Jean ve Juliette'in düğün sahnesiyle çekime başladı. Tüm grup, Oise bölgesindeki Morecourt köyüne yerleşti. Ayrıca Fanny Clare, Juliette'in ebeveynlerini oynayan Rafael Dilijan ve sağdıç rolünü oynayan yazar Rene Blake'in de yer aldığı bir figüran vardı. Kabaktan gelen neşeli adam, sanatçı Gene Paul'du. Diğer karakterler de arkadaşlar tarafından oynandı.

Aralık 1933'ün çok soğuk olduğu ortaya çıktı. İlk iki hafta, mavna Willetta havzasındaki kanallarda yol aldı, ancak güneşli günler gittikçe azaldı. Vigo, geceleri spot ışıkları altında çekim yapmaya çalıştı ve ardından işi, sanatçı Francis Jourdain'in mavnanın içini aslına sadık bir şekilde yeniden üreten bir sahne oluşturduğu stüdyoya aktardı. Güneş doğduğunda, film ekibi hemen Loire setindeki Villette stüdyosundan çok da uzak olmayan bir yerde demirlemiş olan Atalanta'ya koştu. Etrafta o kadar çok kar vardı ki, arka plan olarak yalnızca gökyüzü kullanılabilirdi.

Atalanta'nın çekimleri hakkında çok az şey biliniyor. Kameraman Boris Kaufman şunları söyledi: “İsteğimiz üzerine gerçek kamara boyutunda (sıkışıklık hissini korumak için) inşa edilen mavnada ve manzarada geçirilen üç ay, bu telaşa katılanlar tarafından asla unutulmayacak. ve doğaçlama çalışma. Donmuş kanallar ve bilinçsiz kahramanlığın çok az kanıtı - Dita Parlo, bir mavna üzerinde köprünün buz güvertesi boyunca çıplak ayakla yürüyen Jean Daste, Vigo'nun ilk isteği üzerine kendini buz kütlelerinin yüzdüğü suya atarak - tüm bunlar özel bir yaratıldı atmosfer. Hava soğuktu, farkında olmadan yorgunluktan ölüyorduk. Herkes Paris kanallarının enfes manzarası tarafından zehirlendi ve kilitler, bankalar, halk baloları ve çorak arazilerin zemininde filme alındı ... Çoğu zaman görünüşte çözülemez teknik sorunlar ortaya çıktı, ancak her şey sanki bir peri masalındaymış gibi çözüldü. bu inanılmaz resim üzerinde çalışanların tutkusu.

Aşırı soğuk ve aşırı sinir, Vigo'nun sağlığını etkiledi. Kendini hiç esirgemedi. Yönetmen ateş ve öksürükten acı çekti. Ne yazık ki stüdyoya yapılan yeni ve çaresiz bir saldırının ardından karlı sokağa geri dönmek zorunda kaldık.

Yönetmen P.-E. Satış Gomez. - Juliette'i beyaz, sanki akşam, pus veya Juliette'in mavnayı bulamadığı gri setin hüzünlü görüntüsü içinde gördüğümüz çekimler bunlar. Ve bu güzellik bizden gizli değil, sergileniyor ve duygularımızın bir parçası gibi görünüyor. Ve suya koşan Jean'in gözlerinde parıldayan temiz kum, deniz ve gökyüzü ne kadar güzel!

Eyfel Kulesi'nin en üst katından Paris'in dairesel bir panoramasını çekmesi gerekiyordu. Bu fikrin gerçekleşmesi muhtemelen garip bir çekiciliğe neden olacaktır. Ekonomik nedenlerle terk edilmesi gerekiyordu ve Vigo kendini mavnanın kilitte manevrasını göstermekle sınırladı.

Ancak kurgu, çekim noktaları ve yönetmenlik sayesinde sonuçlar daha az ilginç değildi. Jaubert'in muzaffer müziği de önemli bir rol oynuyor.

... Vigo'ya filmi bir an önce bitirmesi için baskı yapıldı. Ocak 1934'ün ikinci yarısında tren istasyonundaki hırsızlık sahnesini ve Juliette'in Paris'teki birçok planını henüz filme almamıştı.

Vigo, Austerlitz istasyonunda ancak gece yarısından sonra çekim yapma izni aldı. Ekstralara katılmak için yaptığı çağrıya arkadaşları cevap verdi, ancak sayıları azdı. Chavans, Montparnasse ve Saint-Germain-des-Pres kafelerine gitti ve Ekim grubundan yoldaşları getirdi. Gönüllü ekstralar açıkçası eğlendi. Ardından görev başındaki polis memurlarını, film ekibini ve seyircileri oyuna çekmeye çalıştılar. Vigo, çirkin arkadaşlarından disiplin almak için mücadele etti ve herkes sabaha kadar çalışmak zorunda kaldı.

1934 Şubatının başlarında Vigo o kadar zayıfladı ki yatmak zorunda kaldı. Kaufman, son çekimleri mekanda bağımsız olarak filme aldı ve Chavans, yönetmenle kararlaştırılan plana göre son kurguyu üstlendi.

Vigo, Chavans'ın çalışmalarını kontrol etme ve arkadaşlarıyla birlikte artırılmış montajı izleme gücünü buldu. Kurgu, çekim noktaları ve yönetmenlik sayesinde sonuçlar etkileyiciydi. Filmin dekorasyonu Jaubert'in müziğiydi.

Atalanta'nın gösterimi 25 Nisan 1934'te Pala Rochechouart'ta gerçekleşti. Sinema sahipleri ve il dağıtımcıları hayal kırıklığına uğradı. Yapımcıdan yeniden çalışma talep ettiler. Yapımcı uzun süre direnmedi. Durumu her geçen gün daha da kötüleşen hasta Vigo, yavrusunu koruyamadı.

Bu koşullar altında, filmle ilgili her şeyi yapabilirsiniz. 1934'te Cesare Andrea Bixio'nun Lis Goti tarafından seslendirilen "Sailing scow" şarkısı başarılı oldu. Vigo'nun tablosunun adı acilen "Geçen Kaş" olarak değiştirildi. Jaubert'in müziği kesildi ve yerine Bixio melodileri yerleştirildi.

"Swimming Scow" gişede başarısız oldu. Melodram sevenler hayal kırıklığına uğradı. Paris'teki Colosseum sinemasındaki izleyiciler her gösterimde ıslık çaldı.

Birçoğu Atalanta'nın orijinal versiyonunu gördüğü için eleştirmenler halktan daha az sert çıktı.

6 Ekim 1934'te Jean Vigo vefat etti. Yoksunluktan ve fazla çalışmaktan doğan bir hastalık olan duyarlılıktan öldü. Cenaze günü "Sal Adiar" sinemasında Michel Simon'ın katılımıyla filmlerin retrospektifi sırasında "The Passing Scow" gösterimi yapıldı. Dita Parlo, Jean Vigo'nun anılarıyla konuştu, Atalanta için nasıl savaştığını anlattı.

1940 yılında film, müzikleri Jaubert tarafından ve orijinal adıyla yayınlandı. Ancak Henri Langlois'in bugüne kadarki en eksiksiz olan üçüncü versiyonda restore etmeye çalıştığı sahnelerin çoğu yoktu - 1950'de Fransız sinemasının himayesinde sunuldu.

Vigo filmi, Fransız yönetmenlerin ve sinemaseverlerin yetiştiği bir eser haline geldi. Şair ve senarist Jacques Prevert'in daha sonra Atalanta hakkında yazdığı gibi, "bu sakatlanmış, unutulmuş, aşağılayıcı bir şekilde ele alınan film, bugün hala mutlak yeniliğini koruyor."

"YENİ ZAMANLAR"
(Modern Zamanlar)

Yapım: "Charles Chaplin Film Corporation" - "United Artist", ABD, 1936. Ch.Chaplin tarafından yazıldı ve yönetildi. Operatörler R. Tothero, A. Morgan. Sanatçılar CD Hall, R. Spencer. Besteci Ch. Chaplin. A. Newman'ın müzik düzenlemesi. Oyuncular: Ch. Chaplin, P. Godard, G. Bergman, S. Sanford, Ch. Conklin, X. Mann ve diğerleri.

... 1932 baharında dünya çapında bir gezi yapan Charles Chaplin, Hollywood'a döndü. Geldikten hemen sonra sosyal konularda bir dizi makale dikte etmeye başladı, ancak bu mesleği bıraktı ve "Modern Zamanlar" filmini yaratmaya başladı.

Chaplin otobiyografisinde "New York World gazetesi için zeki, genç bir muhabirle yaptığım bir konuşmayı hatırladım," diye yazmıştı. "Detroit'i ziyaret edeceğimi duyunca bana montaj hattı sisteminden bahsetti, büyük endüstrinin montaj hattında dört ya da beş yıl geçirdikten sonra sinir krizi geçirerek hastalanan sağlıklı genç çiftçileri nasıl cezbettiğine dair korkunç bir hikaye. Bu konuşma bana Modern Zamanlar filmi fikrini verdi.

Olay örgüsünü geliştirirken (tam bir yıl sürdü!) Chaplin'e Carter De Henven ve Henry Bergman yardımcı oldu. Gelecekteki filmin adını bir sır olarak saklamaya karar verdi. 1934 sonbaharında, Chaplin uydurduğu hikayeden oldukça memnundu.

Resim, mezbahaya götürülen ve tüm ekranı dolduran bir koyun görüntüsüyle başlar. Sürünün yerini, önce metroya akan ve ardından serseri Charlie'nin konveyörde çalıştığı fabrikanın kapılarına koşan büyük bir insan kalabalığı alır.

Tüm meyve suları işçilerden sıkılır. Chaplin filme, işçilerin kahvaltı sırasında bile konveyörde kalmasına olanak tanıyan, zaman kazandıran bir cihaz olan bir "yemleme makinesi" ekler. Fabrikadaki olay, serserinin gergin bir nöbet geçirmesiyle sona erdi. Charlie hastaneden sağlıklı ama işsiz ayrılır. Bir serseri, sokaktaki yanıcı bir kargo kamyonundan düşen kırmızı bir bayrağı alır. Göstericiler onun arkasında toplanıyor. Polis, liderlerinin Charlie olduğuna karar verir ve onu tutuklar.

Serbest kaldıktan sonra serseri tersanede işçi olarak işe alınır ve orada bitmemiş bir gemiyi denize indirir. Tekrar işsiz kaldıktan sonra, tutuklanmak için mümkün olan her yolu deniyor: hapishanede en azından bir parça ekmek ve başını sokacak bir çatısı olacak.

Suçlularla dolu bir polis arabasında ekmek çaldığı için hapse atılan bir kızla tanışır. Bu andan itibaren, "yeni zamanlarda" bir şekilde hayatta kalmaya çalışan iki evsiz yaratığın teması başlar.

Sonlara doğru Charlie'nin arkadaşı bir iş bulur: Charlie dansçı olur. Serseri hapisten çıktıktan sonra kabareye garson olarak girer ve akşamları "Titina'nın peşinden koşuyorum" şarkısını söyler. Ama polis kızı tutuklama emriyle geldi. Charlie ve sevgilisi yeniden yeni maceralara atılıyor...

Eylül ayı boyunca ve Ekim 1934'ün başı, stüdyodaki çalışmalar tüm hızıyla devam etti. Sanatçı Charles Hall eskizler hazırladı ve yardımcıları fabrikanın dekorunu oluşturmaya başladı.

Eylül ayı başlarında Paulette Godard ile Charlie'nin kız arkadaşı "kız" rolü için onaylanan bir sözleşme imzalandı. Oyuncu paçavralar içindeydi. Chaplin, Paulette'i daha kirli göstermek için yüzüne kirli makyaj lekeleri yaptığında, gözyaşlarını güçlükle tutabildi. "Onları sinek olarak düşün," diye ısrar etti.

Chaplin, "New Times'daki Paulette'in kostümü, benim için Dior'un yarattığından daha az icat ve incelik gerektirmedi," diye tartıştı. “Bir sokak kızının kıyafetleri dikkatsizse, paçavraları teatral ve inandırıcı görünmeyecektir. Oyuncuyu bir sokak erkek fatması ya da çiçekçi bir kız gibi giydirerek, onu cazibesinden mahrum bırakmadan şiire ulaşmaya çalıştım.

Chaplin, 11 Ekim 1935'te çekime başladı. Çalışma günü, çekimlerin genellikle öğle yemeğinden sonra başladığı sessiz film yıllarına kıyasla önemli ölçüde uzadı.

Chaplin kendini esirgemedi. Tam bir günlük çekimden sonra, kıyafetlerini değiştirmeden ve soyunmadan eve geldi, yorgunluktan uyuyakaldı, çoğu zaman arabadan kendi başına inecek gücü bulamıyordu. Charles Jr., günün kötü geçmesi durumunda yorgunluğun babası için daha da kötü olduğunu hatırladı. Chaplin fazla çalışmayı çok tuhaf bir şekilde ele aldı: kendini bir saatin dörtte üçü boyunca buhar odasına kilitledi, ardından bazen akşam yemeği için bir yere gidecek gücü buldu. Ancak daha sık olarak, hemen yatağa gider ve akşam yemeğini yatakta yerdi.

New Times'ın çekimlerinin son haftalarında, Chaplin işine o kadar dalmıştı ki sonunda stüdyoya taşındı.

Chaplin'in parlak paten balesi için sekiz gün geçti. Hızlı bir şekilde çekildi, ancak birleşik çekim için şeffaf arka planlar hazırlamak çok zaman aldı, bu da uçurumun kenarında çit olmadan yuvarlandığı yanılsamasına yol açtı.

New Times'ın çekim programında son sahne bir kafedeydi, garson Charlie elinde kızarmış bir ördekle dansçıların olduğu kalabalık bir salonda ilerliyordu. Çekildiği gün 250 figüran çalıştırıldı.

Filmin son sahnelerinde, serseri, kız arkadaşıyla birlikte uzaklara, önlerinde açılan büyük dünyaya gider. Aynı zamanda Chaplin, Charlie ve arkadaşının, yükselen güneşin ilk ışınlarıyla aydınlatılan yolun kenarında oturduğu bir önceki sahne ile sonun sesini daha da güçlendirir; kız başını eğip ağlıyor ve serseri ona güvence veriyor: “Neşelen! Hadi yaşayalım!"

Filmin son karesi 30 Ağustos 1935'te çekildi. On buçuk aylık çekim süresi rekor oldu - The Parisian bu kadar hızlı çekildiğinden beri tek bir Chaplin filmi değil.

Chaplin'in sesle ne yapacağına karar vermesi uzun zaman aldı. Paulette Godard ile birlikte ses testlerinden geçti: seslerinin hoş bir tınıya sahip olduğu ve filme çok iyi uyduğu ortaya çıktı.

Yine de Chaplin diyalogu reddetti. Filmin Intersine dergisindeki galasından kısa bir süre önce yayınlanan röportajında şunları söyledi: “Rolümde kaldığım sürece ekrandan konuşamam. Konuşmaya başlarsam yürüyüşüm tamamen değişmek zorunda kalacaktı. İlk kelimemle, olağan görünüşüm, hem Amerika'da hem de Avrupa'da veya Etiyopya'nın herhangi bir yerinde dünyanın her yerindeki izleyiciler için çok anlaşılır olan o genelleştirici figür - neşe ve sıkıntının somutlaşmış hali - olmaktan çıkacak ... Yapamam her zamanki rollerimle konuş. Bu, imaj üzerindeki yirmi yıllık çalışmamı öldürür ... "Konuşan" bir rol oynamak istersem, yarattığım imajın değiştirilmesi gerekecek.

New Times'da seyirci yine de Chaplin'in sesini duydu, ancak o konuşmadı, ancak bir restoranda popüler Fransız pop şarkısı "I Run for Titina" nın güdüsüne bir şarkı söyledi. Bunun için birkaç dilden tamamen anlamsız sözcükleri birleştirdiği bir metin yazdı.

Müzik çalışmaları Ağustos 1935'te başladı. Chaplin, City Lights'ta Alfred Newman ile yaptığı işbirliğinden çok memnun kaldı ve onu yeniden müzik direktörü olarak atadı. Edward Powell, orkestratör olarak işe alındı. Powell da bir zamanlar Kharms müzik yayınevinde birlikte çalıştığı 23 yaşındaki aranjör David Ruksin'i davet etti.

Chaplin tarafından yazılan tablonun müzik notasına gelince, içinde en çok iç içe geçmiş iki tema ses çıkarır: Charlie'nin şakacı veya lirik ana motifi ve Amerikalı işçilerin eski devrimci devrimci şarkısının melodisi.

5 Şubat 1936'da "Modern Zamanlar" filmi New York'taki Rivoli Hall'da ve 11 Şubat'tan itibaren Londra'daki Tivoli'de tam bir salonda gösterilmeye başlandı. Ertesi gün, Hollywood'daki Grauman's Chinese Theatre bir gala galasına ev sahipliği yaptı.

New York'tan telgrafla gönderilen büyük gazetelerin muhabirleri:

Binlerce izleyici Broadway'i "Polis, Rivoli sinemasının yolunu açmak için çok çalışmak zorunda kaldı" dedi. Herkes Charlie'nin Yeni Zamanları'nın galasına katılan ünlülere aval aval bakmak istedi. Bu gala performansına Fairbanks'in babası ve oğlu Gloria Swenson, Ginger Rogers, Edward D. Robinson katıldı...

Eleştirmenler yeni filmde birlik olmamasından şikayetçi. Ona göre, çok keyfi bir şekilde birbirine bağlanan ilginç ve hatta mükemmel parçalardan oluşuyor; aslında filmin başı, ortası, sonu yoktur. Birçoğu, Chaplin'in eski filmlerden rastgele bölümleri birbirine bağlayarak geçmiş başarılarının bir antolojisini oluşturmak istediğine inanıyor.

Ve genel halk, psikolojik inceliklere kendini kaptırmayan ve sosyolog ya da filozof gibi davranmayan eski Charlie'yi gördükleri için seviniyor.

Ve gerçekten de seyirci filmi insanın ancak hayal edebileceği bir şekilde aldı.

Chaplin'in broşürü iktidardakileri memnun edemedi. Amerika Sinema Filmi Yapımcıları ve Dağıtımcıları Derneği, filmdeki en keskin köşeleri yumuşatmak için her türlü çabayı gösterdi. Talebi üzerine, özellikle göstericiler ile polis arasındaki "fazla gerçekçi" çatışma ve hapishanedeki rahibin "hayırsever" faaliyetleriyle alay edilen tüm parçalar kesildi.

Hearst basını şunları yazdı: “Chaplin, hiç bu kadar sert ve inatçı olmadığı için suçlanıyor. Mevcut siyasi eğiliminin komünizme çok yakın olduğunu görüyorlar. Kendisini her zamankinden daha açık bir şekilde büyük sanayicilerin ve polisin düşmanı ilan ettiği için affedilmiyor.

New Times'ın faşist ülkelerde yasaklanması daha da aydınlatıcıdır. Hatta Dr. Goebbels, Fransa'daki yandaşlarının yardımıyla Chaplin'e karşı bir dava açmaya bile çalıştı ve onu ... intihalle suçladı: sanki New Times, René Clair'in "Bize özgürlük!" (1932). Ancak Tobis avukatlarının tüm iddiaları, duruşmada Rene Clair'in ifadesiyle çürütüldü. Chaplin'in coşkulu bir hayranı, öğretmenine herhangi bir şekilde gerçekten yardım ederse gurur duyacağını söyledi.

"BÜYÜK İLLÜSYON"
(La Grande illüzyonu)

Yapım: Fransa, 1937. Ch. Spaak ve J. Renoir tarafından yazıldı. Yönetmen: J. Renoir. Operatörler K. Matra, K. Renoir, J.-S. Burgu tr. Sanatçı E. Lurie. Besteci J. Cosma. Oyuncular: J. Gabin, P. Frenet, M. Dalio, E. Stroheim, D. Parlo, J. Carette ve diğerleri.

Grand Illusion, biçim ve içeriğin burada gerçekten klasik bir mükemmelliğe ulaşması anlamında, Fransız yönetmen Jean Renoir'ın kuşkusuz en eksiksiz filmi.

The Great Illusion kelimenin tam anlamıyla bir otobiyografik film değilse de, yaratıcısının kaderiyle hala bazı temas noktaları var. Birinci Dünya Savaşı sırasında Jean Renoir bir pilottu. Almanya üzerinde vuruldu ve savaşın sonuna kadar Alman kamplarındaydı.

1934'te Jean Renoir, general rütbesine yükselen asker arkadaşı Pensard ile tanıştı ve ondan savaş esiri kamplarından kaçışlarla ilgili hikayeler duydu. “Almanlar tarafından yedi kez vuruldu. Ve her seferinde canlı ve iyi bir şekilde inmeyi başardı. Yedi kez esaretten kaçtı. Renoir, kaçışlarının öyküsünün bana bir macera filmi için iyi bir temel gibi geldiğini hatırladı. "En karakteristik bulduğum detayları yazdım ve bir gün onların filmini yapmak niyetiyle notları kağıtlarıma koydum."

Senarist Charles Spaak ile tanışan Renoir, onunla bir kaçış hazırlayan ve başarılı bir şekilde gerçekleştiren Fransız savaş esirleri hakkında bir hikaye paylaştı. Sonra Jean Gabin ile konuştular. Herkes fikri çok beğendi.

Ancak Renoir'a bu kadar güçlükle tek bir yapım verilmedi. My Life and My Films adlı anı kitabında şöyle yazıyor: “The Great Illusion'ın çekimleri için para bulma çabalarımın hikayesi, bir film için bir olay örgüsü görevi görebilir. Üç yıl boyunca, hem gelenekçi hem de avangard tüm Fransız veya yabancı yapımcıların ofislerinde senaryonun el yazmalarıyla sürüklendim. Jean Gabin'in müdahalesi olmasaydı hiçbiri böyle bir maceraya atılmazdı. Yapımcıları ziyaretlerimde sık sık bana eşlik ederdi. Sonunda, Jean Gabin'in güven uyandıran sağlamlığı karşısında şok olan ve filmin yapımcısı olmayı kabul eden bir finansör bulundu.

Eylem, Birinci Dünya Savaşı sırasında, çoğunlukla subaylar için Alman hapishane kamplarında gerçekleşir. Burada farklı sınıflardan insanlar toplanmıştır: aristokrat pilot Boeldieu (Pierre Frenet), köylü çocuk uçak tamircisi Marechal (Jean Gabin), zengin bir Yahudi tüccar Rosenthal'ın (Dalio) oğlu. Mahkumlar kaçmaya ve bir yer altı geçidi kazmaya hazırlanıyorlar, ancak aniden başka bir kampa, eski bir kaleye naklediliyorlar. Tüm zorluklara rağmen Marechal ve Rosenthal kaçarlar ve onları koruyan Boeldieu, kamp komutanı von Rauffenstein'ın kurşunuyla ölür. Kaçaklar, genç bir Alman köylü kadın olan dul Elsa'nın (Dita Parlo) yanına sığınır ve ardından sınırı geçer.

Esaret ve ondan ortak bir kaçış arzusu, kahramanları birbirine yaklaştırdı ve bir süre için sınıfsal karşıtlığı yok etti.

Filmin adı Kaptan Marechal'dan Kaçışlar'dı. Alman muhafızlar komploda küçük bir rol oynadı.

Eric von Stroheim'ın beklenmedik bir şekilde ortaya çıkmasıyla her şey alt üst oldu. Alsas'ta çekimler başlamadan birkaç gün önce, filmin yönetmeni Remon Blondy tarafından küçük Rauffenstein rolüne davet edildi. "Martha Richard" filminde Prusyalı bir subayı parlak bir şekilde oynayan Avusturyalı Stroheim, Fransa'daki kalış süresini herhangi bir şekilde uzatmaya ve ayrıca birkaç ekstra frank kazanmaya çalıştı. Bu nedenle, daha fazla açıklama gerektirmeden rolü kabul etti.

Blondie, yalnızca bir aktörle değil, aynı zamanda sessiz filmlerin en büyük yönetmeni, idolü Jean Renoir ile de uğraştığından şüphelenmedi bile!

Rauffenstein'ı kimin oynayacağını öğrenen Renoir neredeyse bayılıyordu. Alman komutanın rolü kısa bir sahneye ve dört satıra sığar!

Toplantıda şok geçiren Renoir, Stroheim'a koştu, ona sarıldı ve eski bir dost gibi onu öptü.

Stroheim sordu: "Sevgili mösyö, bana rolümü söyleyin!"

Renoir ona güvence vermek için acele etti: "Daha sonra zaman acı çekiyor, ama bu harika bir rol! Mükemmel! 1914-1918 savaşı sırasında bir Fransız savaş esiri kampında bir Alman subayısınız. Parlak memur. Bugün daha fazla bir şey söylemeyeceğim! - Ve ekledi: - İki gün sonra çekime gidiyoruz ve senin için en önemli şey terziden takım elbise sipariş etmek!

Stroheim bu kadar kısa bir açıklamadan memnun kaldı ve cebinde bu filmin ciddiyetine tanıklık eden ilk çekle ayrıldı.

İki gün sonra, film ekibi Alsace'a bir film gezisine çıktı. Stroheim Paris'te kaldı - ilk sahnelere katılmadığı söylendi.

Geceleri, Becker ve ona tavsiyelerde bulunan yönetmen yardımcısı Françoise Giroud'nun yardımıyla Renoir, The Great Illusion'ın senaryosunu yeniden yazdı, icat etti ve karakter - von Rauffenstein'ı tanıttı.

Gecikmeden yararlanan Stroheim, kahramanı için bir korse buldu. Von Rauffenstein, uçağı düşman tarafından düşürüldüğünde omurgasını yaraladı! Çeneye özel bir "sert yaka" dayanıyordu. Her ikisi de, diğer şeylerin yanı sıra, Stroheim, Renoir'a empoze etti.

Birkaç gün sonra Stroheim film ekibine katıldı ve her sabah kimse onu aramasa da sette bir Alman subayı üniformasıyla, tüm ortopedik aksesuarlarla ve seçtiği ödüllerle belirdi ve Renoir'ı bir tık ile karşıladı. topuklarından: “Bugün çekim yapıyor muyum, çekmiyor muyum? » Yönetmen yanıt olarak şöyle dedi: “Hayır, bugün değil, bugün değil! Ve yarın bile değil! Ve böylece Rauffenstein rolü senaryoya yazılana kadar devam etti.

Von Rauffenstein'ın rolünün genişlemesi, filmin tüm dramatik simetrisini değiştirdi. Üç ana karakter, üç Fransız mahkum - zengin Rosenthal ve Marquis de Boeldieu'nun oğlu tamirci Marechal - tek bir hikayede bir araya getirildi, Fransız halkını birleştirme fikrini göstermesi gerekiyordu, ana toplumun tüm anti-faşist güçlerini toplamaya çalışan Halk Cephesi fikri.

Von Rauffenstein, "Büyük Yanılsama"nın kompozisyonuna farklı bir şekilde bakmamı sağladı. Yeni bir sebep ortaya çıktı: yakınlık, iki aristokratın samimi sempatisi, kalıtsal askerler. Film boyunca, kale komutanı görevini parktaki bekçilik konumu kadar aşağılayıcı bulan eski bir savaşçı olan von Stroheim'ın kahramanı, de Boeldieu dışındaki tüm Fransız savaş esirlerine acı ve küçümseme ile bakıyor. . Rauffenstein onu hemen ayırır: "Bir Boeldieu tanıyordum ... Kont Boeldieu ... İyi bir genç adam," ve tutsak aristokrat yanıt verir: "Bu benim kuzenim." Buluşma sahnesi filmdeki en etkileyici sahnelerden biridir. İki aristokrat bir araya geldi ve akrabalıklarını hemen hissetti.

Görünüşe göre de Boeldieu, kalenin komutanıyla olan özel ilişkisi nedeniyle arkadaşlarıyla birlikte kaçmayı reddetmişti. Yine de operasyon için belirlenen saatte yaygara kopararak onlara yardım etti. Bu sahne Jean Cocteau tarafından güzel bir şekilde anlatılmıştır: “Frenet'i eski bir ailenin bir tür çocuğu olan çabuk huylu ve asil Boeldieu rolünde göreceksiniz. Yoldaşlarının kaçışını örtmek için, Antoine Watteau'nun tablosundaki hayalet çoban çocuk gibi, Alman kalesinin spot ışıkları ışığında beyaz eldivenli flüt çalıyor.

Aynı sahnede şok içindeki Rauffenstein, Boeldieu'ya teslim olması için yalvarır, aksi takdirde Boeldieu ateş etmek zorunda kalır. Boeldieu ölümü cesaretle kabul ediyor ve von Rauffenstein, kaledeki tek çiçek olan pencere pervazında açan bir çiçeği bir arkadaşının vücuduna koymak için kesiyor ... Tüm bölüm Renoir tarafından gerçek bir trajedi olarak yapıldı. .

Kaçaklar, bir askerin dul eşi olan Alman bir köylü kadının evine sığınacak. Renoir, bir Alman köylü kadın ile bir Fransız işçinin sosyal topluluğunu gösteriyor. Jean Gabin tarafından canlandırılan Maréchal, Fransız aklını ve manevi duyarlılığını, ahlaki saflığı ve yiğitliği bünyesinde barındıran bir halk kahramanı olarak karşımıza çıkıyor. Tüm bu özellikler kaçış sırasında Marechal'de ortaya çıkar, sadece kendisini değil, bacağını yaralayan, zayıflayan ve kalbini kaybeden Rosenthal'ı da kurtaracaktır.

Renoir'ın çekimleri bittikten sonra bulduğu filmin ismi bir çok tartışmaya yol açtı.

Filmdeki karakterlerin "illüzyonu", onları savaş sırasında ve esaret altında birleştiren duyguların, sınava dayanabileceğine ve barış geldiğinde de devam edebileceğine olan inancı ya da en azından inanç görüntüsüydü. Ve bu dostluk, bir Fransız aristokratını köylü çocuk Marechal uğruna hayatını feda etmeye ve karşılığında zengin bir işadamının oğlunu kurtarmak uğruna riske atmaya zorlayan bir cephe ortaklığı gibi harika olacak. Rosenthal.

Senaryonun ilk versiyonlarından birinde, başarılı bir kaçışın ardından ayrılan karakterler, 1918 Noel arifesinde Maxim's Restaurant'ta buluşmayı kabul ederler. Final sahnesinde ise ikisi de sosyal çevrelerine dönerek verdikleri sözü tutmadıkları için iki sandalyeli boş bir masanın görünmesi gerekiyordu.

Renoir, The Grand Illusion üzerinde çalışırken tam bir gerçekçiliğe ulaşmaya çalıştı. Oyunculuk, gerçekçiliği ve ölçülülüğüyle, bütünün kalıcı değerine büyük ölçüde katkıda bulunur. Renoir, Gabin'e bir zamanlar savaştığı uçuş üniformasını bile verdi.

Fransız film eleştirmeni Leproon, "Tarzına gelince, sinematik ifadenin kullanımındaki imrenilecek ılımlılığı nedeniyle zaten burada etkileyici" diyor. - Sadece onlara bakanları gördüğümüz Almanların geçiş sahnesi, ardından sadece birkaç dakika içinde zaman ve mekan hissi veren karla kaplı köylerin çekimlerinin akını; Douaumont'un düşmandan ele geçirildiği haberinde "La Marseillaise" şarkısını söylemenin heyecan verici sahnesi ve Gabin'in Dalio'dan ayrıldığı an - tüm bunlar, gereksiz hiçbir şeye müsamaha göstermeyen ve muazzam etkileyici güce sahip sanatın kusursuz örnekleridir. gerçek sinema sanatı.

The Grand Illusion'ın sahnelerinden biri dağlarda geçiyor. Çok soğuktu. Oyuncuların kıyafetleri çamur içinde kaldı. Provaya başladıklarında Gabin ve Dalio rollerinin metnini telaffuz edemiyorlardı. Ve sonra biri, metni iki farklı ses tarafından icra edilen "Gemi" şarkısıyla değiştirmeyi önerdi. Sonuç büyüleyici. Dekorasyon oynadı. Şarkı, önceki sahnenin arka plan sesini sağladı ve kaçışı simgeliyordu.

The Grand Illusion, Haziran 1937'de Marivo sinemasında gösterime girdikten sonra basının ve halkın çoğu tarafından coşkuyla karşılandı.

Ne yazık ki, Renoir'in başyapıtı sansürden çok zarar gördü. 1937'de Venedik Film Festivali jürisi filme Büyük Ödül vermeye cesaret edemedi ve film için özel bir teselli ödülü belirledi. Ve birkaç ay sonra, Mussolini bu resmin İtalya'da sergilenmesini yasakladı, ancak Goebbels bile Yahudi Rosenthal'ın cömertliğine tanıklık eden kiralık kopyadan sahneleri atmakla yetindi.

Alman Nazizmi tehdidine ve İspanya'daki savaşa rağmen, "Büyük Yanılsama" tüm insanlara ve özellikle Fransızlara ve Almanlara bir barış mesajı olarak algılandı. Başkan Roosevelt, "Dünyadaki tüm Demokratlar bu filmi görmeli" diye ısrar etti.

1958'de The Grand Illusion'ın haklarını satın alan Renoir ve Spaak, filmi yazarın versiyonunda yayınladı. Ve yine - hem Fransa'da hem de yurtdışında bir zafer.

Aynı yıl Brükselli film yapımcılarının girişimiyle farklı ülkelerde “Dünyanın En İyi On İki Filmi” konulu bir anket yapıldı. Final listesinde Fransa'nın tek temsilcisi "Büyük İllüzyon" oldu.

"SİS DOLU"

(Le quai des brumes)

Yapım: Fransa, 1938. Senaryo yazarı J. Prevert. Yönetmen: M. Carne. Operatör O. Schufftan. Sanatçı A. Trauner. Besteci M. Jaubert. Oyuncular: J. Gabin, M. Morgan, M. Simon, P. Brasseur, R. Le Vigan, E. Delmont ve diğerleri.

"Şiirsel gerçekçilik", sonsuza dek Fransız yönetmen Marcel Carnet'in çalışmalarıyla ilişkilendirilen bir terimdir. Şiirsel söylediğini, gerçeği düzeltmek değil yorumlamak istediğini söyledi. Carnet'in stilinin bu özellikleri, Quay of the Mists oluşturulurken tamamen ortaya çıktı. Hem Jaubert'in müziği hem de Trauner'in manzarası - sisle örtülü bir kışla, yağmurdan parıldayan bir kaldırıma sahip bir sokak - Jacques Prévert'in senaryosunun şiirselliğiyle şaşırtıcı derecede doğru bir şekilde birleştirilmiştir. Yönetmen, The Embankment of the Mists'in 1930'lardaki en iyi eseri olduğunu düşünüyordu.

Bu filmin tarihidir. 1937'de Berlin stüdyosu UFA, Marcel Carnet'e Jean Gabin'in katılımıyla bir resim sahnelemesini teklif etti. Pierre Mac-Orlan'ın "Sislerin Dolgusu" adlı romanını filme alma fikri vardı.

"Sislerin Dolgusu" romanındaki aksiyon, 20. yüzyılın başında Montmartre'de geçiyor. Ama eski Montmartre, Rue de Sol ve Saint-Vincennes mezarlığı nasıl yeniden yaratılır? McOrlan'ın kitabının adı, sahneyi bir liman kentine, örneğin Hamburg'a taşıma fikrini verdi.

Sözleşmeyi imzalayan Jacques Prevert, Belle-Ile'ye gitti ve bir ay sonra filmin senaryosunu getirdi. Arsa büyük değişiklikler geçirdi. McOrlan, "Jacques'ın en büyük buluşu, kitabın iki kahramanı olan Köle ve Asker'i tek bir karakterde birleştirerek karakterlerini ve kaderlerini birbirine uydurmasıydı" diye yazıyordu. Böylece Gabin için büyük bir rol ortaya çıktı.

Ekrana aktarılan hikaye son derece basit. Bir asker kaçağı olan Jean (Gabin), Le Havre yolundadır. Sisin içinden evlerin gizemli hatları çıkıyor. Jean yaklaşan devriyeden saklanıyor. Sıradan bir tanıdık - bir serseri - onu, belirli bir Panama meyhanesinin toplandığı boş bir kumlu tükürüğe götürür.

Jean, yalnız güzel Nelly (Michelle Morgan) ile tanışır. İlk görüşte aşk vardır; sabahları Nellie tramvayla eve gidene kadar sisin içinde sessizce ve mutlu bir şekilde dolaşırlar.

Öğleden sonra Jean eski caddede bir dükkanın vitrininde yürürken tuhaf bir kutu fark eder ve onu Nelly için satın alır. Böylece kendisini Nelly'nin koruyucusu, zalim ve gaddar Zabel'in (Michel Simon) evinde bulur.

Sonunda Jean, Nelly'yi korumak için dükkana gelir. Asker Zabel'i öldürür ve kendisi de kıskanç ve korkak Lucien'in ellerinde ölür...

Carnet, "Prevert asla işime karışmadı," dedi. - Bir karakter bulduysa aradı ve dedi ki: görüşmeliyiz ... Bir kafede bir masada oturduk, uzun süre tartıştık, şunu veya bunu açıklığa kavuşturduk. Bazen derdi ki: hayır katılmıyorum ama filmi sen çekiyorsun ve benim ihtiyacım olan düzeltmeleri o yaptı.”

Marcel Carne, bir yer seçmek için Hamburg'a ve ardından, kadın kahraman rolü için bir ekran testi yaptığı Neubabelsberg'e gitti. Nellie, McOrlan ile "özgür" bir kadındı, hatta bazen bir fahişeydi. Prevert, romandaki gibi kasap değil, esnaf olan Zabel'e vaftiz annesini yaptı.

Carne, Michelle Morgan'ı davet etmek istedi ama Fırtına'da Marc Allegre ile birlikte rol aldı. Bu nedenle genç aktrisler Marie Dea, Gaby Andre ve Jacqueline Laurent, Jean Gabin ile birlikte testleri geçti.

Çekimler Almanya'da başladı.

Orada, her UFA film projesi, Dr. Goebbels'in Bilgi ve Propaganda Bakanlığı tarafından zorunlu olarak onaylandı. Senaryo Almanya'da okununca bir skandal patlak verdi. Goebbels, senaryo yazarlarını "plütokrasi, çöküş ve inkar" ile suçlayarak filmin çekilmesini yasakladı.

UVA yönetimi Gabin, Carnet ve Prevert'in sözleşmelerini Fransızlara verdi.

Daha sonra Fransa'da vatandaşlığa geçen yapımcı Gregor Rabinovich, uzun zamandır Jean Gabin ile bir film hayal etmişti. Embankment of the Mists ile ilgili tüm sözleşmeleri UFA stüdyosundan aldığında tereddüt etmedi. Ve daha sonra ortaya çıktığı gibi, iyi bir anlaşma yaptı.

Filmin aksiyonu Fransız Le Havre'a taşındı. Joinville Stüdyolarında, Trauner setleri inşa etti. Carne, Michel Simon, Pierre Brasseur, Robert Le Vigan'ın başrollerini almayı başardı.

Dr. Goebbels kadar katı olmasa da Fransız sansürü, Quay of the Fog senaryosuna, özellikle de asker kaçaklarına karşı hâlâ şüpheliydi - ne de olsa Avrupa'da gerilim artıyordu ve Savaş Bakanlığı gizlice Ağustos 1938 için seferberlik listeleri hazırlıyordu. "Firari" kelimesinin hiç ağzından çıkmaması ve askerin üniformasını çıkarıp odanın içine fırlatmak yerine düzgün bir şekilde bir sandalyenin üzerine koyması şartıyla, sansür filmin yapılmasına izin verdi.

Tüm bu gecikmeler beklenmedik bir şansa yol açtı: Michelle Morgan, The Tempest'ın çekimlerini bitirdi ve artık özgürdü. Carnet, Gabin ve Michel'in mükemmel bir çift olacağına dair bir önseziye sahipti, ancak tamamen emin olmak için Morgan'dan bir ekran testini geçmesini istedi.

Oyuncunun kostümü Coco Chanel tarafından seçildi. Denise Tual, çekimler başlamadan birkaç gün önce Michelle Morgan'ı getirdiğinde, moda tasarımcısı kategorik olarak şöyle dedi: "Yağmurluk ve bere ihtiyacınız var!"

Ve Matmazel Chanel yanılmıyordu. Embankment of the Mists'in görüntü yönetmeni Eugen Schufftan, nemden parıldayan siyah yağmurluklu Nelly ile unutulmaz çekimler yapacak.

Ocak 1938'in başlarında, film ekibi Le Havre oteline yerleşti.

Carne, sisin içinde, ıslak sokakların fonunda çekim yaptı. O zamanlar kimse böyle fotoğraflar çekmemişti. Sisi oluşturan makine, Carne ve arkadaşları tarafından icat edildi. O zamandan beri, alacakaranlıkta farlar açıkken çekilen çok daha iyi yüzlerce fotoğraf yayınlandı, ancak Quay of the Mists en mükemmellerinden biri olmaya devam ediyor. Bu filmde, karakterlerin kendilerinin kurgusu, aksiyonu ve görüntüleri alışılmadık.

Gabin için bu onun en iyi rollerinden biri oldu. Jean, Le Havre'de dolaşan sömürge piyadesinden bir asker kaçağı oynadı ve ardından aynı sokak köpeği geldi.

Yeşil gözlü güzel Nellie rolünde Michelle Morgan, güzelliğin, kadınlığın ve ruh özgürlüğünün şiirsel bir düzenlemesidir.

"Biliyor musun, harika gözlerin var," diyor Jean ona.

"Öp beni..." diye soruyor.

Kışlanın duvarına yaslanan Jean ve Nelly arasında geçen bu iki replik, bazı izleyicileri heyecanlandırırken bazılarını da şok etti! Ve gerçekten de, ekranda daha önce hiç bir kadın, güzel gözlerinde bu kadar arzuyla bir erkekten öpücük talep etmeye cesaret etmemişti...

Ekrandaki ünlü öpücük "gerçek" öpücüktü. Michelle Morgan böyle yazdı. Öpücük, Marcel Carne'nin ekibi tarafından kesildi: “Dur! TAMAM! Alınmış!"

Gabin ve Morgan'ın "Sisin Dolgusu" fonunda trajik aşk tam bir başarıydı. Filmin Mayıs 1938'de gösterime girmesinin ardından basın onları "Fransız sinemasının mükemmel çifti" olarak nitelendirdi.

Carnet'in isteği üzerine, Amusing Drama (1936) setinde kendisiyle birlikte çalışan, dönemin en iyi bestecisi Maurice Jaubert, Quay of the Mists'in müziklerini yazdı.

Filmin 18 Mayıs 1938'deki (Osso Film Şirketi tarafından dağıtılan) resmi galasının arifesinde özel gösterimler düzenlendi. Basın resepsiyonu değişti. Ancak, özel film dergileri filmi oybirliğiyle bir başyapıt olarak selamladı.

Fransa'nın Venedik Festivali'ne tanıttığı "Sislerin Dolgusu", İtalyan faşistlerinin hoşnutsuz haykırışları altında "Altın Aslan" aldı. İki yıl sonra, Petain rejimi altında, Carnet tablosu Fransa'da 1940'ta yenilgiye yol açan tipik bir eser olarak görüldü! O zamanlar Embankment of the Mists, “şiirsel gerçekçiliğin” doğduğu bir film olarak henüz konuşulmuyordu. Kötü şöhretli "Gabin efsanesi" gibi, bu kavram da savaştan sonra icat edildi.

Embankment of the Mists hem biçim hem de ruh olarak türünün devrim niteliğinde bir filmiydi. Ekranlar daha sonra parlak ve güneşli komedilerle doluydu. Carne, "Ve burada boş bir gece lokantası, sis, sokak lambasının altındaki ıslak kaldırımla istila ettim ..." dedi. Embankment of the Mists, Marcel Carnet'i önde gelen Fransız yönetmenlerden biri haline getirdi. Büyük Fransız sineması ekolünün varisi olarak, olağanüstü gelişmiş "sinema anlayışı" hakkında konuşmaya başladılar.

"SAHNE ARABASI"
(Posta arabası)

Yapım: Walter Wenger Productions, ABD, 1939. E. Haycox'un kısa öyküsünden D. Nichols'un senaryosu. Yönetmen D. Ford. Operatör B. Glennon. Sanatçı A. Toluboff. Besteci J. Carbonara. Oyuncular: D. Wayne, K. Trevor, A. Devine, J. Carradine, T. Mitchell, L. Platt, J. Bancroft,

D. Meek, B. Churchill, T. Holt, T. Taylor ve diğerleri.

İrlandalı-Amerikalı John Ford, sinema tarihinin en iyi Western filmlerinden biri olan Stagecoach'u 1939'da yönetti. Orson Welles, ünlü Citizen Kane'ini takmadan önce Ford'un şaheserini kırk kez izlediğini söylemeyi severdi.

Posta Arabası, Ernest Haycox'un kısa öyküsü "The Carriage to Lordsburgh"a dayanıyor. İçinde anlatılan maceralar, özel bir kurgu ile parıldamadı, karakterlerin standart dışı karakterlerinden etkilendi. Haycox, öyküsünü Guy de Maupassant'ın ünlü kısa öyküsü "Dumb"dan etkilenerek yazdı.

Ford, sinema aracılığıyla, Kızılderililer tarafından takip edilen bir posta arabasının yolcularının tüm dramatik hikayesini anlattı, film, Tonto kasabasından Lordsburg kasabasına, arabanın gittiği rotayı doğru bir şekilde gösteriyor; tarihi an, Reis Geronimo'nun kabilesinin savaş yoluna gitmeye hazırlandığına dair bir telgraf mesajıyla belirtilir, yani eylem 1880'lerde gerçekleşir.

Yani, Tonto kasabası. Genç ve güzel fahişe Stella Dallas (Claire Trevor) posta arabasının ilk yolcusu olur. O, sarhoş Dr. Boone (Thomas Mitchell) gibi, yaramazlık yaptığı için şehirden atılır. Bir an için salona dönen doktor, Peacock (Donald Meek) adında ufak tefek, ürkek bir adamla karşılaşır. Bu küçük satıcı, farklı viski örnekleri taşıyor. Doktor hemen onun velayetini alır ve birlikte posta arabasına binerler.

Kısa süre sonra onlara, teğmen olan kocası kısa süre önce Lordsburg'a transfer edilen kibirli bir hanımefendi Lucy Mallory (Louise Platt) katılır. Hamileliğine rağmen sosyetik gibi davranmaya devam ediyor. Güzellik, salonun penceresinden yerel toplumun, bir erkek kardeşin ve bir kumarbaz Hatfield'ın (John Carradine) fırtınası tarafından fark edilir. Arabaya biner ve Mallory'nin karşısına oturur.

Şerif Teğmen Blanchard (Tim Holt) posta arabasına yaklaşır. Önde oturan polis memuru, arabacı Buck'a (Andy Devine), verdiği bilgiye göre Lordsburg'da Plummer kardeşleri vurmayı planlayan Ringo the Kid'i tutuklamak istediğini bildirir.

Posta arabası yolda. Ancak kısa süre sonra araba, elinde pahalı bir çanta olan saygın, orta yaşlı bir beyefendi tarafından durdurulur. Bankacı Gatewood (Burton Churchill) da Lordsburg'a gitmeye can atmaktadır.

Sonunda bir kahraman belirir. Basit, açık bir yüze ve büyüleyici bir gülümsemeye sahip yakışıklı bir adam olan Ringo Kid (John Wayne) yolun kenarında duruyor, bir tüfeğe yaslanıyor ve posta arabasına binmek istediğini gösteren bir işaret yapıyor. Şerif ona bir tutuklama emri verir ve Ringo Kid itaatkar bir şekilde arabaya biner.

Yolcular psikolojik hassasiyetle tasvir edilmiştir. Bir araya geldiklerinde, Amerika Batı'sının gelişimi sırasında hemen hemen tüm toplumsal katmanlarını temsil eden bu insanlar, sınıfsal aidiyetlerinin, ahlak anlayışlarının ve eğitim kurallarının gerektirdiği şekilde davranırlar. akşam geliyor Posta arabası, yolcuların geceyi geçirecekleri posta istasyonuna yanaşıyor. Ancak gece huzursuz geçer: Bayan Mallory doğum yapmaya başlar. Ve bu beklenmedik olay herkesi gerçek yerlerine yerleştirir. Ahlaksız ayyaş Dr. Boone sadece anneyi değil çocuğu da kurtarır.

Bayan Mallory'nin doğumu, Ford tarafından çok şiirsel bir şekilde gösterilir. Erkekler sessizce bir mucize bekliyorlar - yeni bir insanın ortaya çıkışı. Hintli bir kadın gitarla güzel bir şarkı söylüyor. Bir yerde bir çakal uluyor - ve birdenbire zayıf ama büyüyen, yeni doğmuş bir bebeğin ağlaması ona katılıyor ... Ve sonra kollarında bir çocukla parlak Dallas çıkıyor ...

Herkes, Bayan Mallory'nin güç kazanması için iki günün bekleneceği konusunda hemfikir. Ve sadece bankacı Gatewood derhal ayrılmayı talep ediyor. Yalnız bırakıldığında, sonunda sessizleşir ve olumsuz izlenimi bir şekilde telafi etmek için doktora bir içki ikram eder. Ama reddediyor: "Seninle bir şey içmek istemiyorum."

Sonunda, posta arabası tekrar yola çıkar. Mürettebat ova boyunca koşar. Ve aniden bir ok havayı deliyor, göğsünden ölümcül bir yara alan küçük Tavus kuşu alçak sesle çığlık atıyor. Çoğu westernde olduğu gibi, Nichols ve Ford'daki Kızılderililer beyazların zorlu düşmanlarıdır ve sivillere sebepsiz yere saldırırlar.

"Her zaman belirli bir insan hücresinden, kaderin bir araya getirdiği ve ortak bir tehlikeye karşı birleşen çok farklı insanlardan oluşan bir gruptan bahsetmeye çalışırım" diyen Ford, kahramanların zor anlardaki davranışlarıyla son derece ilgilendiğini sözlerine ekledi. hayatları tehlikede..

Dörtnala koşan Kızılderililerin kısa çekimlerinin baş döndürücü hızlı değişiminin ve son hızla koşan posta arabasının kesinlikle çılgın bir hız hissi yarattığı, western'in en heyecan verici ve en ünlü sahnesi olan kovalamaca başlıyor.

Şimdi Kızılderili savaşçılar, pencerelerine bakarak arabaya yetiştiler. Arabacının ölümüne rağmen, atlar posta arabasını devirmekle tehdit etse de akıl almaz yarış devam ediyor. Bu sırada Ringo Kpd, arabanın tepesinden atlardan birinin sırtına çaresizce atlar ve dizginleri alarak bir felaketi önler.

Ancak kahramanca verimlilik eylemi yalnızca geçici bir erteleme sağlar. Çıkış yolu görmeyen Hatfield, tabancayı son kartuşla birlikte Bayan Mallory'nin şakağına koyar. Kadının kana susamış Kızılderililere gitmesini istemiyor. Ancak bir borazan sesi duyulur. Yani yardım yakın. Ama sonra iyi nişan almış bir Kızılderili oku Hatfield'a isabet eder. Ölmek üzere, Mallory'ye kendisinin yoldan sapan erkek kardeşi olduğunu söylemeyi başarır.

Ve sonra, Lordsburg'a vardıklarında bankacının sırrı ortaya çıkar: elli bin dolar altın çalarak mevduat sahiplerini soydu. Dolandırıcı tutuklandı.

Ringo Kid'in kaderi nedir? Plummer kardeşler babasını ve erkek kardeşini öldürdüler ve şimdi, kanun onları hiçbir zaman cezalandırmadığına göre, adaleti kendisi sağlamak zorunda. Asil şerif, şartlı tahliye ile, adamın yürüyüşe çıkmasına izin verir.

Finalden kısa bir süre önce, Luke Plummer (Tom Taylor) kağıt oynarken bir "ölüm işareti" alır - iki as ve iki sekizli siyah renk. Bu kombinasyon, Haycox'un romanında belirtildiği gibi kötü bir üne sahiptir.

Ringo Kpd, Plummers ile eşit olmayan bir savaşa girer. Çekim flaşları ekranı aydınlatır. Dallas umutsuzca çığlık atıyor. Ve yine her şey sessiz.

Aksiyon, konuşmayı ve içmeyi unutan ziyaretçilerin heyecanla akıbeti bekledikleri salona aktarılır. Kapı açılıyor ve Plummer'lardan biri ortaya çıkıyor. Birkaç adım atar ve ölür.

Ve kasabanın eteklerindeki Ringo Kpd, Dallas'a veda ediyor. Sözüne sadık kalarak hapse girmeli. Ancak inanılmaz bir şey olur: Şerif yoldan bir çakıl taşı alarak atlara fırlatır. Şaşırarak vagona dokunurlar. Mutlu Dallas ve Ringo Kpd, Lordsburg'u bu vagonda terk ediyor.

Stagecoach, Ford'un ilk sesli western'idir, ancak ondan önce türün tanınmış ustası on üç yıldır bir western yapmamıştı: sesin gelişiyle birlikte kır yarışlarının modası geçti.

Ford, John Wayne'in Ringo the Kid'i oynaması gerektiğini düşündü. Bu aktör, sinema kariyerine 1927'de Hollywood stüdyolarından birinde sahne dekoru olarak işe girdiğinde başladı. Wayne iddialı ve kibirliydi. John Ford tarafından fark edilene kadar iki yıl boyunca figüranlarda rol aldı. Yönetmenin bakışları, onu yalnızca güçlü fiziği nedeniyle değil, figüranlar kalabalığından ayırdı. Utangaç bir gülümsemeye sahip bu basit görünüşlü adam, bir çiftçiler ve kovboylar ülkesi olan Amerika eyaletinin bir sembolü gibi görünüyordu. "Posta Arabası" onun sekseninci resmi olacak.

John Ford, başa çıkması oldukça zor olsa da büyüleyici bir adamdı. Hayatını kendi kurallarına ve özlemlerine göre inşa etti ve bu nedenle onunla çelişmemek onun için daha iyiydi. Tipik olarak, Ford "ekibi" tamamen erkeklerden oluşuyordu. En sevdiği birkaç aktristen biri Claire Trevor'dı. Dallas rolünü oynayan "Stagecoach" un ana yıldızı oldu.

Posta Arabası, diğer sekiz Ford filmi gibi, Arizona-Utah sınırındaki Navajo Indian Reservation'daki Monument Valley'de çekildi. Nadir seyrek bitki örtüsü ve dik kayalıklarla kırmızımsı kumla kaplı devasa bir alan, tam olarak western ruhuna karşılık gelir.

1939'da, Monument Valley'e henüz iyi bir yol döşenmemişti (1950'lere kadar inşa edilmeyecekti), bu yüzden film yapımcıları burada çalışmadı. Ford, ticaret merkezinin sahibi Harry Golding sayesinde bu yerleri keşfetti. John Ford'un pahalı bir western çekeceğini duyan Golding, vadinin yüzlerce fotoğrafını çekerek Hollywood'a koştu. Ford'la tanışana kadar eve dönmeyeceğine dair kendi kendine yemin etti. Neyse ki, uzun süre beklemek zorunda kalmadı. Yönetmen Golding'i dikkatle dinledi ve hemen Stagecoach'u Monument Valley'de çekmeye karar verdi. Yolun olmaması bile onu memnun etti: liderlik her önemsiz şeyle uğraşmazdı.

Ford, Monument Valley'de bu türdeki son filmi Cheyenne Autumn (1964) dahil olmak üzere birkaç western daha yaptı. Antik deniz terasının karakteristik manzarası, onun adıyla o kadar birleşti ki, burası Ford Vadisi olarak bilinmeye başlandı.

Ford, Monument Valley de dahil olmak üzere, bölgede yaşayan Navajo Kızılderililerini mali olarak desteklemek için her fırsatı değerlendirdi. Resimlerinde, özel bir ihtiyaç olmasa bile, bu fakir ve her zaman yarı aç insanları olabildiğince çok meşgul etmeye çalıştı. Stagecoach'ta Navajo Kızılderilileri Apaçi Kızılderililerini oynadı. Toplu sahnelere katılmak isteyenlerin sonu yoktu.

John Ford, Hintli bir büyücü olan Hostin Theo'ya vadinin üzerindeki bulutların bir şekilde çirkin ve düzensiz olduğundan şikayet ettiğinde. Büyücü yardım edeceğine söz verdi. Ve doğru zamanda, "doğru" şekle sahip bulutlar gökyüzünde süzülüyordu.

Stagecoach, 15 Şubat 1939'da Los Angeles'ta prömiyer yaptı. Film yedi Oscar adaylığı aldı, ancak yalnızca iki kategori kazandı. En İyi Yardımcı Erkek Oyuncu ödülünü kazanan Thomas Mitchell (Dr. Boone) dikkat çekicidir.

Artık Posta Arabası da haklı olarak sinemanın klasikleşmiş eserleri arasında yerini alıyor. André Bazin, Stagecoach'u klasik montajın bir zaferi olarak nitelendirdi, William Patchet onu belalı bir western'in en mükemmel örneği olarak nitelendirdi ve Egidio Bertoldo, Ariosto'nun şaheseri şövalye şiiri için ne ise, filmin tür için o olduğunu yazdı.

John Ford 31 Ağustos 1973'te öldü. Yetmiş dokuz yaşındaydı ve epeydir film çekmemişti ama yine de kendini şöyle tanıtmayı seviyordu: “Benim adım John Ford. Ben western yaparım."

Oz Büyücüsü

Yapım: Metro-Goldwyn-Mayer, ABD, 1939. Senaryo: L. F. Baum'un romanından N. Langley, F. Ryerson, E. A. Wolfe. Yönetmen: V. Fleming, K. Vidor, R. Thorp. Operatör X. Rosson. Sanatçılar S. Gibbons, WE Horning. Besteci X. Stothart. Oyuncular: J. Garland, F. Morgan, R. Bolger, B. Lahr, J. Haley, B. Burke, M. Hamilton, C. Grapewin, C. Blendick, P. Walsh ve diğerleri.

Çocuklar için en iyi müzikal filmlerden biri olan Oz Büyücüsü, Amerikalı yazar Lyman Frank Baum'un 1900 yılında yayınlanan kitabından uyarlanmıştır. Baum ailesinin efsanesine göre büyülü diyarın adı tesadüfen doğmuştur. Bir Mayıs akşamı yazar, kendisine ve komşu çocuklarına başka bir peri masalı anlattı ve hareket halindeyken yazdı. İçlerinden biri tüm bunların nerede olduğunu sordu. Baum odanın etrafına baktı, A-N ve O- 7 çekmeceli ev dosya dolabına baktı ve "Oz Ülkesinde" dedi. Kitap hemen gerçek bir çok satanlar listesine girdi ve ardından 20. yüzyılın en popüler 15 kitabı arasına girdi.

MGM Studio, Baum'a kitabının film hakları için 75.000 $ ödedi, bu o zamanlar için çok büyük bir meblağ. Senaryo Noel Langley, Florence Ryerson ve Edgar Allen Wolfe'un yanı sıra bir dizi adı geçmeyen yazar (aralarında Arthur Freed, Herman Mankiewicz, Syd Silvers ve Ogden Nash) tarafından yazılmıştır.

Oz Büyücüsü'nün kahramanı Dorothy (Judy Garland), amcası ve teyzesiyle Kansas'ta bir çiftlikte yaşıyor. Kasırga, evi Dorothy ve köpek Toto ile birlikte Magic Land'e götürür. Üstelik ev doğrudan Doğu'nun kötü cadısına düşüyor. İyi büyücü Glinda (Billy Burke), minnettarlıkla Dorothy'ye sihirli yakut terlikler sundu. Dorothy, ondan yalnızca Oz Büyücüsü'nün eve dönmesine yardım edebileceğini öğrendi. Sarı tuğlalı bir yol Oz'a çıkar.

Yol boyunca Dorothy, Saman Korkuluk (Ray Bolger), Teneke Adam (Jack Haley) ve Korkak Aslan (Burt Lahr) ile tanışır. Ayrıca Oz Büyücüsü'nün (Frank Morgan) dileklerini gerçekleştirebileceğini umuyorlar. Pek çok macera yaşamış ve arkadaş edinmiş olan Oz'a neşeli bir şirket gelir. Ancak şarlatan olduğu ortaya çıkan büyücü, konukların isteklerini yerine getirmek yerine onlardan Batı'nın kötü büyücüsünü (Margaret Hamilton) yok etmelerini talep eder. Dorothy onun tarafından yakalanır. Ancak arkadaşları kızı kurtarır ve Kansas'a dönmesine yardım eder.

Başlangıçta, MGM patronları Dorothy rolünü genç yıldızlar Shirley Temple veya Deanna Durbin'e teklif etmek istediler. Ancak rol için Judy Garland (Jum'un gerçek adı) onaylandı. Bugün, Garland'dan başka birinin bu filmdeki "Above the Rainbow" ve "We're Going to the Wizard" klasik şarkılarını söyleyebileceğini hayal etmek zor.

1922'de Minnesota, Grand Rapids'de oyunculuk yapan bir ailede doğdu. Judy, küçük yaşlardan itibaren sahnede şarkı söyledi. 1932'de bir yapımcının tavsiyesi üzerine Garland takma adını aldı. Yönetmenler onun sesini "büyülü ve unutulmaz" olarak nitelendirdi.

MGM film stüdyosunun sahibi Louis Mayer'in yetenek konusunda inanılmaz bir burnu vardı. Judy'yi dinledikten sonra, herhangi bir yargılama olmaksızın hemen onunla uzun vadeli bir sözleşme imzaladı.

Frank Morgan, filmde aynı anda beş rol oynadı - Profesör Marvel, Şehir Kapısı Muhafızı, taksici, güvenlik görevlisi ve Oz Büyücüsü'nün kendisi.

Aktör Ray Bolger'a Teneke Adam rolü teklif edildi. Ancak en sevdiği çocukluk karakteri olan Korkuluk rolünü tercih etti. Teneke Adam rolü Jack Haley'e gitti. Zaten farklı bir kompozisyonla yapılmıştı. Haley kelimenin tam anlamıyla zor zamanlar geçirdi: Teneke Adam kostümü yaklaşık kırk kilo ağırlığındaydı!

Böylece Garland ve Hayley, Dorothy ve Teneke Adam rollerini aldılar. Bu aktörlerin çocuklarının - Liza Minnelli ve Jack Haley Jr. - 1970 yılında karı koca olmaları ilginçtir.

Oyuncu Margaret Hamilton büyücü rolünü oynadı.

Çekimler 13 Ekim 1938'de başladı ve 16 Mart 1939'da tamamlandı. Büyücü'nün bütçesi 2 milyon 777 bin dolardı.

Resim üzerinde çalışma sürecinde dört yönetmen değiştirildi. Richard Thorpe iki hafta boyunca çekim yaptı, ancak hiçbir sahne son kurguya girmedi. Stüdyo, onun çalışmasını reddetti ve geçici olarak George Cukor'u yönetmen olarak atadı. Bir haftadan kısa bir süre sonra sette Victor Fleming belirdi. Dört ay içinde malzemenin çoğunu filme aldı. Ancak yapımcı David O. Selznick onu Rüzgar Gibi Geçti adlı filmine soktu. "Büyücü" King Vidor'un çekimleri tamamlandı. On gün içinde birkaç "Kansas" sahnesi yönetti.

Tüm Oz sekansları Technicolor üç renkli sistem kullanılarak çekilirken, Kansas'ta geçen sahneler siyah beyaz olarak çekildi.

Doğru, ilk karelerde sarı tuğlalı yol yeşile döndü. Filmin yapımı geçici olarak durduruldu - sanatçılar her şeyi yeniden boyamak zorunda kaldı.

Zorluklar her fırsatta ortaya çıktı.

Kameramanlara Emerald City'nin rengarenk atlarını içeren sahneleri, hayvanlar üzerlerine uygulanan boyayı yalamaya başlar başlamaz mümkün olan en kısa sürede çekmeleri talimatı verildi.

Filmin en ünlü şarkısı "Above the Rainbow" filmden tamamen kaybolabilirdi. MGM patronları, Kansas ile ilgili bölümlerin çok uzun sürdüğünü hissettiler. Genç izleyiciler için bu yorucu olacak. Şans eseri, şarkıyı saklamaya karar verdiler.

Bu arada Garland, başka bir sahnede, kahramanı kendisini büyücünün şatosunun zindanında bulduğunda "Above the Rainbow" şarkısını söyledi. Dorothy memleketi Kansas'ı özlüyor. Şarkı o kadar üzücüydü ki sadece Judy Garland değil, tüm film ekibi ağladı. Bu sahne The Wizard'ın son versiyonunda yer almamıştı.

Görsel özel efektler alanındaki uzmanların - Arnold Gillespie ve Douglas Shearer - çalışmalarını not etmemek imkansızdır. Zümrüt Şehri uçan maymunlarla ilgili bölümleri hatırlamak yeterli. Gillespie, ekranda bir kasırga göstermek için ... sıradan muslin çoraplar ve bir çiftlik modeli kullandı.

Sık sık yönetmen değişikliği, her türden üst üste bindirmeye yol açtı. Oduncu rolündeki Jack Haley, önce Magic City bölümlerinde rol aldı, ardından Victor Fleming, katılımıyla Dorothy ve Korkuluğun donmuş Teneke Adam'ı bulduğu ilk sahneyi sahneledi. Hayley ağır zırhını kuşandı. Birisi Oduncu'nun demir giysisinin paslanmaya terk edildiğini keşfedene kadar üç gün süren çekimler devam etti. Her şeyi yeniden yapmak zorunda kaldım.

Oz Büyücüsü 12 Ağustos 1939'da gösterime girdi. Bir dizi muhteşem şarkı ve dans numarasına sahip müzikal resim, maliyetleri zar zor telafi eden ticari bir başarı olmadı. Yine de Amerikan Film Akademisi tarafından altı Oscar'a aday gösterildi. Ancak "Büyücü" sadece iki değerli figür aldı - en iyi müzik (Herbert Stothart) ve en iyi şarkı ("Gökkuşağının Üstünde", Harold Arlen - müzik, I. J. Harberg - sözler). O yıl, başka bir Victor Fleming filmi, Rüzgar Gibi Geçti, yarışma dışı kaldı.

Judy Garland, inanılmaz bir başarı yakaladığında sadece on yedi yaşındaydı. "Above the Rainbow" şarkısı, Judy için yalnızca yeni bir rol değil, aynı zamanda yeni bir tür olan Judy Garland türü de yarattı. Garland "bir numaralı yıldız" olur. "En İyi Gençlik Performansı" dalında özel bir film ödülü ve "Above the Rainbow" şarkısındaki performansıyla ikinci bir ödül aldı.

"The Wizard of Oz" filminden "Above the Rainbow" şarkısı artık Amerika Birleşik Devletleri'ndeki en popüler şarkı olarak kabul ediliyor.

"Oz Büyücüsü" hem küçükler hem de yetişkinler için bir film. Son altmış yılda, bu başyapıt 20. yüzyılın en popüler tabloları listelerinin başında yer almaya devam etti.

İngiliz Film ve Televizyon Sanatları Akademisi, on dört yaşından küçük tüm çocukların izlemesi gereken on film belirledi. Doğal olarak, ilkinin adı Oz Büyücüsü.

Rüzgar Gibi Gitti

Yapım: Selznick International, ABD, 1939. Senaryo S. Howard, M. Mitchell'in aynı adlı romanından uyarlanmıştır. Yönetmen: J. Cukor, W. Fleming, S. Wood. Operatör E. Haller. Sanatçı W. C. Menzies. Besteci M. Steiner. Oyuncular: C. Gable, W. Lee, L. Howard, O. de Havilland, X. McDaniel, T. Mitchell, B. O'Neill, L. B. McQueen, A. Rhett, E. Brown, E. Anderson ve diğerleri.

Margaret Mitchell'in 1936'da yayınlanan Rüzgar Gibi Geçti, dünya sinema tarihinin en ünlü melodramlarından birine dayanıyor. Yazar, 19. yüzyılın ortalarında kuzey ve güney eyaletleri arasındaki savaşı ve yenilgisinin ardından Güney'de meydana gelen değişiklikleri anlatıyor. Romanın ana karakterleri, hayalperest Ashley Wilks, sadık karısı Melanie, ekici Scarlett O'Hara'nın dik başlı kızı ve iyi evlerden kovulmuş "maceracı" Rhett Butler'dır.

Romanın ekran hakları, roman yayınlanmadan önce yapımcı David Selznick tarafından o zaman için önemli bir meblağ - elli bin dolar - satın alındı. Risk kendini haklı çıkarmakta yavaş değildi - kitap en çok satanlar arasına girdi.

Selznick, uyarlamada orijinalin derinliğini ve lezzetini koruyacağına söz verdi. Senaryonun geliştirilmesine ünlü yazar Scott Fitzgerald da dahil olmak üzere on üç kişi katıldı. Sanatçı William K. Menzies, çekim seçimini, rengin ve ışığın doğasını ve hatta kamera açılarını önceden belirleyerek tüm ana sekansların taslağını çizdi.

Üretim yaklaşık üç yıldır hazırlanıyor.

Ağustos 1938'in ortalarında David Selznick, Clark Gable'ın Rhett Butler rolüne seçildiğini duyurdu. Ankete katılan Amerikalıların yüzde doksan beşi Clark'a oy verdi.

"Scarlett Arama" ülke çapında gerçekleştirildi. Selznick, Scarlett'i bir ünlünün oynayacağına dair çok az şüphe olmasına rağmen, bilinmeyen bir aktrisin kadroya alınacağı haberini yaydı.

Film stüdyosunun reklam departmanı, "Scarlett'i arama" sırasında 1.400 genç kadının dikkate alındığını ifade ediyor. Aynı zamanda İngiliz aktris Vivien Leigh de unutulmadı.

8 Aralık 1938'de Vivien Leigh, sevgilisi aktör Laurence Olivier'in yanına Hollywood'a geldi. Vivien, Mitchell'in en çok satanından asla ayrılmadı ve diğer yüzlerce aktris gibi Scarlett'i oynamayı hayal etti. Laurence Olivier, David'in erkek kardeşi Myron Selznick'ten Scarlett O'Hara rolü için seçmelere katılmasını istedi. Doğru, Olivier'in arkadaşları, Güney buna müsamaha göstermeyeceği için İngiliz kadının çok az şansı olduğuna dair güvence verdi. Ek olarak, çok fazla para yatırıldı ve çekimler nispeten bilinmeyen bir aktris üzerine bahse girmeye başlamadan önce çok az zaman vardı.

Lee, Hollywood'a geldiğinde, Scarlett rolü için Paulette Godard, Joan Bennet ve Jean Arthur düşünüldü. Rüzgar Gibi Geçti'nin çekimleri birkaç gün sonra başladı.

1864 Atlanta'nın bir kopyasını dikmek için eski Pathé stüdyolarında kırk dönümlük bir alanı kaplayan birkaç düzine pavyon yıkıldı. 10 Aralık 1938 gecesi, General Sherman'ın şehri acımasızca yok edişini filme alırken gazyağıyla ıslatılan tüm binalar (25.000 $ değerinde) alevler içinde kalacaktı.

Myron Selznick, Olivier ve Vivien Leigh'i ağırladı ve David, arkadaşları ve çalışanları ile birlikte, Atlanta'nın yakılmasının özellikle etkileyici göründüğü, özel olarak inşa edilmiş bir platforma yerleşti. David Selznick kardeşini bekliyordu ve hatta gece yarısı ateşini bir saat erteledi.

Oldukça sarhoş olan Myron, misafirleriyle çok geç geldi. Erkek kardeş gücenmeye başladığında, Bayan Li'yi öne itti: "Dave, seni Scarlett O'Hara ile tanıştırmak istiyorum."

Miron bunu şaka yollu söyledi, ancak aklı başında düşünse bile bir tanıdık ayarlamak daha iyi zordu. Olivier'in biyografisini yazan J. Cottrell şöyle yazdı: “Arka planın dramatik olduğu ortaya çıktı - alev, gece gökyüzüne kıpkırmızı bir yansıma yaptı. Gözleri heyecandan parıldayan, rüzgarda uçuşan saçları ile Vivienne göz kamaştırıcı görünüyordu. Herkesten daha canlı olan Olivier, durumun ihtişamını takdir etti. Sadece Vivien'e bak, dedi Myron'a. "David'i etkilememiş olamaz."

Daha sonra Selznick, Vivien'in uygun olduğunu hemen anladığını iddia etti - en azından görünüşü söz konusu olduğunda. Aslında yapımcı, Bayan Lee'nin ekran testi yaptırmak isteyip istemediğini sordu. Testin zaten planlanmış olduğunu hatırlatmadı.

Scarlett için belirleyici testlerin dört gün içinde yapılması gerekiyordu - her aday için tam bir gün. Vivienne seçmelere son katılandı. Çukor, "Seçtiğim kadın şeytan tarafından ele geçirilmiş ve elektriğe doymuş olmalı" dedi.

Vivien Leigh ile sözleşme 13 Ocak 1939'da sinema muhabirleri ve basının huzurunda imzalandı. Aynı zamanda Olivia de Havilland'ın Melanie'yi ve Leslie Howard'ın Ashley'i oynayacağı açıklandı.

26 Ocak 1939'da ana çekimler başladı. Vivien Leigh, George Cukor ile hemen ortak bir dil buldu. Hatta kocası Holman'a şöyle yazmıştı: “Filmin yönetmeni uzun süre tiyatroda çalıştı. O çok zeki ve yaratıcı bir insan ve konuyu çok iyi anlıyor gibi görünüyor. Onunla çalışmak bir zevk."

Vivien Leigh sette hızla itibar kazandı. “Scarlett, Rhett ve binlerce figüran” kitabının yazarı R. Flamini ifade verdi: “Sakin, ölçülü ve profesyoneldi. Erkekler ona hayrandı, ancak açık sözlülüğü ve gerçeği alaycı gerçekler şeklinde söyleme yeteneği onu korkuttu. Kadınlar, bir role girmek için aynanın karşısında on dakika hazırlık yapması gereken Olivia de Havilland'ı kıskanır, Vivien Leigh'in bir role bir anda -sanki bir dönüş meselesiymiş gibi- bir anda girip çıkabilme yeteneğine hayran kalırdı. bir ışık açık veya kapalı. "Motor!" komutu verildiğinde, konuşmasına birkaç saniye fısıldayarak devam edebilir ve ardından sahneye - tamamen "karakteriyle" girebilir.

Şubat ayı başlarında Selznick, Hollywood'un en popüler aktörlerinden biri olan Clark Gable'ın ortaya çıkması için hazırlanmaya başladı. Karmaşık, zeki, anlayışlı bir adam olan Butler'ın rolü ilk başta sanatçıyı korkuttu: "Her okuyucunun Rhett'in nasıl oynanması gerektiğine dair kendi fikri olduğunu ve her birini nasıl tatmin edeceğine dair hiçbir fikri olmadığını anladım. onlara." Rhett Butler bir güneyli, derin ve ayık bir zihne sahip bir adam. Kâr adına, doğasının tüm asil taraflarını bastırır, ancak zenginliğe ulaştıktan sonra şansının boşuna olduğunu hisseder. Scarlett'e karşı tavrı son derece zordur: Onu seviyor ve ondan nefret ediyor, onda sevgiyi ve insanlığı uyandırmayı umuyor ve buna olan inancını yitirerek onu terk ediyor.

Filmde çalışan senaristlerin çok sık değişmesi nedeniyle başrol oyuncularının karakterlerinin karakterindeki tüm nüansları takip etmesi kolay olmadı. Oyuncular, sonraki bölümlerin metnini yalnızca çekimlerin arifesinde aldı. Sabah, senaryonun yeni bir versiyonunu bekleyebilirler. Her neyse, açılış sahnesi birkaç kez yeniden çekildi ve grup programın gerisinde kaldı.

Gable gözle görülür şekilde gergindi. Aktrislere - Vivien Leigh ve Olivia de Havilland - daha fazla ilgi gösteren Cukor'un sakin, biraz yavaş tavrından rahatsız olmuştu. Clarke'tan temkinli bir şekilde bir güney aksanını taklit etmesi istendi ve o alevlendi.

Birkaç gün sonra Gable aniden ortadan kayboldu (Cuekor, katılımıyla yalnızca iki sahne çekmeyi başardı). Oyuncu, MGM topraklarında bulundu. Clark, Selznick'e Cukor'un yerine birçok kez birlikte çalıştığı ve büyük saygı duyduğu Victor Fleming'i getirmesi için yalvarmaya başladı.

Başka bir versiyona göre yönetmeni değiştirme girişimi Selznick'ten geldi. Yapımcının Cukor ile ilişkisi, Gable'ın sınırlamasından önce bile kötüleşmişti. Grup gerçekten programın gerisindeydi, ancak çoğu kişi Selznick'i suçlu olarak görüyordu: kişisel olarak en iyi Amerikalı senaristlerden biri olan Sydney Howard'ın senaryosunu yeniden yazdı, çekime geldi ve kendisine düşüncesiz sözler söyledi. Cukor, Howard varyasyonunu tercih etti.

13 Şubat'ta George Cukor ve Selznick, "birçok bireysel sahne" konusundaki bir dizi anlaşmazlık nedeniyle, bu durumda tek doğru kararın verildiğini söyleyen ortak bir bildiri yayınladılar - mümkün olan en kısa sürede başka bir yönetmeni resme davet etmek.

İşte o zaman Gable, arkadaşı Fleming'e şunları önerdi: "Victor, senaryonun ihtiyaç duyduğu o esnek ve dayanıklı stile sahip."

Fleming'in isteği üzerine ünlü senarist Ben Hecht, Rüzgar Gibi Geçti'nin ilk yarısının senaryosunu yeniden düzenledi. Howard'ın beş saatlik senaryosunu mükemmel buldu ve yalnızca onu kesmeyi önerdi. Hecht, Fleming ve Selznick bir hafta boyunca günde on sekiz saat çalışarak odadan çıkmadılar.

Hecht sahneyi bitirir bitirmez, Fleming ve Selznick onu oynadılar: Yapımcı, Scarlett ve babası, yönetmen Rhetta ve Ashley'nin satırlarını okudu. Beşinci gün Selznick bilincini kaybetti. Bir gün sonra Fleming'in göz hastalığı işini neredeyse durdurdu. Hecht, senaryonun ilk bölümünü kısaltarak 15.000 dolarını aldı ve jeneriğinde adının geçmesini diliyordu. Setteki zaten zor olan durum, o yılların en iyi Amerikalı uzmanlarından biri olan kameraman Lee Garms'ın işten çıkarılmasıyla daha da kötüleşti. Zararlar yumuşak, ölçülü renklerle çekilirken, Selznick kartpostalların parlak renklerini hayal etti ve sadece birkaç yıl sonra yanıldığını kabul etti.

Birçoğu Gable ve Vivien Leigh'in nasıl olup da birbirlerine aşık olmadıklarını merak etti. Ne de olsa, kahramanlarının tutkusunu beş ay boyunca tasvir ettiler! Görünüşe göre cevap basit: o zamanlar Clark, aktris Carole Lombard'ı idolleştirdi ve Vivienne, Laurence Olivier'i idolleştirdi.

Ama Bayan Lee, kaba Fleming'i sevmedi. Şu veya bu sahneyi nasıl oynayacağını sorduğunda aynı cevabı duydu: "Isıtıcıyı aç!" Vivienne sette bir cilt Mitchell ile yer almadı. Yönetmenin filmi bir melodram yapma kararına katılamadı ve Scarlett'i tek boyutlu, negatif bir kadın kahramana dönüştürme arzusuna direndi. Kolay değildi - Selznick diyaloğu, olay örgüsünü ve karakterlerin özelliklerini basitleştirdi. Örneğin, sarhoş olan ikinci kocasının ölümünden sonra Rhett'e annesinin öldüğü için ne kadar mutlu olduğunu söyleyen ve onu şimdi görmeyen Scarlett'in ana satırını dışladı: "Beni nazik, şefkatli, gerçek biri olarak yetiştirdi. hanımefendi ve ben onu hayal kırıklığına uğratırdım." Yapımcı bu sözün üstünü her çizdiğinde, ancak oyuncuyla yaptığı konuşmanın ardından tekrar ortaya çıktı ve yine de filmde kaldı.

Ne Selznick ne de Fleming, Vivien Leigh'in hafta sonları Cukor'u ziyaret ettiğini ve rol hakkında ona danıştığını bilmiyordu. Birkaç hafta sonra Olivia de Havilland'ın da aynı şeyi yaptığı ortaya çıktı.

Scarlett karmaşık, çelişkili bir doğadır. Mahvolmuş bir köle sahibinin kızı, yalan söyleyeceğine, çalacağına, öldüreceğine ama yoksulluğa son vereceğine dair yemin eder. Ancak kazandıktan sonra Scarlett manevi bir yenilgiye uğrar, arkadaşlarını kaybeder, Rhett'in aşkı yalnızlığa ve kedere mahkumdur. Oyuncu büyük bir incelik ve derinlikle Ashley'e olan tutkusunu ve Rhett ile olan aşkını gösterdi.

Vivien Leigh günde on altı saat çalıştı. Profesyonelliği ve kararlılığı Selznick'i bile fethetti. Ve yorgundu: “Sabahın erken saatlerinden gece geç saatlere kadar neredeyse altı ay boyunca Scarlett'le yaşadım. Yaptığım her hareketin, her jestin Scarlett'e ait olmasını istiyordum ve Scarlett'in aşağılanmaya değer davranışlarının bile benim tarafımdan yapıldığını hissetmek zorundaydım. Cesur ve kararlıydı, bu yüzden birçok eksikliğini görmezden gelemesek de kadınlar ona hayran olmalı.

Vivien Leigh'in yüzünde kırışıklıklar vardı. Operatör, bitkinlik ve yorgunluk belirtilerini gizlemek için aydınlatmayı ve açıklığı değiştirmek zorunda kaldı.

Selznick başka bir yönetmen olan Sam Wood'u getirdi ve film artık aynı anda üç kişi tarafından çekiliyordu: Fleming, Wood ve Atlanta'daki hastanenin muazzam görüntülerini çekmekle görevlendirilen William C. Menzies. kuzeylilerin girişi. Vivien Leigh birinde, sonra diğerinde ve üçüncüsünde rol aldı. Bazen üçü de aynı gün. Sabah finalin yirmi sekiz yaşındaki Scarlett'ini, öğleden sonra Tara için verdiği mücadelenin ortasında olgunlaşan kadın kahramanı, akşamları ise açılış bölümlerinin şımarık genç kızını canlandırabiliyordu.

Aktris için çok zor olan, Atlanta'nın bombalanması sahnesiydi, dublörü reddetti ve topçu ateşi altında filme aldı, ancak ondan birkaç metre ötede boş mermiler patladı. Gürcistan'ın kırmızı tozunu temsil etmek için yirmi ton tuğla toz haline getirildi.

Ashley'nin Rüzgar Gibi Geçti'deki rolü, ince ve zeki İngiliz aktör Leslie Howard tarafından oynandı. Ekip onu çok seviyordu. Tecrübeli bir oyuncuydu. Polonyalı bir göçmenin oğlu, banka memuru Leslie Steiner ilk kez sahneye çıktı ve 37 yaşında Howard adıyla ilk filmini yaptı. Karakteristik görünümü, oyuncuyu ideal bir İngiliz yaptı, kahramanlarını özgünlük konusunda bilgilendirdi, onları acı, ironik bir karamsarlığa yol açan dönemle ilişkilendirdi. Howard'ın canlandırdığı Ashley, rafine, asil bir insan, "rüzgarla giden" her şeyin vücut bulmuş hali. Soğuk bir akılcı ve aynı zamanda gerçek hayatın karmaşıklığı ve acımasızlığı karşısında şaşkına dönmüş bir kişi.

Savaş başladığında Howard İngiltere'ye döndü. Propaganda filmleri çekti, makaleler yazdı, radyo programcılığı yaptı. 1943'te Leslie'nin içinde bulunduğu uçak, Biscay Körfezi üzerinde bir Alman savaş uçağı tarafından düşürüldü. Bu harika oyuncunun kısa ömrü böyle sona erdi...

Özverili eşi Ashley'nin rolü Olivia de Havilland tarafından oynandı. Yazarlar Melanie'ye ikincil bir rol verdiler - bir nezaket ve nezaket sembolü. Oyuncu görevini vicdanlı ve kendinden emin bir şekilde çözdü.

Dört saatlik film beş ay beş günde tamamlandı; dört milyon dolara mal oldu - o zamana kadarki diğer tüm filmlerden daha fazla. 27 Haziran 1939'da Fleming son bölümü filme aldı. Selznick'in kredisine göre, Scarlett ve Rhett'in barışmasıyla filmi bitirmek için Mayer'in baskısına boyun eğmedi. Kahraman yalnız kalır, ancak babasının ve Ashley'nin ekran dışı sesleri (her ikisi de yalnızca dünyanın sonsuzluğu olduğunu ve Tara'nın hayatının anlamı olduğunu tekrarlar) iç monologunda birleşerek finale yaşamı onaylayan bir not verir. .

Eylül 1939'un sonunda, Rüzgar Gibi Geçti filmi Santa Barbara kasabasındaki sinemalardan birinde hiçbir şeyden şüphelenmeyen bir izleyici kitlesine gösterildi. Seyircilerin uzun süre ayakta alkışladığı finalde, geri bildirim kartlarını bizzat toplayan Selznick gözyaşlarını tutamadı. Laurence Olivier, Vivien Leigh'in performansından gerçekten etkilenmişti: "Onun bunu yapabileceğini beklemiyordum."

15 Aralık 1939'da Rüzgar Gibi Geçti, Atlanta'da prömiyer yaptı. Georgia valisi eyalet çapında bir tatil ilan etti ve Atlanta belediye başkanı üç günlük bir festivale ev sahipliği yaptı. Havalimanında yapımcılar ayakta alkışlandı.

Resepsiyonlardan birinde Gable, Margaret Mitchell ile bir araya geldi ve rol için onaylandığında Clark'a gönderdiği imzalı Rüzgar Gibi Geçti kitabı için ona teşekkür etti. Mitchell, yarattığı Rhett imajının mükemmel olduğunu ve onu tam olarak böyle hayal ettiğini belirtti. Filmin gösterime girmesinden sonra Clarke'ın postası çok büyüktü. Hayranları için Rhett Butler oldu.

Atlanta'daki coşkulu bir prömiyeri New York'taki bir prömiyer izledi. Vivien Leigh, tüm bu parlak olayların merkezi olmaya devam etti. “Scarlett Vivien Leigh o kadar güzel ki bir aktristen yetenek beklemez ve o kadar yetenekli ki bir oyuncudan bu kadar güzelliğe ihtiyaç duymaz; etkili New York Times, hiçbir aktris rolü bu kadar eşleştirmedi ”diye yazdı.

Rüzgar Gibi Geçti, on iki Oscar'a aday gösterildi ve sekiz onur heykelciği kazandı, bu uzun zamandır bir rekor. Akademi Ödülü kazanan ilk siyah aktris Hattie McDaniel'di (yardımcı rolü için). Anma Ödülü. Irving J. Thalberg, yapımcı David O. Selznick'e verildi.

Zaman zaman "Rüzgar Gibi Geçti" ekranlarda yayınlanmaktadır. 1960'larda film önce geniş ekrana, ardından geniş ekrana aktarıldı.

"OYUNUN KURALLARI"

(La Regie du Jeu)

Yapım: Fransa, 1939. K. Koch'un katılımıyla J. Renoir tarafından yazılmıştır. Yönetmen: J. Renoir. Operatörler J. Bachelet, J.-P. Alfan, A. Renoir. Sanatçılar E. Lurie ve M. Duy. Besteciler R. Desormier ve J. Cosmas. Oyuncular: M. Dalio, N. Gregor, R. Tutin, M. Pareli, J. Renoir, P. Dubos, G. Modo, J. Carette ve diğerleri.

"Oyunun Kuralları" filmi, Fransa'nın yönetici seçkinleri arasında bir öfke fırtınasına neden oldu. Yönetmen Jean Renoir'ın fikri, çağdaş dünya hakkında "eğlenceli bir drama" çekmekti.

"Hangi maçtan bahsediyorsun? film eleştirmeni Jean Prat'a filmografik notlarda sorar. - Hayattan bahsediyoruz ama tamamen çözülme aşamasına gelmiş bir toplumun hayatından bahsediyoruz; sıkıcı, yararsız varlığını ancak en katı disiplin, değişmez kurallar ve yalanlar pahasına uzatabilir. Yalan sözler, aldatıcı duygular, aldatıcı eylemler, her türlü kendiliğindenliğin havailik ve yüzeysel nezaket sorunu altında gömülmesi. Ancak bu örtü güvenilmezdir, samimiyet devreye girer girmez kolayca uçup gidebilir; filmin hikayesi böyle bir vaka üzerine kurulu.

Resmin edebi temeli, Chaderlos de Laclos'un "Tehlikeli İrtibatlar", Beaumarchais'in "Figaro'nun Düğünü", Alfred de Musset'in "The Caprices of Marianne" ve Marivaux'nun oyunlarıyla yakından bağlantılıdır.

Renoir, "En ilginç şey, bu filmi çektiğim zamandır" dedi. - Münih ve savaş arasında çektim ve Fransız toplumundaki ve aslında tüm dünyadaki zihniyetten çok etkilendim. Bana öyle geldi ki, dünyanın bu manevi durumunu daha iyi aktarabilmek için durum hakkında konuşmak değil, hafif bir hikaye anlatmak gerekir. Ve komedide Beaumarchais'den, Marivaux'dan, klasiklerden ilham aradım. Tüm filmlerim arasında muhtemelen bu kadar bariz bir şekilde doğaçlama olan hiçbir film yoktur."

Renoir için bir başka ilham kaynağı da Barok döneminin Fransız müziğiydi. Jeneriklerde sadece filmde ses çıkarsa da bu müziğin ruhuna uygun davranan karakterleri çekmek istedi. Yönetmenin sürekli yoldaşları, Cooper, Rameau'nun eserleri, Lully'den Gretry'ye kadar tüm müziklerdi. Renoir, "Akşamı müzik dinleyerek geçiriyorsunuz ve her şey bir filmle bitiyor," diye şaka yaptı.

Son olarak arkadaşlar senaryoyu yazarken yönetmene yardımcı oldular. “Hayatları aşk meseleleriyle ilgili olan arkadaşlarımı düşündüm. "Gerçeği söylemek istiyorsan," dedi Lestrengue, "tüm dünyanın yalnızca çiftleşmeye çabaladığını kafana sok. İnsanlar sadece sevişmeyi düşünür ve başka bir şey düşünen herkes kayıp bir insandır. Duyguların çamurlu sularında boğulurlar.” Elbette, Lestrange kendini kastediyordu. Ancak düşüncesi beni etkiledi ve hala var olmayan komplomun kahramanlarını zamanımıza aktarmaya karar verdim. Sonra olay örgüsü belirdi, ancak belirli bir türde duracağım kadar değil.

Yavaş yavaş, fikir ayrıntılara dönüştü. Renoir'in barok müziğin ritimlerinden ayrılmadığı birkaç gün sonra olay örgüsü tamamen netleşti.

Aksiyon, Atlantik'i 23 saatte geçen pilot Andre Jurier'in (Roland Toutin) Paris yakınlarındaki bir havaalanında yaptığı toplantının tarihçesiyle başlar. Kalabalıktan alkışlar, radyoda onun hakkında yayın yapın. Röportaj tarzında çekilmiştir. Motorlar bir yerlerde gürlüyor, kelimeleri boğuyor, kalabalık bağırıyor. Jurier beklenmedik bir şekilde, başarısını yalnızca ünlü Avusturyalı şef Christina de la Chesne'nin (Nora Gregor) kendisiyle tanışmaya bile gelmeyen kızını etkilemek için başardığını ilan eder.

Ve sonra, paralel olarak, bir mankene benzeyen Marquis de la Chesnay'in (Dalio) yeni bir satın alma işlemine - kurmalı bir oyuncak bebeğe - hayran olduğu ve karısıyla sohbet ettiği lüks dairelerin yapay sera atmosferi gösteriliyor. Christina laik bir oyunun tüm kurallarına göre.

Havacı Octave'nin (Jean Renoir) bir arkadaşı, intiharın eşiğindeki kahramanı teselli etmek için, Christina ve kocası Marki'yi Jurier'i bir taşra şatosunda avlanmaya davet etmeye ikna eder.

La Colinière malikanesinde bir kalabalık misafir toplanıyor. İkincil karakterler, o zamanın burjuva toplumunun bir tür panoramasıdır: yeni basılmış sanayici La Bruyère ve karısı; herif, İspanyol diplomat, emekli general...

Christina, Marki'nin aşk ilişkisini öğrenir ve misilleme olarak Jurier ile başka bir konuğun ilerlemelerini kabul eder. Kalede tatil sırasında, aralarında Christina'nın kocasının da bulunduğu iki rakip arasında kavga çıkar. Christina'yı bir pilotun kollarında isteksizce ama toplumda kabul edilen kurallara göre gören marki, yüzüne tokat atar. Ancak birkaç dakika sonra, kendinden memnun bir şekilde, Jurier ile barışçıl bir şekilde konuşmaya başladı bile.

Avı, La Colinière şatosunda grotesk ve ürkütücü bir akşam izler. Kahramanlar maskeli balo kıyafetleri giyer, abartılı performanslara başlar. Kaledeki şenliklerin ortasında karakterler rol yapmayı bırakır ve gerçek duygularının dizginlerini serbest bırakır. Soylular tarafından evcilleştirilen çaresiz bir ahlak gözlemcisi olan kaba Octave, eğitimli bir ayı rolünü oynar ve derisini yüzemez; Marquise de la Chesnay yüzünden ara sıra ağız dalaşları ve kavgalar çıkıyor ...

Ardından, performans sırasında, Saint-Saens'in Ölüm Dansı sesleriyle, üzerlerine beyaz iskeletler boyanmış dar siyah taytlar içinde dört dansçı belirir. Sahneden koşarlar ve konukların arasında dans ederler.

Beyefendilerin dahil olduğu entrika, on sekizinci yüzyıl komedyenlerinin geleneği olduğu gibi, hizmetkarlar arasında tekrarlanır. "Alt" - Alsas Schumacher (Gaston Modo), çalışkan avcı ve aşık koca; Güzel ama sadakatsiz karısı, markizin hizmetçisi Lisette (Paulette Dubos); ve işe alınan eski kaçak avcı Marceau (Carette) gibi - avcının karısıyla ilgilenir ve Marki'nin topraklarında tavşan yakalar. Elinde tabancayla misafirlerin arasında manevra yapan kıskanç Schumacher, Marceau'nun peşine düşer ama yanlışlıkla Jurier'i öldürür. Kader, en iyiyi, en safı, henüz "kurallarla" çelişmeyeni yakalar ve bu nedenle, sonunda onu bir başkasına yönelik bir mermi tam da onun için beklemektedir. Ancak Marki sakince "kazadan" söz eder ve herkes oyununa devam etmek için kaleye gider.

Fransa'yı kaçınılmaz bir felakete doğru sürükleyen bu insanların dünyası, dar ve dar çemberlerine dışarıdan kimseyi sokmamalarıyla ayakta kalıyor ve ancak belirlenen hız sayesinde ayakta kalabiliyor. Yönetmenin niyeti buydu.

Renoir, prodüksiyonu kendisi finanse etti ve gerçek yazarıydı - senaristlerden biri, Octave rolünün yönetmeni ve oyuncusu.

"Oyunun Kuralları"ndaki tek zayıf nokta, son dakikaya kadar çözülemeyen oyuncu seçimi olabilir. Renoir, oyunculara önceki rollerine uymayan roller sunmaktan korkmuyordu. Örneğin, "karanlık kişilikler" rolleriyle tanınan Dalio, "Oyunun Kuralları" nda zekice bir aristokrat oynadı.

Christina'nın rolü, Avusturyalı bir prens olan kocası anavatanında Hitler karşıtı bir köylü partisi yaratan Prenses Staremberg Nora Gregor tarafından oynandı.

Renoir, The Rules of the Game'in çekimlerinden kısa bir süre önce Staremberg ile tanıştı. İlkel çift tam bir kargaşa içindeydi. İnandıkları her şey gözlerinin önünde yıkılıyordu. Renoir'e göre, Christine rolünü geliştirmek için kuş benzeri hafif karakteri Nora Gregor'un tavırlarını kullanmaya karar verdi. Renoir, "Ve bu sefer karakter veya entrika yaratmak için dış verilerden yola çıktım," diye vurguladı. "Suçluyum ama bu durumu vurgulamalıyım çünkü artık film yapmamaya karar verdiğim anda bu prensibin gücü beni her zamankinden daha derinden etkiliyor."

Renoir, karakterlerinin tuhaf dünyasını göstermek için, "güncelleme altında" çekilen film bölümlerinde düpedüz grotesk ve soytarılık tarzında sahneleri birleştiriyor. Renoir'ın çalışmalarının tanınmış araştırmacısı Armand-Jean Collier, "Oyunun Kuralları"nın yenilikçi bir resim olduğunu ve yönünün devrim niteliğinde olduğunu iddia ediyor.

Mekan çekimi Sologne'de (Château Brinon, La Motte-Bevron ve Aubigny) yapıldı. Renoir, "Dalio ile birlikte metni oluşturduk, her şeyi sırayla çekmemiz gereken yerleri seçtik" diye yazdı. “Ama hepimiz her gün yeniden icat ettiğimiz olay örgüsüne değil, genel duruma kapılmıştık. Ve bu kaleyi çevreleyen ormanlardan ve doğal dekorundan etkilendik. Manzaralara inandırıcılık veya güzel resimler için ihtiyaç yoktur. Bizi belli bir atmosferle tanıştırmalılar. Ve bir tür manzaraya karıştığımızda daha iyi oynuyoruz.”

Soloni'nin manzaralarını ayıran sakin ama dramatik tuhaf şiir, filmde karakterlerden daha az önemli bir rol oynamadı. Renoir, "Oyunun Kuralları"nda en basit tekniği kullandı. Aparatı çok fazla hareket ettirmemeye, mümkün olduğu kadar az panorama ve yakınlaştırma yapmaya, mümkün olduğunca az sıra dışı çekim yapmaya çalıştı.

Renoir'in olay örgüsünün yazarı olarak sahip olduğu özgürlük (aynı zamanda yapımcıydı), dramatik geleneklerden tamamen kurtulmasına ve önce şaşkınlığa neden olan, sonra büyüleyen ve sevindiren orijinal bir film yaratmasına izin verdi.

Renoir'ın yeni filminin gösterime girmesi büyük ölçekte hazırlandı. Uluslararası prömiyeri, New York sergisi çerçevesindeki etkinliklerden biri olarak tasarlandı, resim Fransa'nın en büyük ve en prestijli sinemalarında gösterildi. Ancak 8 Temmuz 1939'daki galada salonda ıslık ve öfkeli çığlıklar yükseldi. İnsanlar endişelerinden kaçmak için sinemaya geldi ve Renoir seyirciyi kendi sorunlarının içine çekti. Bireysel eleştirmenlerin övgü dolu eleştirilerine rağmen seyirci filmi kişisel bir hakaret olarak karşıladı. Darbe Renoir için o kadar korkunç oldu ki, "Oyunun Kuralları" baştan sona kendi yaratımıydı.

Renoir, filmi kurtarma girişiminde ikincil sahneleri ve ağır çekim görüntüleri attı. Son olarak, başarısızlıktan sonra ekranda görünmekten utanıyormuş gibi, kendisinin çok büyük bir rol oynadığı sahneleri kesti.

Ancak bu, filmin kimse tarafından anlaşılmadığı anlamına gelmiyor. Anlamı, en azından sansür tarafından yakalandı. Resmin siyasi gücü o kadar büyüktü ki gişeden çekildi. Yasak, Fransa'nın müttefiki olan Polonya'nın işgalinden sonra Eylül 1939'da imzalandı.

Oyunun Kuralları'nın başarısızlığı Renoir'ı o kadar üzdü ki ya sinemayı bırakmaya ya da Fransa'yı sonsuza kadar terk etmeye karar verdi.

Çeyrek asır sonra, Jean Renoir Harvard Üniversitesi'nde ders veriyordu ve yandaki sinemada Oyunun Kuralları oynuyordu. Yönetmen salona geldiğinde coşkulu bir alkış patlak verdi. Öğrenci izleyici, resmin yaratıcısını memnuniyetle karşıladı. O zamandan beri, film artan bir başarı elde etti. 1939'da saldırgan görünen şey, geleceğin net bir vizyonu haline geldi.

Günümüzde Renoir'in başyapıtı, örneğin yetkili yayın Site and Sound'un yaptığı gibi, genellikle sinema tarihinin en iyi filmleri listelerine dahil edilmektedir. Görünüşe göre Fransız eleştirmenler bu çalışma hakkında diğer tüm Fransız filmlerinden daha fazla yazmışlar. Dahası, "Oyunun Kuralları" hayranları resmi orijinal, kesilmemiş haliyle geri yükleyerek gösterinin süresini üçte bir oranında artırdı.

"MALT Şahini"
(Malta Şahini)

Yapım: Warner Bros., ABD, 1941. Senaryo J. Houston, D. Hammett'in romanından uyarlanmıştır. J. Houston'ın yönettiği. Operatör A. Edeson. Sanatçı X. Wallis. Besteci A. Deutsch. Oyuncular: X. Bogart, M. Astor, G. George, P. Lorre, B. McLane, Lee Patrick, S. Greenstreet, W. Bond, J. Cohen, I. Cook ve diğerleri.

1920'lerde Amerika Birleşik Devletleri'nde Black Mask dergisi okuyucular arasında büyük başarı elde etti. Yazarları - Hammett, Chandler, Kane, Burnett - "sert dedektif" türünde çalıştılar.

Yeni bir kahraman ortaya çıktı - tüm dünyanın kendisine karşı silahlandığı alaycı, yalnız bir dedektif.

Dashiell Hammett'in 1930'da yayınlanan Malta Şahini adlı romanı polisiye kurgu severlerin hemen ilgisini çekti. Film hakları Warner Bros tarafından satın alındı.

35 yaşındaki John Huston'ın yapımı Maltese Falcon'un üçüncü film uyarlamasıydı. Sinemaya girmeden önce Houston profesyonel bir boksördü, Meksika süvarilerinde görev yaptı ve gazetecilikle uğraştı. John hayatı biliyordu. Daha sonra "sinemanın Hemingway'i" olarak anılacak ve Zola'nın natüralizm geleneğinde Houston'ın filmlerine atıfta bulunacaktı.

1938'de Houston, Warner Bros. ile bir sözleşme imzaladı ve zamanın ünlü yönetmenleri Howard Hawks, William Dieterle, Raoul Walsh, William Wyler için senaryolar yazmaya başladı. Başkaları için yazmaktan yorulunca kendini yönetmeye karar verdi.

"Sert dedektif" kahramanında Houston, ruhsal ikilik ve hukukun ve suçun eşiğindeki varoluştan etkilendi, çünkü deneyim, böyle bir kahramanın yanılsamalardan yoksun bir neslin sembolü olabileceğini öne sürdü.

Tecrübeli bir senarist olan Houston, Hammett'in şok sahnelerini alıp diyaloğu kesmiş. Hiçbir şey izleyiciyi ana karakterin - özel bir dedektifin - imajından uzaklaştırmamalıydı. Carlos Clarence'ın belirttiği gibi, romanı tam olarak takip eden ve "mizahla yumuşatılmış ölümcül mantık" içeren bir varyant yaratır.

Jack Warner, Malta Şahini'nin senaryosunun ilk taslağını okuduktan sonra, filmin hemen prodüksiyona alınmasını emretti.

Houston, dedektif ve gerilimin büyüleyici bir karışımının yanı sıra yeni bir tür ve yeni bir kahraman olan "kara film" i icat etti.

Malta Şahini 1930'ların San Francisco'sunda geçiyor. Özel dedektif Sam Spade'in bir arkadaşı öldürüldü. Şu anda Spade, büyüleyici Brigitte tarafından kendisine emanet edilen soruşturmayla zaten meşgul. Onun ikili bir oyun olduğundan şüpheleniyor. Brigitte'in, değerli taşlarla kaplı altın bir heykelcik olan Malta Şahini'nin kaybını içeren davaya gerçekten dahil olduğu ortaya çıktı. Orta Çağ'da Malta'nın haçlıları onu İspanyol kralı Charles V'e vermek istediler, ancak korsanların hatası nedeniyle hükümdara ulaşamadı. Bu heykelciğe sahip olmaya çalışan herkesin peşinde ölüm vardır.

Sadece Brigitte değil, aynı zamanda zeki dolandırıcılar - ve aralarında eksantrik Kasper Gutman'ın da bulunduğu - "Malta Şahini"ni arıyor.

Kasper Gutman kendisi için bir kutsal emanet bulan herkese her bedeli ödemeye hazır.

Spade heykelciği ele geçirmeyi başarır - ancak bunun sadece ucuz bir sahte olduğu ortaya çıkar! Brigitte acı acı ağlıyor. Gerçeği öğrenen Gutman, dedektifin kötü şansına alay eder.

Spade, kadınsı cazibelerden etkilenmez. Büyüleyici kahraman, dedektifliği planının bir parçası haline getirmeyi asla başaramadı. Metresinin onu aldattığına ikna olan Spade, en ufak bir tereddüt etmeden onu polise teslim eder. Aynı zamanda şöyle diyor: “Seni seviyorum ve yirmi yıl beklemeye hazırım. Seni narin boynundan asarlarsa, seni hatırlayacağım.”

Spade'in önünde yeni bir iş var.

Film eleştirmeni Milena Musina, "Konu beni merakta bıraktı ve yumuşak kenarlı şapkaların ve yukarıya dönük uzun yağmurluk yakalarının arkasına saklanan şık kadınlar ve tehlikeli erkekler beni heyecanlandırdı" diyor film eleştirmeni Milena Musina. "Kadınlar - yırtıcı bir kalça kıvrımı ve her zaman öpücüğe hazır zehirli dudakları olan dekolte sarışınlar - uzun ağızlıklardan ince sigaralar içiyor ve aşk isteyen saçma sapan erkekleri öldürüyordu. Kadınlar para istedi. Bu lanet dünyada bir şekilde var olmak gerekiyordu! Ve yalnızca tek bir kahramanın arzusu yoktu ve genel olarak her şeye kayıtsızdı. Sert dudakların tiksindirici gülümsemesiyle, baştan çıkarıcı gözlerle, cani bir şairle, her zaman gerekli olan bir tabancayla ve adil bir mizah anlayışıyla hüzünlü bir alaycı. Zayıflıklara ve tutkulara tabi değil, onlar tarafından çizilen, üzerinde yalnızca ceset üstüne ceset, kadın üstüne kadın olan sonsuz yolunda.

Sam Spade rolü, gangster filmlerinde rol alan ünlü oyuncu George Raft'a teklif edilmişti. Malta Şahini'nin geçici bir resim olduğunu ve yeniden yapımda görünmek istemediğini söyleyerek reddetti.

Ardından Houston, dedektif rolünü 42 yaşındaki arkadaşı Humphrey Bogart'a emanet eder. O zamanlar resim için ne kadar şanslı olduğunu kimse anlamamıştı.

Humphrey, 1934'te The Petrified Forest'ın Broadway galasından sonra ün kazandı. Bogart, mafya üyesi Duke Monty rolüyle izleyicileri büyüledi. Gerçek suçluyu karakteristik bir yürüyüşle, kendinden emin bir boğuk sesle, delici soğuk bir bakışla ve taklit edilemez bir aksanla gördüler.

Oyunun film hakları Warner Bros. tarafından satın alındı. Bogart, filmde acımasız katili oynamakta eşit derecede başarılıydı.

1932 ile 1942 yılları arasında otuz altı filmde rol alan oyuncu, bunların yirmi ikisinde vuruldu, asıldı, elektrikli sandalyeye kondu veya parmaklıkların arkasına atıldı.

Ancak Bogart, küçük resimlerde bile genel arka plandan sıyrılıyordu. Onun hakkında "Ekranda hüküm sürmesi için kadraja girmesi yeterlidir" dediler. Humphrey abartmadı, tutkuyla boğulmadı, sadece hareketsiz durdu ve yüzü ve özellikle gözleri onun için oynadı. Böylesine minimum bir aksiyon ve yaygara, zamanın diğer ünlü "ağır sıklet" gangster aksiyon filmlerine - George Raft ve Edward Robinson - kıyasla bile, seyircinin onda özel bir şey görmesini sağladı. Bogart'ta taklit edilemeyecek bir şey vardı - onun bireyselliği.

Brigitte rolü için adaylar arasında Olivia de Havilland, Rita Hayworth ve Ingrid Bergman da vardı. Ancak seçim Mary Astor'a düştü. 35 yaşındaki aktrisin şu sözleri nasıl hatırlanmaz: "Sanatçı çizer, piyanist çalar, yazar yazar - ve sadece sinema oyuncusu bekler."

Sidney Greenstreet, Casper Gutman rolünde harika bir iş çıkarmış. İngiliz oyuncu o kadar iriydi ki stüdyo ona uygun takım elbiseyi bulamadı. Sipariş vermesi için acilen kıyafet dikmem gerekiyordu. Daha sonra hesaplandığı üzere 60 yaşındaki İngiliz oyuncunun gardırobuna 357 sterlin (o zamanlar hatırı sayılır bir miktar) harcanmıştı.

Filmde ayrıca "M" filminden tanınan Peter Lorre, Ward Bond, Elisha Cook rol aldı. Houston'ın babası Walter kaptan olarak ekranda parladı.

Film sadece bir ayda (9 Haziran - 18 Temmuz 1941) çekildi ve bütçesi 300 bin doları geçmedi. Çekimler San Francisco'da gerçekleşti.

Houston'ın filmi 3 Ekim 1941'de New York'ta gösterime girdi. Malta Şahini üç Oscar'a (En İyi Film, Yardımcı Erkek Oyuncu - Greenstreet, Uyarlama Senaryo) aday gösterildi, ancak hiçbirini kazanamadı. Yine de Houston'ın "kara filmi" büyük bir başarıydı. Amerikalı eleştirmen Leonard Malting, The Maltese Falcon hakkında "Bir sonraki izleyişten sonra daha da iyi görünen mükemmel bir dedektif draması" diye yazmıştı.

Elbette herkes Humphrey Bogart'ın oyunculuk çalışmalarına dikkat çekti. Çerçevede hüküm sürdü, başıyla tavanları destekledi, bu da Houston'ın set tasarımcılarını tam anlamıyla hizalamaya zorladı, bu daha önce Hollywood'da uygulanmadı.

Warner Bros., The New Adventures of the Maltese Falcon'un devam filmini yapmayı planladı, ancak Houston ve oyuncu kadrosu başka projelerle meşgul olduğu için devam filmi gelmedi. Doğru, 1943'te Hammett'in romanına dayanan ve John Huston filminin oyuncularının yer aldığı bir radyo oyununun prömiyeri yapıldı.

Sadece otuz dört yıl sonra The Maltese Falcon'un devam filmi çekildi (devam filminin yayınlanması ile orijinali arasında rekor bir aralık). Parodi filmi The Black Bird'de (1975), George Segal, Sam Spade'in oğlu rolünü oynadı. Film, klasik 1941 versiyonundan iki oyuncu, Elisha Cook ve Lee Patrick'i canlandırıyor.

"Vatandaş Kane"

(Vatandaş Pelerini)

Yapım: RKO, ABD, 1941. Senaryo G. Mankiewicz ve O. Wells. Yönetmen O. Wells. Operatör G. Toland. Besteci B. Herrmann. Sanatçı D. Silvera. Oyuncular: O. Wells, J. Cotten, D. Comingore, A. Moorhead, R. Warrick, R. Collins, E. Sanford, E. Sloan, J. Colouris, W. Alland, P. Stewart ve diğerleri.

Film uzmanları arasında yapılan çok sayıda anketin sonuçlarına göre Orson Welles'in "Citizen Kane" filmi tüm zamanların en iyi filmi olarak kabul ediliyor.

Amerikalı aktör ve yönetmen Orson Welles, genellikle "New York dahisi" olarak anılır. On beş yaşında, yirmi yaşında popüler bir aktör oldu - yenilikçi Merkür Tiyatrosu'nun başkanı. Yirmi beş yaşında, film başyapıtı Yurttaş Kane'i çekti.

Orson Welles, büyük ölçüde Ekim 1938'de yayınlanan, Marslıların işgali hakkındaki tartışmalı radyo programı "Dünyaların Savaşı" nedeniyle Amerika'da tanındı. Yazar, yapım ekibine Amerikan şehirlerinde paniğe neden olan olay yerinden bir rapor karakteri verdi. Bütün yollar arabalarla doluydu. Korkmuş Amerikalılar kendilerini sinir gazlarından korumak için başlarına ıslak havlular sardılar. Yetkililer, tüm radyo istasyonlarına her on dakikada bir bunun sadece bir radyo oyunu olduğunu duyurmalarını emretti.

Ayrıca 24 yaşındaki Wells, tiyatroda çalışmayı başardı. 1939'da Roger Hill ile birlikte Mercury Theatre tarafından sahnelenen Shakespeare'in oyunlarından oluşan bir koleksiyonu kendi çizimleriyle birlikte yayınladı. Aynı yıl, Shakespeare'in dört tarihi oyununun ("Henry IV", "Henry V", "Henry VI" ve "Richard III") montajı olan "Beş Kral" oyununu yayınladı ve rolü kendisi oynuyor. Falstaff'ın.

Hollywood genç yeteneklerle ilgilenmeye başladı. Ancak yirmi beş yaşındaki Wells, kendisine yaratıcı özgürlük sağlayacak bir sözleşme talep etti. Uzun görüşmelerden sonra böyle bir sözleşme imzalandı. Wells, RKO stüdyosunda sınırsız yaratıcı özgürlüğe sahip oldu. Aynı zamanda senaryo yazarı, oyuncu, yönetmen ve yapımcıydı.

Doğru, kısa sürede Wells'in ilgilendiği konuların "iyi olmadığı", senaryolarının film patronları tarafından beğenilmediği, ünlülerin filmlerinde oynamayı reddettiği ve stüdyo yönetiminin film yıldızları olmayan bir filmi finanse etmeye cesaret edemediği anlaşıldı.

On bir ay boyunca anlaşmazlıklar yaşandı. Ancak Wells hiç vakit kaybetmedi ve yoğun bir şekilde film teknolojisi ve film sanatı üzerine çalıştı ve ayrıca New York'taki Museum of Modern Art'ın film arşivinden filmler izledi. Orson, eserlerinde etkisi görülen filmlerin çoğunu hiç izlemediğini ve Alman dışavurumculuk okulundan nefret ettiğini kendisi ifade etti. Bununla birlikte, Kane'i yönetmeye başlamadan önce John Ford'un batı Posta Arabası'nı kırktan fazla gördüğünü itiraf etti.

Welles'e, kendisinin ve Herman J. Mankiewicz'in yazdığı bir senaryoya dayanarak Citizen Kane'i yönetme izni verildi. Aslında filmin senaryosunu dördümüz yazdık. Joseph Colen ve John Houseman'ın isimsiz isimleri. Kimin neyi yazdığı hakkında tartışmalar devam ediyor.

Citizen Kane'in konusu oldukça basit.

... Ünlü medya patronu, Amerika'nın en zengin altıncı adamı Charles Foster Kane öldü. Ve bu tanıtımın hemen ardından multimilyoneri yücelten bir belgesel filmin görüntüleri geliyor.

Ancak film patronu Roulston, kronik girişiminden memnun değil. Keskin, beklenmedik, ilginç bir şey bulmalısın.

Kane ölmeden önce elinde cam bir topla "Rosebud" (İngilizce - "rosebud") diyor. Bu kelimenin gizli anlamı nedir? Roulston, haber filmi muhabiri Thompson'a bir görev verir: "Gül goncası hakkında her şeyi öğrenin! Kane'i tanıyan herkese ulaşın..."

Gerçeği aramak, gazeteciyi ölen kişiyi seven veya ondan nefret eden insanlara götürür.

Sohbetlerde: Bernstein'ın menajeri, en yakın arkadaşı Leland, ikinci karısı, şarkıcı Susan Alexander, Xanadu'daki uşak ve ayrıca Thatcher'ın merhum koruyucusunun günlüğünden, muhabir garip bir kelimenin anlamını bulmaya çalışır.

Meğer Kane sadece annesini, sadece gazetesini, sadece ikinci karısını, sadece kendisini seviyormuş. Belki ikisini de sevdi ve üçüncüsünü, belki de hiçbir şeyi. İzleyiciyi yargılamak için. Kane bencil ve bencil değildi, o bir idealist ve bir alçak, en büyük adam ve aynı zamanda küçük. Her şey kimin hakkında konuştuğuna bağlı. Kane, kendisini öncelikle bir kişi olarak görüyordu: "Dünyadaki yalnızca bir kişi ne yapılacağına karar verebilir ve o kişi benim."

Aksiyon her zaman geriye gider: Kane'i bir çocuk, genç adamlar ve hayatının baharında yetişkin bir adam ve hayatının sonunda yaşlı bir adam olarak görüyoruz.

Thompson, "gül goncasının" sırrını çözemez. Sinirli bir şekilde Kane'in şatosunun devasa merdivenlerinden iner. Ve diğer çöplerle birlikte, çocuk kızakları şöminenin ateşine uçar ve alev bir an için üreticinin ticari markasını vurgular - bir gül goncası ...

Ünlü "gül goncası" ile ilgili her şey Mankiewicz'in fikridir. Wells, filmde "gül goncası" fikrinin en az sevdiği şey olduğunu söyledi: "Bu gerçekten bir başarısızlık - bir tür basit, sıradan Freudculuk." Gerçek şu ki, medya patronu Hearst'ün yakın arkadaşı Gore Vidal, 1989'da verdiği bir röportajda, "gül goncası"nın uzun süreli metresi Marion Lewis'in en mahrem yeri için kullanılan terim olduğunu iddia etti.

Wells, tüm ana roller için Mercury Theatre'dan oyuncuları davet etti. Herkesin olasılıklarını bildiği için bu da önemliydi. Birçoğu ilk filmlerini yaptı: Joseph Cotten (Jed Leland). Dorothy Comingore (Susan İskender). Ruth Warrick (Emily, Kane'in ilk karısı), Ray Collins (Jim Gettys, Kane'in siyasi rakibi), Agnes Moorehead (Kane'in annesi), William Alland (Thompson muhabiri)...

Çekimler 30 Temmuz 1940'ta başladı ve dört ay sürdü; Welles daha sonra filmin kurgusunu yaptı ve adını verdi. Ocak ayında Citizen Kane bitti.

Wells, "Kameranın şimdiye kadar birlikte çalıştığım en iyi kameraman olan Gregg Toland olduğu ve daha önce filmlerde hiç çalışmamış oyunculara sahip olduğum için çok şanslıydım" dedi. Hepsi benim tiyatromdandı. Eski sinema oyuncularıyla Yurttaş Kane'i asla oynayamam, çünkü hemen "Aslında ne yapıyoruz?" derler, yeni olduğum için sinirlenirler ve bu da filmi mahveder. Ve film ancak dedikleri gibi aile çevresinde kaldığım için mümkün oldu.

Wells, teknik ekibini yeni bir şekilde çalışmaya zorladı ve onlardan pavyonda normal çalışma koşullarında ulaşılamayan etkiler talep etti.

"Kane"nin sofistike tarzı, sinemaya yeni başlayan biri için kesinlikle inanılmaz görünüyor - sonuçta, bu tartışmasız başyapıttan önce Welles, Jean Cocteau filmi "The Blood of a Poet" - "The Heart of a Poet"ın yalnızca altı dakikalık bir parodisini çekmişti. The Age" ve tek kopyası Wells'in Madrid yakınlarındaki villasında çıkan yangında yanan "Nowhere to Escape From Jones" adlı kısa film.

Citizen Kane'de ilk kez Gregg Toland'a, farklı eylemleri tek bir akışta birleştiren bir derinlik çerçevesi oluşturmanıza olanak tanıyan geniş açılı lensler gibi uzun süredir hayalini kurduğu teknikleri uygulama fırsatı verildi.

Citizen Kane'deki tüm setler tavanlarla inşa edildi (bu daha önce uygulanmıyordu) ve normalden daha alçakta bulunuyordu. Toland, aparatın alçak noktaları için tavanı arka plan olarak kullandı.

Toland ve Wells'in bulduğu çarpıcı kurgu tekniği, kısa bir bölümde Kane ve Emily'nin evlilik hayatlarının uzun yıllarını anlatmayı sağlıyor. Birkaç küçük parça birbirini takip eden kahvaltılarda onları gösterir: zaman geçer, eşlerin kıyafetleri ve masa süsleri değişir, ancak kahvaltılar bir tören töreni ve bir kadının kocasının davranışlarından hoşnutsuzluğunu ifade edebildiği bir zaman olarak kalır. Sitemleri keskinleşiyor, cevapları gittikçe sertleşiyor. Ve son olarak, son parçada ikisi de sessiz, her biri sabah gazetelerini okuyor...

Yeni düzenleme, ışıklandırma, çerçeve kompozisyonu yöntemleri, filmin resimsel biçiminin şimdiye kadar yenilikçi değerini korumasına yol açtı.

Gregg Toland, “Senaryo üzerinde çalıştığımız ilk andan itibaren, izleyicinin ekranda ne göreceği, sahnenin görsel olarak nasıl çözüleceği açısından her şey bizim tarafımızdan düşünüldü” dedi. "Kısa yollardan kaçınmaya çalıştık ve bunun yerine hareket veya bir panorama sunduk. Diğer durumlarda, aksiyon, merceğin görüş açısının maksimum genişliği içinde ve ön plandan sonsuza kadar çerçevenin tüm derinliği boyunca oluşturulmuş mizansenlerle uzun, sürekli çekimlerde ortaya çıktı.

Bu tür mizansenler kameraman için son derece zor görevler oluşturuyordu, ancak bunların çözümü kameramanın Yurttaş Kane'deki çalışmasının ana içeriğiydi.

Wells, Citizen Kane'in tüm yeniliklerini yalnızca kendi cehaletine borçlu olduğunu iddia etti. Filmin ilk karesini çekmek üzereyken Orson, "Hadi yapalım!" dedi. Gregg Toland bunun imkansız olduğunu söyledi. Yönetmen ısrar etti: “Hadi deneyelim, sonra bakarız. Aslında neden imkansız?

Wells, "Önceden bir storyboard'um yoktu," diye hatırladı. Her şeyi sette doğaçlama yaptım. Doğru anda kamerayı istediğim yere koyabilmem için duvarları hareketli hale getirdik. Bu arada sette ihtiyaç duyduğumun yirmi beş katı kadar eşya topluyorum ama onları her zaman sahneye vermek istediğim tarzda seçiyorum. Çerçeveyi sabitleyerek nihai çözümü oluşturuyorum ve bu şekilde bir araya getirilen öğelerin yalnızca bazılarını kullanarak onu oluşturuyorum.

Toplumun manipülasyonu teması, filmin ana nedenidir. Wells, iktidar için çabalayan herkesin, kısa sürede unutacağı "İlkeler Bildirgesi" ile başladığını, kendini en sadık ve zeki insanlardan kurtardığını ve dalkavuklarla çevrili kaldığını açıkça gösterdi. Şöhret veya başarıya ulaşan, istediğini elde eden seçkin bir kişi, manevi bir çöküş yaşar.

Citizen Kane hala çekim yaparken, basında Kane'in gazete kralı William Randolph Hearst'tan başkası olmadığına dair haberler vardı. Gerçekten de Kane'in hayatının bazı anları, bu basın kralının hayatından bilinen gerçekleri andırıyor.

"Hirst's Empire" kitabının yazarı F. Lundberg, Wells'i intihalle suçladı, ancak yönetmen, Kane'in gerçek prototiplerle bağlantısını reddetti.

“Citizen Kane, ünlü bir kişinin özel yaşamının bir portresi. Birkaç yayıncı tanıyorum ama hiçbirini model olarak kullanacak kadar tanımıyorum. Benim filmim ile William Randolph Hearst'ün kariyeri arasında sürekli paralellikler vardı. Bu çirkin ve Hurst ile ilgili olarak ve Kane ile ilgili olarak.

9 Nisan 1941'de film New York ve Los Angeles'ta basına gösterildi. Eleştirmen Cedric Belfrige şöyle yazdı: "Citizen Kane, tarihe büyük bir Hollywood efsanesi olarak geçecek gibi görünüyor. [...] Daha önce hiç bu kadar heyecan verici bir prömiyer olmamıştı ve ben binlercesini gördüm. Çünkü bu ekranda, gazete kodamanlarının yandaşları, nasıl alçaldıklarını, köle ve fahişe olduklarının gerçeğini gördüler. Ve aynı zamanda, "eleştirel makalelerde" vücutlarıyla gelişen, reklamlarla sıkı bir şekilde düzenlenen ve kahraman Orson Welles ve onun bilinmeyen "Mercury" tiyatrosu tarafından toza gömülen o dev Hollywood makinesinin tamamını gördüler.

Hearst'ün tehditlerinin bir etkisi oldu. RKO şirketi düşünmek için zaman ayırdı ve resmin ekranlarda yayınlanmasını erteledi.

Ardından Orson Welles, RKO'nun Yurttaş Kane'i göstermesi gerektiğinde ısrar ettiği, aksi takdirde mahkemeye gideceği konusunda ısrarcı bir açıklama yaptı.

Yönetmen bir basın toplantısında, "Bay Hurst'ün veya başka herhangi bir gerçek kişinin hayatına değinmeyi düşünmedim" dedi. “Buna aykırı hiçbir beyanın benim adıma yayınlanmasına asla izin vermedim. Yurttaş Kane tamamen kurgu bir karakterin hayat hikayesidir. Filmin senaryosu, RKO firması ve Hayes sansür komitesi tarafından incelendi ve desteklendi."

Citizen Kane, 1 Mayıs 1941'de New York'ta halka gösterildi. Hearst'ün gazeteleri, filmin dağıtımının sınırlı olmasını sağladı.

Yine de Citizen Kane, dokuz Akademi Ödülü'ne aday gösterildi ve yalnızca En İyi Özgün Senaryo (Wells ve Mankiewicz) dalında Oscar kazandı.

Fransız eleştirmenler, Wells'in filmini övgü yağmuruna tuttu ("temel", onu ABD'de daha önce görmüş olan Sartre'ın bir makalesi tarafından belirlendi), ancak olay örgüsünü yeniden anlatırken birçoğunun kafası karıştı; işler öyle bir noktaya geldi ki, farklı gazetelerde "gül goncası"nın anlamı farklı yorumlandı, bazıları

bunun ölmekte olan Kane'in elinden düşen kar taneleri olan cam bir topun adı olduğuna inanılıyordu. Bu, André Bazin ve Denis Marion özel bir "soruşturma" yürütüp Amerikan kiralama şirketi RKO'yu çocuk Kane'in yanan kızağını gördüğümüz kareye ek bir "Rosebud" alt başlığı eklemeye ikna edene kadardı.

Bununla birlikte, bu kafa karışıklığı, Wells'in niyetinin bir parçasıydı, çünkü küçük kahramanın evine kar taneleri düşüyor ve ayrıca Kane, cam topla bağlantılı olarak iki kez "gül goncası" diyor: ölümden önce, onu düşürerek ve hatta daha önce, ne zaman ikinci eşi Susan Alexander'dan ayrılan bölümde elindeki topu sıkıyor.

"Rosebud" ifadesi, yaşamın tüm cazibelerinden ve denemelerinden önce gelen bulutsuz bir çocukluk varoluşunun sembolü haline geldi, Wells'in Batı kültürünün ana teması olarak gördüğü kayıp cennet temasının bir yankısı oldu.

Wells'in resmi haklı olarak dünya sinemasının zirvesi olarak kabul edilir. Eleştirmenler ve yönetmenler arasında yapılan son anketlere göre, tüm zamanların en iyi filmi olarak tanınan Yurttaş Kane.

"LADY HAMILTON"
(Leydi Hamilton)

Yapım: Büyük Britanya, 1941 W. Reshi ve R. Sheriff tarafından yazıldı. A. Korda'nın yönettiği. Operatör R. Mate. Sanatçı V. Korda. Besteci M. Rocha. Oyuncular: L. Olivier, V. Lee, A. Mowbray, G. Cooper, X. Angel ve diğerleri.

Haziran 1940'ta Macar asıllı bir İngiliz olan yapımcı Alexander Korda Amerika Birleşik Devletleri'ne geldi. Winston Churchill'in isteği üzerine, İngiliz gizli servislerinin kendi koruması altında faaliyet gösterebilmesi için New York'ta büyük bir ofis ve Los Angeles'ta bir benzeri açtı. Filmlerini Amerika'da çeken Korda, çok para kazandı.

Lord Nelson hakkında bir film yapma kararı, esas olarak benzersiz oyunculuk ikilisi Laurence Olivier ve Vivien Leigh'in Los Angeles'taki varlığı tarafından belirlendi. Sözleşmelere bağlıydılar ve anavatanlarına dönemediler, bu yüzden suçluluk duygusuyla eziyet ettiler. Korda, Olivier'e sordu: "Nelson ve Leydi Hamilton'ı tanıyor musunuz?" Oyuncu, laik ünlülerden bahsettiğimize karar verdi ve olumsuz yanıt verdi. "Larry, onları kesinlikle tanıyorsun!" - Korda haykırdı ve Amiral Nelson ve kız arkadaşı Emma Hamilton'dan bahsettiğimizi açıkladı.

Nelson figürü ve Trafalgar Savaşı teması yapımcıya Churchill tarafından önerildi. Korda, başarının anahtarının Nelson'ın kişisel hayatı ile bir deniz amirali olarak kariyerini karşılaştırmakta yattığını hemen fark etti.

Vivien Leigh bu fikre şüpheyle yaklaştı, Olivier hâlâ eve dönmekten bahsediyordu. Mükemmel bir diplomat olmak. Korda, filmi sadece altı hafta içinde çekeceğine ve oyunculara çocuklarını önceki evliliklerinden İngiltere'den tahliye edebilecekleri cömert bir avans vereceğine söz verdi. Bu argümanın belirleyici olduğu ortaya çıktı.

Alexander Korda sözünü tuttu ve Olivier ile Vivien Leigh'e ücretin yarısını avans olarak verdi. Ancak senarist R. Sheriff henüz bir satır yazmadığı için çekimler Eylül ayına kadar başlayamadı.

Ağustos 1940'ın sonunda, Olivier ve Vivien Leigh küçük bir taşra kasabasında yasal olarak evlendiler. Basın tamamen bilgisizdi.

Üç gün sonra oyunculuk yapan çift Los Angeles'a döndü. "Lady Hamilton" üzerinde çalıştığı haftalar, Lawrence ve Vivienne'in sinematik yaşamlarının en mutlu günleriydi. Etraflarını Nelson ve kız arkadaşıyla ilgili kitaplarla çevrelediler. Olivier, özellikle gelecekteki kahramanıyla çekildi.

Çift, filmi finanse etmekle kalmayıp yönetmenliğini de yapan Korda ile çalışmaktan büyük keyif aldı. Alexander, bozuk İngilizcesi ve "Üçünü de yazdır" gibi "Goldwynisms" ile etrafındakileri eğlendirdi. Yönetmen daha sonra "Lady Hamilton'ı kaldırmak, yirmi yaş daha genç görünüyordum" dedi.

Malzemenin yarısından fazlası çekildiğinde Korda, senaryoyu Amerikan sansüründen onaylamadığını hatırladı. Senarist Şerif, Hayes Komitesi başkanı Joseph Breen'e gitti. Cümle ölümcüldü. Brin, "Film çekemezsin," dedi. “Herhangi bir bölümü hariç tutmakla ilgili değil. Tüm arsa tamamen kabul edilemez. Başka birinin karısıyla zina yapan bir adamı gösteriyorsunuz. Ve aynı zamanda pişmanlık duymamakla kalmıyor, yanlış yaptıklarının da farkında değiller. Hariç!"

“Ama film neredeyse bitti! Şerif itiraz etti. “Bunun için bir milyon dolar harcandı!”

"Üzgünüm ama sana yardım edemem," diye omuz silkti Bryn. — Senaryoyu zamanında alsaydım, seni uyarır ve paranı biriktirirdim... Senaryonda suçu örtbas ediyorsun. Onu yüceltiyorsunuz, heyecanlı ve romantik kılıyorsunuz; ve kahramanların bundan paçayı sıyırır."

Bu zamana kadar Korda, Trafalgar Savaşı'nı çoktan filme almış, her şeyden vazgeçemeyecek kadar çok para harcamıştı. Şerif ve ortak yazarı Walter Reisch bir çıkış yolu buldu. Nelson'ın babasının bir köy rahibi olduğunu hatırlayarak, gut hastalığına yakalanmış yaşlı bir adamın oğlunu ahlaksız davranıştan dolayı lanetlediği bir sahne bestelediler. "Yanlış yapıyorsun. Tüm doğru insanların kınadığı kötülüğü yapıyorsun. Bu sana uğursuzluk getirir ve bu kadını bir daha görmemeni rica ediyorum." Nelson çok kırılmış görünüyor. "Biliyorum. Kesinlikle her konuda haklısın. Aşağılık, affedilemez bir şey yaptığımı anlıyorum, beni buna zorlayan zayıflığımdan utanıyorum. Bu diyalog sansürü tatmin etti ve filmi kurtardı. Doğru, Korda daha sonra bu sahneyi başarıyla kesti.

Korda, resmi düşünülemeyecek kadar kısa bir sürede sahneledi. Yeterli para yoktu, senaryo çekimler sırasında yazıldı, sahneden tasarruf ettiler. Aynı konak farklı bölümlerde ortaya çıktı ve aynı parayı kurtarmak için Napoli'deki opera binasının genel planı, kraliyet kutusunun ortalama planıyla değiştirildi. Trafalgar'daki kavga bile küçük bir havuzda çekildi. Her gemi bir tekne boyutuna indirildi, dibinde bir adam saklandı, minyatür toplar ateşledi ve rüzgar makineleri stüdyo tankındaki dalgaları havaya uçururken yelkenleri kaldırıp indirdi.

Çekimler sırasında Korda kendini aştı. Propaganda filmi, büyük ölçüde onun çabaları sayesinde, kıskançlık, önyargı ve sınıf engellerine meydan okuyan sıra dışı insanların yasak aşk hikayesine dönüştü. Eleştirmenlerin belirttiği gibi Corday, doğasında var olan profesyonelliğini ve ekranın olasılıklarına ilişkin ince anlayışını, yaşam tasvirinde ve insana yaklaşımda derinlikte gerçek drama ile birleştirmeyi başardı.

Film ekibinin her bir üyesi başarıya katkıda bulundu. Ve aktör Alan Mowbray (William Hamilton), aktris Gladys Cooper (Lady Nelson), harika sanatçı Vincent Korda ve besteci Miklós Rocha. Kameraman Rudolf Mate'in portreleri ve manzaraları muhteşem.

Tabii ki, "Lady Hamilton" un ana yıldızı Vivien Leigh idi. Örneğin, film eleştirmeni V. Utilov, resmin cazibesinin sırrını, aktrisin Nelson'a olan duygularının etkisi altında kadın kahramanın dönüşümünü yeniden ürettiği özgünlükte görüyor; ahlak anlayışını, aşk idealini ve insan ilişkilerini açık sözlülükle beyan eder. Vivien Leigh çok daha önemli roller oynadı, ancak tüm testlere dayanabilecek mükemmel aşk hayalini tam da buna yatırdı.

Bu filmde Vivien Leigh, asla unutmadığı Olivier'i alt etti. İngiliz tiyatrosunun ve sinemasının büyük oyuncuları artık birlikte rol almıyorlardı. Olivier T. Kiernan hakkındaki kitabın yazarı şunları yazdı: “Vivien, İngiliz Scarlett O'Hara'dan Emma Hamilton'ı canlandırdı - patlayıcı ve neşeli, bazen içine kapanık, bazen baştan çıkarıcı. Bu rol onun fazla çabasına mal olmasa da, sonunda yarattığı imaj, Olivier'in çalışmasından çok daha karmaşık, entelektüel ve tamamlanmış çıktı. Kısacası, hemen fark ettiği ve nasıl incinmekten daha fazlası olduğunu fark ettiği filmi ondan çaldı ... "

Filmdeki en unutulmaz sahnelerden biri, Lady Hamilton'ın yıllarca süren savaştan sonra Nelson ile tanıştığı sahneydi. Lambayı yaktığında Emma dehşet içinde kolunun olmadığını, gözünü kaybettiğini görür ve ... amirale yeniden aşık olur.

Resmin gerçek sonu, ağlayan Hardy'nin Emma'ya Trafalgar'daki zafer ve Nelson'ın ölümü hakkında bilgi verdiği sahne olmaya devam ediyor. Eleştirmenler, kesin çözümünü bulmayı başaran Korda'nın becerikliliğine hayran kaldılar: Leydi Hamilton yavaşça pencereye yaklaşır, perdeleri çeker ve hemen düşer. Nelson olmadan hayat anlamsızdır.

3 Nisan 1941'de filmin prömiyeri New York'ta yapıldı. Amerika Birleşik Devletleri'nde, "ahlaksız" kahramanı cezasız kalacak bir resmi ekranda yayınlamayı reddettiler: bu nedenle, başlığın Amerikan versiyonu - "Bu Kadın Hamilton".

Nelson hakkındaki film, Washington'daki Alman büyükelçisinin Amerikalı izolasyonistlerin protestolarına neden oldu. Senatörler Nye ve Vandenberg, Korda Productions'ı bir casus ve propaganda merkezi ilan ettiler. Resmin Nelson-Olivier'in diktatörlere karşı tutkulu bir konuşma yaptığı bölümü, onlarla barış yapılamayacağı konusunda ısrar ederek meydan okuyan olarak adlandırıldı. "Yok edilmeleri gerekiyor - yeryüzünden silinmeleri gerekiyor." Amiral, Napolyon'u kastediyordu, ancak Hitler'e yapılan ima açıktı. Korda'dan bu sahnenin tarihsel gerçekliğini kanıtlaması istendi. Bunlara sahip değildi.

Korda, yapımcı Macar Stefan Palos ile birlikte ABD Senatosu komisyonunun huzuruna çıkacaktı. Biyografi yazarı P. Tabori şöyle yazıyor: “Alex çekimlerin ortasında olmasına rağmen, senatörler her şeyi bırakıp Washington'a gelmesi konusunda ısrar ettiler. Duruşma 12 Aralık 1941 olarak planlandı. Ancak artık bildiğimiz gibi, 7'sinde bu tür araştırmaları anlamsız kılan bir şey oldu. Japon uçakları Pearl Harbor'ı bombaladı ve ABD savaşa girdi."

1942'de Lady Hamilton, En İyi Ses Akademi Ödülü'nü (Jack Whitney) ve En İyi Sinematografi, Özel Efektler ve Set Tasarımı dallarında aday gösterildi.

"Lady Hamilton" un İngiltere prömiyerinden önce Londra hava saldırılarının zirvesini yaşadı ve eleştirmenlerin çoğu resmi düşmanlıkla karşıladı. "Lady Hamilton" tüm günahlarla suçlandı: melodramda ve tarihsel gerçeğin çarpıtılmasında, ahlaksız bir maceracının idealleştirilmesinde ve oyuncuların duygusal soğukluğunda. Filmi yapma fikrinin Churchill'den gelmiş olması bile eleştirmenleri durdurmadı.

"Lady Hamilton"ın izleyici başarısı olağanüstüydü. Profesyonel yönetmenlik, mükemmel oyunculuk, açıkça okunabilir tarihsel paralellikler - tüm bunlar, İkinci Dünya Savaşı sırasında resmin büyük popülaritesinin nedeniydi. Korda, Sovyetler Birliği'ne birkaç kopya gönderdi. Film halka yayınlandı. Minnettarlıkla İskender, Sovyet büyükelçiliğinden düzenli olarak taze siyah havyar aldı. Korda, "Lady Hamilton" u en iyi eseri olarak görüyordu.

Nelson'ın Napolyon'a karşı çaresizce güçlerini birleştirme çağrısı (amiralin kabine üyelerine hitabının metninin Churchill tarafından yazıldığı söyleniyor) filmin siyasi rolünü belirledi. Lady Hamilton, Ağustos 1941'de Atlantik Şartı'nın imzalanmasından önce Galler Prensi savaş gemisinde sergileniyordu. Winston Churchill, filmi prömiyer yılında beş kez izledi ve hayatının geri kalanında her yıl gözden geçirdi. Churchill, yönetmenin adını kral tarafından şövalye ilan edilmesi gerekenler listesine dahil etti. Korda, film endüstrisinin bu kadar onurlandırılan ilk üyesiydi. Bundan sonra ona Sir Alexander olarak hitap edilecekti.

"KAZABLANKA"

(Kazablanka)

Yapım: Warner Brothers, ABD, 1942. Senaryo J. ve F. Epstein, G. Koch, M. Barnet ve J. Alison'ın oyunundan uyarlanmıştır. Yönetmen M. Kertiz. Operatör A. Edeson. Sanatçı K. Weil. Besteci M. Steiner. Oyuncular: I. Bergman, X. Bogart, P. Henride, C. Raines, S. Greenstreet, P. Lorre, D. Wilson ve diğerleri.

Kazablanka'nın başarısı, bazen Hollywood'da meydana gelen mutlu bir tesadüfe bağlanabilir. Klasik olarak sınıflandırılan tablonun üretimi sıradan bir girişim olarak başladı.

1938'in sonunda New Yorklu yazar Murray Barnet, Fransız gece kulübü La Belle Aurora'yı ziyaret etti. Müzik ve atmosferin kendisi ona Herman Hapfeld'in "How Time Flies" şarkısının yer aldığı Broadway şovu "Welcome All"u hatırlattı. Barnet, Herkes Rick'e Geliyor oyununu Joan Alison ile birlikte yazdı.

1939'un sonunda Hollywood stüdyolarını oyunun film versiyonunu yapmaya davet etti. O zaman Warner Bros. yapımcısı Hal Wallis, Herkes Rick'e Geliyor oyununun film haklarını yirmi bin dolara satın aldı. Ancak Hollywood geleneği, filmin farklı bir adla gösterime girmesini talep etti. Boyer ve Lamar'ın egzotik melodram Cezayir'deki son başarısının farkında olan Wallis, oyunu senaryo yazarları Julius ve Philip Epstein'a devrederek adını Kazablanka olarak değiştirdi.

İronik bir zihniyete ve mizah anlayışına sahip olan Epstein kardeşler, senaryoyu canlı karakterlerle doldurmuş ve esprili diyaloglar oluşturmuşlar. Senaryoyu tamamlar tamamlamaz, bir dizi yurtsever belgesel üzerinde çalışmak üzere Washington'a çağrıldılar. "Kazablanka" nın üçüncü yazarı böyle ortaya çıktı - Howard Koch. Rick, kaleminin altında sol görüşler ve gizemli bir geçmiş edindi.

1942'nin başlarında Wallis, Ronald Reagan, Ann Sheridan ve Denis Morgan'ın başrolleri oynayacağını duyurdu. Ancak Reagan, Wallis'e yeterince alaycı görünmedi ve Rick rolü için gangster filmlerinde ünlenen ve "sert adam" olarak ünlenen George Raft düşünüldü. Raft reddettiğinde - kahramanı beğenmedi, stüdyo kurtarıcı bir karar verdi - Humphrey Bogart, Rick'i oynayacak.

Bu arada Ann Sheridan başka bir film çekmeye başlamıştı ve stüdyo acilen onun yerine geçecek bir film aramak zorunda kaldı. Wallis, karakteri en başından Ingrid Bergman'ın oynamasını istedi, ancak yetenekli İsveçli aktris, David Selznick ile sözleşme imzaladı.

Yapımcılar karşılıklı yarar sağlayan bir anlaşma yaptılar: Bergman, Warner Bros. tarafından devralındı ve karşılığında Selznick, Olivia de Havilland'ı aldı.

21 Nisan 1942'de Bergman'a kendisine bir rol olduğu bildirildi.

Nisan sonunda senaryonun üçüncü taslağı yazıldı ve Michael Curtitz işe koyuldu. Macar uyruklu bu deneyimli yönetmen, macera filmleriyle ünlendi. Warner Bros. stüdyosunda Captain Blood ve The Adventures of Robin Hood gibi gişe hasılatı yapan filmler yaptı. Curtiz senaryoyu reddetti ve senarist Howard Koch hemen yeni bir senaryo yazmaya koyuldu.

Kazablanka'nın konusu, gizemli Amerikalı göçmen Rick Blaine (Bogart) ile Ilse Lund (Bergman) arasındaki ilişkiye dayanmaktadır. Bir zamanlar onun sevgilisiydi ve şimdi kaderlerinde Alman işgali altındaki Kazablanka'da buluşmak var.

Rick'in güvenle içki içebileceğiniz, bir kız arkadaş bulabileceğiniz bir barı var ve nostalji anında siyahi bir piyaniste "Tekrar çal Sam" demek adettendir. Bu cümle Amerikan argo sözlüklerine girecek.

Ilsa, anti-faşist yeraltı savaşçısı kocası Victor Laszlo (Paul Henreid) ile Rick's'te görünür. Rick, konukları beyaz bir takım elbise ve siyah bir papyon ile zarif ve güçlü bir şekilde karşılar. Ilsa ondan sahte belgeleri almasını ve şehirden kaçmalarına yardım etmesini ister. Rick her şeyi kabul eder ama sevdiği kadını yeniden kaybetmek isteyecek midir?

Filmde başka karakterler de var: casuslar ve oportünistler, Alman subaylar ve esas olarak Kazablanka polis şefi Louis Renault (Claude Raines) olan Vichy yönetiminin temsilcileri.

"Kazablanka" çalışması gergin bir atmosferde başladı. Yapımcı Hal Wallis, Epsteins ve Howard Koch ile sert bir şekilde tartıştı. Buna karşılık, Michael Curtitz, Wallis'e bir şey kanıtladı. Komut dosyası sürekli güncellendi.

Çekime katılanlar, Michael Curtitz'in sette dolaşmadığını, sanki biri onu kovalıyormuş gibi etrafta koştuğunu hatırlıyor ... Bir Avrupa yerlisi, o kadar korkunç bir aksanla konuştu ki, oyuncular her zaman neye ihtiyacı olduğunu anlamadı. . Ancak bir profesyonel olarak herkes üzerinde güçlü bir izlenim bıraktı. Film grubunun yapım olanakları çok mütevazıydı ama kurnaz Curtiz en zor durumlardan bir çıkış yolu buldu.

Kazablanka'da harika bir oyuncu grubu bir araya geldi. Ancak senaryonun sürekli yeniden işlenmesi nedeniyle herkes inanılmaz bir gerilim içindeydi. Kertiz hala birçok sahneyi beğenmedi ve diyalog inandırıcı gelmedi.

Çekim sırasında doğaçlama hüküm sürdü. Oyunculara bir metin verildi ve onu hayata geçirmeye çalıştılar. Filmdeki olayların sona erdiğinden daha fazla nasıl gelişeceğini kimse bilmiyordu. Sabahları herkes merak ediyordu: “Sonuçta biz kimiz? Burada ne yapıyoruz? Curtiz'in tek bir cevabı vardı: "Henüz bir şey söyleyemem, hadi bugün bu sahneyi geçelim ve yarın neyin ne olduğunu göreceğiz."

Bogart herkese ve her şeye deli gibi kızmıştı. Bergman, karakterinin kime aşık olduğunu öğrenmek istedi: Paul Henride mi yoksa Humphrey Bogart mı? Cevaplandı: “Bunu henüz kendimiz bilmiyoruz. Şimdilik, sadece arada bir şeyler çal." Oyuncuya göre Bogart'a sevgiyle bakmaya cesaret edemedi, aksi takdirde Henreid'i görmezden gelmek zorunda kalacaktı.

Bu arada, Bergman ve ortakları arasında çekimler sırasında iyi bir çalışma ilişkisi kuruldu, romantizm yok. "Casablanca'da," dedi Ingrid, "Bogart'ı öptüm ama onu gerçekten tanımıyordum. Soyunma odasından çıktı, bir sahne oynadı ve yine ortadan kayboldu. Her şey çok tuhaf ve ölçülüydü.”

Sonra, eksantrik bir aktris olan Bogart'ın karısının onu kıskandığını ve filmdeki partnerine yaklaşması halinde Humphrey'i sürekli olarak fiziksel zarar vermekle tehdit ettiğini fark etti. Bağımsız, kendine güvenen bir adam imajını ekranda somutlaştıran Bogart, karısıyla tartışmaya cesaret edemedi.

Sonunda romantik sona ulaştık. Daha doğrusu iki final. Curtiz, Wallis ve Jack Warner'ın rehberliğinde yazarlar, Ilsa'nın Rick'le kaldığı bir seçenek hazırladılar. Ama sonun başka bir versiyonu daha vardı: Rick, Ilsa'ya olan aşkını feda eder ve onu kocasıyla birlikte özgürlük için savaşmaya ikna eder. Her iki seçeneği de çekmeye karar verdik.

Herkes ikinci sonu beğendi ve filme girdi. Ilsa, havaalanında Rick'e veda eder ve Victor'la birlikte uçup gider. Ve Rick, Louis ile birlikte sisin içinde ünlü sözlerin altına saklanıyor: "Bence Louis, bu güzel bir arkadaşlığın başlangıcı." Hol Wallis tarafından icat edilen son cümle her şeye karar verdi. Finalin ilk versiyonu çekim yapmamaya karar verdi.

Kazablanka için çekimler Ağustos 1942'de sona erdi. Ve sonra, beklenmedik bir şekilde, besteci Max Steiner, "How time fly" adlı şarkısının kaldırılmasını istedi. Ancak bunun için, Rick ve Ilsa arasında bir bağlantı görevi gören melodinin çaldığı tüm sahneleri yeniden çekmek gerekiyordu. Ve Ingrid Bergman'ın zaten başka bir resimle meşgul olduğu göz önüne alındığında, bestecinin talebinin imkansız olduğu ortaya çıktı. Neyse ki, filmde "Zaman nasıl uçar" şarkısı kaldı.

"Kazablanka" seyirciler hemen aşık oldu. Filmin çarpıcı başarısı, bir dereceye kadar tarihi bir olayla kolaylaştırıldı: 8 Kasım 1942'de Müttefik birlikleri Kazablanka'ya çıktı. Jack Warner, filmi New York sinemalarının ekranlarında hızlı bir şekilde yayınlamayı talep eden dağıtımcı kalabalığı tarafından kelimenin tam anlamıyla kuşatıldı. Tüm biletlerin tükendiği prömiyerin hemen ardından seyircilerin yoğun ilgisi karşısında seans sayısının artırılmasına karar verildi. Gazete haberleri coşkuluydu.

Ocak 1943'te Başkan Roosevelt Kazablanka'daki bir konferanstan döndüğünde, resmin başarısı önceden belirlenmişti. Şubat ayında iki yüz Amerikan tiyatrosunda gösterildi. Hayranlar arasında, bir resepsiyon için kır evine davet edilen misafirler için bir kopya sipariş eden Başkan Roosevelt'in kendisi de vardı. Kötüleyenler, Wallis'i "askeri başarılardan para kazanmakla" suçladılar. Ne de olsa, kiralamanın ilk aylarında sadece film dört milyon dolardan fazla getirdi!

Kazablanka sekiz Akademi Ödülü'ne aday gösterildi ve sonunda üç Oscar kazandı (film, yönetmenlik ve senaryo için). Ingrid Bergman da kaydetti. Ilse'sinde tutku bağlılığa karşı, arzu bağlılığa karşı, akıl kalbe karşı savaşıyordu. Bergman, Kazablanka'daki mükemmel performansından dolayı tebrik edildiğinde, sadece güldü: “Evet, çok sıra dışı bir sınavdı. Size orada neler olup bittiğini gerçekten bilmediğimizi söyleyeyim ... "

Casablanca 1950'lerde ve 1960'larda birçok kez yeniden gösterime girdi ve 1970'lerde video olarak gösterime girdi (bir milyondan fazla kaset satıldı - eski bir film için benzeri görülmemiş bir başarı). 1980'lerde bilgisayar teknolojisinin yardımıyla Hollywood film yapımcıları klasik kasetin renkli bir versiyonunu yaptılar.

"Kazablanka" haklı olarak geçen yüzyılın en iyi filmlerinden biridir.

"HENRY V"

Fransa'da Agincourt'ta Battell ile Dövüşen Kral Beşinci Henry'nin Chronicle Tarihi )

Yapım: Büyük Britanya, 1944. Senarist D. Bauer, A. Dent'in katılımıyla. R. Beck'in katılımıyla L. Olivier tarafından yönetildi. Kameraman R. Krasker. Sanatçı P. Şerif. Besteci W. Walton. Oyuncular: L. Olivier, L. Benn, R. Newton, G. Jones, R. Asherson ve diğerleri.

Sinema dünyasında bazen inanılmaz şeyler oluyor: Savaş yıllarının birkaç vatansever İngiliz filmi, İngiltere'ye fakir bir göçmen olarak gelen ve İtalya savaşa girer girmez "düşman unsur" olarak tutuklanan bir İtalyan tarafından çekildi. Bu adamın adı Filippo del Guidice idi. "Happy Nation", "The Way Forward", "Blissful Spirit" ve "The Third Extra" gibi ünlü filmlerin yapımcılığını üstlendi. "Hangi Hizmet Verdiğimiz" filmi diğerlerinden ayrılıyor, Academy of Arts'tan özel bir ödül aldı ve New York'ta 1942'nin en iyi filmi ilan edildi. Bu resmin başarısı, Shakespeare'in "Henry V" filminin film uyarlaması için şimdiden cüretkar bir plan yapmakta olan del Guidice'nin itibarını güçlendirdi.

Yazar ve yapımcı Dallas Bauer, del Guidice'yi Shakespeare rollerinin parlak bir oyuncusu olan ünlü aktör Laurence Olivier ile bir araya getirdi. 1938'de Bauer, BBC için Henry V'e dayanan bir televizyon senaryosu hazırladı, ancak savaşın arifesinde İngiliz televizyonu çalışmayı bıraktı. Ordudan döndükten sonra Bauer, Enformasyon Bakanlığı'nda film müfettişi oldu ve filmin senaryosunu yeniden yazdı. Ancak Enformasyon Bakanlığı'nın uzun metrajlı bir film için parası yoktu. Bauer'in yapmayı başardığı tek şey, Mayıs 1942'de Olivier'in V. Henry'nin monologlarını okuduğu "Into the Battle" adlı on beş dakikalık bir radyo yayını düzenlemekti.

1942 sonbaharında, Olivier'i Henry V'e dayanan uzun metrajlı bir radyo oyununda dinledikten sonra del Guidice, onun filmi için mükemmel konu olduğunu düşündü. Ancak Olivier, film uyarlamasına katılımı sorununun ancak prodüksiyon, oyuncuların seçimi ve kurgu üzerinde tam kontrol verilmesi halinde tartışılabileceğini söyledi. Del Guidice beklenmedik bir şekilde tüm koşulları kabul etti: Nihai hedefle ilgileniyordu, ona ulaşmanın araçlarıyla değil.

Tecrübeli bir yönetmene ihtiyacımız vardı. Ancak William Wyler, Carol Reed ve Terence Young reddettikten sonra, Olivier filmi kendisi sahnelemeye karar verdi. Oyunculuk katkısını gerektiren sahneleri teknik tavsiye, düzenleme ve sahneleme için Reginald Beck'i getirdi. Ve tahmin etmedim. Beck konuyu öyle bir anlayarak çalıştı ki, çekimler sırasında görüntü kaybı yalnızca yüzde 25 oldu - bu oran, İngilizce'de yüzde 50 ve Hollywood filmlerinde yüzde 90'dı.

Bauer ve del Guidice'nin yardımıyla Olivier mükemmel bir film ekibi oluşturdu. Tiyatro eleştirmeni Alan Dent, oyunun sağlam bir uyarlamasını yapması için çağrıldı. Müzik, Olivier'in "en umut verici İngiliz besteci" olarak gördüğü William Walton tarafından yazılmıştır. Kostümler, tasarımcı olarak Roger Ramsdell ile Roger ve Margaret Féré tarafından tasarlandı. Del Guidice'nin tavsiyesi üzerine parlak bir kameraman olan Avustralyalı Robert Krasker davet edildi.

Bauer'in senaryosu artık film uyarlamasının ölçeğinde olmasa da, Olivier onu ikinci yapımcı olarak tuttu. Bauer'in fikirlerinden bazıları filmde kullanıldı. Örneğin, Fransızların peşinden koşma sahneleri, Bauer'in bir zamanlar radyo için uyarladığı Eisenstein'ın "Alexander Nevsky" filminden Töton şövalyelerinin kovalamacasının çekimlerinin etkisi altında yapıldı ...

Olivier, planladığı oyuncuların çoğunu filmine çekmeyi başardı. Bauer ona bu konuda yardımcı oldu: Enformasyon Bakanlığı'ndaki bağlantıları sayesinde, Leo Genn, Robert Newton ve Griffith Jones da dahil olmak üzere birçok sanatçı için ordu hizmetinden tecil aldı. Ve sadece Vivien Leigh'in hala sözleşmeli olduğu Hollywood yapımcısı Selznick, oyuncunun Fransız prenses Catherine'i oynamasına izin vermedi. Rol Renee Asherson'a gitti.

"Henry V" filminin çekimlerinden önce aylarca süren bir ön yapım süreci vardı. Olivier'in aklından tek bir sorun çıktı: Shakespeare'in Korosu ekranda nasıl gösterilir?

Cevap, Olivier, film yönetmeni Anthony Asquith ile Enformasyon Bakanlığı'ndan arabayla giderken Londra'daki bir takside bulundu. "Bu konuyu görüştük. Birdenbire bir çözüm gördüm. Filmlerimi her zaman son kareden ilk kareye kadar düşündüm ve şimdi Anthony'nin ekran dışı bir yorumcu olarak kalan Koro'nun yalnızca son monologuyla ve aynı zamanda ortaya çıkacağı fikrine nasıl tepki vereceğini görmek istedim. Her zaman "Globe" tiyatrosunda olduğumuz açıktı. Daha bunu söylemeye fırsat bulamadan, oyuncularının muhteşem retorik özelliklerine sahip ve ideal olarak ana fikre tekabül eden Küre'nin tüm yapının çerçevesi olması gerektiğini hissettim.

Olivier, Shakespeare dramasını beyaz perdeye aktararak onun teatral doğasını gizleyemeyeceğinizi anladı. O halde neden tiyatroyu filmin yapısal temeli yapmıyorsunuz ki hem başında hem de sonunda yer alan Koro, Heinrich's Globe'da oynayan aktör olsun?

Stüdyo yönetimi, Globe'daki prologun bariz teatralliğinin sinemaseverleri korkutacağına inanarak Olivier'in fikrine onaylamayarak tepki gösterdi. Ancak Olivier filmin mutlak ustasıydı ve del Guidice ona tamamen güvendiğini açıkça ortaya koydu.

Bir yer seçerken, asıl sorun Agincourt Savaşı'nı çekmekle ilgiliydi. Bauer, "gerçekten şiirsel bir manzara" ile tarafsız İrlanda'ya gitmeyi önerdi. İrlanda topraklarını dolaştıktan sonra, Lord Powerscourt'un mülkü olan Enniskerry'de durdular. Henry'nin 30.000 ve Fransızların 60.000 askeri olduğu iki ordu yanılsamasını yaratmak için en az 650 adam ve 150 at gerekiyordu. Ekstralar ülke çapında işe alındı ve onlara haftada üç buçuk pound teklif edildi.

Savaş zamanı zorlukları nedeniyle, Henry V yalnızca Şubat 1944'te tamamlandı. Son çekimler Denham'da golf sahasında çekildi.

Olivier, Orson Welles'in üç yıl önce Yurttaş Kane'de elde ettiği kadar şaşırtıcı sonuçlar elde etti. Beşinci Henry'nin ordusunun kaptanını oynayan John Lowry, "Aynı anda ana rolün yapımcısı, yönetmeni ve oyuncusu olarak hareket etmeye yalnızca çaresiz bir kişi karar verebilirdi" dedi. "Duyulmamış bir şeydi. Belirli bir askeri eğitimi ve subay rütbesi olmasaydı Larry'nin başa çıkamayacağını düşünüyorum. Bence son derece değerliydi ... "

Olivier, başarısının nedenlerini net bir şekilde açıklayamadı. Nihayetinde film onun kişisel zaferi olsa da, V. Henry'nin kolektif bir başarı olduğunda ısrar etti. Biyografi yazarı J. Cottrell'in haklı olarak belirttiği gibi, "yönetmen olarak üzerindeki olağandışı iş yüküne rağmen, mükemmel bir şekilde oynadı ve ilham verdiği fikri yapımda somutlaştırmayı başardı."

İlk izlemeden sonra, Olivier'nin filminin teknik ve sanatsal bir keşif olduğu anlaşıldı. Resim Oxford'da bir grup Shakespeare akademisyenine gösterildiğinde, tek yorum, aygırların Agincourt'ta yalnızca atlarla dövüştüğünü garanti eden bilgili bir hanımdan geldi.

Ancak asıl test geniş yayındı.

Henry V prömiyerini Kasım 1944'te Londra'daki Carlton Sinemasında yaptı. İlk başta işler iyi gitmedi, ancak üç hafta sonra tiyatronun kira kontratı dört ay uzatıldı. Süre bitiminden sonra talep azalmadığı için gösterim, filmin on bir aylık serüveninin sona erdiği Mermer Kemerli Köşk'te devam etti.

Bununla birlikte, büyükşehir zaferi hiçbir şekilde taşrada bir başarı garantisi değildi ve İngiltere'nin kuzeyindeki bazı yerlerde, Hollywood el sanatlarının taraftarları filmi yuhaladılar. Bununla birlikte, okullar için özel sabah gösterimlerinin desteğiyle Henry V sebat etti ve o kadar kendinden emindi ki, del Guidice filmin yurtiçi gösterime girdikten sonra karşılığını alacağını tahmin etti.

Shakespeare'i ilk kez geniş kitlelere aktarmayı başaran filmde bütün bir nesil büyüdü: ülkenin tüm ana şehirlerinde öğretmenler, sabah gösterimlerine büyük çocuk müfrezelerine eşlik etti. Ton, artık Olivier'in evi haline gelen Brighton şehri tarafından belirlendi. Film, Temmuz 1945'te Odeon'da bir hafta boyunca gösterildiğinde, okul yetkilileri birkaç bin öğrenci için bilet satın aldı. Bu örnek başka yerlerde de izlendi ve film o kadar çok gelir getirdi ki, basına karın devlete aktarılmasını öneren öfkeli mektuplar gelmeye başladı.

Nisan 1946'da, Hayes'in ofisinin isteği üzerine kaset metninden "piç" ve "lanet olsun" kelimelerinin atılmasının ardından, "Henry V" nin Amerika prömiyeri Boston'da büyük bir başarıyla gerçekleşti. Saygıdeğer eleştirmen James Agee, The Times'da tam bir yayılımla, bir şaheserin ve yeni bir sinema tarzının ortaya çıkışını, "büyük dramatik şiir ile en modern sanatlar arasında kusursuz bir uyum"u övdü.

Boston'da, film sekiz ay içinde tam bir koleksiyon oluşturdu ve Taft Üniversitesi, sinema sanatına yaptığı olağanüstü katkılardan dolayı Olivier'e fahri bir yüksek lisans derecesi verdi. New York'ta film on bir ay sürdü ve bu aynı zamanda İngiliz ihracatı için rekor bir süre. Yıl boyunca ABD'nin yirmi şehrinde gösterilen kaset bir milyon dolardan fazla para toplamayı başardı. Aralık ayında New York Film Eleştirmenleri Derneği Olivier'i yılın en iyi oyuncusu ilan etti ve ancak ikinci bir oylamanın ardından William Wyler'ın "Hayatımızın En İyi Yılları" adlı filmi "V. Henry"yi tercih etmeye devam etti. Ancak en büyük onur, Mart 1947'de İngiliz film endüstrisinin yurtdışındaki prestijini artırmaya diğer tüm çalışmalardan daha fazla yardımcı olan bir filmde yönetmenlik, yönetmenlik ve başrol oynadığı için Akademi Ödülü aldığında Olivier'e verildi.

Üç yıl boyunca "Henry V" Olivier'e yeterince ödül getirdi. Artık tüm dünya Olivier'i biliyordu ama o, tüm bunları mümkün kılan adamı asla unutmadı. Hollywood şenliklerinden dönerken Oscar'ını paketledi ve şahsen Filippo del Guidice'ye verdi. "Sen olmasaydın dostum," dedi, "V. Henry var olamazdı."

"RAYK'IN ÇOCUKLARI"

(Les enfants du paradis)

Yapım: Fransa, 1945. Senaryo J. Prevert, M. Carnet'in katılımıyla. Yönetmen: M. Carne. Kameraman R. Hubert. Sanatçılar L. Barsak, R. Gabeti. Besteci M. Tirje. Oyuncular: Arletty, J.-L. Barro, M. Cazares, P. Brasseur, M. Herran, P. Renoir, L. Salou ve diğerleri.

Marcel Carnet ve Jacques Prevert imzalı "Children of Paradise", Fransa için çok zor bir dönemde yaratılan, Fransız sinemasının en ilham verici ve şiirsel eserlerinden biridir.

1942 yazında Carnet, Andersen'in peri masalı "Gölge"nin uyarlaması ile Cezayir'in çöl bölgelerinden birinde geçmesi beklenen orijinal senaryo arasında tereddüt etti. Olay örgüsünü bulması gereken kişi elbette arkadaşı, senarist Jacques Prevert'ti.

Tüm Fransız sinemasının Victorine stüdyosunda barındığı Nice'de bir süre sonra tiyatro oyuncusu Jean-Louis Barrault, Prevert ve Carnet ile tanıştı. Öfkeliydiler: Yapımcı senaryolarını reddetti. Üçümüz Angliysky Bulvarı'ndaki bir kafeye gittik. Prevert, Barrot'ya sordu:

- Aklında bir plan var mı?

- Orada. Pandomim tarihini sesli bir filmde filme almak, ona konuşan bir aktörle, örneğin Debureau - Frederic-Lemaitre ile karşı çıkmak ilginç olurdu.

Deburau halkının gözdesi pandomimci ve ünlü tiyatro oyuncusu Frederic-Lemaitre tarihsel karakterlerdir.

Antoine Louis Prosper Büyük romantik aktör, Bulvarların Talması, klasikçi kanonun yıkıcısı Frederic-Lemaitre, 19. yüzyıl Fransız tiyatrosunun en renkli figürlerinden biridir. Parisliler onun hayatı hakkında efsaneler yarattılar. Yaratıcılık Le metre çok yönlülüğü hayrete düşürdü. Victor Hugo, "İnsanların tüm olanaklarına, tüm gücüne ve tüm çekiciliğine sahipti" dedi. "Yılmaz, güçlü, dokunaklı, fırtınalı, büyüleyiciydi, insanlar gibi, trajedi ve komediyi birleştirdi."

Ünlü mim Baptiste Deburau, pandomimlerinde unutulmaz bir Pierrot imajı yarattı. Bir keresinde karısını savunurken, suçluyu istemeden bastonla öldürdü. Baptiste tutuklandı ve mahkemeye çıkarıldı. Tüm Suç Bulvarı pandomimcinin beraat ettiğini görmek için değil, sesini duymak için duruşmaya koştu.

Sesli filmde pandomim mi? Suç Bulvarı mı? Prevert tüm bunları beğendi ve "Children of Paradise" senaryosunu yazdı (adın kendisi, "galeri" nin gürültülü bir seyirci kalabalığı anlamına gelir)

"Cennetin Çocukları" izleyiciyi 1840 yılının Paris atmosferine götürüyor. Marcel Carnet, ekranda büyüleyici ve gizemli bir dünyayı yeniden yarattı - filmdeki karakterleri ve olayları saran romantik bir atmosfer. Suç Bulvarı - filmin sahnesi - açık sözlü ve suçlu neşesiyle güzel, doğayla yakından ilişkili ve ona tam olarak karşılık gelen iç mekanlar gerçek görünüyor.

Suç Bulvarı'na ek olarak Funambul tiyatrosu, Paris'in unutmadığı görkemli bir dönem olan Children of Paradise'ta sergileniyor. Tüm olaylar, her akşam "cennetin çocukları" tarafından ziyaret edilen Funambul tiyatrosu etrafında gelişiyor - galeriden seyirciler, oyuncuların başlarına alkış veya küfür yağmuru yağdırıyor. Aksiyon bazen Apaçilerin ve milyonerlerin gizemli dünyasına aktarılır ama her seferinde tiyatroya geri döner.

"Cennetin Çocukları" sevgi, endişe, üzüntü duygularını uyandırır. Tarih, efsane ve fanteziyle birleşir; gerçekten var olan kahramanların yanında kurgusal karakterler yaşar, aşık olur, acı çeker: göz kamaştırıcı güzellik Garance, ışıltılı sevgilisi Montreux Kontu, küçük pandomim sanatçısı Natalie.

Talihsiz korsanlar, hırsızlar, yüksek memurlar, aristokratlar, büyüleyici Garance'a kapılır. Ama onlara saf ve ateşli bir pandomim tercih ediyor. Sıradan bir yanlış anlama, aşklarına müdahale eder. Garance kaçar ve Debureau çaresizlik içinde onu Paris sokaklarında takip ederek karnaval alayına çılgınlık getirir. Ve bu son derece rahatsız edici koşu, sinema tarihinin en muhteşem bölümlerinden biridir.

İkinci seride Debureau, mim sanatçısı Natalie ile evlenir, ancak Garance'a hâlâ aşıktır. Frederic-Lemaitre, "Hotel Adré" oyunundan sonra başarının zirvesine tırmanıyor. Anarşist Lasner yeni bir komplo başlatır. Ve Suç Bulvarı'nda karnaval eğlenceyle parlıyor ...

"Children of Paradise" filmini çekmeden önce Marcel Carnet birçok hazırlık çalışması yaptı. Kütüphaneleri karıştırdı, ikinci el kitapçıları ziyaret etti. Prevert sahneleri çizdi. Manzarayı Alexander Trauner ayarladı. Joseph Cosma müziği seçerken, daha sonra davet edilen Mayo kostümleri tasarladı. Carnet'e gelince, teklif etti veya reddetti, kabul etti veya reddetti, ilham verdi veya yasakladı - tek kelimeyle, orijinal adı Funambühl Tiyatrosu olan bu devasa filmin doğuşuna katkıda bulundu.

Carne harika bir oyuncu kadrosu oluşturmayı başardı. Debureau ve Lemaitre rolleri, iki Carnet filminde rol alan Jean-Louis Barrot - "Jenny" ve "Funny Drama" ve Pierre Brasseur tarafından davet edildi.

Brasseur, tiyatroda Frederic-Lemaitre'nin birçok rolünü oynadı. "Children of Paradise"ta, büyük sanatçının alacaklılarla mücadelesini ve Frederic-Lemaitre'in kötü adam Robert Macher'in hicivli bir soytarılığa dönüştürdüğü bir melodram olan "Hotel Adre"deki esprili doğaçlamalarını zekice canlandırdı. Brasseur'ün rol aldığı bölümlerde yaratıcı hayal gücünün özgürlüğü, pazar karnavalının ruhu ekranda özel bir güçle hissediliyor.

Kuşkusuz, Garance ve Natalie - aktrisler Arletty ve Maria Cazares rollerinin oyuncularına dikkat edilmelidir.

Arletty (Leoni Batia), Fransız Marlene Dietrich olabilir. Birinci Dünya Savaşı'nın sonunda bir mühimmat fabrikasında çalıştı. Leonie'yi Arletty'de vaftiz eden ilk patronu Mareşal Paul Guillaume ile tesadüfen karşılaşmasıyla her şey alt üst oldu... 1918'de Arletty, Paris'i fetheder. İki yıl sonra, yirmi yaşındaki manken sahneye çıkışını yapacak. Ve otuz yaşında Montparnasse bohemia için poz veriyor.

Maria Cazares, A Coruña şehrinde doğdu. İspanya İç Savaşı sırasında babası Santiago Cazares Quiroga, Cumhuriyet hükümetinde bakanlık görevinde bulundu. Frankocu birliklerin Madrid'e girişi, onu ve ailesini Paris'e kaçmaya zorladı. 1942'de Maria, Paris Konservatuarı'ndan mezun oldu ve yirmi yaşında Mathurin Tiyatrosu'na girdi. "Children of Paradise"daki rol onun ilk filmiydi.

Bir Fransız film eleştirmeni, Natalie'nin rolünü nankör olarak nitelendirdi. Nitekim Cazares sadece karşılıksız aşkı değil, aynı zamanda seyircinin sempatisine neden olmayan aşkı da oynamak zorunda kaldı. Natalie, renksiz partneri ve sevilmeyen erdemli karısı Baptiste Debureau'nun çocukluk arkadaşıdır. Oyuncu, gençliğine rağmen mizacını bastırmayı başardı. Zeki Garance'ın önünde gölgelerin arasına çekilen kadın kahraman Cazares hâlâ zavallı Baptiste'e bağlıdır; inatçı ve amansız alçakgönüllülüğü, sözsüz acıma gerektirir.

Övgü, yardımcı rollerin oyuncularını da hak ediyor. Marcel Herran, anarşist Lasner, Pierre Renoir - hurda satıcısı Géricault, Louis Salou - Comte de Montreux rolüyle mükemmel bir iş çıkardı.

"Cennetin Çocukları" filminin çekimleri 16 Ağustos 1943'te Nice'deki Victorine stüdyosunda başladı, ancak uluslararası olaylar nedeniyle (İtalya'daki müttefiklerin karaya çıkması) ertelendi ve ardından askıya alındı. Haziran 1944'te film neredeyse hazırdı, ancak Carnet yapımını Paris'in kurtuluşuna kadar ertelemeyi başardı. "Cennetin Çocukları" nın galası, savaşın bitiminden iki ay önce, 2 Mart 1945'te ciddi, şenlikli bir atmosferde gerçekleşti.

Arletty, film galasında yoktu, ev hapsindeydi. İşgal sırasında Alman büyükelçiliği ataşesi ile ilişkisi oldu. 1944 sonbaharında, özgürleşmiş Fransa işgalcilerle bir şekilde işbirliği yapan herkesle hesaplaşmaya başladı. Tasfiye, Arletty'yi Cennetin Çocukları'ndaki çalışmasının sonunda buldu. Dublaj için cezaevinden getirildiğini söylüyorlar. Arletty serbest bırakıldıktan sonra üç yıl boyunca çalışmadı...

"Cennetin Çocukları" seyirciler tarafından Fransız halkının kültürünün canlı olduğunun kanıtı olarak algılandı. Her yerde şenlikli bir canlanma vardı. Savaş sona yaklaşıyordu. Gelecek parlak görünüyordu. "Cennetin Çocukları" bu ruh haline coşkulu aşkları, maceraların edebi parlaklığı ve tutku oyunlarıyla karşılık verdi. Filmde güncel imalar, tarihsel paralellikler, gerçek karşılaştırmalar yoktu.

"Cennetin Çocukları" dünya sinemasının en ünlü filmlerinden biridir. Temalarının ve imgelerinin zenginliği, yönetmenlik becerisi, resim dizisinin ender güzelliği, muhteşem oyuncu kadrosu sanat tarihi eserlerinde onlarca kez anlatılmış ve analiz edilmiştir. Film dünyanın tüm ülkelerini dolaştı, uluslararası film festivallerinde iki kez gösterildi ve Fransa'da kendisinin son derece uzun, mutlu bir kaderi oldu. Gerçek bir stil örneğiydi, Carne'ın daha önceki çalışmalarında söylediklerini özetlediği bir filmdi.

"ROMA, AÇIK ŞEHİR"

(Roma citta aperta)

Yapım: İtalya, 1945. Senaryo yazarları S. Amidei, F. Fellini, R. Rossellini, A. Consiglio. Yönetmen: R. Rossellini. Operatör W. Arata. Sanatçı R. Meghna. Besteci Renzo Rossellini. Oyuncular: A. Fabrizi, A. Magnani, M. Palero, G. Feist, M. Michi, J. Galetti ve diğerleri.

İtalyan yönetmen Roberto Rossellini'ye genellikle "Yeni Gerçekçiliğin babası" denir. Doğru, ilk filmleri faşizm zamanlarının resmi sinemasının çerçevesine mükemmel bir şekilde uyuyor. Roberto, Duce'nin oğlu Vittorio Mussolini ile işbirliği yapmayı ve askeri propaganda amacına hizmet etmeyi bile başardı. Bununla birlikte, Giuseppe Ferrara'nın haklı olarak belirttiği gibi, Rossellini "faşizmin aldattığı, ancak yozlaştıramadığı kişilere aitti."

Eylül 1945'te Roberto Rossellini'nin İtalyan tarihinin son yıllardaki gerçeklerini anlatan filmi "Roma, Açık Şehir" vizyona girdi. Mahkumlar ve partizanlar hakkındaki film, Yeni Gerçekçilik adı verilen bir akımın doğuşuna işaret ediyordu.

"Roma ..." ile ilgili tüm olaylar tarihsel gerçeklere dayanmaktadır, karakterlerin tüm görüntüleri gerçek prototiplere dayanmaktadır. Özgünlüğe ve özgünlüğe yönelik tutum, hem filmin dramaturjisinde hem de görsel çözümünde (birçok çekim bir belgesel raporuna benzer) ve aralarında Anna Magnani (Pina) ve Aldo Fabrizi'nin de bulunduğu alışılmadık derecede doğru aktör oyununda kendini gösterir. rahip) not edilmelidir. Michelangelo Antonioni şunları söyledi: “Rossellini, tarihin olanaklarını yeni bir şekilde kullandı, onun sinemasal imajının altında yatan şey, kroniktir. Chronicle, vizyonunun ve gerçekliği yorumlamasının gerekli bir parçası haline geldi. Resmin temelini oluşturan, hayatın kendisinden alınan malzemenin ana kaynağı oydu.

Roberto Rossellini, yeraltına yardım eden ve Gestapo tarafından vurulan Romalı rahip Don Morosini'nin maceralarını anlatan bir kısa film çekecekti. Başrolde tiyatro oyuncusu Aldo Fabrizi'yi gördü. Rossellini, arkadaşı Federico Fellini'den Fabrizi ile konuşmasını istedi: “Görüyorsun, her şeyi sattım, bir liram yok. Ama bana kısa film yaptıran bir kontes buldum, senaryosu Don Morosini hakkında. Ve karar verdim: Onu çıkaracağım.

Fellini dedi ki:

“Hemen ertesi gün beni bu kontesle tanıştırdı, o çok iriyarı bir hanımefendiydi: “Fabrizi ile konuşursan 200 bin liraya razı olsun” dedi. Sonra Fabrizi'ye gittim. En ufak bir utanç belirtisi olmadan şöyle diyor: “Bu Don Morosini umurumda mı?! Bir milyon versinler.”

Tekrar Rossellini'ye dönüyorum: "Görüyorsun, bir milyon istiyor." "Hayır, 250.000'den fazla değil." Aynı zamanda Rossellini, Kontesi iki kısa film yapmaya ikna etmeye çalıştı: biri zaten var olan bir senaryoya dayanıyor ve diğeri savaş sırasında Romalı çocuklar hakkında.

Sonra yeni bir fikir geldi: “Neden iki kısa film çekmek yerine normal bir film yapmaya çalışmıyorsunuz? Bu iki temayı birleştirin, rahibin çizgisini güçlendirin? ..” Rossellini ve Fellini, komünist senarist Sergio Amidei ile birlikte senaryoyu sadece bir hafta içinde yazdılar (Roma Direnişi üyeleri Alberto Consiglio, Celeste Negarville, Antonello tarafından tavsiye edildiler) Trombadori ve diğerleri).

Fellini, tam uzunlukta senaryonun bir kopyasıyla tekrar Fabrizi'ye gitti. Artık aktörün bir milyonluk iddiaları artık aşırı görünmüyordu.

Filmdeki ana kadın rolü Anna Magnani'ye yönelikti.

Film üzerindeki çalışmalar Ocak 1945'te başladı. Rossellini, "Roma, Açık Şehir" ekrana gelene kadar binlerce engeli aşmak zorunda kaldı. Bunlardan en önemlisi, sürekli para eksikliğiydi: Kontesin fonları ilk haftada tükendi. Roberto en yakın kafeden sürekli telefonla aradı, para bulmaya çalıştı. Satılabilecek her şey satıldı. Roberto'nun 50 bin lirası olunca bunları bankaya götürdü ve kendisine yaklaşık 200 bin lira kredi verildi.

Kelimenin tam anlamıyla her şeyden tasarruf etmem gerekiyordu.

Maria Michi, sevgilisini Gestapo'ya ihbar eden uyuşturucu bağımlısı, fahişe ve dansçı genç Marina Marie rolünü oynadı. Filmin ekrana gelmesinin ardından oyuncu zor anlar yaşadı. O yıllarda kaçak sigaralar San Silvestro'da çoktan ortaya çıktı. Pazarlamacılar Michi'yi görünce bağırdı: "Ama bu kaltağa sigara satmayacağız." Polonyalı bir anti-faşist, oyuncuya bıçakla saldırdığında ve onu misillemeden yalnızca bir mucize kurtardı!

Filmin adı, savaş sırasında Roma'nın "açık şehir", yani askeri operasyonların yapılmaması gereken bir şehir ilan edilmesinden kaynaklanmaktadır. Hatta Alman askerleri burada anti-faşist yeraltı işçilerine baskınlar düzenledi. Film, Direniş hareketinin yakalanan bir üyesinin Gestapo tarafından nasıl işkence gördüğünü gösteriyor. Şehrin çorak arazisinde partizanlara yardım eden bir rahibi vururlar. Kalabalık bir caddenin ortasında, tutuklanan kocasının peşinden koşan bir kadın, bir Alman kurşunuyla ölür...

Eylem, çoğunlukla zayıf aydınlatılmış bir odada, bazen neredeyse tamamen karanlıkta gerçekleşir. Ve bu hatırlanması gereken ilk şey. İtalyan film eleştirmeni G. Ferrara şunları kaydetti: “Ağırlık hissi, aynı zamanda, tüyler ürpertici bir trajedi sahnelerinin serpiştirildiği anlatının viskoz ritmiyle de artıyor (SS askerleri bölgeyi kordon altına alıyor); ve sadece içten sohbet (Manfreli ve Pina'nın oğlu) bazen bu ritmi yumuşatır. Her odada gizli bir hüzün vardır, insan buna boyun eğmese de onunla savaşır ve ölse bile vazgeçmez. Bu ağırlık hissi, ahlaki gerilimin trajik bir tınıya büründüğü, bazen tamamen fiziksel acıya neden olduğu mekanda çekilen bölümlerde bizi bırakmıyor.

"Roma ..." da çok az yer çekimi var. Filmin başında şafak gösteriliyor, gökyüzü kara bulutlarla kaplı, güneş ışınları zar zor sızıyor. Hafifçe aydınlatılmış çatılar kaçağı gizler. Doğadaki son sahne: infaz yeri, gri, kavrulmuş çorak arazide bir sandalye, beklenti içinde duran askerler.

Ama o zamanın gerçek atmosferi filmde sadece sahne tarafından yaratılmıyor. İlk kez gerçek insanlar, Direniş'in gerçek kahramanları, her biri gerçek bir prototipe sahip olan "Roma, Açık Şehir" de yaşadı ve oynadı. Don Pietro Pellegrini'nin Naziler tarafından vurulan iki vatansever rahibi var: Don Morosini ve Don Papagallo. Komünist Giorgio Manfredi'nin (Marcello Pagliero'nun canlandırdığı) imajı, büyük ölçüde Celeste Negarville'in anılarından esinlenmiştir. Gestapo Bergman'ın (Harry Feist) başkanının prototipi, Tasso Caddesi'ndeki SS çetesinin başı Kappler ve Roma'daki Alman işgal kuvvetlerinin komutanı Dolman'dı.

Bazı diyaloglar ve deyimler de icat edilmemiştir. Don Pietro'nun ölmeden önce söylediği sözler, Don Morosini'nin gerçek sözleridir. Filmdeki rahip, “Ölmek zor değil. Hayat zor." Böylece infaz sahnesi inanılmaz bir özgünlük kazanıyor.

Pina'nın prototipi, Jül Sezar'ın sokağında Almanlar tarafından öldürülen Maria Gulacci idi. V. Jarrett, "Tıpkı filmdeki gibiydi: bir kadın, Roma'nın en fakir mahallelerinden birinin sakinleri olan komşularını, kocasını tutuklayan Nazilere taş atmaya çağırdı" diye yazıyor V. Jarrett.

Görünüşe göre Pina, kahramana tesadüfen düşüyor; Zulümden saklanan komünist Manfredi, cüzdanlarıyla yorgun bir şekilde evde dolaşan basit bir Romalı kadınla tanışacak ve ölümcül tehlikeye rağmen tamamen yabancı, tanıdık olmayan bir kişiyi saklayacaktır. Resim, Anna Magnani'ye dünya çapında ün kazandırdı. Hayatının ve ölümünün basit öyküsünü unutmak mümkün mü... Askerler, Pina'nın sevgilisi Francesco'yu öldürmeye götürür. Caddede kamyonun peşinden çığlık atarak koşar ve düşer, bir Alman kurşunuyla yere serilir. Aparat kaldırımda bir kadını gösteriyor, eteği yukarı çekilmiş ve jartiyerli yırtık bir çorap...

Bu bölüm sinema tarihinde bir ders kitabı haline geldi.

"Roma, Açık Şehir", az önce yaşanan olayların izinden gidilerek gerçeğe olabildiğince yakın bir ortamda çekildi. Magnani şöyle anlatıyor: “Ölüm sahnesinin provasını Rossellini gibi harika bir yönetmenle yapmadık, prova yapmadık, filme aldık. Ön kapıdan çıktığımda yine adamlarımızı götürdükleri o günlere düştüm. Orada, meydanda insanlar, benim halkım duvarlara yaslanmış duruyordu. Ve Almanlar gerçek olanlardı. Kadınlar solgun durdular ve Nazilerin kendi aralarında konuşmalarını dinlediler. Bütün bunlardan ruhumda böyle bir korku yükseldi, çok melankoli. Böyle hissedeceğim kimin aklına gelirdi! Birdenbire kendim olmayı bıraktım, biliyor musun? Kahramanımla birleştim."

"Roma, Açık Şehir" ilk kez iş adamları, eleştirmenler ve arkadaşlardan oluşan dar bir çevrede gösterildi. Hemen herkes hayal kırıklığına uğradı. Filmin İtalya prömiyeri 27 Eylül 1945'te küçük bir festival kapsamında gerçekleşti.

Eleştiri "Roma ..." ile çok övgü aldı, ancak genel olarak oldukça ölçülü.

1946'da Cannes Film Festivali'nde "Rome, Open City" gündüz gösterildi ve o zamanlar hakkında çok az kişi yazdı. Ve aniden her şey mucizevi bir şekilde değişti. Rossellini iki ay sonra Paris'e geldi: herkesin tam anlamıyla ateşi vardı, film hakkında sadece coşkuyla konuştular. Başarı öyle oldu ki, İtalya'daki insanlar bile yönetmene karşı tutumlarını yeniden gözden geçirmek zorunda kaldı. “Roma Açık Şehir”in gösterildiği sinemalar herkesi ağırlayamadı.

Ve bir süre sonra Burstyn, zaferle geçtiği New York'ta resmi gösterdi.

Yeni gerçekçiliğin ilk manifestosu olan "Roma, açık şehir", İtalyan sinema tarihinin belki de en ünlü filmlerinden biri haline geldi.

"Bisiklet hırsızı"

(Ladri di bisiklet)

Yapım: İtalya, 1948. Senaryo yazarları C. Zavattini, V. De Sica, S.C. L. Bartolini'nin romanından uyarlanan d'Amico, O. Biancoli, A. Franchi ve G. Guerrieri. Yönetmen V. De Sica. Görüntü yönetmeni C. Montuori. Sanatçı A. Traeerso. Besteci A. Chikongini. Oyuncular: L. Majorani, E. Stayola, L. Carell, E. Altieri, V. Antonucci, D. Saltamerenda ve diğerleri.

Neo-realizm'in canlı bir örneği olan "Bisiklet Hırsızları" filmi, haklı olarak yalnızca İtalyan sinemasının değil, tüm dünya sinematografisinin bir başyapıtı olarak kabul edilebilir. Film, 1942'de tanıştığı senarist arkadaşı Cesare Zavattini'nin olay örgüsüne dayanarak İtalyan yönetmen Vittorio De Sica tarafından yönetildi.

Zavattini, sinemanın "çevremizdeki gerçekliğin incelenmesi" ile meşgul olması gerektiğine inanıyordu. Filmlerin konusu "hayali benzetmeler" değil, "günün herhangi bir saati, herhangi bir yer, herhangi bir kişi" olmalıdır. Zavattini, sinemayı hayata daha yakın hale getirme çabasıyla, bir dizi katı gereklilik ortaya koyuyor - önceden yazılmış bir senaryodan profesyonel oyuncuların reddedilmesi, icat edilen entrika.

Sıradan bir insanın hayatını otantik bir şekilde anlatmak, duygularını ve eylemlerini ortaya çıkarmak, varoluşunun koşullarını göstermek - Zavattini'nin "Bisiklet Hırsızları" olay örgüsünü yaratırken düşündüğü şey buydu. Senaryoyu Biancoli, De Sica, Suso d'Amico, Franchi, Guerrieri ile birlikte yazdı. “Bisiklet Hırsızları'nın senaryosu,” diye vurguladı Suso Cecchi d'Amico, “yalnızca De Sica düşünülerek tasarlandı; Başka bir yönetmenin bu senaryoyla neler yapabileceğini görmek isterim."

Bu iki büyük sanatçının etkisi karşılıklıdır. Zavattini, senaryonun yazılması sırasında başroldeyse, filmin sonraki aşamalarında doğal olarak De Sica'ya geçti ve filmin sonunda çalışmanın sonuçlarını birlikte tartıştılar.

Eleştirmen Luigi Chiarini bu konuda şu yorumu yapıyor: “Filmin eksikliklerinde bile kendini gösteren yönetmen ve senarist arasındaki tam birliği vurgulamanın önemli olduğunu düşünüyorum. Ve bu birlik, De Sica ve Zavattini'nin filmlerini, yazarların ayrı ayrı rol aldığı diğer tüm filmlerden ayırır.

"Bisiklet Hırsızları" senaryosu, Romalı işsizlerden birinin hayatından görünüşte önemsiz bir olaya dayanıyor. İki yıllık zorunlu aylaklığın ardından, kırk yaşındaki Antonio Ricci sonunda bir poster posteri olarak iş bulur. Varoşlarda yaşıyor ve karısıyla oğlu Bruno'yu açlıktan ölmeyecek kadar kazanıyor. Ama çalışmak için bir bisiklete ihtiyacı var. Antonio'nun karısı Maria, bir rehinciden bisiklet almak için çarşafları rehine verir.

Titiz adam işe başlar, ancak bir saatten kısa bir süre sonra, bir adam bisikletini çalar. Antonio başarısız bir şekilde hırsızı yakalamaya çalışır, ardından yardım için polise döner, ancak orada başvuranı kovarlar, yapacak daha önemli şeyler olduğunu söylerler. Sadece sokak temizlikçisi olan yoldaşı ona sempati duyuyor. Antonio ve oğlu Bruno, şehrin her yerinde bir hırsız arıyor. Gecekondu mahallelerinde bile buluyorlar ama bisikletin onlara ait olduğunu nasıl ispat edeceksiniz? Umutsuzluğa kapılan Ricci, sırayla birinin bisikletini çalmaya karar verir, ancak bunu o kadar beceriksizce yapar ki hemen yakalanır ve zavallı adamı tutuklanmaktan yalnızca küçük Bruno'nun gözyaşları kurtarır.

Tüm etkinlikler iki gün içinde gerçekleşir. Anlatının ritmi, Zavattini'nin ilan ettiği ilkelere uygun olarak yavaşlatılmış ve gerçek zamanla neredeyse örtüşmektedir.

De Sica iki yıl boyunca Bisiklet Hırsızları'nın senaryosunu yönetmeyi kabul edecek bir yapımcı arıyordu - konunun toplumsal aciliyetinden ve gelecekteki filmin mali açıdan karşılığını almayacağı korkusundan herkes korkmuştu.

Sonunda ünlü Amerikalı yapımcı David Selznick, yönetmenin planlarını öğrendi. Başrolün Hollywood oyuncusu Cary Grant'e gitmesi şartıyla projeyi finanse etmeyi kabul etti. De Sica, genellikle kovboyları ve şerifleri oynayan Grant'i Romalı işsiz bir adam olarak hayal edemedi ve bir uzlaşma olarak Henry Fonda'yı daha uygun olanı davet etmeyi önerdi. Ancak sanatçı o dönemde Hollywood pazarında yer almıyordu ve Selznick ile görüşmeler durma noktasına geldi.

Sonra De Sica filmi masrafları kendisine ait olacak şekilde yönetmeye karar verdi. Arkadaşlar bu konuda ona yardım etti.

Filmdeki tüm roller, De Sica tarafından bulunan profesyonel olmayan oyuncular tarafından oynandı.

İşsiz Antonio Ricci, orijinal olarak Roma'daki Breda fabrikasının işçisi Lamberto Maggiorani tarafından canlandırıldı. De Sica ona şunu önerdi: "Yüzünü üç aylığına bana ödünç vereceksin, ama sana şeref sözü vermeliyim ki çekimlerin sonunda fabrikana döneceksin." Maggiorani çekimlerden sonra fabrikaya döndü, ancak kısa süre sonra işten çıkarmalar altına girdi. İş aramak için tekrar sinemaya geldi ve ara sıra küçük rollerde rol aldı.

Babasına korku ve sevgiyle bakan Bruno'nun unutulmaz görüntüsünü, manavdan De Sica sebzeleri getiren çocuk Enzo Staiola yarattı. Kırılgan ama kararlı ve cesur bir kadın olan Maria rolü, De Sica'nın Bisiklet Hırsızları filminin çekimlerine hazırlanırken tanıştığı gazeteci Lionella Carell'e gitti. "Mary'nin sahip olması gerektiği gibi gözleri var!" - yönetmen haykırdı ve onu hemen gruba dahil etti.

Profesyonel olmayan oyuncularla yaptığı çalışmalarda De Sica, kendisini yalnızca yetenekli bir yönetmen olarak değil, aynı zamanda düşünceli ve sabırlı bir öğretmen olarak göstererek dikkate değer sonuçlar elde etti. Küçük karakterler bile - yaşlı bir dilenci, hırsızlıkta suç ortağı; bisikleti çalan adam; durugörü - canlılıklarına hayran kaldım, ikna edici psikoloji.

Filmin unutulmaz final sahneleri. Antonio ve Bruno yavaş yavaş sokakta yürüyorlar. Arabalar geçiyor, yoldan geçenler işleri için acele ediyorlar. Baba ve oğul zorlamaya devam ediyor. Antonio oğluna bakıyor. Kaba gözyaşları yanaklarından aşağı yuvarlanıyor. Bruno, olanlara rağmen onun yanında olduğunu göstermek için, onu neşelendirmek istermiş gibi babasının elini sımsıkı sıkar. Yaşlı Ricci, biraz suçlu, acı bir gülümsemeyle oğlunun tokalaşmasına cevap verir...

"Şuşa" filminin yapımından önce De Sica, küçük evsizlerin hayatıyla özel olarak tanışmak, yürümek, izlemek, dinlemek, gözlemler toplamak zorunda kaldıysa, o zaman yönetmen "Bisiklet Hırsızları" çalışmasında büyük ölçüde izlenimlere güvendi. çocukluğunun ve gençliğinin, zorluklarla, endişelerle, aşağılanmalarla dolu.

Vittorio'nun Floransa'ya gelişi sonsuza dek hafızasına kazınmıştır. Aile trenden iner inmez istasyonda babalarının cüzdanı tüm mütevazı birikimleriyle birlikte çıkarıldı. De Sica ailesi hemen borca girdi ve yoksulluğun acı tadını tattı. Yumuşak, neşeli, her zamanki mizah anlayışını kaybetmeyen Umberto De Sica, cüzdanının kaybolduğunu öğrenince sadece haykırdı: "Ve ondan sonra hala Napoli'de çok hırsız olduğunu söylüyorlar!"

Vittorio bir başka üzücü olayı unutamadı. Bir keresinde, zaten Roma'da, alacaklılarından biri, borcun derhal ödenmesini talep ederek babası Umberto'ya yumruklarla saldırdı. De Sica uzun yıllar yoldan geçenlerin ve en önemlisi oğlunun önünde hem aşağılanmanın hem de utanmanın acısını yaşayan bir babanın yüzüyle karşı karşıya kaldı.

"Bisiklet Hırsızları"nda aşırı drama anlarının yanı sıra yumuşak mizah, komik bir şaka ve keskin hiciv var. Ricci'nin çalıntı bir bisiklet aradığı bit pazarındaki sahneyi hatırlamak yeterli. Yeniden boyanmış bisiklet iskeletini incelerken, şüpheli bir kişi olan satıcısı, "Burada, Piazza Vittoria'da tüm insanlar dürüst!"

Hırsızı kovalayan Antonio'nun "öğle yemeği molası" için kapalı olan geneleve daldığı çekimler hem komik hem de acı. Kızlardan biri öfkeli: "Ve çocuğu buraya getirdi!"

Almanca konuşan genç keşişleri gösteren çekimler ve kahkahalara neden olun. Cüppelerini yukarı çekerek kendilerini yağmurdan kurtarırlar. İtalyan izleyiciler bu çekimleri özellikle keskin bir şekilde algıladılar: O yıllarda Roma'da, çeşitli Vatikan okullarında birçok Nazi sığınak buldu.

En deneyimli İtalyan görüntü yönetmenlerinden biri olan Carlo Montuori'nin çalışması, genel yönetmenin planına bağlıydı: filmi empatik bir özgünlükle, neredeyse kronik bir şekilde sahnelemek. Montuori'nin değeri, hem Antonio ve Bruno'nun güzel portrelerinin hem de Antonio ve oğlunun arayışlarında dolaştıkları Roma'nın sonsuz sokaklarının sert gerçekçi manzaralarının yaratılmasındadır.

Besteci Alessandro Cicognini ("Şuşa" filminin müziğini o yarattı) da kasıtlı olarak herhangi bir etkiyi reddetti. Chicognini'nin melodileri şaşırtıcı derecede basit, ancak huzursuz tonlamalarla dolu, olup bitenlerin dramını büyük ölçüde geliştiriyor, kahramanın ruh halini ve duygularını ikna edici bir şekilde ortaya koyuyor.

Bisiklet Hırsızları, Visconti'nin The Earth Shakes ve Germi'nin In the Name of the Law (Under the Sicily Skies) filmleriyle aynı yıl olan Ekim 1948'de tamamlandı ve bu filmlerin eşzamanlı gösterimi Yeni-Gerçekçiliğin yükselişine damgasını vurdu. De Sica'nın devrilen faşist rejimi eleştirmekten savaş sonrası İtalyan toplumunu eleştirmeye geçişi, sinematografiden sorumlu devlet makamlarında hoşnutsuzluğa neden oldu ve onları yönetmen aleyhine çevirdi. Zavattini gibi De Sica da "Kızıllar" arasında yer aldı.

Katolik çevreler filmden özellikle rahatsız oldular, fakirler için ayinin hicivli gösteriminden, Alman rahiplerinden ve filmin genel ruhundan rahatsız oldular. Tabloyu yalnızca ahlaki açıdan tamamen olgunlaşmış yetişkinlerin umumi salonlarda görmesini tavsiye ettiler.

Pek çok İtalyan sağcı eleştirmen, Bisiklet Hırsızları'nı gördükten sonra olay örgüsünün o kadar zayıf olduğunu ve filmi "dayanmadığını" iddia etmeye çalıştı. Bisiklet nedir? Roma bisiklet dolu. Her gün onlarcası çalınıyor. Çalınan bir bisiklet yüzünden bu kadar umutsuzluğa düşmeye değer mi? Filmdeki karakterler için bisikletin daha iyi bir yaşamın sembolü olduğunu anlamadılar. Gerçekten de, "Bisiklet Hırsızları" filminin konusu çok basit ve anlaşılır. Ancak işin gücü tam da onun sanatsızlığında, "icat etmemesinde" yatmaktadır.

Şair Jean Cocteau, Bisiklet Hırsızları'nın Fransız perdesinde yayınlanmasından sonra, De Sica'nın “insan ruhunun mekanizmasını filme almayı başardığını” yazdı. Bu film şaheseri, önemsiz bir olay etrafında bir dramın geliştiği Gogol'ün eserleriyle karşılaştırılabilir.

De Sica'nın filmi tüm dünyada duyulmamış bir başarıydı, bir Oscar, altı Gümüş Kurdele ve Locarno Film Festivali de dahil olmak üzere diğer İtalyan ve yabancı ödüllerle ödüllendirildi. Belçika Sinematikleri tarafından yapılan bir ankete göre, Bisiklet Hırsızları tüm zamanların en iyi on iki filmi arasında yer aldı.

"ÜÇÜNCÜ ADAM"

(Üçüncü adam)

Yapım: Büyük Britanya, 1949 Yazan: G. Green. Yönetmen K. Reed. Kameraman R. Krasker. Besteci A. Karash. Sanatçılar V. Korda, D. Hawksworth, D. Bato. Oyuncular: D. Cotten, A. Valli, O. Wells, T. Howard, B. Lee, E. Deutsch, 3. Breuer ve diğerleri.

Üçüncü Adam, İngiliz Film ve Televizyon Enstitüsü tarafından 20. yüzyılın en iyi İngiliz filmi seçildi. Siyah beyaz psikolojik gerilim filmi, en büyük İngiliz yönetmen Carol Reed tarafından çekildi. 1945-1950'de işinin zirvesini yaşadı. The Way Forward'ın başarısından sonra kendine güven duyan Reed, arka arkaya üç film yayınladı: Oyun Dışı (1947), Düşmüş İdol (1948) ve Savaş sonrası dönemi yansıtan Üçüncü Adam (1949). kaos, hayal kırıklığı ve belirsizlik.

Yapımcı Alexander Korda, "Üçüncü Adam" fikrine sahip olduğu için çok gurur duyuyordu. Bir gün The Times'ın Avusturyalı bir muhabiriyle bir restoranda yemek yiyordu. Gazeteci, Sir Alex'e bir Viyana haritası gösterdi. Şehir dört etki bölgesine ayrıldı - Sovyet, Amerikan, Fransız ve İngiliz. Merkez, uluslararası bir devriye tarafından kontrol ediliyordu. Şehir casuslar, spekülatörler ve her türden maceracıyla dolup taşıyordu. Karaborsa gelişti.

Korda, arkadaşı yazar Graham Greene'e savaş sonrası Viyana temasının kullanılmasını önerdi, ancak yazar reddetti. Sonunda, Alex'in ısrarı ondan bıktığında, hikayenin başlangıcını yazdı - tam akşam yemeğinde, zarfın arkasına: beni tanımadan, Strand'daki kalabalığın arasından geçti.

Green'in zarfın arkasında yarattığı gizemli durum, birçok değişiklik ve projeye katılan Hollywood yapımcısı David O. Selznick'in çığ gibi ültimatomlarından sonra Üçüncü Adam'ın olay örgüsüne dönüştü.

Alexander Korda, filmin yönetmenliğini Green ile Fallen Idol'da zaten işbirliği yapmış olan Carol Reed'in üstleneceğine erkenden karar verdi.

Graham Greene, senaryo üzerinde çalışırken ahlaki ve felsefi bir çatışmayı büyüleyici bir dedektif hikayesi biçiminde gizledi. Yazarın eserlerinden yola çıkarak yapılan tüm filmler arasında en "Yeşilimsi" olan "Üçüncü Adam", karmaşıklığıyla birden fazla eleştirmeni şaşırttı.

İlk sahneler, western yazarı Holly Martins'in Viyana'ya gelişi, bekçinin kahramanı bir okul arkadaşının bir arabanın tekerlekleri altında ölümü hakkında bilgilendirdiği Harry Lime'ın evinde görünmesi; acele cenaze; İngiliz bölgesi komutanı Binbaşı Calloway'den, merhum Baron Kurtz'un bir arkadaşından ve Harry'nin metresi, varyete oyuncusu Anna Schmidt'ten Lyme'nin nasıl öldüğünü bulmaya yönelik tüm girişimlerin başarısızlığı, izleyiciyi gizemleriyle yakaladı.

Kapıcının dil sürçmesi, yanlışlıkla bir kamyonun çarptığı Harry'yi taşımaya yardım eden üçüncü bir kişiden bahsetmesi, bir gizem olduğunu düşündürdü. Kurtz'a göre, yaralı adamı iki kişi taşıyordu. Ayrıca, Harry'nin doktorun gelişinden kısa bir süre sonra değil, hemen öldüğünü iddia etti.

Gizemi çözme arzusu, Martins'in hayatını tehlikeye atar. Film bağlamında üçüncü kişi, olaylardaki rolünü saklamaya çalışan suça ortaktır.

Dr. Winckel sorularını sessizlikle yanıtlıyor. Başlangıçta "üçüncü şahıs" versiyonunu reddeden Kurtz, Martins'i kazanın üçüncü tanığı Popescu ile tanıştırır ve Lime'ın evinin yakınındaki köprüde bir randevu ayarlar. Büyük bir kamyonun tekerlekleri altında neredeyse ölmek üzere olan yazarı yalnızca bekçinin bağırması kurtarır.

Hem Calloway hem de Anna ve Kurtz'un şirketi, Martins'i aramayı bırakıp Amerika'ya dönmeye ikna eder. Kendisine tüm gerçeği söyleyeceğine söz veren bekçinin beklenmedik ölümü ve yazarlar kulübündeki konuşmasının ardından Kurtz, Winkel ve Popeska'nın Martins'e saldırması, "merhum" Lyme'ın gecenin köründe şaşırtıcı bir şekilde ortaya çıkması Anna'nın evinin yakınında, sansasyonel sonu yakınlaştırın.

Polis, Lyme'nin mezarını araştırır ve bir penisilin spekülatörü olan suç ortağının cesedini bulur. Martins, Lime'ın kurnaz bir numaranın yardımıyla polisten saklanmaya çalışan bir maceracı olduğunu öğrenir.

Calloway'in isteği üzerine Martins, Lime'ın önceden kasabadan uzaklaştırılmış olan Anna ile bir randevuya çıkmasına yardım eder. Uzun ve dramatik bir takibin ardından Lime, bir okul arkadaşı tarafından öldürülür.

Filmde Selznick'in ısrar ettiği sözde mutlu son yok. Holly Martins, Anna Schmidt ile ilişki kurmuyor. Lyme'nin gerçek cenazesinden sonra yazardan ayrılır. Resmi gördükten sonra Greene, "Carol Reed haklı ... müthiş bir son yaptı" dedi.

Harry Lime'ın prototipinin, Graham Greene'in İngiliz istihbaratında komutası altında çalıştığı İngiliz çifte ajan Kim Philby olduğu bir versiyon var. Oyuncuların seçimi ve aralarındaki rollerin dağılımı, ideal dedektifin şemasını ihlal etti.

Selznick, Noel Coward'ın Lyme rolünü oynamasını istedi. Yönetmen Reed, Orson Welles'in mükemmel oyuncu olacağını düşündü.

Sözleşmenin bitiminde Orson, kârın bir yüzdesi yerine sağlam bir ücreti tercih etti. Wells yanlış hesapladı: "Üçüncü Adam" sezonun hit filmiydi ve faiz oranı oyuncuya çok daha büyük bir meblağ getirebilirdi. Anlaşmayı imzaladıktan sonra Orson İtalya'ya döndü.

Amerikalılar Cary Grant ve James Stewart, yazar Holly Martins rolünü üstlendi. Sonunda, daha önce Orson Welles ile Federal Tiyatro'da ve Mercury Theatre sahnesinde çalışan ve ardından Citizen Kane'de rol alan Joseph Cotten tarafından canlandırıldı.

İtalyan Alida Valli (gerçek adı Alida Maria Laura von Altenburg), bir gangsterin kız arkadaşı Anna Schmidt rolünü oynarken çok tehlikeli olan melodramdan kaçınmayı başardı.

Binbaşı Calloway'in tartışmalı imajı, İngiliz aktör Trevor Howard tarafından yaratıldı. Calloway, filmin ahlaki ve felsefi alt metninin anlamını yitireceği, olayların gidişatına göre değişen, özellikle Yeşilimsi bir figür olan çok çelişkili olduğu ortaya çıktı. Tam bir beyefendi olan Binbaşı Calloway, Lime'ın suç ortaklarının adlarını öğrenme umuduyla Anna'nın odasını alt üst eder, sorgulamalar sırasında Anna'nın gözünü korkutur, Anna'yı Sovyet bölgesi komutanına teslim etmekle tehdit eder. Calloway, eylemlerini görev gerekçesiyle haklı çıkarır.

Üçüncü Adam'ın önemli bir bölümü yeraltında, Viyana Su İşleri'nin lağım kuyularında ve tünellerinde çekildi. Yeraltı iletişimi, özel bir polis müfrezesi tarafından izlendi. Tünellerde intihar edenlerin cesetlerini buldular, orada saklanan hırsızları ve diğer suç unsurlarını yakaladılar. Reid, polis memurlarını danışman ve figüran olarak kullandı.

Ve sonra olağan sorunlar başladı. Sovyet komutanının ofisi, işgal altındaki Viyana'da kendi bölgelerinde çekim yapılmasına gerçekten izin vermek istemedi. Projektörlerin tünelleri aydınlatma gücü sürekli olarak eksikti. Alışılmadık yankı nedeniyle senkronize bir ses kaydı yapmak kolay olmadı.

Zorluklara rağmen, Carol Reed her şeyin kontrolü altında olduğundan emindi. Her şey dışında ... Metni kendisi için yazan Orson Welles, rolü abartıyor. Nazik, zeki bir adam olan Reed, oyuncunun tekliflerini sabırla dinledi ve ilgiyi hak ediyorsa kabul etti.

Orson Welles daha sonra "Carol Reed ile çalışmaktan gerçekten keyif aldım" dedi. - Hem kamerayı hem de oyuncularla çalışmayı seven ender yönetmen kategorisine giriyor. Çok az yönetmen böyle bir heyecana sahiptir. Ama bu film hakkında konuşmak benim için çok zor. Gary Lime rolünün tamamen benim tarafımdan yazıldığını söylememe izin verin ... "

Orson'ın güçlü, alışılmadık bir kişiliğin doğasında var olan çekiciliği, Lime'a karmaşıklık ve belirli bir çekicilik kazandırdı. Wells sayesinde, Harry Lime karakteri belirli bir mistik yüksekliğe yükseliyor ve gerçekten aktör tarafından icat edilen alaycı sözü kulağa harika geliyor: Leonardo da Vinci ve Rönesans. Ve İsviçre beş yüz yıllık barış ve demokrasi için ne verdi? Guguklu saat?"

Film eleştirmeni V. Utilov'a göre Reed, sinemanın görsel bir sanat olduğunu ve ışık ve gölgenin, çekim noktasının, çerçevenin ifadesinin, ayrıntıların dramasının, sembollerin, metaforların belagat kelimesinden aşağı olmadığını bir kez daha kanıtladı. ve gölgelerin zenginliği.

İngiltere'nin en iyi kameramanlarından biri olan Robert Krasker, kovalamaca bölümünü inanılmaz bir beceriyle filme aldı: Lyme'ın kurtuluş aradığı yer altı kanallarının karanlığında kör eden fenerler ve projektörler; ışığın nüfuz ettiği, kaçağın figürünü deforme eden kasvetli dikey sütunlar. Belgesel ortak bir tat oluşturmak için kullanıldı. Dışavurumcu bir etki yaratmak için ayrı ayrıntılar koparıldı ve vurgulandı.

Dikey bir kuyuya gizlenmiş yaralı Lyme dışarı çıkmaya çalışır. Kuyunun ağır ızgarasını kaldıramaz ve kocaman kara eli çaresizlik içinde dışarı çıkar. (Lime'ın ızgarayı kaldırmaya çalıştığı sahnede Carol Reed, Wells'in yerini almak zorunda kaldı. İzleyicinin gördüğü elleri.)

Burada, bu kuyuda Lyme Martins bulur ve arkadaşının sessizce başını sallamasının ardından onu vurur. Lime öldürüldü, tekrar gömüldü ve ilk sahneyi her detayıyla tekrarlayan Reed, son noktayı koydu.

Üçüncü Adam'da çok özel bir yer müzik tarafından işgal edilir. Yönetmen, Strauss valslerinin gerilim filmi için pek uygun olmadığını anlamıştı. Reed, Avusturya başkentindeki Üçüncü Adam'ın film ekibinin dinlendiği kafelerden birinde kanunda çalınan popüler bir melodi duydu. Enstrümanın alışılmadık sesinden etkilenen Reed, savaş sonrası Viyana atmosferini aktarmaya yardımcı olacak kanun solosu olduğuna hemen karar verdi. Kırk yaşındaki müzisyen Anton Karash sadece Almanca biliyordu ve ona film için müzik yazmasını teklif edecek bir tercüman bulmak zordu.

Karash, Londra stüdyosunda altı hafta boyunca günde birkaç saat çalıştı. Filmin gösterime girmesinden sonra "Theme of Harry Lime" bestesi 500 binin üzerinde kayıt sattı.

Reid, Karash'ın Viyana müzik folkloruna olan aşinalığından yararlandı ve her çekim için eşliği dikkatlice seçti. Atılgan, canlı, "The Harry Lime Theme" çöküşün melankolisinden yoksun. Melodi şaşırtıcı bir şekilde, Martin'in isteği üzerine dönme dolaba çıkan Lime'ın sakin güvenine karşılık geliyor. Kahramanın bıraktığı bütünlük, özgünlük izlenimini onaylıyor.

1949'da Üçüncü Adam, Cannes Film Festivali'nde ilk Palme d'Or ödülüne layık görüldü.

"ORFEUS"

(Orphee)

Yapım: Fransa, 1949. J. Cocteau'nun yazıp yönettiği.

Operatör N. Evet. Sanatçı J. d'Aubon. Besteci J. Orik. Oyuncular: J. Mare, F. Perrier, M. Cazares, M. Dea, J. Greco, E. Dermi ve diğerleri.

Bir şair, yazar, sanatçı, oyun yazarı, film yönetmeni ve aktör olan Jean Cocteau, 20. yüzyılın avangart sanatındaki birçok akıma saygı duruşunda bulundu, Dadaizm, Kübizm ve Sürrealizm tutkusu yaşadı. "Şairlerin Prensi", "trend belirleyici", "parlak ve mütevazı deha" - Jean Cocteau'nun yaşamına genç yaştan günlerinin sonuna kadar bu tür düzinelerce resmi olmayan unvan eşlik etti.

Cocteau'nun ilk film deneyimi (1927'deki kayıp kısa Jean Cocteau Makes a Movie dışında) The Blood of a Poet (1930) idi. Paris yüksek sosyetesi, şiirsel bilinçaltının derinliklerine yapılan bu yolculuğu, "kendi içine dalma", "insan vücudunun gecesine yürüyüş" (Jean Cocteau) çok olumlu karşıladı. Protesto, yalnızca filmin yazarının kısa süre sonra kovulduğu sürrealist grubun yanından geldi.

1949'da Cocteau, ünlü filmi "Orpheus" u çekti ve 1959'da, ölümünden dört yıl önce - "Orpheus'un Ahit'i veya Bana Nedenini Sorma". "Şairin Kanı" ile birlikte bu resimler bir tür triptik oluşturuyordu. Tüm parçaları, temaların birliği ve genel şiirsel imgelem sistemi ile yakından bağlantılıdır.

"Orpheus" filmi, Cocteau'nun 1927'de yönettiği oyunun olağan film uyarlaması değildir. Yönetmen, eski uygarlığın en şiirsel mitlerinden biri olan şarkıcı Orpheus efsanesini temel alarak ondan ödünç aldı, aslında sadece dört unsur: Eurydice'nin ölümü, Orpheus'un ondan sonra cehenneme inişi, yasak ona bakmak ve son olarak, Bacchantes tarafından parçalanmış Orpheus'un ölümü.

Ancak hepsi Cocteau'nun elinde ciddi biçimde deforme olmuştu. Ona göre "Orpheus" un "gerçek bir ortamda çekilmiş gerçeküstü bir film" olması gerekiyordu. Efsane modern zamanlara taşındı. Yeni karakterler ortaya çıktı: Prenses kılığına giren Ölüm, şoförü Ertebiz ve "avangard" gençliğin başı Sezhest.

Cocteau aynı anda Orpheus ve Eurydice'in evlilik sevgisi çizgisini düşürdü. Günlük endişelerin can sıkıcı ve telaşlı ritmi, küçük tartışmalar, Orpheus'un tarafsız görünümü - bu, filme göre Eurydice ile mutluluktur. Cocteau genel olarak evlilik mutluluğunun ne olduğunu netleştirir: hayat ve şiir birbirinden ayrılır. Şair Orpheus insan sevgisinden kaçmalıdır. Onun dışında ölümsüzlük ve efsane olmayan Ölüm'ü hayal ediyor. Ve şimdi hayali gerçek oluyor...

Cocteau için filmi, öncelikle şairin her seferinde yeniden doğmak ve sonunda kendini bulmak için bir dizi ardışık ölümden geçmesi gerektiği temasını içerdiği için önemlidir. Cocteau, şaire bahşedilen yeteneği kimsenin elinden alamayacağını, bu armağan karşısında ölümün bile güçsüz olduğunu izleyiciye hatırlatır. Ve böylece ölüm meleği Ertebiz, "Şairin hayata dönüşünden iki cihanda daha mühim bir şey olmadığını" kabul etmek zorunda kalır. Ve bu dönüş her seferinde fedakarlığa ve inanılmaz bir ruhsal gerilime değer.

Orpheus filminde Cocteau, birçok karmaşık sanatsal ve teknik zorlukla karşılaştı. Yazar, yetenekli oyunculardan oluşan bir topluluktan yardım isteyerek sorunu çözdü. Orpheus rolü için Jean Marais'i aldı, Ertebiza'yı Francois Perrier oynadı ve son olarak, en iyi Fransız tiyatro aktrislerinden biri olan İspanyol doğumlu Maria Cazares, Ölüm Prensesi rolünde rol aldı. Cocteau bu karakter hakkında şunları söyledi: "Ölüm, dünyadaki en zarif kadındır, çünkü o sadece kendini önemser." Ve ekledi: "Orpheus'un ölümü, takip etmesi emredilen kişiye aşık olan bir casus konumundaydı ve bu nedenle yargılanacak."

Maria Cazares, böylesine zor bir imaj yaratmak için tüm niteliklere sahipti - İspanyol trajik mizacı, izolasyon, ender zarafet ve garip güzellik. Ve yanında güzel, tartışmasız ahmak Eurydice-Marie Dea var: onları görünce ötenin üstünlüğünden kim şüphe edebilir?

Cazares, prensesi iki yüzlü bir karakter olarak oynuyor. “Yüzlerinden biri disiplin ve güç, diğeri şefkat. Ölüm bir tür memurdur, itaat etmeye zorlandığı aynı titizlikle emirler verir. Dolayısıyla ciddiyeti ve izolasyonu. Ama aşk onun şuurunu yumuşatır, onu vazife yolundan uzaklaştırır..."

Filmin "dünyevi" bölümleri, efsanevi Orpheus'un yaşadığı antik Trakya'dan 20. yüzyılda Paris'e aktarılıyor. Ölüm asla kendi başına hareket etmez. Bunun için bir maiyeti var ... Siyah bir limuzinle Paris'i dolaşan prenses ve şoförü ölüm meleği Ertebiz, Cocteau'nun planına göre "yetkililer", daha yüksek kürelerin elçileri. Onlara ancak kontrol ve katı disiplin şartıyla güç verilir. "Bu nedenle," dedi Cazares, "karakterin ciddiyeti ve izolasyonu."

François Perrier, Ertebiz rolünü incelik ve mizahla yorumluyor. Ertebizus, Eurydice'e aşık olur. İlk buluşmaları mutfakta gerçekleşir ve Ölüm meleği yüzünü buruşturarak taze kaynamış sütün alevi söndürdüğü brülörü işaret eder. "Gaz"! sadece söyleyecek. "Ne kadar hassassın!" Eurydice haykırıyor. “Şaşırtıcı bir şey yok. Kendimi gazla öldürdüm." Ve onun korkmuş bakışına karşılık olarak: “Yani bitirecekti. Beni kurtardılar..."

"Aynalar Teması" film boyunca devam ediyor. Metafor oldukça basit. Ertebiz, Orpheus'a şöyle açıklıyor: “Ayna, Ölüm'ün gelip geçtiği kapıdır. Her evde bir ayna vardır. Hayatın boyunca buna bak ve Ölüm'ün senin üzerinde nasıl çalıştığını göreceksin. Ek olarak, ayna, kendinizi kendi içine çekmeyi mümkün kılar ("Aynanın içinden" Orpheus'un "öbür dünyada" gezinmesi - elbette, kendi derinliklerine yaptığı yolculuktan başka bir şey değildir).

Cocteau, başlangıçta tasarladığı hileleri, aynaya her türlü girişi ve aynadan çıkışları gerçekleştirmek için çok çalışmak zorunda kaldı. Uygulamaları için, oyuncuların "yansıması" haline gelen alt çalışmaları bulmak için (biri diğerinin "yansıması" olan, ayna yerine aralarında boş bir açıklık olmasına rağmen) ikiz odalar inşa etmek gerekiyordu.

Chevreuse yakınlarındaki küçük bir vadide "Orpheus" filme alındı. Şairin hayatıyla bağlantılı sahnelerin dekoru d'Aubon tarafından yaratıldıysa, Ölüm'ün göründüğü sahnelerin dekoru gerçeklikten alınmıştır. Jean Cocteau, Saint-Cyr subay okulunun harabelerinde, Ertebiz'in Orpheus'u yönettiği bir "ölüm bölgesi" yaratmaya karar verdi. Birkaç gece, bombalarla yıkılan yüksek duvarlar, ateşle yanan salonlar, topluluğu için bir stüdyo görevi gördü. Cocteau, antik örneklerden birkaç alçı kalıbı eski duvarlara yasladı, bazı yerlerde kafes çitler ekledi. Cocteau, "Bunlar insan alışkanlıklarının kalıntıları" dedi. “Ruhların, yaşamdaki “alışkanlıklarının” biçimlerinden, kabuklarının ne olduğunu tamamen terk etmeye henüz vakti olmadığı bir bölge...”

Ertebiz, Bölge'de kendisine ait olduğu için yürümez, zemin üzerinde yumuşak bir şekilde uçar. Yabancı Orpheus, rüzgarın direncini zar zor aşar. Cocteau burada yeni bir numara bulur. Perrier'i arka perdenin önüne yerleştirir ve Marais'in önceden çekilmiş (hareketli!) bir filmini ekrana yansıtır. Kombinasyon unutulmaz bir etki yaratır: Ertebiz, Şair'in ona yetişme çabalarına rağmen, hareketsiz dururken Orpheus'tan iki adım uzağa uçuyor gibi görünür. Hareket halindeyken, ifade alışverişinde bulunmayı başarırlar.

Orpheus, Prenses'in onun ölümü ve aynı zamanda aşkın aşkı olduğunu hemen anlamıyor. Aşk dramı son bölümde, Ölüm Prensesi Ertebiz'den Orpheus'u diriltme asi görevinde kendisine yardım etmesini istediğinde çözümünü bulur. O henüz öldürüldü (miteye göre teselli edilemez şarkıcıyı paramparça eden Bacchante'ler, filmde yazara düşman olan avangart şairler ve onların öfkeli kız arkadaşları tarafından değiştirilir). Her şey bittiğinde ve ölümsüzlük armağanını alan Orpheus, Eurydice'nin kendisini beklediği odaya girdiğinde, Prenses'in yüzü bir gülümsemeyle aydınlanır: fedakarlık yapılmıştır. Şimdi geriye sadece ödemek kalıyor - kendisi ve Ertebiz için uğursuz motosikletçiler-eskortlar çoktan gönderildi. Aslında bu intihardır, özellikle de Cocteau'nun belirsiz ipucuna göre böyle bir eylemin cezası, ceza hakkındaki tüm dünyevi fikirlerimizi aştığı için.

Seyirci, Ölüm'ün son monologuyla sarsılır. Çekimde hazır bulunan P. Leproon şöyle yazıyor: “... Maria Cazares konuşuyor, çığlık atıyor, sesi titriyor, her yeri titriyor, seyirciyi şimdiden ürperten bir trans durumuna düşüyor ... Mathurin tiyatrosunun sahnesine çıktı. Gözyaşları yanaklarından aşağı akıyor, sesi hıçkırıklarla kırılıyor. Ertebiz'e ses kesildi... "Dur!" Ama her zamanki düzen sessizliği bozmadı. Jean Cocteau şok içinde uzaklaşır ... "Ne aktris!" - diye fısıldar.

Orpheus'un müzikleri önceki Cocteau filmleri gibi tamamen özgündür. Bu kez Catherine Dunham'ın varyete orkestrasının davul seslerini Georges Auric'in partisyonunun üzerine bindirerek kaydetti ve hatta bazen orkestradaki müziği sadece davulların çalması için durdurdu. Etkisi harikaydı!

“Bütün sanatlar bekleyebilir ve beklemelidir. Yaşamak için sanatçının ölümünü bile beklerler. Sadece film yapımının maliyetinin saçmalığı sinemayı hemen başarıya mecbur eder. Bu şekilde sinema kendisini eğlence hizmeti vermeye mahkum eder. Orpheus'a gelince, sanki sinema bekleyebilirmiş gibi, sanki sinema hak ettiği Sanatmış gibi, filmi yapma riskini almaya karar verdim." Cocteau 1952'de böyle demişti. Yönetmen daha sonra Orpheus'un gişede umduğu kadar başarılı olmadığından yakındı. Resim yalnızca Almanya'da kabul edildi ve dört veya beş yıl boyunca her Cumartesi sinemalardan birinde gösterildi.

Ancak film eleştirmenler tarafından son derece beğenildi. Orpheus, Venedik Film Festivali'nde Uluslararası Eleştirmenler Büyük Ödülü'nü, Yabancı Eleştirmenler Ödülü'nü aldı ve son olarak 1950'nin en iyi Fransız filmi olarak Cinemond dergisinin Victoire Ödülü'nü aldı. Uzun yıllar sinema kulüplerinde “Orpheus” heyecanla izlendi.

Film eleştirmeni Latavra Dularidze, "Orpheus'ta Cocteau en muhteşem sinema türlerini kullandı, bunları rastgele karıştırdı ve mitolojik bir çerçeveye dizdi - bir dedektif hikayesi, bir melodram, bir korku filmi," diyor film eleştirmeni Latavra Dularidze. “Orpheus, bitmiş bir başyapıtın avantajlarını günümüz izleyicisinin, ölümsüz “Orphic” mitini kırmayı başaran bu olağanüstü sanatçının hayal gücünü heyecanlandıran görüntülerle tanışabileceği bir serginin avantajlarını birleştiren, belirli bir anlamda benzersiz bir film. 20. yüzyılın dünya görüşü.”

"RAŞOMON"
(Raşomon)

Yapım: Japonya, 1950. Senaryo yazarları: A. Kurosawa ve S. Hashimoto, R. Akutagawa'nın hikayelerine dayanmaktadır. A. Kurosawa'nın yönettiği. Görüntü yönetmeni K. Miyagawa. Sanatçı S. Matsuyama. Besteci F. Hayasaka. Oyuncular: T. Mifune, M. Mori, M. Kiyo, T. Shimura, M. Chiaki, K. Ueda, D. Kato, F. Honma.

Kökleri ulusal topraklara dayanan Akira Kurosawa'nın çalışmaları yenilikçiydi. Yeni dramatik ve görsel teknikler açısından zengin olan Rashomon'da geleneksel Japon filminin dilini güncelledi. “Japon kültürünün (sanat, edebiyat, tiyatro, başta Noh olmak üzere) ciddi ve derin bir temeli üzerinde büyüdüm. Ve bu Japon üssünde Batı etkilerine maruz kaldım. Bu, onu yargılamama, bana en iyi görüneni, bana uygun olanı ayırmama, Japon geleneğini asla unutmama izin verdi, ”dedi Kurosawa bir röportajda.

Daiei stüdyosunun liderliği, güncel konulardaki filmleri desteklemiyordu. Judo dilolojisinin başarısının farkında olan Kurosawa, samuray konulu filmler olan "jidaigeki"ye dönmeye ikna edildi. Ve kabul etti, ancak alışılmadık bir şekilde 20. yüzyılın başlarının büyük romancısı Ryunosuke Akutagawa'nın eserlerine döndü.

Akutagawa'yı ilk hatırlayan Daiei stüdyosunun senaristi Shinobu Hashimoto'ydu ve Kurosawa daha sonra uzun süre ve verimli bir şekilde birlikte çalıştı. Hashimoto, "O zamana kadar hikayelerinin hiçbiri filme alınmamıştı" diyor ve ekliyor: "Altı ya da yedi tanesini okudum. En çok "Çalılıkta" hikayesini beğendim ve ona göre bir senaryo yazdım. Kurosawa buna dayalı bir film yapmaya karar verdi."

Hashimoto'nun senaryosu üzerinde çalışılması gerekiyordu. Yazarı hastalık nedeniyle çalışamadığı için Kurosawa senaryoyu kendi başına tamamladı.

"Rashomon", Akutagawa'nın farklı zamanlarda ve farklı dönemler hakkında yazılmış "In the fundalık" ve "Rashomon Gate" adlı iki öyküsünün film uyarlamasıdır. Kurosawa, filmin zamanını onuncu yüzyıl, yıkıcı feodal savaşlar çağı olarak belirledi. Ancak çatışmalar, karakterlerin psikolojik özellikleri, işin felsefesi modern ve alakalı ve antik dönem şartlı.

Filmin konusu son derece basit.

... Sağanak, bir oduncuyu (Takashi Shimura), bir Budist keşişi (Minoru Chiaki) ve bir serseriyi (Kichijiro Ueda) harap şehir kapılarının kemerlerinin altına sürdü. Bir konuşma başlar. Keşiş, adaletin ve iyiliğin hala var olduğunu kanıtlamaya çalışırken, hırsız dünyanın cehennem olduğunu iddia eder. Ve oduncu gözlerinin önünde olan bir hikayeyi anlatır. Genç bir samuray (Masayuki Mori) karısıyla (Machiko Kiyo) ormanda yürüyordu... Bir hırsız (Toshiro Mifune) güzelliği gördü. Samurayı yoğun bir çalılığa kandırdı, onu bir ağaca bağladı, ardından kadını ele geçirdi ve samurayla uğraştı.

Kurosawa, olanları bir kez değil, dört kez ve her seferinde yeni bir şekilde gösterdi - sahne samurayın karısı, soyguncu, büyücünün neden olduğu öldürülen samurayın ruhu tarafından görüldüğü gibi ve son olarak, dışarıdan bir tanık - oduncu. Dört versiyon, özünde aynı olayla ilgili dört farklı kısa öyküdür. Dolayısıyla sonuç - yeryüzünde gerçek yoktur, tüm gerçekler görecelidir, anlaşılmazdır.

Sorgulama sırasında soyguncu Tadzhomaru, kibirli bir şekilde zaferinden, çaresiz cesaretinden ve hayvani gücünden gurur duyuyor. Aktör Toshiro Mifune, aynı zamanda hem cesur hem de acımasız bir haydutun mükemmel portresini yaratmış. Samurayla mücadele bölümünde Mifune, pençelerine düşen hayvanla orman yırtıcısının oyununu tekrarlıyor. Ama öldürme zamanı. Kaldırdığı bir kılıçla samurayın üzerine atılır ve onu deler.

Matiko Kiyo'nun mükemmel bir şekilde canlandırdığı Masago adlı bir kadın, soyguncuyu büyük şiddet uygulamakla suçluyor, dehşet içinde ürperiyor, ancak ne ölen kocasına kayıtsızlığını ne de saldırganın vahşi, dizginsiz erkekliğinin önünde sevincini gizleyemiyor. Kendini zayıf ve talihsiz bir kurban olarak tasvir ediyor.

Üçüncü versiyon, kahin (Fumiko Homma) tarafından çağrılan samuray ruhu tarafından sunulur. Samurai Takehiro yenildi, ancak yenilgi onun onurunu lekeleyemez. Şövalyeliğini savunuyor. Soyguncuyla kavga tamamen farklı görünüyor: samuray asil bir şekilde savaşır, hırsız koşar, korku içinde sızlanır ve yalnızca hile ve şansla kazanır. Masayuki Mori, Takehiro rolünü ustaca ve sert bir şekilde oynadı.

Olaylara doğrudan katılanların hikayeleri gerçeğe götürmez. Ancak tarafsız bir tanık daha var - bir oduncu. Aktör Takashi Shimura'nın dürüst ve hüzünlü gözleri yalan söylemez. Şiddet, kan dökülmesi, soygun karşısında şok olur. Ancak oduncu, Rashomon kapısının altında neler olduğundan bahsettiğinde, serseri onu değerli hançeri çaldığı için suçlar! Bu, Kurosawa'nın çalışmalarının uzmanlarından biri olan Donald Ritchie'ye, katilin oduncu olduğunu varsayması için sebep verdi...

Oduncunun hikayesinde, zaferine güvenen cesur bir soyguncu olmadığı gibi sadık ve gururlu bir samuray da yoktur. İki korkak arasında iğrenç bir kavga gösterilir.

Yani dört hikaye birbirini çürütüyor, hayatın karmaşıklığına, gerçeği anlamanın imkansızlığına tanıklık ediyor.

Ama Kurosawa filmi insana bu kadar güvensizlikle bitiremez. Aksiyon, yağmur altında tekrar Rashomon kapısına geri döner.

Karanlık bir köşede birinin terk ettiği bir çocuk ağlamaya başladı. Serseri onu soymak istiyor. Oduncu bebeği kurtarır. Pek çok çocuğu olan bir dilenci, çocuğu nazikçe büyütür ve "altının beslendiği yerde yedinci beslenir" sözleriyle ayrılır. Tüm eylem yağmur sırasında gerçekleşir ve resmin sonunda güneş görünür. Ve yönetmen, bir keşişin ağzından özetliyor: "Artık insanlara yeniden inanabilirim!"

Bu filmde eleştiri, özellikle Toshiro Mifune'nin oyunculuk sanatına dikkat çekiyor. Haydut Tajomaru, hüneri sorgulandığında homurdanır ve inler. Yönetmen böyle olmasını istedi. Setler Kyoto çevresinde kurulurken, film ekibi dar film filmleri izlerdi. Martin Johnson'ın Afrika ormanlarıyla ilgili filminde, çalıların arasından seyircilere bir aslan dikizliyordu. "Bak Mifune! Evet, bu senin Tajomaru'n!” Kurosawa haykırdı. Orman avcısı, tüm rolün plastik çizimi için başlangıç noktası oldu.

Mifune, Kurosawa'dan rolün en ayrıntılı yönetmenlik geliştirmesini aldı; burada, bir müzik notasında olduğu gibi, oyuncunun belirli bir bölümde mizacını ne ölçüde göstermesi gerektiği not edildi.

Soyguncunun orman yolundaki samurayları korkutmak ve sersemletmek istediği çılgınca sıçramalar, savaşçı çığlıklar ve yüz buruşturma dizisi, garip ve aynı zamanda büyüleyici bir izlenim bırakıyor.

Rashomon'da çok güçlü bir imaj, Matiko Kiyo tarafından yaratıldı. Kurosawa bu sonuca ulaşmak için bir ay harcadı. Yaban hayatı hakkında bir film de ona bu konuda yardımcı oldu. Ekranda kara panter belirdiğinde, Machiko korkuyla elleriyle yüzünü kapattı. Kurosawa bu hareketi fark etti ve genç kadın kahramandan bunu Rashomon'da yeniden üretmesini istedi. Ancak Kiyo'ya yalnızca dış veriler için değer verilmeden önce. Anavatanında ona "Japon Jane Russell" ve hatta "Japon Marilyn Monroe" ve "en güzel bacaklara sahip kız" denmesine şaşmamalı. Kurosawa onun yeteneğini her zaman takdir etmiştir.

Japonya'nın en popüler sanatçısı haline gelen Matiko Kiyo ve Toshiro Mifune ile aynı şeyi dört kez oynayan ve sadece farklı ruh halleri değil, aynı zamanda karakterlerin tamamen farklı psikolojik portrelerini de yaratan filmdeki diğer katılımcıların oyunculuk becerileri, harikalar

Resmin resimsel çözümü takdire şayan: güneşin deldiği bir orman, yağmurlu bir gece. Görüntü yönetmeni Kazuo Miyagawa'nın sanatı, hem her türlü tonla doymuş bir manzara hem de derin, duygulu bir portreye eşit derecede erişilebilir olan çarpıcı.

Miyagawa, Kurosawa ile birlikte sinematik bir araç olarak hava durumuna büyük önem verdi. Eleştirmen Michael Jack'in belirttiği gibi, Kurosawa'nın filmlerindeki hava asla rastgele değildir. Bir filme yağmur yağması - ve Rashomon'da çok yağmur yağması - filmin sert havalarda çekildiği anlamına gelmez. Kurosawa'nın filmlerinde rüzgar kadar yağmur da genellikle olay örgüsünün dönüm noktalarını sembolize eder. Karakterlerinin yağmur fırtınaları sırasında (Rashomon'da olduğu gibi) üzücü bir aydınlanma yaşaması alışılmadık bir durum değildir, oysa şiddetli rüzgar doruk noktasını müjdeler ve çoğu zaman ana karakterlerin girişinden önce gelir.

Eleştirmenler için en akılda kalanlardan biri, oduncunun ormanda yürüdüğü ve güneşin ağaçların tepelerinden parlayarak doğrudan Miyagawa'nın kamerasına geldiği sahneydi. Hareketli bir kamerayla çekimle birleştirilen bu teknik, izleyicinin karakterin yerinde hissetmesini ve onu yandan izlememesini sağlar. Venedik Film Festivali'nde "bir film kamerası ormana ilk kez girdiğinde" dediler ...

Küçük bir oyuncu kadrosuna ve yalnızca üç sete rağmen Rashomon, en azından Japon standartlarına göre ucuz bir film değildi. Maliyetinin 140.000 $ olduğu tahmin ediliyor (normal bütçenin yaklaşık iki katı), miktarın çoğu Rashomon kapısı dekorasyonunun inşasına gitti.

Dikkatli ön planlama sayesinde çekimler birkaç haftada tamamlandı.

"Rashomon" un galası 25 Ağustos 1950'de gerçekleşti ve Japonya'da heyecan yaratmadı.

Avrupa'da "Rashomon", "Unitalia Film" başkanı Giuliano Stramigioli sayesinde tamamen tesadüfen ortaya çıktı. Resim Venedik Festivali'nde çekildi ve Kurosawa'nın bundan haberi bile yoktu ve balığa gitti.

Venedik Film Festivali'nde Rashomon'a ana ödül olan St. Mark'ın Altın Aslanı verildi. Ancak jürinin kararına herkes katılmadı. Örneğin Japon eleştirmenler, Kurosawa'nın tamamen Japon bir sanatçı olmadığını, bir kozmopolit olduğunu ve çalışmalarının Batılı bir izleyici kitlesine yönelik olduğunu iddia ettiler.

12 Eylül 1951'de İtalyan diplomat B. Lanza d'Adenta, Nagata'ya zaferi ilan eden bir mektup gönderdi. Kısa süre sonra ödül stüdyoya geldi. Kurosawa özellikle şaşırmıştı: Filmin rekabet halinde olduğunu bile bilmiyordu.

Altın Aslan ödülü, Japonya'nın kültürel yaşamında önemli bir olaydı. Kendine ait uzun ve ilginç bir geçmişi olan alışılmadık bir sinematografi için uluslararası bir tanınma haline geldi.

26 Aralık 1951'de Rashomon'un resmi prömiyeri New York Carnegie Sineması'nda gerçekleşti. Kurosawa, "Fotoğrafın Amerika'da nasıl karşılanacağı hakkında hiçbir fikrim yok" dedi. "İnsanların dünyanın her yerinde aynı olduğuna ve Rashomon'un sadece insan ilişkilerinin bir draması olduğuna inanmama rağmen."

Film Amerikalı eleştirmenleri şaşırttı. Çoğunlukla olumlu eleştiriler ve filmin yeniliğinin birleşimi, filmin başarılı olmasını sağladı.

Ulusal Eleştirmenler Derneği tarafından yılın en iyi yabancı filmi Rashomon, en iyi yönetmen ise Akira Kurosawa seçildi. 20 Mart 1952'de, RKO'nun sahibi olduğu Pantages Hollywood sinemasında Rashomon, Sinema Sanatları Akademisi'nden "en önemli yabancı film" olarak özel bir fahri Oscar aldı (o zamanlar "en iyi yabancı film" kategorisi yoktu). 1951'de Amerika ekranlarında yayınlanan resim".

Rashomon, Japon sinemasını Avrupa ve Amerika'ya açtı ve Kurosawa'nın sonraki filmleri haklı olarak onu dünyanın en popüler film yönetmenlerinden biri yaptı.

1982'de Rashomon, Venedik Film Festivali'nde başka bir ödül olan Leo Lvov'u aldı.

Şimdi "Rashomon" sinema tarihinin en iyi filmlerinden biri olarak kabul ediliyor.

"BİR KÖY RAHİBİNİN GÜNLÜĞÜ"

(Journal d'un tedavi kampanyası)

Yapım: Fransa, 1950. Senaryo: R. Bresson, J. Bernanos'un romanından uyarlanmıştır. Yönetmen: R. Bresson. OperatörL.-A. Burel. Oyuncular: C. Leidu, N. Ladmiral, J. Revere, M. Lemer, D. Danet ve diğerleri.

Bir Taşra Rahibinin Günlüğü, Georges Bernanos'un aynı adlı romanından uyarlanmıştır. Jacques Orange ve Pierre Bost tarafından yazılan senaryonun ilk taslağı romancıyı tatmin etmedi. Ardından yönetmen Robert Bresson işe koyulur ve senaryoyu romana tam olarak uygun şekilde oluşturur. Ancak 1948'de Bernanos ölür. Birkaç ay daha, Bresson senaryo üzerinde çalışıyor ve ek diyaloglar yazıyor. Dini yönü ilgilendiren her şeyde, çalışmaları Bernanos'un kişisel arkadaşı ve vasisi olan başrahip Peseril'in tam onayını alıyor.

Roman, "bu dünyanın güçlülerinin" ruhları için mücadeleye giren fakir bir kırsal papazın hikayesinin izini sürdü. Sadece komşu kalenin sakinlerinden değil, aynı zamanda rahipten de yanlış anlaşılma, düşmanlık ile karşı karşıya kalır. Ölüme mahkum, bedeni zayıf ama ruhu güçlü, çarmıh yolunda ilerliyor ve ahlaki zaferinin bilinciyle bir kazanan olarak ölüyor.

"Bu kitap nedir? diye soruyor René Delange. — Merhamet üzerine, kendini merhamete teslim eden bir adam hakkında türünün tek örneği bir roman. Bernanos, bize af teklif eden, karşılığında sadece iradesinin kabulünü ve onu sevmeye rıza göstermeyi talep eden Rab ile görüşme gerçeğini ve sorununu ortaya koyuyor. Ambricourlu rahip, yoksul yaşamının tek zenginliği olan bu ayini paylaştı. Farkında olmadan, havarisel misyonundan çok daha önemli olan bu sırrı kendi içinde taşır; bu temelde, rahip ile cemaati arasında ve tüm dünya ile bir çatışma çıkar.

Zavallı rahibin trajik ve dokunaklı hikayesi, tamamen roman kahramanının ruhunda geçiyor. "Dış eylem," dedi Bresson, "yalnızca iç eylemi göstermeye yarar." Film, bu ruhu çevreleyen ve onunla temasa geçen tutkuları ve kaygılarıyla karakterlerle doludur: şatonun hanımı, kont, kontes, öğretmen, küçük Seraphite ve Torcy'li rahip...

Böyle bir film için yapımcı bulmak elbette kolay olmadı. Bresson eşikleri çaldı, sabırla bekledi, tartıştı, ikna etti. Yapımcılar, görünüşte güvenilmez olan film uyarlamasını gişe açısından finanse etmeyi reddettiler. Bresson taviz vermedi ve arkadaşlarının maddi desteğiyle filmi sahnelemeye başladı.

Bresson uzun süredir bir başrol oyuncusu arıyordu. İnançla erişilemeyen herkesi reddederek yüz oyuncuyu denedi ve sonunda bilinmeyen Claude Leidu'yu buldu. Barraud ile "tiyatroda oynamak" için Brüksel'den geldiğinde, birkaç ay Saint-Etienne'de çalıştı.

Bresson, oyunculara özel bir şekilde davrandı (Günlük'ten başlayarak, profesyonelleri sonsuza dek terk etti), sofistike oyunculuğu ve diğer film numaralarını izleyicinin öze nüfuz etmesini engelleyen "ekranlar" olarak değerlendirdi. Bresson şöyle diyor: "Onlarla (oyuncular) ve benim aramda telepatik alışverişler ve karşılıklı bağlantılar var." Görünüşe göre kendisi ve yirmi dört yaşındaki İsviçreli Claude Leidu arasında, bir yıldan fazla bir süredir Pazar günleri rolle onu büyülemek ve canlı bir imaj yaratmaya yardımcı olmak için tanıştığı böyle bir bağlantı ortaya çıktı.

Leidu, genç rahiplerin çevresinde birkaç hafta geçirdi, tavırlarını ve jestlerini özümsedi; çekimler sırasında, oyuncu, kahramanı gibi açlıktan ölüyordu ve bir süre onu giyen bir adamdan bir cüppe ödünç aldı.

"Günlük ..." oyuncularının çoğu ilk filmlerini yaptı. Yirmi yaşında olduğunu iddia eden ama kesinlikle o yaşta olmayan çok genç bir kız olan Nicole Ladmiral, intihar etmeyi düşünen "Kalenin Leydisi" Chantal rolü için seçildi. Aktrisin hayatı trajik bir şekilde sona erdi: Birkaç yıl sonra Ladmiral intihar etti.

The Village Priest'in çekimleri 6 Mart ile 19 Haziran 1950 arasında gerçekleşti. Film grubunun genel merkezi Esden kasabasında bulunuyor. Kale gerçek bir film stüdyosuna dönüştü. Filmin gereksinimlerine göre birkaç oda döşenmiş ve dekore edilmiştir. Her gün sabah dokuzdan itibaren tüm grup çalışmak için burada toplanırdı. Diğer odalar bir ofise, hatta bir tanesi yemek odasına dönüştürülmüş ve zaman kaybetmemek için herkes kahvaltısını burada yapmıştır.

Esas olarak Pas de Calais bölümünde bulunan Equirr köyünde çekildi. Bresson, romanda anlatılan ortama ve Bernanos'un anısına sadık kalabilmek için bu melankolik köşeyi seçmiştir. "Günlük"ün aksiyonunun geçtiği Ambrikur ve Torti, Ekirr mahallesine bağlı köylerdir.

Çekimler ayrıca Duke de Reggio'nun kalesinde, bir kilisede ve bir köy rahibinin evine dönüştürülen bir okulda da yapıldı. Robert Bresson boyun eğmez bir sebat ve iradeye sahipti. Sette bulunan film eleştirmeni Leproon'a göre yönetmen, somutlaştırılmış görüntüye karşılık gelen bir başkasıyla doldurmak için oyuncuları kendi özlerinden mahrum bırakıyormuş gibi kelimenin tam anlamıyla tüketti. Claude Leidu'nun çalışması gerçek bir çilecilikti. Aynı plan, jest ve sözler yönetmeni tatmin edene kadar yirmi, otuz kez çekildi.

İlk düzenlemeden sonra, üç saatlik filmin üçte bir oranında kesilmesi gerekiyordu. Bresson buna karar verdi ve sonunda böyle bir test, filmini gereksiz olan her şeyden nihayet kurtarmasına yardımcı oldu. Daha sonra, üretilen banknotların "tamamen sanatsal bir düzenden" kaynaklandığını bile garanti etti.

"Bir Taşra Rahibinin Günlüğü" mükemmel bir "edebi" filmdir. Bresson, romanın ruhuna sadık kalmaya ve ondan özü çıkarmaya çalıştı ...

Bresson ve bu sefer ifade araçlarından kompozisyona geçiyor ve edebi içeriği edebi biçimde aktarıyor. Günlüğü sayfa sayfa ekrana aktardı ve kasıtlı olarak aynı olay örgüsünü üç kez tekrar etme riskini aldı. Tamamen farklı görünüyordu ve kulağa hoş geliyordu. Önce günlüğün büyük bir sayfası ekrana geliyor, burada papazın eli metne giriyor, aynı anda dış ses aynı kelimeleri tekrarlıyor ve ardından izleyici okuduğu olayların olduğu yerde buluyor kendini. hakkında ve ses monoton bir şekilde neler olduğunu anlatmaya devam ediyor. Böylece her bölüm üç kez izleyicinin önünden geçiyor.

Tüm bu çabaların sentezi, finalde papazın ölümü ve tüm filme ışık tutan son sözleriyle çözülen Bir Taşra Rahibinin Günlüğü'nde olağanüstü bir dramatik gerilim yaratıyor: "Her şey zarafettir. " Beş dakika boyunca, beyaz zemin üzerine siyah bir haç tüm ekranı doldurur ve bu sırada rahibin son dakikaları ve son sözleri hakkında bir hikaye duyulur ve ardından haç üzerinde "son" kelimesi belirir.

"Bir Ülke Rahibinin Günlüğü" film yapımcılarının hemen ilgi odağı haline geldi ve bu Bresson'u şaşırttı. Nadir istisnalar dışında tüm yanıtlar coşkuluydu.

Film vizyona girmeden önce Louis Delluc Ödülü'nün jürisine gösterildi. Son kare ekrandan çıktığında - beyaz bir tuval üzerinde siyah bir haç - güçlü bir şoktan sonra sanki korkunç, ezici bir sessizlik hüküm sürdü. Ertesi gün, Bir Ülke Rahibinin Günlüğü Delluc Ödülü'nü kazandı.

Rus film eleştirmeni Nina Tsyrkun, "Bir Köy Rahibinin Günlüğü, ruhu kurtarmak, zarafet bulmak hakkında bir film" diye yazıyor. — Ve yapısı Rab'bin Tutkusu Liturjisine tabidir. Bölümler, Golgota'ya giden bir yol gibi sıralanıyor: ekmek ve şarap (ölümcül hastalığa sahip bir organizmanın reddetmediği tek yiyecek), çamura düşmek, bir köylü kızı olan Serafita'nın yüzünü silmek için bir su birikintisine batırdığı bir paçavra. (sirkeye batırılmış, çarmıha gerilmiş bir sünger) ve sonra onun zorla ihaneti (Peter'ın inkarı), tavan arasında ölüm - tüm bu paralellikler izleyici için açıktır, ancak karakterin kendisi hiç bir şekilde algılanmaz. İsa'nın kurban kefaretinin tekrarı. Gerçek şu ki, herkesin kendi haçı vardır ve herkes onu kendi ıstırabının, şüphelerinin ve umutsuzluğunun yükü altında tek başına taşır, günlük yaşamın perdesinin ardındaki ruhsal yükseliş parabolünü fark etmez.

Yağmurda Şarkı
Söylemek

Yapım Metro-Goldwyn-Mayer, ABD, 1952. Senaryo B. Comden ve A. Green. Yönetmen S. Donen ve J. Kelly. Operatör X. Rosson. Sanatçılar R. Duel, S. Gibbons. Besteciler R. Edene, A. Fried, N. X. Brown. Oyuncular: J. Kelly, D. O'Connor, D. Reynolds, J. Hagen, M. Mitchell, S. Cheriss, D. Foley, R. Moreno ve diğerleri.

10 Nisan 1952'de, film uzmanlarının haklı olarak müzik türünün en güzel eseri olarak adlandırdığı Singing in the Rain müzik filminin galası Kaliforniya'da gerçekleşti. Yönetmenleri - Gene Kelly ve Stanley Donen, günlük Amerikan gerçekliğinden ilham aldı.

Donen, New York tiyatrolarında sahne dansçısı olarak başladı. Rogers ve Hart'ın Broadway yapımı The Boyfriend (1944) müzikalinde, Gene Kelly'nin solist olduğu topluluğun bir üyesiydi. O zamandan beri arkadaş oldular. Donen, Kelly tarafından sahnelenen sayılarda dans etti ve sık sık ona koreografik deneylerde yardımcı oldu. 1943 ile 1949 yılları arasında Stanley, MGM ve Columbia stüdyolarında dansçı, koreograf yardımcısı ve koreograf olarak çalıştı.

Gene Kelly dans eğitimi aldı, ardından öğrenci olarak çeşitli amatör topluluklarda çalıştı ve kardeşi Fred ile vodvilde sahne aldı. 1940 yılında "Joe's Boy" müzikalinde Joe Evans rolünü oynadığında gerçek bir Broadway yıldızı oldu. Kelly burada tüm çok yönlü yeteneğini gösterebilirdi: oynadı, şarkı söyledi ve dans etti.

Sailors on the Shore (1949) adlı müzikal film, Donen ve Kelly'nin ilk ortak yapımıydı. Senaryo Betty Comden ve Adolph Green tarafından kendi Broadway müzikallerinden uyarlandı. Müthiş kalitesiyle izleyenleri büyüleyen "Sailors on the Shore", adeta müzikal sanatını halka yeniden keşfediyor. Denizcileri New York sokaklarından geçirip onlara şarkı söyleyip dans ettirme fikri yeniydi. Bu, West Side Story gibi bir filmin önünü açtı.

Stanley Donen yaratıcı konsepti Kelly'ye şöyle açıkladı: “Bu hikayeyi hayata geçirirken tamamen yeni bir deneyim yaşamamız gerekiyordu. Sahne yoktu, tiyatro yoktu, sadece şehrin sokakları vardı. [...] Ana fikrimiz, filmin her bir unsuruna - entrika, müzik, dans, kamera, kahkaha - kendi alanında aynı yeri vermek ve hiçbir unsurun diğerinin zararına baskın gelmemesiydi. Ve sonraki dozaj sayısında bizim için çok önemli kaldı. Geçmişte, yönetmenler her zaman şu ya da bu unsurun kölesi oldular."

Aynı ekip - her ikisi de yönetmen-koreograflar, senaristler, yapımcı, kameraman - Singing in the Rain filmini de yayınladı. Başlangıç noktası, Arthur Freed (aynı zamanda bir yapımcıydı) ve Nacio Herb Brown'ın 1920'lerde ve 1930'larda çeşitli Broadway şovları için yazdığı birkaç eski şarkıydı.

Film, adını Freed ve Brown tarafından ilk müzikallerden biri olan Hollywood Revue 1929 için bestelenen tema şarkısından almıştır. Teması hayattan alınmıştır. Seattle'da bir Broadway Lisesi mezunu olan Arthur Freed, Pine Caddesi'nde bir müzik mağazası açtı. Bir gün dükkân penceresinin dışında, yabancı bir adamın sokakta sağanak yağmurda nasıl şarkı söyleyip dans ettiğini gördü ...

Senaryo Nisan 1951'de yazıldı. Hikâye fikri, sesin gelişiyle kariyeri yarıda kalan sessiz bir film yıldızından bir Hollywood evi satın alan Betty Comden ve Adolph Green'den geldi. Benzer bir kaderi olan birçok oyuncu vardı. En çarpıcı örnek, Gene Kelly'nin filmi çekmeden önce tanıştığı çizgi roman türü Buster Keaton'ın efsanesidir.

"Yağmurda Singing" in yazarları, Hollywood'un sese hakim olduğu o gürültülü yıllardan bahsediyor. Sessiz filmlerin en popüler yıldızı Don Lockwood (Gene Kelly), filminin galasında nasıl şöhrete ulaştığını anlatıyor... Yalan söyleyerek, her zaman her şeyden önce ruhsal gelişimini önemsediğini söylüyor. Ve şu anda, filmin resimsel dizisi tamamen farklı bir şey gösteriyor. Kahramanın sırf bir şekilde geçimini sağlamak için herhangi bir işi nasıl kaptığını görüyoruz.

Don Lockwood diksiyon dersleri alır ve büyük ilerleme kaydeder, ancak ortağı Lina Lamont (Jean Hagen) mikrofonda başarısız olur. Mikrofon nereye yerleştirilirse yerleştirilsin, her yerde onun sert sesini yakalar. Tek bir çıkış yolu var - başka bir oyuncuyu seslendirmeye davet etmeniz gerekiyor. Stüdyo krizden çıkmak için bir müzik filmi çekmeye karar verir. Lina'nın sesi, Don Lockwood'a gizlice aşık olan genç koro kızı Kathy Selden (Debbie Reynolds) tarafından senkronize edilmelidir. Seyirci büyüleyici sesin gerçekten kime ait olduğunu öğrendikten sonra Katie çok başarılı olur.

Gene Kelly'nin omuzlarında çifte bir yük vardı: o sadece yönetmen değil, aynı zamanda Don Lockwood rolünün de oyuncusuydu. Ortağı, MGM'nin yükselen yıldızı 19 yaşındaki Debbie Reynolds'du.

Reynolds, ailesiyle birlikte banliyölerde yaşıyordu. Stüdyoya giden yol - üç aktarmalı otobüsle - üç saatten fazla sürdü. İş gününün başlangıcına zamanında yetişebilmek için Debbie sabahın dördünde kalkmak zorundaydı. Çekimler akşam geç saatlere kadar uzayınca genç oyuncu eve dönecek gücü bulamayınca geceyi stüdyoda geçirdi.

Cosmo Brown rolü Donald O'Connor'a verildi. Bir akrobat ve binicinin oğlu, erken çocukluktan itibaren bir aile varyetesinde ve sirk numarasında sahne aldı. Donald ilk filmini henüz on iki yaşındayken yaptı. Filmin adı İki Kişilik Melodi (1937). 1940'larda O'Connor, Hollywood müzikallerinde başarıyla rol aldı. Yağmurda Singing'de oyuncu, yeteneğinin tüm yönlerini gösterdi.

Sessiz film divası Lina Lamont'un rolü, büyüleyici Jean Hagen tarafından yaratıldı. Bu rol için Oscar'a aday gösterildi.

Hikaye, filmi izleyen herkes için unutulmaz bir deneyim haline getiren yaratıcı içgörülerle bezenmiştir. Komedinin zirvesi, ilk sesli çekimde Don Lockwood ve Lena Lamont'un katılımını gösteren sahnedir. Kostümlü bir aksiyon filminden bir aşk sahnesi. Mikrofon bir buket çiçek içinde gizlidir. Sadece bazı kelime parçaları duyuyoruz çünkü Lina neredeyse burnunu bukete gömüyordu. Sonra mikrofon elbisesinin yakasına gizlenir - kalbinin atışı duyulur. Talihsiz yönetmen manzara, "buzdolabı" ve ses mühendisinin kabini arasında dehşet içinde koşuyor.

Film, haylazlık ve duygu, hiciv ve duygu arasında ustaca dengeler. Bunun bir örneği, tüm stüdyo makinelerinin yardımıyla Don Lockwood'un aşkını ilan etmeye çalıştığı sahnedir. Cathy'yi boş bir stüdyoya çeker ve "Beni Düşündün mü" şarkısını çalar. Ve sonra aniden spot ışığını ve büyük bir fanı açın. Gene Kelly, Fred Astaire kılığında Kathy'nin etrafında dönmeye başlar, onu kendisine çevirir, kollarına alır, onu tüm aşıklar diyarına sürükler...

"Yağmurda Singing" inanılmaz oranda bileşenle dikkat çekiyor. Özellikle başarılı olan, başta "Sen benim favori yıldızımsın" melodisi olmak üzere solmayan şarkı başyapıtlarının tuvaline dahil edilmesidir. Gene Kelly'nin kahramanı nihayet sadece kız arkadaşı için hoş olmadığından, aynı zamanda onun tarafından sevildiğinden de emin oldu. Kathy'yi eve bırakır. Mutlu, ıssız sokaklarda yapayalnız dans ediyorlar. Yağmur yağıyor. Ellerinde şemsiyelerle sokak lambalarının etrafında dans ederler ve bunu yaparken "Singing in the Rain" şarkısını söylerler. Dans, bir polis onlara yaklaştığında biter. Gene Kelly'nin bu yüksek ateşli gösteride çekim yaptığına inanmak zor.

"Let's Laugh" bölümü, filmin en unutulmaz bölümlerinden biridir. Don Lockwood'un ortağı Cosmo Brown (Donald O'Connor), Cathy'ye bir erkeği nasıl güldüreceğini gösterir. Cosmo stüdyoda koşar, oynar, vals yapar, korkunç suratlar yapar, çevredeki nesneleri kapar, onlara ortak gibi davranır, kendini duvarlara atar, kafasıyla onları kırmaya çalışır (neyse ki duvarlar kağıttır).

Gene Kelly iş takıntılıydı. Setteki otoritesi tartışılmazdı. Her sahnede başarılıydı.

Donald O'Connor, Kelly'ye bir tiran dedi. Birkaç hafta boyunca bir tür hata yapmaktan ve yönetmenin histerik ağlamasını duymaktan çok korktuğunu iddia etti.

Gene Kelly'nin baleye karşı özel bir tutkusu vardı ve müzikalin gelişimini bale sanatına doğru yönlendirmeye çalıştı. Yetenekli koreograflar Carol Honey ve Gwen Verdon tarafından desteklendi.

Müzikalin gerçek doruk noktası, film içinde film olan on beş dakikalık Broadway Melody balesidir. Sid Cherisse ve Gene Kelly, Nacio Herb Brown'ın müziği eşliğinde dans ediyor. 1930'ların film müzikallerinde yer alanlara yakın küçük bir hikaye ortaya çıkıyor. Kelly, iş arayan bir dansçı rolünü oynuyor. Ancak Broadway, onun için zaptedilemez bir kale olmaya devam ediyor. Bir gün bir gece barında oturan bir güzele (Syd Cheriss) aşık olur: Uzun bir sigara, soğuk bir bakış. Kelly ona yaklaşırken, yolunda üç dans eden gangster belirir. Gangsterlere döner ve Kelly bardan ayrılır...

"Yağmurda Şarkı Söylemek" çalışması 18 Haziran'dan 21 Kasım 1951'e kadar sürdü. Tablo, yaratıcılarına 2,5 milyon dolara mal oldu ve bunun 157.000 doları Walter Plunkett'in kostümlerine harcandı.

"Singing in the Rain" prömiyeri 12 Aralık 1951'de Riverside, California'da yapıldı. Müzikal coşkuyla karşılandı. Planlanan bütçe 600.000 $'dan fazla aşılmış olsa da, stüdyo harcanan parayı hızla iade etti - film 7.665.800 $ hasılat yaptı. Resim iki adaylıkla Oscar'a aday gösterildi, ancak sonunda tek bir tane alamadı.

Amerikan Film Enstitüsü, Amerika Birleşik Devletleri'nde yapılan filmler arasında "Singing in the Rain"i onuncu sıraya yerleştirdi ve onu en iyi müzikal olarak kabul etti. En İyi 100 Film Şarkısı, Kelly ve Donen'in müzikalinden üç şarkı içeriyordu: "Singing in the Rain" (3.), "Good Morning" ve "Let's Have a Laugh".

Alman film eleştirmeni Michael Hanisch, "Yağmurda Şarkı Söylemek, türün gelişimine önemli bir katkı olarak görülebilir" dedi. “Burada, son derece yoğun bir biçimde, bir müzikalin yapabileceği her şey bir kez daha gösteriliyor. Tam da türün pek çok temsilcisinin klasikleri getirerek işi daha "ciddi" hale getirmeye çalıştığı bir dönemde, burada tam özgünlük ve özgünlük bir kriter olarak ileri sürüldü.

"FANFAN-TULPAN"
(Fanfan Lale)

Yapım: Fransa, 1952 R. Wheeler, R. Falle, A. Jeanson ve Christian-Jacques tarafından yazıldı. Yönetmen: Christian-Jacques. Görüntü yönetmeni K. Matra. Sanatçı R. Zhi. Besteciler M. Tirje ve J. van Pari. Oyuncular: J. Philippe, D. Lollobrigida, N. Bernardi, O. Usseno, M. Herran, J. Page, J. Paredes, N. Roquer, J.-M. Tennberg ve diğerleri.

Christian-Jacques'ın "Fanfan-Tulip" filmi bazen "XV. Louis döneminin Western filmi" olarak anılır. Kahramanın baş döndürücü maceralarını içeren arsa, dahiyane René Wheeler tarafından bestelendi. Esprili Henri Janson diyalogları yazdı. Christian-Jacques ve René Fallet ayrıca gerçek tarihsel gerçekleri ve kurgusal karakterleri kullanarak senaryo üzerinde aktif olarak işbirliği yaptılar. Fanfan'ın adı, Restorasyon döneminden bir şarkıda telaffuz ediliyor, ancak daha da eski bir melodiden esinlenilmiş. Bu "neredeyse" efsanevi karakterin Dumas'ın romanlarından birinde geçtiği ortaya çıktı.

Christian-Jacques başrolü Gerard Philip'e teklif etti. Oyuncu hemen çekimi kabul etti.

"Fanfan-Tulip" Gerard Philip'e çok şey borçludur. The Parma Cloister'da Christian-Jacques'la oynadığı ilk rolün üzerinden dört yıl geçti. Bu süre zarfında Gerard, sinema ve tiyatroda seyircinin evrensel olarak tanınan favorisi oldu. Marcel Carne'nin filminde René Clair'in "Şeytanın Güzeli" ve "Gecenin Güzelleri" (ikincisi "Fanfan" ile aynı yıl çekildi ve birçok yönden onu tekrarladı) filmlerinde başarıyla oynadı. Max Ophuls'un "Round Dance" adlı oyununda "Juliette, or the Key to Dreams".

Gerard, "Bu karakter hayati, canlı ve sağlık dolu" dedi. - Fanfan'ın eylemleri iradesi tarafından kontrol edilir: o, kendi kaderini yaratan bir kişidir. Olaylar onu kontrol etmez ama o olayları etkiler. Böylesine sağlam bir temelle, sağlıklı ve neşeli bir kahraman imajı yaratma görevini üstlenebilirdim.”

Gerard Philip, Christian-Jacques'la çok tartıştı: Yönetmen, Fanfan'ın fevri, ateşli, biraz cüretkar, eylemlerini sakince düşünemediğini görmek istedi. Gerard, aksine, Fanfan'ı kendi eylemlerinden daha sorumlu, öfkesinde daha bilinçli, tek kelimeyle yüksek zekaya sahip bir adam olarak gördü.

En başından itibaren filme alaycı, ironik bir hava verilir. Bir tarihçi-yorumcuya göre, "kadınlar rüzgarlı ve anlamsızdı ve erkekler güzelce savaştı", bir balede olduğu gibi saç stillerini ve pitoresklerini unutmadan öldüklerinde, 18. yüzyılın stilize edilmiş bir Fransa'sı izleyiciye açılıyor. pozlar.

Fanfan, baştan çıkardığı Marion ile evlenmemek için savaşa girer. Ama önce, bu cüretkar adam Çavuş Lafranchise'ın kızı dolgun, kara gözlü Adeline (Gina Lollobrigida) ile tanışır. Fanfan'ın elini kehanet eden güzellik, onun için parlak bir gelecek, galonlu bir üniforma, kaptan rütbesi, zenginlik ve ayrıca kraliyet kızı Henriette ile evlilik öngörüyor.

Ve gerçekten de kısa süre sonra Fanfan, Markiz Pompadour ve Prenses Henriette'i soygunculardan kurtarır. Christian-Jacques'ın kamerası, Fanfan'ın filmdeki başarısını hızlı bir şekilde yakalıyor. İnanılmaz bir çeviklik ve ustalıkla savaşır. Dövüş, bir dizi komik numara ile temsil edilir.

Fanfan, Markiz Pompadour ve kraliyet kızından doğal bir ödül almak istiyor - bir öpücük (sonuçta, en ağustoslu kişilerin önünde olduğunu bilmiyor) ve Markiz'in hediyesini kabul edecek - bir gümüş lale - "Lale" takma adı gibi neşeyle. Kraliyet kızını öptüğünü öğrenen Fanfan, olanları hafife alacak: Sonuçta, Adeline'nin tahminine göre, prenses müstakbel karısı.

Filmin konusu keskin bir maceraya dönüşüyor. Kader Fanfan'ı bir kez daha test ediyor: Aquitaine alayı kraliyet sarayından çok uzakta değil ve Fanfan bacadan prensesin odalarına girerek bağırarak: “Henriette! Beni tanıdın. Beni yakında sev!"

İşin garibi, Adeline, Fanfan'ın kaderinin bir tür "motoru" haline gelir. Darağacından kurtulması onun sayesindedir. Fanfan bir anda prensesle evlenme fikrinden vazgeçer ve Adeline'e aşık olur.

Kahraman, kralın evlatlık kızı haline gelen Adeline Lafranchises'in bizzat XV. Louis tarafından kendisine eş olarak verilmesinden önce pek çok macera yaşayacaktır.

Sözde tarihsel bir parodi olan "pelerin ve kılıç" komedisi, Fransız tiyatro ve sinemasının klasik türlerinden biridir. "Fanfan-Lale" ile ne hatırlanır? Hafiflik, oyunculuk, tamamen Fransız hafifliği. Keskin bir söz, kılıç ve yatağın yazılı olmayan demokrasisi, Gerard Philip ve büyüleyici İtalyan Gina Lollobrigida'nın düetinde zekice somutlaşmıştır.

Adeline rolü için Gina'nın seçimi ticari kaygılarla belirlendi. Resim, İtalyan başkentinin katılımıyla yapıldı.

Gina Lollobrigida, "Orly'de uçaktan inerken hissettiğim duyguyu hatırlıyorum" dedi. - Christian-Jacques gibi harika bir yönetmen ve harika bir oyuncu Gerard Philip gördüm. İkisi de beni karşıladı. Başlangıcıydı yaratıcı kariyer... Hemen arkadaş olduk ve Gerard bana yardım etmekle kalmadı, aynı zamanda çekimler sırasında güvenimi geri kazanmak için her şeyi yaptı. Boş zamanının çoğunu bana Fransızca öğreterek geçirdi. Fanfan-Tulip'ten sonra hisselerim yükseldi ve o zamandan beri Gerard Philip'in bana mutluluk getirdiğini söylüyorum ... "

Christian-Jacques'a göre, Gerard'ın kendisini ona gösterdiği Fanfan rolündeydi - neşeli, çekici, coşkulu bir şakacı, bazen yasağın sınırlarını bile bilmiyor.

Gerard Philip, "Çekim çılgınca komikti," dedi. - Christian-Jacques tarafından yaratılan atmosfer ve dublörlerin varlığı - her şey tatildeki askerleri anımsatıyordu.

Bir keresinde Kale'de bir sahne çekiyorduk. Gördüğüm, İrlanda'daki anarşistlerin mücadelesinin bir bölümünü tasvir eden bir baskıyı hatırladım - karakterlerden biri yirmi tüfeğin tetiklerini birbirine bağlayarak bir makineli tüfek icat ediyor. Filmin unutulmaz komedi sahnesinin altında yatan bu baskıdır."

Bazı sahneler güvensizdi. Zıplamalar, zıplamalar, düşmeler, kavgalar genellikle riskle ilişkilendirilirdi. Oyuncu Yussenault kolunu kırdı...

Gerard Philip, en tehlikeli bölümlerde çiftleri reddetti, her koşulda yağmurda (hava konusunda çok şanssız) çalıştı. Gerard'ın dahil olduğu kavgalar gerçekten tehlikeliydi. Çekimler sırasında alnı kesildi ve kolu bir kılıcın ucuyla delindi.

On metre yükseklikte duran Gerard'ın Noel Roquer ile dövüştüğü çatıdaki sahnede, Philip kahramanı olarak o kadar reenkarne oldu ki rakibinin yaşının farkında olmaktan çıktı. Çekirdeğinden yaralanan Rockwer, kendini beğenmiş ve saldırgan hale geldi. Kavga o kadar doğal bir hal aldı ki bir noktada Gerard, senaryodaki talimatlara uygun olarak değil, gerçekten Roqueuer'in kılıcının darbesinden kaçarak borunun arkasına saklanıyordu...

Christian-Jacques başka bir ilginç olayı hatırladı: “Barut namlusunun hemen yakınında bir yangın çıktı. Bir çocuk bir varilin üzerinde oturuyordu. Belki biraz geç işaret verdim... İşaretimle Gerard ileri atıldı, bebeği zar zor kapıp ateşten çıkarmayı başardı. Kirpikleri ve saçlarıyla yanık yanıma yaklaştı ve her zamanki yarı alaycı yarı iyi huylu ifadesiyle kısaca şöyle dedi: "Bana her şey çok doğru gitti gibi geliyor!"

Gerard, günlük hayatta da bir Fan hayranıydı. Patates, krema ve çok daha fazlasının kullanıldığı dostça kavgalar olmadan tek bir kahvaltı bile geçmedi. Masalar ve tabaklar masum kurbanlar oldu. Neşeli yaygaranın başladığı bu saatlerde kaç tanesi öldürüldü!

Christian-Jacques, tipik Fransız nüktedanlığı, bir dizi şakalar, ironik açıklamalarla dolup taşan filmi komik bir hale getirdi... Christian-Jacques, düşmanı anlaşılmaz bir dilde konuşturmak için kasetteki Fransızca metni tersten yazar.

Seyirci filme gerçekten muzaffer bir karşılama verdi. Başarı baş döndürücüydü. Birkaç ay içinde Gerard Philip, Paris'ten Pekin'e, New York'tan Moskova'ya, Quebec'ten Varşova'ya Fanfan Lalesi oldu. Filmde rol alan ve filmin Cannes Film Festivali'nde gösterildiği gece orada bulunan aktör Jean-Marc Tennberg, şunları yazdı: “Fanfan'a hepimiz çocuklar gibi aşık olduk. Teşekkürler Fanfan! Gerard'dan film stüdyosu çalışanlarına kadar hepimiz seninle gurur duyuyoruz ... "

Michel Braspard, "Kamerada bir çiçek var!" diye haykırdı. Le Monde gazetesi, "Üniformalar ve süvari alaylarında çizgilerin olduğu, barut kokusu ve zeka havai fişeklerinin olduğu bir film" diye ekledi.

Fanfan'ı oynayan aktörün ünü diğer ülkelere filmin kendisinden çok daha önce geldi. Merakla bekleniyordu. Beş kıtada seksen milletten insan "Fanfan Lalesi"ni alkışladı.

New York'ta Gerard Philip'e "jet Fransız" lakabı takıldı. Tokyo'da ona "Bahar Samuray" unvanı verildi. Budapeşte'de şöyle yazdılar: "Fanfan-Lale karşısında, Temmuz tatilinin Fransa'sıyla tekrar buluşuyoruz."

Güzel bir efsane var. Ya da belki bu gerçekten olmuştur. 1955'te Gerard Philip Moskova'yı ziyaret etti. Kızıl Meydan'a hayranlıkla bakarken bir çocuk yanına yaklaşıp özür diledi ve çekinerek sordu: "Sen Gerard Philip misin?" "Numara!" Philip şaka yollu cevap verdi. "Afedersiniz. Tabii ki yanılmışım, - dedi çocuk şaşkınlıkla uzaklaşarak ve sonra döndü ve gülümseyerek ekledi: - Sen Gerard Philip değilsin ... Sen Fanfan-Tulip'sin ... "

"ROMA TATİLİ"

(Roma Tatili)

Yapım: Paramount Pictures, ABD, 1953. D. Trumbo ve J. McLellan Hunter tarafından yazıldı. Yönetmen: W. Wyler. Operatör A. Alekan. Sanatçılar X. Pereira, W. Tyler. Besteciler J. Orik, V. Young. Oyuncular: O. Hepburn, G. Peck, E. Albert, X. Power, X. Williams, M. Rawlings ve diğerleri.

Yönetmen William Wyler, "Roma Tatili" ni "çağdaş temalı bir peri masalı" olarak nitelendirdi. Kendiniz için yargılayın. Var olmayan bir devletin genç prensesi Anna, Roma'ya resmi bir ziyarette bulunuyor. Sıkıcı numaralar kızı histerik hale getirir. Mahkeme doktoru ona uyku hapı verir, ancak prenses sarayda değil, kaçmayı başardığı Tiber setinde uyuyakalır. Burada Amerikalı gazeteci Joe Bradley kızı bulur ve evine getirir. Sabah bir gazetedeki bir portreden konuğunun Prenses Anna olduğunu öğrenir. Sansasyonel bir haber yapmaya karar verir ve bir fotoğrafçı arkadaşıyla birlikte ona şehirde eşlik eder. Gazeteci ve prenses birbirlerine aşık olurlar ve Joe acımasız planından vazgeçer. Bir görev duygusuna uyan Anna, saraya döner ve olgunlaştıktan sonra son kez bir basın toplantısında Joe ile tanışır. Zımni bir anlaşma ile "Roma Tatilini" gizli tutacaklar. Gazeteci yavaşça boş salonun derinliklerine iner...

Roman Holiday'in senaryosu, kırklı yılların ortalarında Dalton Trumbo ve Ian McLellan Hunter tarafından yazıldı. Ünlü komedyen Frank Capra için tasarlanmıştı.

1947'de "Hollywood Ten" in sansasyonel davası başladı: Trumbo ile birlikte diğer solcu senaristler kendilerini rıhtımda buldular. Suçlamanın öne çıkan yanı, bir dizi filmde Sovyetler Birliği'ne yönelik sempatinin görünür olmasıydı. Dalton Trumbo kara listeye alındı, bir takma adla saklanarak senaryolar yazmak zorunda kaldı. Roman Holiday'in senaryosunda Trumbo'nun parmağı olduğunu öğrenen Capra, filmi yönetmeyi reddetti.

Paramount Pictures, Roman Holiday'i yönetmesi için William Wyler'ı görevlendirene kadar senaryo bir yönetmenden diğerine geçti. Şimdi sadece Ian McLellan Hunter senarist olarak listelendi.

Hemen prensesi oynayacak oyuncu arayışı başladı. "Amerikan aksanı olmayan bir kıza ihtiyacım vardı," diye anımsıyordu Wyler, "onun gerçek bir prenses gibi yetiştirildiğine dair hiçbir şüphe uyandırmayacak bir kız."

Eylül 1951'de, gelecek vadeden aktris Audrey Hepburn'ün katılımıyla Londra'nın banliyölerindeki Pinewood Stüdyolarında bir ekran testi yapıldı. İngiliz bir bankacı ile Hollandalı bir baronesin kızı olarak Londra'daki Mary Rembert Bale Okulu'nda çocukken eğitim gördü. Daha sonra Audrey reklam için poz verdi, bir varyete şovunda sahne aldı ve burada fark edildi ve Laughter in Paradise komedisinde başrol oynamaya davet edildi. Bölümdeki sadece bir satır ("Kim sigara ister?") Hepburn'e yedi yıllık bir sözleşme kazandırdı. Paramount şirketinin patronları onunla ilgilenmeye başladığında Audrey, Broadway'de aynı adlı oyunda Gizhi'nin ana rolünü oynamaya hazırlanıyordu.

Audrey, Wyler üzerinde olumlu bir izlenim bıraktı: "Bana çok canlı, çok zeki, çok yetenekli ve çok hırslı göründü." Testler başarılı oldu. Yönetmen çok sevindi: “Aradığım her şeye sahipti - çekicilik, masumiyet ve yetenek. Büyüleyiciydi." New York'ta onunla tamamen aynı fikirdeydiler. Doğru, stüdyo genç aktrisin soyadını değiştirmesini istedi - ünlü Katharine Hepburn ile karıştırılmak istemiyordu, ancak Audrey, bu ona bir film kariyerine mal olsa da reddetti.

Gazeteci Joe Bradley'in rolü, 35 yaşındaki Gregory Peck'i oynamayı kabul etti.

Gregory Peck, gerçek bir erkek modeli olarak kabul edildi - yakışıklı, kendine güvenen ve aynı zamanda nazik ve sevecen bir aşık. Doğal yumuşak mizahı ve zekası, oyununa özel bir çekicilik kattı. 1947'den 1952'ye kadar Peck, Amerikan sinemasında en çok hasılat yapan ilk on oyuncudan biriydi. Popüler türlerdeki roller için neredeyse mükemmeldi: western, dedektif, romantik melodram. Gregory Peck, meslektaşları tarafından saygı gördü, cömert ve yeni gelenlere karşı arkadaş canlısıydı, bu nedenle Hepburn daha iyi bir ortak isteyemezdi.

Wyler sonunda tüm filmi yerinde çekme hayalini gerçekleştirebildi. "Roma Tatili" eylemi, pavyonlardan İtalyan başkentinin sokaklarına taşındı. Bu, elbette, öncelikle mali kaygılarla açıklandı: Televizyonun işgali ve büyük stüdyoların sinema sahibi olmasının yasaklanması nedeniyle, Hollywood'un yurtdışında çekim yapması daha karlı hale geldi.

1952 yazının İtalya'da sıcak olduğu ortaya çıktı ve yüksek nem, şehri gerçek bir buhar odasına çevirdi. Ayrıca turizm sezonunun zirvesiydi. Senaryoya göre, Peck'e eşlik eden fotoğrafçı (Eddie Albert'in canlandırdığı) gizlice "Majesteleri"nin fotoğraflarını çekiyor. İzleyicilerin, muhabirin kaçak prensesle yürümesi gereken yerlerde kalabalıklar halinde toplanması nedeniyle filmin çekimleri sık sık durdurulmak zorunda kaldı. Roman Holiday'in kadrosundaki tek film yıldızı Gregory Peck için özellikle zordu. İmza almak isteyenlerin sonunu bilmiyordu.

Turistlerin hoşnutsuzluğuna neden olan sokakların kapatılması, anıtların çitle çevrilmesi gerekiyordu. Rüşvetler, en azından biraz gücü olan herkese sağdan soldan dağıtıldı. Wyler, çekim sayısını minimumda tutmak zorunda kaldı.

Gregory Peck dedi ki:

“Roma'daki meydanlardan birinde çalıştık. Çekimleri izlemek için en az on bin kişi toplandı - şehrin merdivenlerinde, yakındaki evlerde, komşu sokaklarda. Audrey'e böyle bir kalabalığın varlığından utanıp utanmadığını sordum. Hiç olmadığı ortaya çıktı: role tamamen kapılmıştı.

Komik bir olay hatırlıyorum. Wyler, Audrey'den başka bir çekim yapmasını istediğinde, sahnenin onun için yürümediğini söylüyorlar. Ve sonra yüzlerce seyirci bağırdı: "Hayır, hayır, bu harika ... Daha iyi olamazdı. Yeniden çekim yapmanıza gerek yok." Ve yönetmen istifa ederek halka boyun eğdi.

Roma Tatili siyah beyaz olarak çekildi. Renkli bir film yaratmak için Roma sokaklarında ve meydanlarında yaratılamayacak özel koşullar gerekiyordu.

Hepburn enerjisini çekime ayırdı, neredeyse hiç kimseyle konuşmadı ve öğle yemeğinde sadece bir bardak şampanya içti. Prensesin rolü çok zor değildi ve oyuncudan her şeyden önce doğallık talep edildi. Audrey, karakterini saran sarhoş edici özgürlük duygusunu mükemmel bir şekilde aktardı. Yeni görünümündeki - kısa saçlı - prenses neşe ve yaramazlıkla parladı.

Peck için bu ilk komedi rolüydü. Kolayca, zevkle oynadı ve partneri için sevecen ve güvenilir bir asistan oldu. "Roma Tatili" nde bir muhabirin, bir duygu avcısının çok canlı bir görüntüsünü yarattı. Muhtemelen Peck'in katılımıyla en iyi bölüm, Anna hakkındaki raporu çoktan terk etmiş, fotoğrafları sıralayarak arkadaşına bunun nasıl bir sansasyon olabileceğini anlattığı bölümdür.

William Wyler, Paramount yönetiminin canını sıkacak şekilde Roma Tatili görüntülerini neredeyse bir yıl boyunca düzenledi.

Ancak durum çok geçmeden değişti. "Roman Holiday" in "taslak" versiyonunun görüntülendiği ilk dakikadan itibaren Paramount'un liderliğini önemli bir şeyin önsezisi sardı. Wyler, "Çok yakında tüm dünyanın ona aşık olacağını biliyordum," dedi. Film, Audrey'in kişiliğine ve performans tarzına özgü masumiyet, enerji ve gençlik tazeliğinin özel birleşimini gösterdi.

Çekimlerden sonra Peck, yapımcıya Hepburn'ün Oscar'a hak kazanabileceğini, bu nedenle genç aktrisin filmin ana yıldızı olmasını ve adının jenerikte ilk sırada yer almasını umursamayacağını söyledi. Yapımcı tavsiyeye uydu ve ortaya çıktığı gibi boşuna değil.

Film, 27 Ağustos 1953'te New York ve Londra'da aynı anda gösterildi. Audrey ne birine ne de diğerine katılmadı. Filmin çekildiği ülkeyi anmak için Venedik Film Festivali'ne gitti.

Audrey'in portresini içeren "Time" kapağı 7 Eylül 1953'te çıktı ve gerçek bir sansasyon yarattı. Kapakta "Sahte taşların parlaklığının ardında, bir elmasın parlaklığı vardır" yazıyordu.

Audrey Hepburn ABD'ye ünlü olarak döndü. Sinema Sanatları ve Bilimleri Akademisi ona En İyi Kadın Oyuncu Oscar'ını verdi, oyuncu ayrıca Yabancı Basın Ödülü ve daha birçok ödül aldı. Eleştirmenler, Audrey'i "zarafet ve çekiciliği" nedeniyle eleştirdiler. Paramount Studios'un yönetmeni, "Miss Hepburn doğru rolü alırsa, sinema tarihinin en büyük oyuncusu olacak" tahmininde bulundu.

Sadece Ian McLellan Hunter senaryo dalında Akademi Ödülü kazandı. Adalet, Trumbo'nun ölümünden sonra 1993'te yeniden sağlandı. Trumbo'nun dul eşi Cleo onursal bir heykelcik aldı.

Amerika Birleşik Devletleri dışındaki "Roman Holiday" başarısı, Amerika'daki başarısızlığın büyük bir telafisiydi. Sosyeteye takılan kadın, doğallığı ve çekiciliğiyle seyirciyi tam anlamıyla fethetti. Avrupa basınındaki eleştiriler, sinemaları dolduran kalabalığın neşesiyle uyumluydu.

Wyler'ın eski arkadaşı, ünlü yönetmen ve aktör Eric von Stroheim, en çok beğendiği yeni filmlerin adını Roman Holiday'i Fellini'nin The Dear, Cocteau'nun Orpheus'u, Clement'in Yasak Oyunları ve Kazan'ın East of Raya" filminin yanına koydu. Stroheim, sanatçının dışa dönük hafif komedi biçiminin ardındaki gerçekliğe dair düşüncelerini gördü.

YAĞMURDAN
SONRAKİ SUSLU AY HİKAYELERİ " (Ugetsu monogatari)

Yapım: Japonya, 1953. Senaryo yazarları: Y. Yoda, M. Kawaguchi, K. Mizoguchi, A. Ueda'nın romanlarından uyarlanmıştır. Yönetmen K. Mizoguchi. Görüntü yönetmeni K. Miyagawa. Sanatçı K. Ito. Besteciler: F. Hayasaka, T. Mochizuki, I. Saito. Oyuncular: M. Mori, M. Kiyo, K. Tanaka, E. Ozawa, I. Sawamura ve diğerleri.

1950'ler Japon sinemasının altın çağıydı. Bu yılların sanatının zirvesi, üç büyük yönetmenin - Kenji Mizoguchi, Yasujiro Ozu ve Akira Kurosawa'nın çalışmalarıydı. Kasetlerinde Yükselen Güneş Ülkesi sinema sanatının en çarpıcı özellikleri yoğunlaştırılmıştır.

Mizoguchi toplamda seksenden fazla film yaptı. İnsan hayatı hakkında daha fazla şey öğrenme arzusunda, yaşama sevgisinde Zola ve Balzac'a yakındır.

Ünlü usta, 1952'de Venedik Film Festivali'nde "Bir Fahişe Oharu'nun Hayatı" filmiyle Gümüş Aslan aldı. Mizoguchi'nin sinematografisinde ana ve esas olan her zaman görüntü olmuştur. Kariyerinin en başında formüle ettiği "tek sahne - tek plan" ilkesi, bir film karesinin kompozisyonunu oluşturmak için en iyi teknikleri, ayrıntıların mutlak doğruluğunu, ayrıntılandırmayı ve doğrulanmış ™ çerçeve içi uygulamayı gerektiriyordu. hareket ve kameranın kendisinin hareketi. Eleştirmenlerin yazdığı gibi, fantezi ve gerçeklik, gerçek dışılık ve canlılığın organik birleşimi, bu yönetmenin çalışmalarını geleneksel Japon estetiğiyle ilişkilendirdi.

Mizoguchi defalarca senaryonun yönü belirlediğini söyledi. Senarist konusunda şanslıydı - 1936'da çekilen "Elegy Naniwa" resminden başlayarak ve ölümüne kadar Yoshikata Yoda ile işbirliği yaptı.

Yoda, Tales of the Foggy Moon'un senaryosu üzerinde çalışırken Mizoguchi ona şöyle yazmıştı: “Bir Çin hikayesi hatırlıyorum. Bir zamanlar silahlı adamlar orada biriyle kavga ederken, o zamanlar kadınlar onları hor görüyor ve sonra bu adamların çamaşırlarını yıkamak zorunda kalıyorlardı. Tek cümleyle efsane. Bir cümle, ama ne! Ne kadar geniş, anlamlı, parlak. Bu tek cümlede büyük bir trajedi ve insanlığın tüm dehşeti var.

Yönetmenin senaristine attığı fikirler, ipuçları her zaman belirsizdi ama ortak çalışmalarının özü buydu. Sürekli mücadele, direniş, savaş. Ve sadece filmdeki çalışma onları uzlaştırdı.

"Yağmurdan Sonra Sisli Ayın Hikayeleri" ("Ugetsu monogotari") tablosu, Akinari Ueda'nın iki mistik kısa öyküsüne dayanarak sahnelendi. Yönetmen bunları özgürce tek bir eserde birleştirdi.

Film, 15. yüzyılın sonunda, başka bir iç savaşın arifesinde geçiyor. Zavallı çanak çömlek tüccarları mallarını olabildiğince çabuk satmaya çalışıyor. Genzuro ve Tobei akrabadır: Tobei, Genzuro'nun kız kardeşiyle evlidir. Tobei bir samuray olmayı hayal ediyor. Filmin ilk bölümü gerçekçi bir şekilde çekilmiştir: Karakterler basit eşyalarını toplayarak tehlikeli bir yolculuğa hazırlanmaktadır. Ve sonra aniden düşman birlikleri saldırır.

Genzuro, Tobei ve eşleri kaçmayı başarır. Sisle örtülü bir gölü yüzerek geçmeye çalışıyorlar. Ve burada resmin mistik kısmı başlıyor. Kaçaklar, içinde bir yabancının öldüğü bir tekneyle karşılaşırlar. Ama ruhunu teslim etmeden önce, onlar için bir belaya işaret ediyor. Filmin kahramanları birbirlerini kaybederler.

Bu noktadan itibaren, eylem paralel olarak gelişir. Tobei bir samuray olma fırsatı yakalar, ancak herhangi bir köylü gibi bir korkak olduğu için utanç içinde dışlanır. Tobei daha sonra karısını bir genelevde bulur. Yeniden bir araya gelerek eve gitmeye karar verirler.

Genzuro ile özel bir şey oluyor - aynı "ay peri masalı". Ticareti iyi gidiyor. Kalın bir peçe altında bir genç hanım, dağdaki evine eşya getirilmesini istiyor. Güzel bir bayan ölmüştür, bir iblistir. Genzuro'ya aşık oldu ve onu kurtarmaya karar verdi. Genzuro mal getiriyor. Ancak nerede olduğunu anlayınca kaçar ve hemen acımasız savaşçılarla karşılaşır.

Genzuro'yu evinde acı haberler bekliyor. Karısı tecavüze uğradı ve öldürüldü, küçük oğulları Tobei'nin karısı tarafından büyütülüyor. Ama ne olursa olsun hayat devam ediyor...

Mizoguchi filmlerinin çoğunda aynı film ekibi (senarist Yoda, kameraman Kazuo Miyagawa, sanatçı Hiroshi Mizutani), düzenli oyuncular (Kinuyo Tanaka, Matiko Kiyo, Ayako Wakao, Kyoko Kagawa, Masayuki Mori, Eitaro Shindo) ile tanışırız. Sürekli varlıkları, en talepkar Japon yönetmenlerin resimlerinin sanatsal birliğini vurgular.

Mizoguchi, Japon oyuncuların çok ama çok iyi olduğunu söyledi. Savaş sırasında aktris Kinuyo Tanaka'yı çekmeye başladı (The Woman from Naniwa, 1940). Tanaka, güçlü iradeli ve idealizmle dolu "yeni Japon kadını" nın vücut bulmuş hali oldu. O zamandan beri, oyuncu sık sık Mizoguchi'nin filmlerinde oynadı. Yönetmenin bu minyatür güzel kadına ciddi anlamda aşık olduğu söylendi. Ancak Kinuyo Tanaka, haklı olarak Mizoguchi'nin onu değil, büyük ölçüde kendisi tarafından yaratılan hayali bir imajı sevdiğini belirtti.

Kenji Mizoguchi, Japon sinematografisinden doğmuş en büyük realisttir. Tüm film ekibini sıkı kontrol altında tuttu ve resmi kusursuz hale getirmek için elinden gelen her şeyi yaptı. Mizoguchi'nin ölümünün ardından uzun yıllar onun liderliğinde çalışan film grubu üyeleri, usta hakkında anılar yazmak için akın etti. Mizoguchi'nin dayanılmaz olduğu ortaya çıktı, ancak yönetmen yeni bir işe başladığında, bir şekilde herkesin tekrar ona gittiği ve yine onun despotluğundan muzdarip olduğu ortaya çıktı.

Mizoguchi sahtekârlıktan ve yalanlardan nefret ederdi.

“Sanat, gerçek (“olan”) ile kurgu (“ne olmayan”) arasındaki ince çizgidedir. Bu kurgu ve aynı zamanda tam olarak kurgu değil, doğru ve aynı zamanda tam olarak doğru değil. Orta Çağ'ın büyük oyun yazarı Monzaemon Takamatsu, tiyatro sanatı üzerine düşünerek, sanatın keyfi ancak bu uçta doğacak ”diye düşündü. Bu ince çizgi Kenji Mizoguchi'nin filmlerinde aranıyordu.

Ustanın resimlerinden, sözünün grafik tanımının ötesine geçtiği, hayatın kendisinde var olduğu anlaşılıyor. Mecazi anlamda, bedensel, fiziksel hale gelir. Ugetsu Monogotari'de geminin duvarına yazılan işaretler kötü ruhları kovuyor ve artık prensesin hayaleti derinliklerinden kurtulabiliyor.

Mizoguchi, filmiyle Venedik Film Festivali'nde Gümüş Aslan ödülüne layık görüldü.

Fransız Eric Rohmer, "Yağmurdan Sonra Sisli Ay Öyküleri"ni bir başyapıt olarak nitelendirdi. "Sinemayı sevenler ve ona kayıtsız kalanlar, Japonya'ya tutkun olanlar ve çıkarları bu ülkeden uzak olanlar bu tabloyu görmeli."

"YOL"

(La strada)

İtalya yapımı, 1954. Senaryo F. Fellini ve T. Pinelli, E. Flaiano'nun katılımıyla. Yönetmen: F. Fellini. Operatör O. Martelli. Sanatçı M. Ravasco. Besteci N. Rota. Oyuncular: D. Mazina, E. Quinn, R. Beizhart, A. Silvani, M. Rovere, L. Venturini ve diğerleri.

Fellini uzun zamandır karısının katılımıyla bir film yapmak istiyordu, Juliet Mazina'nın sürprizi, kafa karışıklığını, çılgın eğlenceyi ve komik ciddiyeti çok doğrudan ifade etme konusunda olağanüstü bir yeteneğe sahip bir aktris olduğuna içtenlikle inanıyordu. Bütün bu özellikler bir palyaçonun karakteristiğidir. "Evet evet. Juliet bana bir palyaço oyuncusu gibi görünüyor. Gerçek palyaço. Bu tanımdan ancak gurur duyulabilir, ancak bazı aktörler bunu hoşnutsuzlukla algılar. Belki onda aşağılayıcı, değersiz, kaba bir şey görüyorlar. Onlar yanlış. Bana öyle geliyor ki, bir palyaço armağanı, bir oyuncunun en değerli niteliği, en yüksek sanatın işaretidir.

The Road'un senaryosu 1949'da yazılmıştı. Fellini'ye göre olay örgüsü son derece kolay gelişti: karakterler kendiliğinden ortaya çıktı, bazıları diğerlerini kendine çekti, sanki film uzun süredir hazırmış ve sadece hatırlanmayı bekliyormuş gibi.

Fellini'nin hayal gücünde bir yol belirdi, yamalı rengarenk bir sirk... Federico, senarist Pinelli'ye planı hakkında sadece ipucu verdiğinde, tamamen sevindi. Pinelli'nin, Toskana'daki geniş mülklerinin etrafında dolaşırken, dolaşan insanlarla ilgili benzer hikayeler bulduğu ortaya çıktı. Çingenelerin ve akrobatların hayatından pikaresk romanlar gibi bir şey çıktı.

Yani senaryo ile her şey açıktı. Şimdi, bilinmeyen aktörlerin ana rolleri üstlendiği filmin yapımı için para bulmak gerekiyordu - Anthony Quinn ve Juliet Masina. Yapımcılar ünlüleri çekmeyi teklif etti. Fellini, ana rolün ve tüm senaryonun özellikle karısı için yazıldığını ancak hiçbir şeyin yardımcı olmadığını söyleyerek heyecanlandı.

Son olarak, yapımcılar Carlo Poiti ve Dino De Laurentiis, The Road'u Fellini için en köleleştirici koşullarda finanse etmeyi kabul etti. Ancak yönetmen, ruhunu korumak için işini kurtarmayı başardı.

Bu film benzetmesinde Juliet Mazina, köylü kızı Gelsomina'yı canlandırdı. Zor durumdaki annesi onu gezici bir sirk sanatçısı olan Zampano'ya (Anthony Quinn) satar. Tüm saflığına rağmen, Gelsomina hiçbir şekilde aptal değildir - bu tür insanlara kutsanmış denir - kutsal sadeliği, duyguların doğallığı, ustalığı ve nezaketi, kaba ve duyarsız Zampano'nun kişileştirdiği zulüm, yalanlar, maneviyat eksikliği dünyasına karşı çıkıyor. Film. İsyan etmeye çalışır, derinden acı çeker. Film eleştirmenlerine cevap veren Mazina, bir keresinde kahramanının kesinlikle ahlaki açıdan sağlıklı olduğunu vurguladı - doğallığının, basit insani duygularının tuhaf, saçma göründüğü dünya oldukça anormal.

Gelsomina'nın kampında tanışacağı kemancı ve ip cambazı Matto (Richard Basehart) hakkında da insanlar şunu söyleyecek: aptal, deli. Bu sefil dünyada, Matto ve Gelsomina gerçekten mutlu görünüyorlar. Müzikten büyülenirler, yıldızlardan etkilenirler...

Aptal ve acımasız dev Zampano, savunmasız Gelsomina'yı kaba bir şekilde ele geçirir, hassas Matto'yu öldürür. Ama dehşetten çılgına dönen Gelsomina, arkasında yalnızca hüzünlü bir şarkı bırakarak onu terk ettiğinde, Zampano birdenbire doğuştan bir insanlığın eziyetini, iyiliğe karşı belirsiz, rahatsız edici bir çekim hisseder ve bir hayvan gibi ulumaya başlar...

Yol, yalnızlığı ve başka biriyle birleşerek bunun üstesinden nasıl gelebileceğinizi konu alan bir film. Fellini, The Road'daki çalışmanın başında resim hakkında yalnızca belirsiz bir fikri olduğunu söyledi: “Havada asılı duran, ruha yalnızca açıklanamaz bir özlem aşılayan bir tür not, bir tür belirsiz bir suçluluk duygusu, belirsiz, bir gölge gibi, anlaşılmaz ve hatıralardan ve önsezilerden dokunmuş yakıcı. Kaderin iradesiyle, nedenini bilmeden birlikte sona eren iki yaratığın yolculuğunu gerektirdiğini ısrarla ileri sürdü.

Gelsomina imajı, Federico'nun karısıyla ilgili gözlemlerinin bir sonucu olarak doğdu. Mazina, "Evliliğimizin on yılında bir çocuk gibi büyüdü," diye açıkladı. “Kocam günden güne beni izledi, notlar aldı, bu görüntüyü büyüttü. Çocukluk fotoğraflarımdan çok şey öğrendi, mutfakta rostoyu fazla pişirdiğim için kendime kızdığımda gördüğü jestlerden çok şey öğrendi. Özellikle dudaklarımı ayırmadan gülümseme alışkanlığımı, Gelsomina'nın görünüşünün karakteristik özelliklerinden biri haline gelen o ünlü gülümsemeyi beğendi.

Aynı zamanda Mazina, kişiliğinin oynadığı rollerle doğrudan özdeşleştirilmesine her zaman karşı çıktı.

Fellini, Gelsomina'nın yürüyüşüne büyük önem verdi: alışılmadık olmalı - bacakları çok hareketli ve sanki omuzlarına ağır bir yük biniyormuş gibi - bu hem köydeki eski zorlu yaşamın yükü hem de sadece bir alışkanlık çalı çırpı demetleri taşıyor.

Juliet ve Federico, Gelsomina'nın makyajı üzerinde aynı dikkatle çalıştılar. Mazina, "İlk başta palyaço makyajını denedik ve uzun süre kaş modelini seçtik" dedi. - Fellini, kadınlığımı gizlemek yerine yüzümün özelliklerini korumak istedi - daha önce kadın palyaçolar varsa, erkekler gibi "çalışıyorlardı". Fellini bana bir palyaço maskesi yapmak istemedi, sadece kendi yüzüme birkaç satır eklemek istedi. Palyaçoyu canlandırdığım sahneler dışında neredeyse makyajsız çekim yaptım. Sadece gözlerimi ve kirpiklerimi pudraladılar ... Gelsomina'nın gözleri sanki soyu tükenmiş gibi olmalıydı ... "Saç stiline daha az dikkat edilmedi:" Fellini saçlarımı bahçe makasıyla kendisi kesti, ardından yapıştırıcıyla kapladılar. sahil güneşinde yanmış görünüyorlardı. Üç aylık çekimler boyunca bana gerçek bir eziyet verdiler: onları yıkamak imkansızdı, sabahları yastıktan yırtmak imkansızdı.

Federico, Gelsomina'nın kostümlerinin eskizlerini yaptı ve çift, onlardan kadın kahraman için kıyafet buldu. Porta Portese bit pazarından bir şey satın aldılar... Fellini bir pelerin aldı - bir çobandan Birinci Dünya Savaşı'ndan kalma bir askeri pelerin ...

Çekimler üç ay sürdü - 1953'ün sonundan gelecek yılın baharına kadar, film ekibi köyden köye dolaşarak mekan üzerinde çalıştı. Soğuk, rahatlık yok... Köy meydanında bir sirk gösterisi sahneleri çekildiğinde, mahalle sakinleri genellikle sirkin gerçekten geldiğini düşündüler. Gelsomina - Juliet, elinde bir şapka ile seyircilerin arasında yürüdü, ona bozuk para ve sık sık sigara izmaritleri attılar. Bazen kendisine yöneltilen aşağılayıcı çığlıklar işitiyordu. Mazina, “Fellini bana karşı çok ama çok katıydı,” diyor, “özellikle en basit sahnelerde. Ona öyle geliyor ki onu kelimeler olmadan, herhangi bir açıklama yapmadan anlamalıyım. Herhangi bir provaya karşıdır - mümkün olduğu kadar çabuk oynamamı istiyor.

Ve artık çekim bitti. Herkes mutlu, sadece Fellini aniden kasvetli hale geliyor, gözlerimiz bitkin, sonsuz yorgun bir insana dönüşüyor. Aşırı gerilim var. Bir otel odasında meraklı gözlerden saklanarak kendi içine çekilir. Federico, daha sonra kendisinin "Ruhun Çernobil'i" adını vereceği korkunç bir zihinsel çöküntü, şimdilik Juliet'ten bile saklamaya çalışıyor. Ama her şeyi sözsüz anlar ve kocasını tedavi için Jung'un bir öğrencisine gönderir. Çift, ileride onları hangi başarının beklediğini henüz bilmiyordu.

Yol 1954'te yayınlandı. İtalyan eleştirmenler arasında hararetli bir tartışma yaşandı. Fellini, neo-realizmden dönmekle suçlandı. Yönetmen şaşırmıştı: Gelsomina'nın neo-gerçekçi filmlerin görüntülerine devam ettiği anlaşılıyordu. 1954 Venedik Film Festivali'nde film yalnızca ikinci en önemli ödül olan St. Mark'ın Gümüş Aslanı'na layık görüldü ve Giulietta Mazina hiçbir ödül almadı.

Yurt dışında, The Road'un başarısı gerçekten muzafferdi. İngiltere'de, ABD'de, özellikle Fransa'da, Gelsomina ismi herkesin ağzındaydı. Juliet'i ve "Fellini'nin ilham perisi", "palyaço çocuğu" ve "Etekli Chaplin" demezler! Chaplin daha sonra şöyle yazdı: "Bu oyuncuya herkesten daha çok hayranım."

Ama hepsi bu kadar değil. "Yol" yılın en iyi yabancı filmi olarak "Oscar"ı kazandı, Fellini ve Mazina gerçek "yıldızlar" oldular. Herkes onlarla röportaj yapmak istedi.

Fellini, başlıkta bu isim geçtiği sürece The Return of Gelsomina'yı veya başka bir şeyi çekmesi için birçok teklif aldı. Gelsomina'ya oyuncak bebekler, parfümler, her türlü mal deniyordu; restoranlara, purolara, dükkanlara "Yol" adı verildi. Gelsomina'nın filmdeki ana motifi olan ve Nino Rota'nın yazdığı Trompet Şarkısı milyonlarca plak sattı. Mazina binlerce mektup aldı. Haftalık bir resimli dergide, Gelsomina'nın, yani Juliet Mazina'nın izleyicilerden gelen mektupları yanıtladığı bir köşe bile tanıtıldı. Daha sonra, önemli edebi çalışmalar yapan aktris, bu dokunaklı mesajları Diaries of Others kitabında yayınladı.

Gelsomina sonsuza dek Mazina'nın favori rolü olarak kaldı. Aktris, filmin zor kazanılan başarısı için, kendi deyimiyle, Fellini'yi "hayal kırıklığına uğratmadığı" için Tanrı'ya şükretti. Juliette, başarısının sebebinin farkındaydı: “Yapımcılar filmin popüler olmayacağından, sadece estetlerin beğeneceğinden emindi. Ama tam tersi olacağını biliyordum: Anladığım kadarıyla Gelsomina bir halk kahramanı olmalı. Seyirci, oynamak istediğim Gelsomina'yı anlamaktan ve ona aşık olmaktan kendini alamadı.

"LİMANDA"
( Rıhtım Operasyonu)

Yapım: Columbia Pictures, ABD, 1954. Senaryo B. Schulberg. Yönetmen E. Kazan. Operatör B. Kaufman. Besteci L. Bernstein. Sanatçı R. Day. Oyuncular: M. Brando, R. Steiger, K. Malden,

Lee J. Cobb, E. M. Saint ve ark.

1952'de Elia Kazan, Amerikan tiyatrosunun ilk yönetmeniydi. Aynı zamanda Amerika'da görece kısa sürede Amerikan sinemasının önde gelen ustalarından biri olmayı başaran tek tiyatro yönetmeniydi.

Filmlerinin ve performanslarının çoğunda en akut sosyo-politik sorunları dile getirdi. Bu, McCarthy döneminde gözden kaçmadı. 14 Ocak 1952'de Kazan, Amerikan Karşıtı Faaliyetler Komisyonu'na çağrıldı. Elia başta cesurdu. Ancak yönetmen başka bir film yapmamakla tehdit edildikten sonra, komünist inançlarından alenen vazgeçti ve sol görüşlü meslektaşlarının adını verdi.

Bundan sonra, arkadaş olarak gördüğü birçok kişi onunla el sıkışmayı bıraktı. İronik bir şekilde, Elia Kazan kendisi için çok önemli bir yılda “Viva, Zapata!” filmini çekti. ideallerine sonuna kadar sadık kalan Meksikalı bir devrimci hakkında.

Sosyal açıdan önemli eserlerin yazarı olan ünlü yazar Budd Schulberg de 1952'de Amerikan Karşıtı Faaliyetleri İnceleme Komisyonu huzuruna çıkma şansı buldu. Ve tıpkı Kazan gibi, Schulberg'in ifadesi oldukça sadıktı. Elia Kazan ve Budd Schulberg, sanki ihanetlerini haklı çıkarmaya çalışıyormuş gibi, şimdi Amerikan Film Akademisi tarafından Hollywood tarihinin en iyilerinden biri olarak tanınan "On the Waterfront" filminin yapımcılığını üstlenmeye karar verdiler.

Budd Schulberg tarafından yazılan senaryo, The New York Sun'da yayınlanan "Limandaki Suç" serisi ifşa raporlarına dayanıyordu. 1949'da Malcolm Johnson, Port of New York liman işçileri sendikasındaki yolsuzlukla ilgili dizisiyle Pulitzer Ödülü'nü kazandı.

Arthur Miller, bu raporlara dayanarak New York limanındaki yolsuzlukla ilgili bir senaryo yazdı ve buna "Gangsterler" adını verdi. Elia Kazan yönetmeyi kabul etti. 1951'de Columbia Pictures'tan yapımcı Harry Cohn'a başvurdular. Cohn, prensip olarak Gangsterlerin üretimini kabul etti. Ancak film stüdyosu patronları, sendika liderlerinin… komünist olmasını istedi. Miller reddetti. Kazan, Amerikan Karşıtı Faaliyetler Komisyonu önünde ifade verdikten sonra, Miller onunla tüm bağlarını kopardı. Kıyıda, Budd Schulberg tarafından yazılmıştır.

Kazan, her ihtimale karşı, resme şu girişi sağladı: “Değişmeyen Amerikan geleneği, eksikliklerimizi gizlemek değil, aksine, daha sonra düzeltmek amacıyla dikkati onlara odaklamaktır. Bu filmde anlatılan olaylar aslında sahilin belli bir bölümünde geçiyor. Yaşanabilir bir demokratik toplumda iyi niyetli insanların, kendi kendilerine dayatılan tiranlık rejimine karşı mücadele edip kazanabileceklerini örnekleriyle bir kez daha teyit ediyorlar.

Resmin kahramanı, New York liman işçileri sendikası örgütünün bir üyesi olan genç bir liman yükleyicisi, eski boksör Terry Malloy'du (Marlon Brando). İlgi alanlarını etkilemeyen her şeye kayıtsızdır. Doğru, Terry'nin bir hobisi var - güvercinler.

Birliğin patronu Johnny Friendly (Johnny the Friendly) limanı yönetir. Ünlü oyuncu J. Cobb tarafından canlandırılıyor. Birdenbire itaatsizlik etmeye cesaret eden, sendika patronunun mülkiyetinde geçerli olan DD kodunu (Sağır ve Dilsiz) ihlal etmeye karar veren herkesin vay haline.

Yardımsever Dost, patronla eşit olmayan bir kavgaya giren bir gözüpek kişinin çatısını fırlatır. Terry, merhumun güvercinleriyle ilgilenecek. Ve öldürülen adamın kız kardeşi Edie'ye onlara bakmayı öğret. Bundan, canlanmasının başlangıcı olan yakınlaşmaları başlar. Aşk yoluyla yeniden doğuş.

Malloy, bir gangsterle kavga eder. Dilsiz ve sağır olmaktan çıkan Terry'ye ilk uyarı, güvercinlerinin katlanmış boyunları olacaktır. Terry Malloy'un aşkla dönüşen görünüşü inanılmaz, tarif edilemez insan azabıyla dolu.

Terry Malloy'un ruhsal uyanışına katkıda bulunan sadece Edie değil. Buna, Karl Malden'in mükemmel bir şekilde canlandırdığı Katolik rahip Peder Barry yardımcı oluyor. İskelede, sokaklarda ve hatta liman meyhanelerinde görünür. Çağrılarının anlamı tek bir şeye indirgeniyor: korkma! Hakikat ve adalet uğruna savaşmaya değer. Ve hatta öl. Vaaz sırasında, Friendly'nin arkadaşları rahibe boş teneke kutular fırlatır, onu döver, öldürmekle tehdit eder ama Peder Barry'yi hiçbir şey kıramaz. Filmin en parlak bölümlerinden biri, rahibin öldürülen işçinin cesedinin başında öfkeli bir vaaz verdiği bölümdü.

Patron, Friendly'nin en yakın yardımcısı olan kardeşi Charlie'yi öldürdükten sonra Terry son seçimini yaptı.

Dünya sinemasının en büyük dramatik sahnelerinden biri, Charlie Malloy'un küçük erkek kardeşine, kurallara sadık kalmazsa patronun emriyle Charlie'nin onu tasfiye etmek zorunda kalacağını söylediği taksi sahnesidir. "Charlie... Charlie... Nesin sen, Charlie!" - Terry'nin sesinde ve şaşkınlık, sevgi ve sitem; kendisine doğrultulan tabancayı geri çeker.

Ve Terry'nin patronun emirlerini yerine getirmeyen ve bedelini hayatıyla ödeyen kardeşinin cesedine sessizce ağladığı sonraki sahne şoktan başka bir şey yapamaz. Kardeşinin öldürülmesi, Terry Malloy'un ruhunu intikam susuzluğuyla doldurur. Sessizlik kuralını çiğneyerek limandaki durumu araştıran federal komisyon önünde ifade verir.

Finalde Terry acımasızca dövülür. Kahraman Brando ile sendika patronu arasındaki dövüş sahnesi, Amerikan sinema tarihinin en iyisi olarak kabul edildi.

Terry, yüzü kan içinde, zar zor ayağa kalkabiliyor, inatla iskeleye giden ıslak geçitten tırmanıyor. Eleştirmen Yan Bereznitsky'ye göre, "fiziksel ve ahlaki eziyet sahnesi, Marlon Brando için bir oyunculuk zaferi haline geliyor."

Ancak Terry'nin zaferi - sendika liderliğinden uzaklaştırılmış bir gangsterin aciz tehditleri ve rahip ile Edie'nin aydınlanmış yüzleri - güvenilmezlik ve abartılı bir izlenim veriyor. Her nasılsa, görünüşe göre Dost Johnny'nin tehditleri o kadar da güçsüz değil.

Ve filmin son dakikalarında çalan Leonard Bernstein'ın cesur melodisi bile izleyiciyi işçilerin zaferine ikna etmiyor. Mafyanın kontrolünden çıktılar. Ama ne kadar süreyle?

Filmin vizyona girmesinden kısa bir süre sonra Budd Schulberg buna dayalı bir hikaye yayınladı. Hikayede anlatılan olaylardan üç hafta sonra (filmdeki olaylara karşılık geldiler), Terry Malloy'un yirmi yedi bıçak darbesinin izleriyle bir sönmemiş kireç fıçısında bulunduğu mesajıyla sona eriyor ...

Bu sahnenin edebi bir senaryoda olup olmadığını söylemek zor.

Ana karakterlerin gerçek prototipleri var. Terry Malloy için bu, ifade veren liman işçisi Anthony De Vincenzo; rahip Peder Berry, liman Katolik rahibi John M. Corridan'dır. Johnny Friendly - gangster Albert Anastasia.

Frank Sinatra, Terry Malloy rolü için olası bir aday olarak kabul edildi. Ancak yapımcı Sam Spiegel, yükselen film yıldızı Marlon Brando'yu tercih etti.

Johnny Friendly'nin yandaşlarını oynayan Tony Galento, Tami Maurillo ve Abe Simone aslında profesyonel boksörlerdi ve dünya ağır siklet şampiyonu Joe Louis'e karşı ringe çıktılar. Doğru, bu savaşları kaybettiler.

Yönetmen, Edie Doyle rolünü Eva Marie Saint'e verdi ve o da onu hayal kırıklığına uğratmadı.

Charlie Malloy'u İngiliz Rod Steiger oynadı.

Limanda'nın çekimleri Eylül'den Aralık 1953'e kadar gerçekleşti. Resmin aksiyonu, limanın ve liman sokaklarının dar sınırları içinde kapalıdır.

Kazan, yönetmenlik fırfırları olmadan filme aldı - böylece film gerçek olayların bir kroniği gibi görünüyordu. Mekan çekimi için New Jersey'deki Hoboken limanı seçildi. Kazan 36 gün boyunca ekiple birlikte Hoboken rıhtımlarında, liman gecekondu mahallelerinde, lokantalarda, kirli sokaklarda, çatılarda (Terry Malloy bir güvercinliktir) çalıştı. Hoboken liman işçileri figüran olarak hareket ettiler.

Yerel mafya, yaratıcı sürece o kadar büyük bir ilgi gösterdi ki, Kazan bile güvenlik tutmak zorunda kaldı.

On the Waterfront, 28 Temmuz 1954'te New York'ta prömiyer yaptı. Film hem eleştirmenler hem de izleyiciler tarafından büyük beğeni topladı. 910.000 $'lık bir bütçeyle yaklaşık 9.6 milyon $ topladı.

1955'te On the Waterfront sekiz Akademi Ödülü kazandı: En İyi Film, Yönetmen, Senaryo, Erkek Oyuncu (Brando), Yardımcı Kadın Oyuncu (Saint), Görüntü Yönetmeni (Boris Kaufman), Set Tasarımcısı (Richard Day), kurgu (Jean Milford). Ek olarak, filmin orijinal müzikleri için üç aktör - Lee J. Cobb, Karl Malden ve Rod Steiger ve Leonard Bernstein - yardımcı roller için hemen aday gösterildi.

Drama Elia Kazan "Limanda" Marlon Brando için bir zaferdi. Terry Malloy'un rolü, oyuncuyu Amerikan sinemasının süper yıldızları mertebesine yükseltti ve ona ilk Oscar'ı getirdi. İngiliz Film ve Televizyon Akademisi de Brando'yu yılın en iyi oyuncusu seçti.

Siyah beyaz sinematografi ustası en yaşlı görüntü yönetmeni Boris Kaufman, on ikinci kez Oscar'a aday gösterildi.

Eva Marie Saint, Kazan'ın filminde giriş yaptı. Edie Doyle'un rolü başrol olmasına rağmen, yapımcı Sam Spiegel haklı olarak bu durumda genç başvuranın daha iyi bir başarı şansına sahip olacağına inanarak Saint'i En İyi Yardımcı Kadın Oyuncu dalında Akademi Ödülü'ne aday gösterdi. Hile başarılıydı - Sainte altın heykelciği kazandı.

Kazan'ın filmi ayrıca dört Altın Küre Ödülü kazandı (En İyi Film, Görüntü Yönetmeni, Yönetmen ve Oyuncu - Marlon Brando).

1989'da On the Waterfront, Kongre Kütüphanesi Ulusal Film Siciline dahil edilen ilk filmlerden biriydi.

"YEDİ SAMURAY"
(Shichinin no samuray)

Yedi Samuray birçok kişi tarafından Kurosawa'nın en iyi filmi olarak kabul edilir. Doğru, "Rashomon" daha onurlu uluslararası ödüller kazandı, ancak "Seven Samurai" Japonya'da ve tüm dünyada daha fazla seyirci başarısı elde etti.

Akira Kurosawa, bir röportajda film fikrinin nasıl doğduğundan bahsetti: “Kural olarak, Japon filmleri hafif, basit ama aynı ulusal yemek ochazuke gibi sağlıklı yiyeceklerdir. Ama bence daha yüksek kalorili yiyecekler yemeliyiz - filmleri daha anlamlı kılmalıyız. Ben de bu türden bir resim koymaya karar verdim - eğlenceli, "lezzetli" ve besleyici ... "

Film, yönetmen tarafından bir samurayın hayatındaki bir günün ve bu gün içinde yapılan küçük bir hata nedeniyle bir hara-kiri ayini ile biten bir günlük vakayiname olarak tasarlandı. Bununla birlikte, böyle bir hikayenin iyi bir senaryo olmadığı ortaya çıktı ve Kurosawa, asistanlara eski Japonya döneminden tarihsel gerçekleri arama talimatı verdi. O zaman, köylüleri yiyecek ve barınma için soygunculardan korumak için kendini işe alan bir samuray hakkında bir hikaye ortaya çıktı.

Yedi Samuray'ın konusu, tüm geleneksel macera hikayeleri gibi basittir. Olaylar, Japonya'nın iç savaşlarla parçalandığı Sengoku dönemine (XVI yüzyıl) kadar uzanıyor. Dağların arasında terk edilmiş bir köyün sakinleri, haydutlar tarafından sürekli olarak daha sık baskın tehdidi altındadır. Bilge yaşlı bir adamın tavsiyesi üzerine köylüler, köyü korumak için ronin kiralamak için şehre gider. Roninler, edebiyata ve sanata, ezilenlerin savunucusu olan "asil soyguncu" nun romantik figürünü verdiler. Bu sevilen karakter, "Yedi Samuray" filminin ana karakteri oldu.

Ronin seçimi, gezgin samuray Kambei tarafından gerçekleştirilir. İlk karelerden küçük, tombul, çirkin kıdemli aktör Takashi Shimura, izleyiciyi kahramanının kusursuz şövalye asaletine ve yenilmez askeri hünerine ikna etmeyi başarır. Kambei, sanatsal gelenek tarafından bitkin samuraylara atfedilen niteliklerin somutlaşmış halidir. Bununla birlikte, işin garibi, güç kendi kastından insanların elinde olmasına rağmen, kendini işsiz bulan bu "ideal" ronindi.

Cambei ronin seçimine başlar. Birbiri ardına işsiz savaşçılar ona gelir ve bu arada her biri kapının arkasına gizlenmiş bir asistandan gelen beklenmedik bir darbeyi püskürtür, Cambey onların dövüş erdemlerini ve seyirciyi dramatik karakterleri hakkında yargılar. Roninin bireysellikleri ilk karelerde ana hatlarıyla belirtilmiştir. Bu, güçlü ve hünerli Gorobei, virtüöz kılıç ustası, soğukkanlı Kyuzo, şişman, iyi huylu ve sadık Shichiroji, sağlam bir karaktere sahip ölçülü Heihachi ve genç ve saf Katsu shiro için geçerlidir. Hepsi Cambay'ın testleriyle başarılı bir şekilde başa çıkıyor. Ve sadece yedinci - Kikuchiyo (Toshiro Mifune tarafından canlandırılıyor) - bir sopayla vurulur, bu da onun doğuştan bir samuray olmadığı anlamına gelir! Bu, kader tarafından dünyadan sürülen ve bir samuray kimliğine bürünmeye zorlanan bir köylü! Film ana ve ikincil karakterlere ayrılmasa da - yedisi de eşit özenle karakterize edilir, onlara eşit ekran süresi verilir - Kikuchiyo, resmin ana karakteri haline geldi. Yedi samurayın her birinin biyografileri Kurosawa tarafından özel bir deftere kaydedildi. Takashi Shimura ve Toshiro Mifune'ye ek olarak, Yoshio Inaba, Senji Miyaguchi, Minoru Chiaki, Daisuke Kato ve K ° Kimura samuray rollerini oynamaya davet edildi.

Canlı ve doğrudan, oyuncu ve neşeli, nazik ve alaycı Kikuchiyo, filmde gerçek bir halk ilkesinin taşıyıcısıdır. Filmin ana fikrini - basit bir insanda dünyanın tuzu - oluşturmaya yardımcı olur. Mifune, ekran biyografisinin en parlak ve en yetenekli görüntülerinden birini yaratır.

Kikuchiyo, köyü haydut baskınlarından koruyacak olanlarla birlikte olmayı hayal ediyor. Ama kadroya alınmıyor. Samurayı memnun etme umudunu kaybetmez ve onlara eşlik ederek, sanki kendisi için komik sahneler oynayarak eğlendirmeye devam eder. Böylece, bir durakta Kikuchiyo çıplak soyunur, buzlu bir nehre atlar ve elleriyle bir balık yakalar. Sonra onu bir çubuğa bağlar, ateş yakar, balığı kızartır ve ronin üzerinde bıraktığı izlenimi dikkatle izleyerek yer.

Düşmanla savaşma zamanı. Haydutlar bir kasırga gibi saldırır. Samuraylar teker teker ölüyor. Savaştan sadece Kambei ve bir köylü kızına aşık olan genç adam Katsushiro hayatta kalacaktır. Aşk sahneleri, askeri tatbikat komedisini, savaşların ve ölümlerin trajedisini ustaca serpiştiriyor. Şans eseri, Kikuchiyo da hayatta kalır.

Hayatta kalan üç samuray, silah arkadaşlarının dört mezarının başında duruyor. Ve köylüler onlara bağlı değil. Pirinç ekme zamanı. Ve köylüler çalışıyor. Genç sevgili Katsushiro çalışıyor ve şarkı söylüyor. Ve bilge ve asil Kambey, derin düşünceler içinde ya Kikuchiyo ya da izleyici diyor ki: “Kazandığımızı mı düşünüyorsun? Hayır, kazanan köylülerdi. Samuraylar rüzgar gibidir, köylüler ise toprak gibidir.” Kurosawa, ronin'i asil, dürüst, cesur insanlar olarak çiziyor. Köylüler fırsatçı, korkak, kurnaz ve acizdir. Kikuchiyo, yiyeceklerini galiplerden saklayan köylülerin açgözlülüğü, ikiyüzlülüğü ve nankörlüğü hakkında bir monolog söyler.

Film ekibi, yönetmenle sürekli çalışan insanlardan oluşuyordu. Kurosawa, tüm dünyada birlikte çalışmanın daha iyi olacağı hiç kimse olmadığını söyledi. Onlara ne yapacaklarını hiç söylemesem bile, düşüncelerimi sözsüz okuyacaklardı. Böyle insanlar sayesinde böyle bir film yapabildim.”

Aktör Kamatari Fujiwara şöyle hatırlıyor:

“Bir köylü rolünü oynama fırsatı bulduğum Yedi Samuray filminin çekimleri sırasında harika bir koşuşturma yaşadık. Kurosawa, elimizden geldiğince hızlı koşmamızı sağladı. Bütün bir ayı genel bir provaya adadı; oyun ve teknik anlar zaten tamamen çözüldü, bu yüzden Kurosawa sette asıl dikkatini sayısız ekstraya verdi...

Fiziksel olarak hepimiz için zordu ve başka bir yönetmen kesinlikle tatminsiz görünebilirdi ama Kurosawa bizimle birlikte koştu, bu yüzden kimse ona homurdanmadı. Ancak tüm bu savaş sahneleri kışın çekildi... Yarı çıplak oyuncular ve figüranlar soğuk su birikintilerine düşmek zorunda kaldı ve genel olarak herkes fiziksel olarak sonuna kadar tükenmişti. Ama yorgunluğumuz hoştu, canlandırıcıydı.”

Filmin uzun olduğu ortaya çıktı (orijinal kopya - 3 saat 23 dakika) ve ilk başta neredeyse yarı yarıya kısaltılmış olarak gösterime girdi. "Yedi Samuray" ın orijinal versiyonu yalnızca Japonya'nın ana şehirlerinde gösterildi (prömiyeri 26 Nisan 1954'te gerçekleşti).

İkinci, kısaltılmış versiyon dışa aktarma için yapıldı - çoğu izleyicinin gördüğü buydu. Üçüncü versiyon Venedik Film Festivali için tasarlandı. Elbette eleştirmenlerin hiçbiri filmi anlamadı. İlk yarının genel olarak tutarsız olduğundan yakındılar. Mesele şu ki, bu kısım indirgeme sırasında çok acı çekti. Ama büyük faturalar olmadan Venedik'e gelen diğer yarısı anladılar, bundan hoşlandılar. Hatta küçük kesintilerin sadece iyilik için resme gittiği bile söylenebilir. Jüri, "Yedi Samuray" a ikinci en önemli ödül olan "St. Mark'ın Gümüş Aslanı" ödülünü verdi.

Film Japonya'da büyük bir başarıydı.

1975'te Kurosawa'nın resmi, yazarın versiyonunda ekranda yayınlandı ve izleyici onu yine coşkuyla kabul etti. Ve bu anlaşılabilir. "Yedi Samuray" ve bir macera filmi ve destansı bir eser ve aynı zamanda felsefi bir benzetme.

"YOLUN ŞARKISI"

(Pather Panchaii, Aparajito, Apur Sansar)

Üretim: Hindistan.

"Yolun Şarkısı", 1955. S. Rey'in yazıp yönettiği. Operatör S. Mitro. Sanatçı B. Chondrogupto. Besteci R. Shankar. Oyuncular: Kanyu Banerjee, Karuna Banerjee, Subir Banerjee, W. Dasgupto, Chunibala Devi, Reba Devi.

Invictus, 1956 Oyuncular: Kanyu Banerjee, Karuna Banerjee, P. Shengupto, S. Ghoshal.

The World of Opu, 1959 Oyuncular: S. Chatterjee, S. Tagore, S. Mukherjee, A. Chokrovorty.

Hint sinemasının geleceğin klasiği Satyajit Ray, ünlü Bengalli yazar Bibhutibhushon Bondopaddhaya'nın Song of the Road adlı romanını aldığında Kalküta'da bir İngiliz reklam ajansının sanat yönetmeni olarak çalışıyordu. Yazar, bir Bengal köyünden sıradan bir ailenin hayatından bahsetti. Yazar kırsal kesimde büyüdü ve kitap büyük ölçüde otobiyografik. Kesinlikle en çok satanlar listesinde.

1940'ların sonunda, Rey zaten sinema hakkında çıldırıyordu. Senaryoyu Tagore'un Ev ve Barış romanından uyarlayarak yazdı. Arkadaşlarıyla birlikte, Kalküta'daki ilk Bengalce Film Derneği'nin kurulmasında aktif rol aldı.

Bir reklam ajansı, Ray'i İngiltere'ye bir iş gezisine gönderir. Orada sinemadan ayrılmıyor. İtalyan Yeni Gerçekçiliğinin eserlerinden, De Sica'nın "Bisiklet Hırsızları"nda kullandığı tekniklerden güçlü bir şekilde etkilenen Rey, Avrupa'dan Hindistan'a dönerken ilk filminin senaryosunu yazar ve çizer.

Rei'nin dediği gibi, film uyarlaması için "Yolun Şarkısı" nı tam da onu harika bir eser yapan nitelikler için - hümanizm, lirizm ve doğruluk için - seçti.

"Yolun Şarkısı", bir Bengal köyünden fakir bir ailenin hayatı hakkında samimi bir hikaye. Bu ailenin üyeleri yaşlı teyze Indir, oğlan Opu ve kız Durga, anneleri Sarbojaya ve babaları Khor Ichor'dur. Rey, filminde izleyicinin karakterlerin gerçekleştirdiği eylemlerin amaçlarını anlamasına yardımcı olmaya çalışır. Durga, bir komşunun bahçesinden bir guava çalar ve kızın annesi tarafından sık sık gücenen yaşlı teyzesi Indir'e verir. Opu, hem suçu gizlemek hem de zatürreden erken yaşta ölen kız kardeşinin onurunu korumak için kız kardeşinin çaldığı kolyeyi gölete atar.

Anne, "Bu ev bize mutluluk getirmiyor" diyor. Baba, "İnsanlık onurumu korumak için yapabileceğim tek şey, ayaklarımın üzerinde durmaya çalışmak," diye karar verir. Toplanan yetersiz eşyalar. Bir yılan boş bir eve girer. (Efsaneye göre insanlar evden çıktıklarında oraya bir yılan yerleşir.) Opu oğlanın hayat yolculuğu başlar...

Çoğu zaman olduğu gibi, yapımcılar "Yolun Şarkısı" senaryosuyla ilgilenmiyorlardı. Sonra Ray, değerli kitap koleksiyonunu ve gramofon plaklarını sattı. Arkadaşları, eşlerinin altınlarını rehin verdi. Bu küçük para, filmin prodüksiyona geçmesini sağladı.

Ray, iki çocuğun, bir erkek ve bir kız kardeşin kaybolduğu ve yanlışlıkla beyaz tarlamıza düştüğü bir bölümle başlamaya karar verdi. Ondan önce tartıştılar ve burada, doğanın bu büyüleyici köşesinde barıştılar, uzun yolculukları iz bırakmadan geçmedi: hayatlarında ilk kez bir tren gördüler.

Bölüm Ray'e basit ve aynı zamanda oldukça etkili göründü. İlk günün sonunda sekiz atış yapılmıştı. Çocuklar doğal davrandılar ki bu, ön testler olmadığı için kendi başına bir başarıydı. Önümüzdeki Pazar bölümü çekmeye karar verdiler.

Geldiklerinde gözlerine inanamadılar. Daha önce kabarık beyaz bir deniz olan şey, kahverengimsi bir çim tarlasına dönüştü. Mevsimlik çiçeği yiyen ve oldukça basit bir şekilde tüm araziyi çiğneyen inekler ve bufalolardı. Ray şiddetli bir darbe aldı. Ve yakında para bitti. Neredeyse iki yıl acı bir hayal kırıklığı dönemi sürdü. Kurtuluş, Yolun Şarkısı'nı tamamlamak için bir hibe emri veren Bengal Başbakanı Dr. B. K. Rai şeklinde geldi. Bakan, filmin Bengal köyünü canlandırmaya hizmet edeceğine inanıyordu.

Resmin yarısı çekildiğinde Ray, dağıtımcılara beş bin fitlik kaba kurgu filmi göstermek zorunda kaldı. Yolun şarkısını beğenmediler.

Ancak Satyajit Ray, olay örgüsüne, görünüşte sanatsız sadeliğine, karakterlerinin çekiciliğine ve tanınabilirliğine inanmaya devam etti.

1955'in başlarında, Song of the Road'un kurgusu tamamlanırken, filmi New York'taki Museum of Modern Art'taki bir sergide gösterilmek üzere gönderme fırsatı doğdu. Film müziği henüz hazır değildi. On gün boyunca Ray ve yardımcıları stüdyodan ayrılmadı.

"Yolun Şarkısı" New York'ta başarıyla gösterildi ve ardından film, Jawaharlal Nehru'nun kişisel onayıyla 1956 Cannes Film Festivali'ne gönderildi. Etkili Fransız eleştirmen Andre Bazin'in coşkulu eleştirisi olmasaydı, "Yolun Şarkısı" büyük olasılıkla fark edilmeyecekti. Film, "yılın en iyi insancıl belgesi" olarak kabul edildi. Avrupa'da tanınmasaydı, Satyajit Ray film kariyerine devam edemezdi.

Kalküta'da "Yolun Şarkısı" iki ay üst üste gösteriliyor. Hint sinema tarihinde benzeri görülmemiş bir olay! Yerel film eleştirmenleri şu sonuca varıyorlar: “Ray'in filmini daha önce Hindistan sinemasında yaratılmış herhangi bir eserle karşılaştırmak anlamsız. Filmde tek bir klişe yok. Teatrallikten eser yok. Bu gerçek bir film... Onun saf gözü hayatı ve insanları görüyor. Çekimlerinin kompozisyonu o kadar virtüöz ki, tüm dünya sinema tarihindeki birkaç seçkin yönetmenin tarzıyla karşılaştırılabilir. Ancak başarısının ana sırrı kamera açılarında ve planların kurgusunda değil. Rey'in gücü, karakterlerinin özüne kolayca inip onların zihinlerinde ve kalplerinde neler olup bittiğini ortaya çıkarmasında yatıyor. Bakışlarından, titreyen parmaklarından, yüzlerindeki gölgelerden.

Ray'in yönteminin kökleri Hint geleneğine dayanmaktadır. Bu geleneğin karakteristik bir özelliği Sanskrit klasiklerinde bile ifade edilir. Upanishads ve Vedas'ta insanın doğaya vazgeçilmez yakınlığından bahsediyoruz. Bu eserlerin derin felsefi fikri, tüm Evrenin ve insanın tek ve aynı madde olduğudur.

"Yolun Şarkısı" on iki uluslararası ve ulusal ödül aldı. Ray'in filmi Bengal'de müthiş bir başarı yakaladı ve New York'taki sinemalardan birinde sekiz ay boyunca ekranlardan çıkmadı.

Genç kahraman Opu'nun adı, Satyajit Ray - Invictus (1956) ve The World of Opu (1959) tarafından yapılan iki filmle daha ilişkilidir. Yolun Şarkısı ile birlikte Opu Üçlemesi olarak sinema tarihine girdiler.

Üçlemenin ikinci bölümünün aksiyonu "Boyun Eğilmedi" Ganj kıyısında bir şehir olan Benares'te geçiyor. Peder Opu, kendisini bir vaizlik görevine adar ve hayatını kutsal yazıları okuyarak kazanır. Ölümünden sonra geçim kaynağı olmayan Opu ve annesi köye, uzak akrabalarının yanına döner. Kısa süre sonra Opu, okumak için Kalküta'ya gider ve annesi yalnız ölür.

Eğilmemiş, Venedik'te St. Mark'ın Altın Aslanını aldı, ancak bu, resmin Hindistan'daki popülaritesini etkilemedi. Rey, "Benim hatam," diye düşündü, "edebi kaynağı, orijinalin ana kıvrımlarını ve dönüşlerini koruduğum The Song of the Road'dakinden daha özgürce kullanmaktı. Sonuç olarak, Unsubdued ^{44'ün olay örgüsüne aşina olan şehirli izleyiciler}, orijinalden sapmalara öfkelendi ve taşralı izleyiciler, geleneksel \ fikrinden keskin bir şekilde kopan anne ve oğul arasındaki ilişkinin gösterilmesi karşısında şok oldu. vazgeçilmez karşılıklı bağlılıkları ve sevgileri.

"The Unbowed" da yönetmenin asıl amacı, Hintli eleştirmenlere göre pek başarılı olamayan kahramanın ruhani dünyasının oluşumunu göstermektir. Ama onlar da liyakat buldular. Eleştirmen Chidananda Das Gupta, "Yenilmez, Satyajit Ray'in harika filmlerinden biri değil, ama onu görmek ne büyük bir zevk. Benares'in görüntüleri harika. Kusursuz detay duygusu, mükemmel montaj. Bu film birçok yönden film yapımcıları için."

Üçlemenin üçüncü bölümü olan The World of Opu, Ray tarafından 1959'da yaratıldı. İkinci ve üçüncü seri arasında iki film daha yönetti ("Felsefe Taşı" ve "Müzik Odası").

Son bölümde Opu artık genç bir adamdır. Kolejden mezun olmanın hiçbir yolu yok, Kalküta'da yaşıyor. Babası gibi romantik bir idealist olan Opu, özel dersler alarak, akşamları flüt çalarak ve roman yazarak geçimini sağlar. Dıştan, genç Rabindranath Tagore'a çok benziyor.

Bir hafta sonu üniversite arkadaşı Poolu, Opa'yı kız kardeşi Oporna'nın düğününe davet eder. Damadın deli olduğu ortaya çıkar ve annesi kızının onunla evlenmesine izin vermez. Düğün töreni için armatür kombinasyonunun uygun olduğu zaman sona eriyor. Poolu, Opu'dan kız kardeşini kurtarmasını ister ve Opu, komşusunun iyiliği için kendini feda eder. Ancak bu fedakarlık, Opu için en büyük ödül olarak çıkıyor. Şimdi Oporna'ya aşık olmak, hayatının tüm anlamıdır. Onu Kalküta'ya getiriyor, İngilizce öğretiyor, tiyatroya götürüyor.

Oporna doğum sırasında ölür. Opu çaresizlik içinde çok sevdiği eşinin ölümünden sorumlu tuttuğu çocuğu görmek istemez. Şehri terk eder ve dolaşmaya çıkar. Opu, sadece beş yıl sonra oğlunun yanına döner ve hayatın anlamını onda bulur.

Opu Dünyası ayrıca çok sayıda ödül aldı. Film, Hindistan Cumhurbaşkanı'nın "Altın Madalyası"nı (1959), Edinburgh'daki Uluslararası Film Festivali'nin ödülünü (1960), Amerika Birleşik Devletleri'nde yılın en iyi yabancı filmi seçildi (1960).

Satyajit Ray'in yeteneğinin büyük bir hayranı, ünlü Japon yönetmen Akira Kurosawa idi. O yazdı:

“Satyajit Ray'in Song of the Great Land (Yolun Şarkısı) filmini ilk kez izledikten sonra hissettiğim heyecanı unutamam. Daha sonra, bu filmi bir kereden fazla izlemeyi başardım ve beni gittikçe daha fazla yakaladı.

Tam akan büyük bir nehir gibi, filmin anlatısı sakin ve görkemli bir şekilde akıyor. İnsan doğar, yaşar ve ölür. Ray, bu doğal süreci çok basit bir şekilde, zorlanmadan tasvir ediyor ve yine de izleyici üzerinde büyük bir duygusal etki bırakıyor. Bunu nasıl yapıyor? Ray'in sinema teknikleri ihtiyatlı. Ama mükemmelliği burada yatıyor.

Ve dünyadaki tüm film yapımcılarına mutlaka söylemek istiyorum: Satyajit Ray'in filmlerini izleyin. Özellikle "Büyük Ülkenin Şarkısı" ve "Büyük Nehrin Şarkısı". Satyajit Ray'in filmlerini izlememek, dünyada yaşayıp güneşi ve ayı görmemek demektir.

"VE KADINI ALLAH YARATTI"

(Et Dieu... yarat ia femme)

Yapım: Fransa, 1956. Senarist ve yönetmen R. Vadim. Operatör A. Tirard. Sanatçı J. Andre. Besteci P. Misraki. Oyuncular: B. Bardot, K. Yurgens, J.-L. Trintignat, J. Marcan, J. Tissier, I. Corey, J. Ventura ve diğerleri.

Herhangi bir "yıldızın" kariyerinde, sanki onlar için özel olarak yazılmış gibi roller vardır. Brigitte Bardot için Juliette'in And God Created Woman (1956) filmindeki rolü buydu. Ondan önce on altı filmde rol aldı, ancak yalnızca on yedincisi onu bir "yıldız" yaptı. Eleştirmenlerin belirttiği gibi, "Juliette'in rolü, Brigitte'in kendisinin bilmediği bir şeyi ortaya çıkardı - mizacı, gücü ve zayıflığı, şefkat ve takıntısı, isyankarlığı ve tatminsizliği."

Vadim'in anlattığı "Ve Tanrı bir kadın yarattı" hikayesinde özel bir şey yok.

...Akdeniz kıyısındaki Saint-Tropez beldesi. Bir kitapçının sahipleri, yetim, güzel, özgür ve asi karakterli bir kız olan on sekiz yaşındaki Juliette'i (Brigitte Bardot) büyütür. Akdeniz güneşinde sahil boyunca erkeklerle dalga geçerek yürür.

Juliette üç karakter arasında bölünmüştür: Alışılmadık bir erkeksi çekiciliği koruyan yaşlı sanayici Eric Carradine (Kurt Jürgens), genç, yakışıklı, bencil Antoine Tardieu (Christian Marcan) ve mütevazı ve sessiz küçük erkek kardeşi Michel (Jean-Louis Trintignant) .

Juliette, Antoine'a aşıktır. Ancak kızı kandırır ve Toulon'a gider. Filmin kahramanı yetimhaneye dönmekle tehdit edilir ve onu bu cehennemden kurtarmak için ürkek ve çekingen Michel kendini damat olarak sunar.

Juliette teklifi kabul eder. İlk başta kocasına sadık ve hatta onunla mutlu. Ancak Antoine geri döner ve genç kadın ıssız bir kumsalın kumlarında kendini ona verir. Yaşananlardan bunalan aşıklar, olanları saklamaya bile çalışmazlar. Juliette evden çıkar.

Michelle karısını aramaya çıkar ve onu Eric Carradine'e ait Escal Cafe'nin yarı boş bodrum katında bulur. Juliette meydan okurcasına samimi bir dans yapıyor. Michel bir tabanca çıkarır ve yalnızca Carradine'in müdahalesi suçu önler.

Finalde barışan genç eşler, aile yuvalarına dönüyor...

Raul Levy, And God Created Woman'ın yapımını finanse etmeyi kabul etti. Ancak, gelecek vadeden yönetmen Roger Vadim ve genç aktris Brigitte Bardot, başarı garantisi değildi. Davayı yalnızca büyük bir isim kurtarabilirdi ve seçim ünlü Alman aktör Kurt Jurgens'e düştü.

Raoul Levy ve Roger Vadim Münih'e koştu. Efsaneye göre, akıllarında Saint-Tropez sahillerinde aylaklık eden on sekiz yaşındaki bir kızın hikayesini tuttular. Gece boyunca Vadim ve Levy, kırk yaşındaki yakışıklı, sanayici, yat sahibi ve alaycı Eric Carradine için parlak bir ekran hayatı bestelediler. Alman aktör için tasarlanan bu roldü.

Jurgens önümüzdeki üç yıl boyunca meşguldü. Ancak Vadim ve Levi'nin ikna yeteneği vardı. Jürgens, çekim programını gözden geçirdikten sonra pes etti: "Tamam, sana on gün vereceğim." Tabii ki yüklü bir ücret istedi.

Mali meseleler hemen halledildi.

Tiyatro oyuncusu Jean-Louis Trintignant, Michel rolünü oynaması için davet edildi. Utangaç çekiciliği, garip hareketlerin altında gizlenen fiziksel gücü ve tabii ki yeteneği, Vadim'i bu rol için mükemmel bir oyuncu olacağına ikna etti.

Trintignant'ı gören Brigitte Bardot kızmıştı: “Bu bir tür sersemletici! Asla o adama aşıkmışım gibi davranamayacağım. Başka birini seçebilirdik."

Brigitte direnirse onu sözlerle caydırmak mümkün değildi. Neyse ki filmde Juliette ilk başta Michel'i sevmiyor: bu duygu ona yavaş yavaş geliyor. Roger Vadim hüsrana uğramış yapımcıya "Üzülme," dedi. Jean-Louis'in çok çekiciliği var. Bunun büyük bir hile olduğundan şüpheleniyorum. Zamanla Brigitte onun için değişecektir.

Ve Tanrı Kadını Yarattı filminin ilk çekim günü, Saint-Tropez'den iki kilometre uzaklıktaki Cannoubier Körfezi'ndeki küçük bir kumsalda planlandı. Hava harikaydı. Roger Vadim, Brigitte için korkuyordu. Juliette olmak için her şeyi sonuna kadar vermesi gerekiyordu. Soyunmak zorunda olması onu rahatsız etmiyordu. Başka bir şey korkutucuydu - ruhu tamamen açmak için tersyüz etme ihtiyacı.

Roger Vadim anılarında "Kendini çıplak, savunmasız hissetti" diye yazıyor. - Ve delirdi. Ama ne kadar zor olursa olsun böyle bir psikolojik striptizin filmin başarısı için olmazsa olmaz olduğunu biliyordum. Özellikle başarısı. O bir “yıldız” konumuna alıştı ama ben bir “yıldız” doğurmak istedim.

Üç hafta sonra, her şeyi Saint-Tropez'de çektikten sonra, film grubu Nice'deki Victorine stüdyosunun pavyonlarına gitti.

Brigitte Bardot, "En iyi atışlara sahip değildim" dedi. - Oynamadım - yaşadım! Beni inceleyen Vadim, aynı sahneyi asla iki defadan fazla yeniden çekmedi - her çekimde doğallığımın ayrıldığını biliyordu ... "

Brigitte, kahramanının imajıyla giderek daha fazla birleşti. Ekranda, Michel'e karşı tutumu günden güne ve hayatta - rolünü oynayan kişiye değişti. Trintignant ve Bardot birbirlerine tutkuyla aşık oldular. Jean-Louis, Stefan Audran ile, Brigitte ise Vadim ile evlidir.

Bardo, bir anı kitabında duygularından bahsetti: “Sabahları mutlu bir şekilde çekime geldik. Gözlerimizin altında halkalar oluştu. Bir an bile ayrılmadık. Vadim, bizimle aşk sahneleri çekerken acı çekti. Ve onları onun ve grubun geri kalanının önünde çalmak için mücadele ettik. Yalnız olduğundan değil, herkesten uzakta! Bu "herkes" gözlerinin önünde oynanan küçük drama hakkında dedikodu yaptı, dedikodu yaptı, yargıladı, süsledi ve alay etti. Ama biz aşkta saf kaldık ve insan dedikodularının üstündeydik. Hiçbir şey bize dokunmadı, bizi incitmedi, bizi lekelemedi. Gazeteler bile beni "insan yiyici", "rüzgârlı ve utanmaz" ilan ederek rahatsız etmedi!

Roger Vadim, Bardo ile evliliğinin bir geleceği olmadığının gayet iyi farkındaydı. Vadim ile beş yıllık evliliğin ardından Bardot, Trintignant'a gitti. Zaten karı koca olarak filmi bitirdiler. Sette Vadim hala onun ağabeyi ve arkadaşıydı. Ama sevgili değil.

Film 28 Kasım 1956'da gösterime girdi. Fikir birliği yoktu. Gazeteci François Truffaut, galadan iki gün sonra şunları söyledi: "Ve Tanrı Kadını Yarattı, samimi, ahlaksız, zeki ve bağnaz bir film."

Vadim'in tablosu, müstehcen olduğu iddiasıyla yüksek bir skandala neden oldu, ancak bu, ahlaki katılığın hızla gevşemesi nedeniyle çok geçmeden unutuldu.

1957'de film New York'ta gösterime girdi ve bir sansasyon yarattı. Başarı olağanüstü oldu! Brigitte Bardot, okyanus ötesindeki en ünlü Fransız kadın oldu! Vadim, son on yılın en iyi yönetmeni olarak tanındı ve Bardo, "birinci büyüklükte yeni bir yıldız", "Fransız seks bombası" olarak kabul edildi...

Resim, Amerika eyaletini New York coşkusunun halesiyle vurdu ve küçük kasabalar onun zaferine katkıda bulundu: Burada Ahlak Birliği, Kurtuluş Ordusu ve okul yetkilileri müdahale etti. İzleyicilere yabancı ahlaksızlığı sunmaya cesaret eden yerel dağıtımcılar hakkında davalar başladı. Filmin en iyi reklamıydı. Dünya dağıtım haklarını sadece iki yüz bin dolara neredeyse satan Raoul Levy, yaklaşık altı milyon aldı.

Vadim'in resmi anavatanına zaferle döndü, birkaç yıl sonra sinematik "yeni dalga" nın ilk işareti ilan edildi. "Ve Tanrı Kadını Yarattı" filminde kabalığın olmadığı, yapımcıların zevkinin kusursuz olduğu kaydedildi. Jean André'nin set tasarımı gibi Tirara'nın sinematografisi de mükemmel. Kurt Jurgens, dünyanın en iyi oyuncularından biri olduğunu bir kez daha doğruladı.

Jean-Louis Trintignant daha sonra şöyle dedi: "Bir düşünün - açıkçası kötü olduğum bir rol sayesinde ünlü oldum!" Bu açık bir abartıdır. Trintignat, Michel kadar kötü değil. Köşeli hareketleri, utangaç gülümsemesi, berrak naif gözleriyle sevimli kahramanı inandırıcı bir şekilde oynadı.

Ama “Kadını Tanrı Yarattı” diyenler haklı, Brigitte Bardot'nun bir filmi. Burada yeni bir "tip" kız gösterdi. Cesur, bağımsız, erkekler üzerindeki gücünü hisseden, güney güneşi, deniz ve tenin çağrısıyla sarhoş olan, ikiyüzlü ahlaka meydan okuyor ve hayattan zevk almayı amacı ilan ediyor.

Roger Vadim, "Brigitte Bardot'yu benim yarattığıma dair bir inanç var" diye yazıyor. “Ama tam olarak kimse tarafından yaratılmadığı için, ne ailesi, ne toplum, ne de mesleği onun doğasını etkileyemezdi. Şok etti, baştan çıkardı, modayı doğurdu ve sonunda tüm dünyada bir seks sembolüne dönüştü. Az ya da çok gizli çıplaklık sinemada her zaman var olmuştur. Ancak Brigitte'in neşeli, cüretkar, günahsız çıplaklığı heyecanlandırmaktan çok rahatsız etti. Tartuffe'ları ve ahlakçıları şaşırtmak için Brigitte'in soyunmasına gerek yoktu. [...]

Hayır, Brigitte Bardot'yu ben yaratmadım. Ben sadece yeteneğinin yeşermesine katkıda bulundum, kendisi olmasına yardımcı oldum... Bir de kurmaca bir imajı hayatın içinde olduğu şeyle birleştiren bir rol verdim ona.

YEDİNCİ MÜHÜR
(Detsjunde inseglet)

Yapım: İsveç, 1956. Senarist ve yönetmen I. Bergman. Operatör G. Fisher. Sanatçı P. A. Lundgren. Besteci E. Nordgren. Oyuncular: M. von Sydow, G. Bjornstrand, N. Poppe, B. Andersson, G. Lindblom, B. Ekeroth ve diğerleri.

İsveçli tiyatro ve film yönetmeni Ingmar Bergman, O'Neill'ın haklı olarak kendisine ait olabilecek bir sözünü alıntılamaktan hoşlanır: "İnsan ve Tanrı ilişkisine odaklanmayan drama sanatı ilgiden yoksundur." Bu söz, Yedinci Mührü anlamanın anahtarıdır.

Film, Bergman'ın öğretmenlik yaptığı Malmö Tiyatro Okulu'nun ilk baskısı için yazdığı tek perdelik "Ağaç Üzerine Resim" adlı oyundan uyarlanmıştır. Bahar gösteriminde bir şeyler oynama ihtiyacı vardı ve sekiz dokuz öğrenciye yaklaşık olarak eşit rollerde bir oyun bulmak kolay olmadı. Ve sonra, birkaç akşam Bergman, bir dizi monologdan oluşan kısa bir oyun alıştırması olan "Ağaç Üzerine Resim" i besteledi. Öğrenci sayısı rol sayısını belirledi.

"Ahşap üzerine resim" çocukluk anılarından doğdu. Küçük Ingmar bazen bir rahip olan babasına kırsal kiliselerde vaaz okumaya gittiğinde eşlik ederdi.

Bergman, "Tüm zamanların tüm cemaatçileri gibi, kendimi sunak resimleri, mutfak eşyaları, haçlar, vitray pencereler ve freskler üzerine düşünmeye kaptırdım" dedi. - İsa ve kanlar içinde kıvranan soyguncular vardı; Mary, John'a boyun eğerek ("oğlunu gör, anneni gör"); Bir günahkar olan Mecdelli Meryem (en son kiminle yattı?). Şövalye, Ölüm ile satranç oynuyor. Ölüm, Hayat Ağacı'nı testereyle görmüş, tepesine oturmuş, kollarını kıvırmış zavallı adam, dehşet içinde. Bir tırpanı bir pankart gibi sallayan ölüm, dans eden bir alayı karanlığın Krallığına götürür, sürü dans eder, uzun bir zincir halinde uzanır, bir soytarı bir ip boyunca kayar. Şeytanlar kazanlar kaynatır, günahkarlar kendilerini baş aşağı ateşe atarlar. Adem ve Havva onların çıplaklığını gördüler. Yasak ağacın arkasından Tanrı'nın gözü dışarı baktı. Bazı kiliseler bir akvaryuma benzer, tek bir boş yer değil, insanlar her yerde yaşar ve çoğalır, azizler, peygamberler, melekler, şeytanlar ve iblisler ve burada burada duvarlardan ve mahzenlerden tırmanırlar. Gerçeklik ve hayal gücü güçlü bir topta iç içe geçmiş durumda. Bak günahkar, ne yaptın, bak köşede seni ne bekliyor, arkandaki gölgeyi gör!

Bergman, filmin temeli olarak Ahşap Boyama oyununu kullanmaya karar verdi. Yönetmene göre Yedinci Mühür, babasından miras aldığı ve çocukluğundan beri içinde yaşadığı dini görüşleri ortaya koymaya yönelik son girişimlerden biri.

Svensk Film Industry yönetimi, The Seventh Seal'in çekilmesine, filmi olabildiğince ucuz ve basit bir şekilde otuz beş gün içinde teslim etmesi şartıyla izin verdi.

Filmin adı izleyicileri St. İlahiyatçı John ("Kıyamet"): "Ve yedinci mührü açtığında, cennette sanki yarım saat sessizlik oldu." Arsa, Ölüm ile tanışan ve hayatının tükenmekte olduğunu öğrenen bir şövalye hakkındaki bir ortaçağ efsanesine dayanıyor. Hayatının anlamının ve gerekçesinin ne olduğunu anlamayı dileyerek kısa bir ara istiyor.

Eylem, Avrupa'da vebanın şiddetlendiği XIV yüzyılın ortalarında gerçekleşir. Knight António'nun Bloku (Max von Sydow) ve yaveri Jone (Gunnar Bjornstrand), on yıllık haçlı seferlerinden sonra İsveç'e döner. Siyahlı biri tarafından takip ediliyorlar - Ölüm.

Şövalyenin önünde veba, batıl inanç, hoşgörüsüzlükle eziyet çeken acı çeken kalabalıklar var; insanlara neden böyle musibetler indirildiğini acı bir şekilde anlamaya çalışır. Ama yavaş yavaş, sıradan fakir insanlara yaklaştıkça, onların sevinçlerini ve kederlerini tanıdıkça, gözlerinde bir aydınlanma belirir. Ve ona çilek muamelesi yapan (Bergman'ın defalarca karşılaştığı dünyevi zarafetin sembolü) dünyanın tüm iyiliğini somutlaştırmış gibi bir komedyen ailesiyle tanıştığında, acı çözülür, Gerçeği anlama anı gelir ...

Gezici komedyenlerin ailesi Juf (Nils Poppe), karısı Mia (Bibi Andersson) ve küçük bir oğuldur. Yuf ve Mia'nın isimleri yönetmen tarafından tesadüfen seçilmedi. Bu, elbette, Joseph ve Mary. Aile portresi şakacı bir hayırseverlikle yapılmıştır. Çocuk bir mucize gerçekleştirmeye çağrılır: hokkabazın sekizinci topu nefes kesici bir an için havada asılı kalmalıdır.

Bergman için önemli bir şeyi sembolize ediyorlar: Kutsallık teolojik kabuğun altında gizlidir... Kişi Kutsallığı kendi içinde taşır ve bu Kutsallık dünyevidir, bunun uhrevî bir açıklaması yoktur.

Komedyenlerin basit, sofistike olmayan hayatı - hayatın yıkıcı kaosuna direnen şey buydu. İsveçli eleştirmen ve yönetmen Norn Donner'ın yazdığı gibi: “Film kahramanının tüm yaşamının anlamı ve gerekçesi tek bir eylem haline geliyor - Yuf ve Mia'nın kurtuluşu. Hayatı boşuna yaşanmadı."

Ölüm her zaman yakındır. Gezginleri cehennem dansının kasırgasına düştükleri tepeye taşır. Ve şafağı görmeleri için sadece Yufu ve Miya verilir.

İsveç sineması araştırmacısı Peter Coe şunları kaydetti: “Yuf ve Mia'yı birbirine bağlayan aşk, ölüm tehdidinden daha güçlü. Güneşli bir sabah Miya, Yuf'tan işine ara vermesini istediğinde ve gülümseyerek "Seni seviyorum" dediğinde, bu sözler o kadar duygu ve şefkatle doludur ki, Ölüm sadece boş bir maske olur. Aşkları filmin finalinde bozulmadan kalacak: Onlar, insanlık arayışında ebedi bir umut olarak korunacak masum ruhlardır.

27 yaşındaki Max von Sydow, Blok Şövalyesi rolünü oynaması için davet edildi. Bu onun ilk büyük film rolü.

Ingmar Bergman, Syudov'un virtüöz tekniğinin ardında, çelişkilerle eziyet çeken olağanüstü, trajik bir kişiliğin gizli düşüncelerini ve duygularını aktarma yeteneğini görebildi. Oyuncu makyajsız rol aldı. Gururla dolu kahramanı yalnızdır. Syudov'un yüzü, alnında derin bir enine kıvrımla taştan oyulmuş gibi. Knight Block Tanrı'yı tanımaya çalışır. Onun için fiziksel ve zihinsel ıstırap, ruhun kurtuluşunun yanında önemsiz bir şeydir.

Pons'un yaveri rolünü, Bergman'ın düzenli oyuncularından biri olan Gunnar Bjornstrand oynadı. Ateist bir Pons, acıma ve şefkat, nefret ve aşağılama hisseden kişidir. Yaşayan bir ruhu var. İnfaz sahnesinde şövalye, fiziksel ıstırabından çok büyücünün şeytanı görüp görmediğiyle ilgilenirken, ateist Pons talihsiz suya hizmet eder.

Yedinci Mühür, başka bir Bergman aktrisi olan Bibi Andersson'un sinemaya ilk çıkışı olarak kabul edilir. Stockholm'deki Kraliyet Dramatik Tiyatrosu'nun yanı sıra Malmö ve Uppsala belediye tiyatrolarında çalıştı.

Eleştirmen O. Surkova, "Bibi Andersson tarafından canlandırılan bu basit kadın Mia, ışık ve huzur yayıyor gibi görünüyor ve şaşırtıcı, bulutsuz bir netlikle dolu" diyor. - Görüntü, dokunaklı lirizm ve kırılgan hassasiyetle, aynı zamanda Dünya'nın Mia'ya çok mutlu ve doğal bir şekilde bahşettiği sağlık ve tam kanlı cömertlikle doludur. Doğanın kendisi gibi uygun ve organiktir.

Bergman, The Seventh Seal'i çekmeye 2 Temmuz 1956'da başladı. Hovshallar kayalıklarındaki önsöz ve Yuf ile Mia'nın orada çekilen çilekli yemeği dışında, geri kalan her şey, grubun emrinde çok sınırlı alana sahip olduğu Film City'de yapıldı. Ancak hava konusunda şanslıydık ve çalışma gün doğumundan akşam geç saatlere kadar tüm hızıyla devam etti.

Çocukluğundan beri Bergman, bazen dayanılmaz hale gelen ölüm korkusu tarafından rahatsız edildi. The Seventh Seal'de Knight Blok'un Death ile satranç oynadığı bir bölüm vardır. Ölümü oynayan oyuncuya beyaz bir makyaj yapılmış, beyaz bir palyaço makyajı yapılmış. Makyaj ve kurukafa arası bir şey.

Bergman, “Ve bir anda Ölüm'ü beyaz bir palyaço olarak alıp tasvir ettiğimde” diyor Bergman, “konuşan, satranç oynayan ve aslında kendisinde gizemli hiçbir şey saklamayan bir karakter, ölüm korkusunu yenmek için ilk adımı atmış oldum. ”

Gökyüzüne karşı dans eden Ölüm'ün gezginleri uzaklaştırdığı final sahnesi Hovshallar'da doğdu. Çekim günü bitmişti, bir fırtına yaklaşıyordu. Aniden Bergman inanılmaz bir bulut gördü. Kameraman Gunnar Fischer, emriyle kamerayı kaldırdı. Pek çok oyuncu çoktan stüdyoya gitmişti, bu yüzden onların yerine teknisyenler ve bazı turistler, ne hakkında konuştuklarını anlamadan dans etmeye başladılar. Ünlü atış on dakikada doğaçlama yapıldı.

Bergman, Yedinci Mühür üzerindeki çalışmalarını 24 Ağustos 1956'da tamamladı. Hızlı ve ucuz bir şekilde büyük ve karmaşık bir resim yapıldı (yaklaşık bütçesi 150 bin dolar).

Svensk Film Endüstrisi, Yedinci Mühür'ün prömiyerini tüm İsveç sinematografisinin sunulacağı bir yıl dönümü ihtişamıyla donatmaya karar verdi. Film bu tür kutlamalar için tasarlanmamıştı ve Bergman'a göre 16 Şubat 1957'deki galasında "can sıkıntısı ve zevk neredeyse aşikardı."

Sonra resim tüm dünyada gösterildi. Kendi çatallanmalarını ve acılarını yansıttığını hisseden insanlardan güçlü bir tepki uyandırdı.

"Yedinci Mühür" dar bir daire için bir iş olarak kabul edilir, çok hileli ve kiralaması zordur. Yabancı basında, Bergman'ın nükleer bir felaketi öngören çok alakalı, kıyamet benzeri bir film yarattığı görüşü ifade edildi.

"ÇİLEK GLADE"

(Smultronstallet)

Yapım: İsveç, 1957. Senarist ve yönetmen I. Bergman. Operatör G. Fisher. Sanatçı G. Gustafsson. Besteci E. Nordgren. Oyuncular: W. Sjöström, B. Andersson, I. Tulin, G. Björnstrand, F. Sundqvist, G. Sjöberg, G. Fried ve diğerleri.

Çilek Tarlası'nın senaryosu, genel muayene için yerleştirildiği Karolinska Hastanesi'nde Ingmar Bergman tarafından yazıldı.

"Çilek Tarlası" filmi, yönetmenin 1956 sonbaharında Uppsala'ya yaptığı bir geziden edindiği izlenimlere dayanıyor.

Bergman, "Bir zamanlar Dalecarlia'da uzun süre yaşadım," dedi. “Kışın neredeyse her zaman Uppsala'da büyük, eski moda bir apartman dairesinde yaşayan anneannemle orada küçük bir köyde büyüdüm.

Bir sabah erkenden, sabah dört ya da beş sularında arabayla Dalecarlia'ya gittim ve büyüleyici bir eski şehir olan Uppsala'da durdum. Burada küçük bir çocuk olarak yaşadım ve bu dünyayı her zaman hatırlayacağım.

O sabah erken saatlerde Uppsala'ya vardığımda, birden aklıma geldi - on dört yaşında Dvortsovaya'ya gittim. Sonbahardı, güneş ışınları katedralin kubbesini hafifçe yaldızlamaya başladı, saat beşi yeni vurmuştu. Arnavut kaldırımlı küçük bir avluya girdim. Sonra merdivenlerden yukarı çıktı ve üzerinde renkli vitray pencerenin hâlâ korunduğu mutfak kapısının kulpunu tuttu; ve sonra aniden bir düşünce beni deldi: ya kapıyı açarsam ve arkasında yaşlı Lalla - eski aşçımız - büyük bir önlükle bağlı durur ve küçüklüğümde olduğu gibi kahvaltıda yulaf lapası pişirir. Sanki bir anda çocukluğuma dönebildim. Şimdi bu duygu neredeyse kayboldu, ama bir zamanlar bu tür bir nostaljiden çok acı çektim. Görünüşe göre insan çocukluğundaki terlikle uyur diyen Maria Vinet'miş ve bu da aynen öyle.

Ve sonra aklıma geldi: Ya tamamen gerçekçi bir film yapsak, aniden kapıyı açıp çocukluğunuza girseniz, sonra başka bir kapı açıp gerçekliğe çıksanız ve sonra köşeyi dönüp başka bir döneme girseniz. varlık ve hayat her zamanki gibi devam ediyor. Çilek Tarlası fikri böyle doğdu."

1957 baharında Bergman filmin senaryosunu yazmaya başladı. En iyi arkadaşlarından biri doktordur ve bu nedenle Ingmar, ana karakter Isak Borg'un doktor olmasına karar verir. Bu, etrafındaki her şeyden kendini soyutlamış, yaşlı, yorgun, bencil bir kişidir.

Bergman senaryoyu yazdıktan sonra bir tesadüfe dikkat çekti: Isak Borg'un baş harfleri kendisi ile aynı. Bu bilerek yapılmadı. Yönetmen, buz gibi olduğu için İsak ismini seçmiş. (Isak Borg "buz" ve "kale" olarak çevrilebilir),

“Dıştan bir babaya benzeyen bir imajı modelledim, ama özünde baştan sona kendimdim. Ben, otuz yedi yaşında, insan ilişkilerinden kopmuş, insan ilişkilerini kesmiş, kendini beğenmiş, içine kapanık ve genel olarak bir kaybeden. Başarılı olmasına rağmen. Ve yetenekli. Ve kapsamlı. Ve disiplinli.

Ailemle çaresizce düşmanlık içindeydim, istemedim ve babamla konuşamadım. Annemle ara sıra geçici bir ateşkes yapıyorduk ama dolaplarda saklanan çok fazla ceset ve hararetli yanlış anlamalar vardı. Bana öyle geliyor ki, "Strawberry Glade" i hayata geçiren en güçlü motiflerden biri tam da burada yatıyordu. Kendimi babamın suretinde hayal ederek, annemle girdiğim çaresiz kavgalara bir açıklama aradım.

Strawberry Glade'in çekimleri Temmuz 1957'nin başından Ağustos ayının sonuna kadar gerçekleşti. Filmde İsveç sinemasının ve tiyatrosunun en iyi oyuncuları oynadı - bunların çoğu, topluluğu Bergman'ın daimi çalışanlarıydı. "Strawberry Glade" en iyi İsveçli kameraman Gunnar Fischer tarafından çekildi.

Isak Borg rolü, sadece bir patrik değil, aynı zamanda İsveç sinemasının kurucusu olan aktör ve yönetmen Viktor Sjöström tarafından davet edildi. Borg'un rolü onun sonuncusuydu - iki yıl sonra seksen yaşında öldü.

Bergman senaryoyu yazdığında, "For Joy" (1950) filminde onunla işbirliği yapmasına rağmen Sjöström'ü düşünmedi. Carl Andres Dümling tarafından aday gösterildi. Patrik kendini kötü hissetti. Andres ona yalvardı: "Tek yapman gereken bir ağacın altına uzanmak, çilek yemek ve geçmişini düşünmek - sorun değil!"

Çekimler bir çatışmayla başladı. Sjöström abarttı ve Bergman ustanın galeri için çaldığını söyleyerek buna dikkat çekti. Yanıt olarak Sjöström, ona başka bir oyuncu bulmasını tavsiye etti.

Kızlar sette göründüğünde atmosfer biraz boşaldı. Yaşlı bir hanımefendi olan Sjöström, hanımların nazik şakacı flörtlerinden zevk aldı, pervasızca flört etti, onlara çiçekler ve hediyeler aldı.

Filmin kahramanının genç aşkı Sarah rolünü oynayan Bibi Andersson'dan çok memnun kaldı. Bibi sadece yirmi bir yaşındaydı. Bergman, Andersson'ın yüzyılın başından kalma hafif dekolteli bir elbiseyle bir tümseğin üzerine oturduğu ve Viktor'a çilek yedirdiği anı yakaladı. Parmaklarını yalıyor, ikisi de gülüyor, genç kadının gururu açıkça görülüyor, yaşlı aslan tamamen büyülenmiş durumda.

Bir sanatçı olarak Sjöström, en başından beri herkesi gölgede bıraktı. Mükemmel bir hikaye anlatıcısıydı, esprili, eğlenceli. Çekimler arasında eski günleri, çalışmalarını, diğer yönetmenleri, Stiller'i, Magnusson'u, oyuncuları, eski Kinogorodok'u hatırlaması istendi. Sjöström isteyerek ve eğlenerek konuştu.

Hasta ve bitkin olan yaşlı aktörün çalışması için belirli koşullara ihtiyacı vardı. Altıya çeyrek kala eve dönme ve zamanında viski ile bir porsiyon içki içme fırsatı verildi. Sürekli olarak hasta olduğundan şikayet etti, ancak doktor ona şöyle dedi: "Bay Sjöström, sağlığınız önemli ölçüde iyileşti." Usta, kendini daha kötü hissetmesine rağmen çok daha iyi olduğu konusunda şaka yaptı. Bergman'a göre, onunla çalışmak tek kelimeyle muhteşemdi. Sjöström inanılmaz bir samimiyetle ona vurdu.

Bergman, Çilek Tarlası'nda insan yaşamının anlamı üzerine düşünür. Dr. Borg otuz yıl önce duldu. Bir profesör, bölgede iyi bir üne sahip yetenekli bir doktor. Kusursuz bir dürüstlüğe sahip bir adam, bir görev adamı, bir hümanist (gazetelerin onu onayladığı gibi), "dünyanın en iyi doktoru" - minnettar hastalar onun hakkında söylüyor. Ancak kendisi aksini düşünüyor.

Gerçeklik ve kurmacanın tuhaf iç içe geçmişliğinde, Dr. Borg'un geçmiş yaşamın yeniden değerlendirmesi gerçekleşir. Yokluğa gitmeden önce, hayatını bencilce yaşadığını, sevdiklerinden çok kendi "ben" ini korumaya önem verdiğini kabul etmek zorunda kalır, bu nedenle ceza yaşlılıkta - yalnızlıkta gelir.

Genç bir adamken nişanlısı Sarah'ı (Bibi Andersson) kaybetmiş ve sevilmeyen Karin (Gertrude Fried) ile evlenmiştir. Karin, geçmişe dönüş rüyalarında ona ruhsuz, bencil biri diyor. Dr. Borg kendi insani duyarsızlığını kınıyor ve bir çilek tarlasına ve ataerkil bir "aile kardeşliğine" özlem duyarak hayatı kabul ediyor ve kutsuyor.

Filmin kahramanına yakın tek karakter, Ingrid Thulin'in çok güzel canlandırdığı profesörün oğlunun eşi Marianne. Borg, gelinine şunu itiraf ediyor: "Ağır, aşağılayıcı rüyalar görüyorum, yaşıyor olmama rağmen bana ölü gibi geliyor." Bu sözler filmin "anahtarı" olacak.

Marianna iyimser, duyarlı ve modern bir kişidir. Pek çok kişiye göre Bergman, bu rol için bu tür niteliklere sahip olmayan bir aktrisi davet etti, çünkü diğer filmlerde Ingrid Thulin belirli bir entelektüel soğukluğu somutlaştırdı. Yönetmen seçimini şu şekilde açıkladı: “Ingrid Thulin harika bir araç. Burada güçlü ve kararlı bir kişilik göstermek önemliydi ve Ingrid bu nitelikleri yayıyor gibi görünüyor. İhtiyacım olan buydu. Her aktris, Viktor Sjöström gibi güçlü bir kişilikle eşleştirilemez."

Profesörün oğlu Ewald (Gunnar Bjornstrand), Marianne'den nefret ediyor çünkü o "hayatın içinde", o hayat yaratmak istiyor. “Ben çocuk istemiyorum, benimle çocuk arasında seçim yap. Hayat bir iğrençliktir, bir korkudur. Daha da büyük bir iğrençlik, dünyayı sefaletle doldurmaktır. En büyük iğrençlik, çocukların bizden daha iyi bir şeyleri olduğunu düşünmektir.”

Filmde insanlar arasındaki soğuk ilişkiler nesilden nesile aktarılıyor gibi. Ewald Borg, mutsuz ve aldatıcı bir evliliğin istenmeyen oğludur. Ewald ve Marianne arasındaki ilişki soğuktur, çünkü o soğukluğu annesinden almış olan babasından almıştır. Marianne onlardan farklıdır ve bu nedenle döngü olduğu gibi kırılır.

Isak Borg'un annesi yaklaşık yüz yaşında, bu zaten bir tür mitolojik yaratık. "Çok üşüyorum" diyor. Neden olsun ki? Özellikle midede." Bergman, "Bana bazı çocuklar soğuk bir rahimden çıkıyormuş gibi geldi" diye açıklıyor. “Cenin soğuktan nasıl titrediğini hayal etmek korkutucu değil mi? Bu da beni anne imajını yaratma fikrine götürdü. Uzun zaman önce ölmüş olmalıydı. Isak'ın annesi Marianne'e oyuncaklarını gösterdiğinde, aniden bu bağlantıyı, soğukluk, saldırganlık ve kayıtsızlık zincirini anlamaya başlar.

Çilek Çayırı'nda yönetmen en ufak bir çaba göstermeden ve oldukça doğal bir şekilde zaman ve mekanda rüyadan gerçeğe doğru hareket eder. Rüyalar çoğunlukla gerçekti. Bergman, "Tabutla ilgili rüyayı kendim gördüm, filmde yeniden üretildi" dedi. Bu rüya beni rahatsız etti. Kendimi bir tabutta yattığım gerçeğini buldum ama cenaze arabasının bir direğe çarpması, tabutun düşmesi ve ondan ölü bir adamın düşmesi birçok kez gördüm.

Bergman, tabut sahneleri konusunda endişeliydi. Ne de olsa yaşlı bir insanın böyle bir sahneyi oynaması zor. Ancak Sjöström'ün kendisi yönetmene yaklaştı ve sordu: "Tabutlu sahneyi çekelim mi?"

Sonunda final sahnesi zamanı. Isak Borg'un genç aşkı Sarah (Andersson), onu güneşli bir orman kenarına götürür. Boğazın diğer tarafında anne ve babasını görür. Ellerini ona davet edercesine sallarlar.

Çekim yeri Kinogorodok topraklarında seçildi. Akşam saat beşte güneş ışınları çimlerin üzerinde kaydı, orman karardı. Shestrom sinirlenmeye başladı. Bana geleneksel içki içmek için eve gitmesine izin verme sözünü hatırlattı. Sonra sonunda pes etti: "Peki, bu lanet olası sahneleri çekecek miyiz?" Görevini yapmaya hazır.

Uzak atış - Viktor Sjöström, güneşin aydınlattığı çimlerde Bibi Andersson ile birlikte yürüyor, hoşnutsuzluktan homurdanıyor ve onu pohpohlamaya yönelik her türlü girişimi reddediyor. Yakın çekimden önce, Victor başı omuzlarında kenarda oturuyor, onun için burada, hemen oracıkta içki pişirme teklifi öfkeyle reddediliyor. Sonunda ateş edebilirsiniz. Sjöström, zorlukla ayaklarını sürüyerek, yönetmen yardımcısının eline yaslanarak yaklaşır, kötü ruh hali onu son gücünü de elinden almıştır. Kamera çalışmaya başladı, kraker sesi geldi. Ve aniden Sjöström'ün yüzü açıldı, yüz hatları yumuşadı, sanki üzerine bir lütuf inmiş gibi huzur ve uysallıkla doldu ...

Eleştirmenler, filmin gösterime girmesinden sonra, Strawberry Meadow'un dini ve psikoterapötik bir izi de olan psikanalitik bir film olduğunu yazdı.

Bergman, "Bu filmi yaptığımda çok farklı duygular içindeydim" dedi. - Sanki hayatımı yeniden yaşıyor, özetliyormuş gibi yaptım. Psikanalitik tarafı hiç zorlamadım. Benim için bu film açık ve net bir şey... Uzun zamandır anlamadığım tek bir şey var. Viktor Sjöström metni elimden kaptı, benimsedi, kendi deneyimini, kendi eziyetini, insan düşmanlığını, yabancılaşmasını, gaddarlığını, üzüntüsünü, korkusunu, yalnızlığını, soğuğu, sıcaklığı, sertliğini, can sıkıntısını ortaya koydu. Ruhumu babamın kılığında işgal ederek, onu kendi ruhuna çevirdi - bana bir kırıntı bırakmadan! Ve bunu büyük bir kişiliğin bağımsızlığı ve takıntısıyla yaptı. Ekleyecek hiçbir şeyim yoktu, tek bir makul veya mantıksız açıklama bile. “Çilek Çayırı” artık benim resmim değildi, Viktor Sjöström'e aitti.”

"BAŞ DÖNMESİ"

(Baş dönmesi)

Yapım: Alfred Hitchcock Productions, Paramount Pictures, ABD, 1958. Senaryo: S. Taylor ve A. Koppel, P. Boileau ve T. Narsezhak'ın romanından uyarlanmıştır. A. Hitchcock'un yönettiği. Operatör R. Burks. Sanatçılar: X. Bumstead ve X. Pereira. Besteci B. Herrmann. Oyuncular: J. Stewart, K. Novak, B. B. Jeddes, T. Helmore, G. Jones, R. Bailey ve diğerleri.

"Vertigo", Pierre Boileau ve Thomas Narcejac'ın "From the World of the Dead" adlı romanının ücretsiz uyarlamasıdır. Alfred Hitchcock'un önceki romanlarını çekmek istediğini öğrenen Fransız yazarlar, ünlü yönetmenin ruhuna uygun bir eser bestelediler. Sezgi, Boileau ve Narcejac'ı başarısızlığa uğratmadı: Hitchcock, "From the World of the Dead" uyarlamasını filme alma hakkı için gerekli miktarı belirledi.

Filmin kahramanı, eski San Francisco dedektifi John "Scotty" Fergusson (James Stewart tarafından canlandırılıyor), yükseklik korkusu var. İşadamı Gavin Elster (Tom Helmore), ondan intihara meyilli karısı Madeleine'e (Kim Novak) göz kulak olmasını ister. Ruhların göçüne inanıyor ve 1857'de kendi canına kıyan İspanyol büyük büyükannesini giderek daha fazla hatırlıyor. Ferguson göreviyle baş edemiyor - en önemli anda Madeleine'den sonra çan kulesine tırmanmaya cesaret edemiyor ve kadın gözlerinin önünde körfeze koşuyor ...

Zaman geçer ve Scotty yanlışlıkla sokakta Madeleine'e çarpıcı bir benzerlik gösteren bir kızla tanışır. Adı Judy Barton'dı. İyi planlanmış bir suçta rol oynadığı ortaya çıktı. Her şey karısının cinayetini örtbas etmek için işadamı Gavin Elster tarafından icat edildi. Ferguson, Madeleine'i değil, Elster'ın karısı kılığına girerek intihar numarası yapan Judy Barton'u takip ediyordu...

Vertigo'nun senaryosu Alec Koppel ve Samuel Taylor'dan alındı.

Senaristler, kanlı bir entrika kuran ve ortaya çıkan kötü adam Elster'ı arsanın çevresine gönderdiler - ekranda yalnızca birkaç kez beliriyor ve final, suçun düzenleyicisinin katılımı olmadan gerçekleşiyor. işadamı San Francisco'dan ayrılır).

"Vertigo" da Scotty'nin katı bir bekar olduğu defalarca vurgulanıyor. Bu, bazı eleştirmenlerin Ferguson'un yükseklikten değil aşktan korktuğunu iddia etmelerine yol açtı. Bir zamanlar lisedeki kız arkadaşı Madge (Barbara Bel Geddes) ile nişanlıydı ama evlenmeye cesaretleri yoktu. Emekli dedektif, Judy'nin duygularına cevap vermeye cesaret edemedi, onunla sadece bir araştırma deneyi yaptı ve kızı hayali bir intiharın sahnelendiği çan kulesine çekti. Judy'ye "Çok geç," diyecek ve birkaç dakika içinde kız ölecek, kendini yere atacak. Görünmez bile olsa suç cezayı gerektirir; Hitchcock'un filmlerinde günahın cezası genellikle daha yüksek bir manevi anlam kazanır.

Ferguson çan kulesinin kenarında duruyor - yine de ona tırmanmayı başardı, ancak bu filmde hayatta kalmaya mahkum değildi.

Emekli dedektifi James Stewart canlandırdı. Yetenekleri Hitchcock tarafından iyi biliniyordu. Oyuncu, Şüphenin Gölgesi (1943), İp (1948), Arka Pencere (1954), Çok Şey Bilen Adam (1956) filmlerinde rol aldı. James %100 Amerikalıydı, ancak eleştirmenlerin de belirttiği gibi, ruhunda şeytan vardı, bu nedenle yazar-yönetmenin ruhunun karanlık tarafını somutlaştırıyordu.

Vera Miles, Madeleine Judy rolünü üstlendi. Seçmeler başarılıydı, ancak çekimler başlamadan hemen önce Vera evlendi ve hamile kaldı. Hitchcock, Madeleine - Judy rolü için ideal olduğunu düşündüğü aktrisin yerine acilen bir yedek aramak zorunda kaldı.

Stüdyo, Kim Novak'ın adaylığında ısrar etti. Bir Çek demiryolu işçisinin ailesinde doğdu. Kim, gençliğinde dolgun bir esmerdi. Hollywood'da, Illinois'li manken ince, zarif bir sarışına dönüştü. Yapımcılar bir takma ad konusunda ısrar etseler de kendi adını korumayı başardı.

Vertigo'nun çekimleri 30 Eylül - 19 Aralık 1957 tarihleri arasında San Francisco'da gerçekleşti.

Yapımcılardan birinin kızı Judy Lanini, çekimler için İspanya'daki San Juan Batista misyonunu kullanmayı önerdi. Hitchcock başka bir yerde çekim yapmayı planlasa da, onunla aynı fikirdeydi. Onu rahatsız eden tek şey, görevin bir çan kulesi olmamasıydı (yangın sırasında yandı). "Vertigo" da çan kulesi eski fotoğraflar ve birleşik fotoğrafçılık kullanılarak "restore edildi".

Hitchcock, en başından beri Novak'tan hoşlanmadı ve arkasından çok aşağılayıcı eleştirilerle onu onurlandırdı.

Yönetmen, François Truffaut ile yaptığı bir röportajda bu antipatinin kaynağını şöyle açıkladı: “Bayan Novak sete katlanamadığım bir dizi fikriyle geldi. Görüyorsunuz, sette oyuncularla tartışmayı sevmiyorum; aydınlatıcı ilişkimizin inceliklerine adamaya gerek yok. Kim Novak'ın soyunma odasına gittim ve ona birkaç aydır düşündüğüm elbise ve saç modelleri fikrimi anlattım. Konuyla değil, tarihin görsel yorumuyla ilgilendiğimi de ekledim.

Hitchcock, kahramanın karakterini ve davranışını Novak ile tartışmayı kesinlikle reddetti. "Sevgilim," dedi, "bizimle akıllı bir kızsın, kendin çözeceksin." Yine de oyuncu rolüyle mükemmel bir iş çıkardı. Novak, "Tabii ki harika bir oyuncu değildim," diye itiraf ediyor. “Ama karakterime hayat verebildim çünkü pek çok ortak noktamız vardı. O zamanlar benim kadar savunmasızdı."

Novak ilk olarak, ruhların göçü hakkında çılgın fikirleri olan, dokunaklı ve unutulmaz, aşırı zayıf, kırılgan bir sarışın olan Madeleine Elster'ı canlandırdı. Ve sonra oyuncu, kızıl saçlı bir pazarlamacı olan Judy Barton olarak reenkarne oldu. Scotty ile ilişkisi olan Judy, küçük bir kız rolünü oynamayı sever. Son sahnede, Scotty onu yakalayıp ona küfrettiğinde tatmin olmuş hissediyor.

Büyük usta Hitchcock, daha sonra olay örgüsünü bozmak, korkutmak, entrika çevirmek için neşeli bir diyalog yardımıyla gerilimi ne zaman azaltacağını biliyordu. Örneğin, Vertigo'nun bir bölümünde Ferguson, eski kız arkadaşı Madge'yi ziyaret ediyor. Odanın köşesine bir sütyen takılmıştır. Yatay değil, dikey olarak asılır. John'un şaşkın sorusuna kadın, bu sütyenin konsol köprüsü prensibine göre tasarlandığını söyler. Yazarı, California'dan bir uçak tasarımcısıdır. Ve o, Madge, tabiri caizse modeli seri üretime getiriyor ...

Hitchcock, çan kulesine tırmanırken kahramanın başının döndüğünü hissettiği bölümü gerçekten beğendi. Görünüşe göre eski ahşap merdiven ayaklarının altından kayıyor. Hitchcock bu sahneyi teknik bir yenilik yardımıyla filme aldı - kameradaki merceği değiştirmeden uzun bir çekimden yakın çekime ve geriye doğru hareket etmeyi sağlayan bir yakınlaştırma merceği. Bölüm için saniyeler içinde 19.000 dolarlık bir merdiven maketi yapıldı. Ancak yönetmenin daha sonra kabul ettiği gibi, sonunda bir zamanlar Londra'daki Albert Hall'da bir partide içtikten sonra yaşadığı o harika duyguyu yeniden yaratmayı başardı.

Hitchcock, filmin müzik eşliğine büyük önem vermiş. Besteci Bernard Herrmann bu sefer Richard Wagner'in "Tristan ve Isolde" motiflerini kullandı.

Vertigo, 9 Mayıs 1958'de San Francisco, California'da prömiyer yaptı. Film eleştirmenler tarafından soğuk karşılandı ve seyircide fazla ilgi uyandırmadı. Sinema Sanatları ve Bilimleri Akademisi, film için yalnızca iki Oscar adaylığı aldı.

Kederli bir Hitchcock, başarısızlığın kendisini yorduğu varsayılan yaşlı James Stewart'ı suçladı. Oyuncu daha önce favorisi olarak bilinmesine rağmen, yönetmen artık Stewart'ı filme almıyordu.

Vertigo, yönetmenin ölümünden sonra ancak 28 Ekim 1983'te yeniden prömiyer yaptı. Martin Scorsese, filmi Hollywood'da yapılmış en iyi filmlerden biri olarak selamladı. Film eleştirmenleri hemen onunla anlaştı.

1996'da Vertigo (yani orijinal negatif) Robert tarafından restore edildi.

A. _ Harris ve yapımcı James Katz sayesinde 4 Ekim 1996'da yeniden sinemalarda gösterime girdi.

Berlin Film Festivali'nde Vertigo'nun restore edilmiş bir kopyası Hitchcock'un kızı Patricia tarafından sunuldu. Sunuma Oregon'da yaşayan Kim Novak da geldi. Hitchcock'un diğer yönetmenlere ve stüdyo patronlarına kıyasla "sevimli" olduğunu belirtti. Şimdi aktris, Hitchcock'la olan çatışmalarını sadece kara bir ışıkta görmedi: “Bana yardım etmeyi reddetti, ama bu, kurtuluşun başlangıcıydı. Madeleine olarak ona aittim; Judy olarak istediğim gibi oynayabilirdim. İlk defa role bir şeyler katabileceğimi hissettim. Hitchcock filmi yarattı, ben de karakterimi yarattım. Judy'ye kendi duygularımı verdim. Muhtemelen işe yaramıştır."

Hitchcock hakkındaki kitabın yazarı, Fransız eleştirmen Jean Douchet haklı olarak bu kasette olay örgüsüne ek olarak pek çok şeyin başka, gizli bir anlamı olduğunu savundu. Yorumunda, uçurumun görüntüleri, baş dönmesi sembolik bir anlam kazanıyor ve bariz fallik sembollerle - bir baston, bir çan, bir deniz feneri - cinsiyet ilişkileriyle ilişkilendiriliyor.

Yönetmenler Milos Forman ve John Carpenter, Vertigo'yu Hitchcock'un en iyi filmi olarak görüyor. Ünlü film eleştirmeni Leonard Moltin, "Vertigo"yu "düzenli olarak gözden geçirilmesi gereken harika bir film" olarak nitelendirdi. Dahası, bazı izleyiciler için suçlunun ustaca planını çözmek yeterliyse (tuhaf olay örgüsü ve görsel hareketlerle o kadar örtülü ki, olanların gerçek anlamını sonuna kadar anlamak imkansız), o zaman diğerleri öncelikle öder reenkarnasyon teorisinin - yanlış bir öncül gibi - istila ettiği entelektüel oyuna bir övgü.

2002'de İngiliz Film ve Televizyon Enstitüsü, tüm zamanların en iyi on filmini belirlemek için 144 önde gelen film eleştirmeni ve 108 yönetmenle başka bir anket yaptı. Sonuçları yetkili film dergisi Site and Sound'un sayfalarında yayınlandı. Vertigo, Orson Welles'in Citizen Kane'in ardından yönetmenler tarafından altıncı ve eleştirmenler tarafından ikinci sırada yer aldı.

"KÜLLER VE ELMAS"

(RoribI diament)

Yapım: Polonya, 1958. Senaryo yazarları E. Andrzeevsky ve

A. Wajda. A. Vaida'nın yönettiği. Kameraman E. Vuytsik. Sanatçı R. Mann. Besteci F. Novak. Oyuncular: 3. Cybulsky, E. Kshizhevskaya,

B. Zastrshezhinsky, A. Pavlikovsky, B. Kobelya, Ya. Tsetsersky, S. Milsky.

... Ocak 1955'te, Varşova sokaklarında yeni bir Polonya filminin galasını ilan eden posterler asıldı. Adı bir manifesto gibiydi - "Nesil". 28 yaşındaki Andrzej Wajda'nın ilk yönetmenlik denemesiydi. Varşova isyancılarının genç bir irtibat müfrezesi olan Direniş'in bir üyesi olan Wajda, kişiliğini büyük ölçüde şekillendiren o yılların izlenimlerinden öğrendi.

Gençliğinde ressam olmak istiyordu. Savaştan hemen sonra Krakow Güzel Sanatlar Akademisi'ne girdi ve üç yıl sonra Lodz'daki Devlet Film Okulu'nda yönetmenlik bölümüne geçti. Kurstan 1949'da mezun oldu, ancak diplomasını savunmasına ancak 1960 yılında, halihazırda beş film çektiği zaman kabul edildi.

Küller ve Elmas, Jerzy Andrzejewski'nin 1946-1948'de olayların ateşli takibinde yazdığı aynı adlı romanından uyarlanan Wajda tarafından sahnelendi. Andrzejewski'nin romanı Polonya'da popülerdi. 1959'da "Rice Varşova" gazetesinin okuyucuları arasında yapılan bir anketin sonuçlarına göre, onun savaş sonrası on yılın en iyi kitabı olarak kabul edildiğini söylemek yeterli.

Wajda, Andrzejewski ile birlikte filmin senaryosunda büyük değişiklikler yaptı. Yönetmen daha sonra, "Film uyarlamasının geniş değil, derinlemesine olması gerektiğini, biraz değiştirilmiş bir olay örgüsünün ekranda romanın özünü en sadık illüstrasyonundan daha iyi göstermeyi mümkün kılacağını fark ettik" dedi. ” Sonuç olarak Maciek Chełmicki'nin Vaida'ya en yakın dizesi romandan alınmıştır.

Filmin içeriği, Almanya'nın teslim olmasının ertesi günü küçük bir Polonya kasabasında yaşanan bir olaya indirgeniyor. "Sağ" yeraltı örgütleri, hedeflerinin "komünizme karşı mücadele" olduğunu ilan ederek Polonya'da hâlâ etkindi. Filmin kahramanı Maciek Chelmicki (Zbigniew Cybulski) kendini böyle bir organizasyonun içinde buldu. Çok küçük bir çocukken Craiova Ordusu saflarına katıldı. Maciek'i üniversiteden yeraltına indiğini, işgalcilere karşı dürüst ve cesurca savaştığını ve Varşova Ayaklanmasına katıldığını biliyoruz. Cesur, kararlı, romantikti. Tek düşmanı - faşizmi bitirdikten sonra gerçek bir vatanseverin daha da korkunç bir düşmanı - komünizmi yenmesi gerektiğini ilan eden "liderlerine" tüm kalbiyle inanıyordu. Ve tüm bunlar "Büyük Polonya adına, Anavatan adına." Ve Maciek, tereddüt etmeden, komünist Pike komitesinin sekreterini (Vaclav Zastrzezhinsky) öldürme emrini yerine getirmeyi taahhüt eder. Pike kimdir?

Bir entelektüel, bir mühendis, ne istediğini bilen bir insan.

Maciek yanlışlıkla Pike yerine çimento fabrikası işçilerini vurur. Ancak meseleyi sona erdirmek niyetindedir ve suç ortağı gergin Andrzej Kossetsky'ye (Adam Pawlikowski) görevi tamamlayana kadar Varşova'ya dönmeyeceğini bildirir.

Ash and Diamond, savaş sonrası ilk günlerde geçiyor, ancak draması 1958'de Polonyalılar tarafından oldukça modern olarak algılandı. Konuşma, hareket etme, şaka yapma, dinleme tarzında nihayet spor bir ceket, dar pantolon, Tsibulsky'nin koyu renkli gözlüklerinde şaşırtıcı derecede tanıdık bir şey vardı, bugünün. 1964'te Ekran dergisi okuyuculara "En sevdiğiniz karakter kim?" Sorusunu içeren bir anket sundu. Birçoğu Maciek Chełmicki'yi aradı.

Zbigniew Cybulski uzun süre filmlerde oynamadı - sadece on iki yıl. Hayatı kırk yaşında trajik bir şekilde sona erdi. Sinema tarihinde, adı Maciek Chełmicki'nin rolü sayesinde kaldı. Bu filmde oynamadı bile, ekranda kendisiydi.

Andrzej Wajda, "İzleyici ile film arasındaki bağlantıyı sağlayan kişinin Cybulski olduğuna eminim" dedi. Ash ve Diamond'a evrensel sesini veren oydu. Çünkü Craiova Ordusu'ndan bir çocuğu değil, yemin ettiği iş batağına saplanmış bir kişiyi oynadı. Artık ondan yemin edenler yok, durum değişti ve soru ortaya çıkıyor - geçmişe sadık kalmak mı yoksa hayata yeniden başlamak mı? Cybulsky, rolüyle bu soruyu o kadar anlamlı bir şekilde, o kadar özveriyle sordu ki, filmin dayandığı belirli siyasi anlar pek önemli değildi.

Roman, bir barda Andrzej ve Maciek'in ilişkilerini tartıştığı bir sahneyle başladı. Maciek ve genç barmen Krystyna (Eva Krzyzewska) arasındaki anlamsız konuşma, birbirlerine duydukları acil ilgiyi gizler.

Bu sahne filme neredeyse hiç değiştirilmeden aktarıldı, ancak şimdi kitapta hiç olmayan bölümlerin ardından duruyor: şehir meydanı Pike'da başarısız bir girişim.

Maciek hala eski askeri fikirlerin pençesinde yaşıyor. "Ben mahvolmuş bir işi bırakan birine mi benziyorum?" diye haykırıyor. Bir emre uymak cinayet bile olsa bir namus borcudur.

Ancak görev ve yoldaşlık, savaş sırasında göründüğü gibi hayatın tamamı değildir. "Tanrım, hayat ne kadar harika olabilir!" diye haykırıyor Maciek, ulaşılamaz bir gelecek için acı ve pişmanlıkla dolu. Christina için bile kendinden bahsedemez. Kız ona hiçbir şey sormuyor. Bilginin tehlikeli olduğunu ve beklenmedik aşkı yok edebileceğini düşünüyor.

Ashes and Diamond'ın çok kasvetli bir sonu var - yeni Sovyet yönetiminin sarhoş olarak atananları, Polonya'nın sembolü olan Oginsky'nin polonezinin uyumsuz sesiyle şafağı karşılıyor. Şu anda, tek düzgün komünist Shchuka çoktan öldü. Ve diğer idealler için içtenlikle savaşan katili Macek, üç askere - bir devriyeye rastlar. Kaçar. Askerler ateş ediyor. Yaralı Maciek bitkin halde duvar boyunca koşar ve kendini bir çöplükte bulur. Düşüyor. Son kasılmalar. Bir çöp dağı. Kalkış yapan bir trenin sesi...

Roman, devriye askerlerinden birinin şu sözleriyle biter: "Neden kaçtın dostum?" Vaida, kahramanı bir çöplüğe götürür, çöpler arasında, çamurda hayvan eziyetinde ölmesini sağlar. Yönetmen bunun hakkında şöyle yazıyor: “Bir keresinde, zaten çekimler sırasında ... Yolun yakınında büyük bir çöplük gördüm ... Her şeyi bulabileceğiniz büyük bir şehir çöplüğü. İyi ararsam, zulümden, herkesten kaçan, artık kimsenin ihtiyaç duymadığı, son sığınağını burada bulan kahramanımın paçavralarını ve kemiklerini bulabileceğimi düşündüm.

Finalin acımasızlığına rağmen, yönetmenin kahramanını sevdiği hissine kapılıyorsunuz. Böyle beklenmedik bir duygusal sonuç, o sırada film yapımcısına karşı bir suçlama akışına yol açtı. Nasıl yani? Politik düşman, katil sadece ana karakter değil, aynı zamanda yönetmenin sempati duyduğu romantik bir kahramandır.

Vaida bu sorunu çözmeliydi. Tüm kategorikliğiyle cevap verdi: “Onlara [bu türden kahramanlara] karşı tavrım son derece“ sevgi dolu ”. Bunlar korumak, korumak istediğim insanlar, bana çok yakınlar ... Aksi takdirde Maciek'in bir suçlu olduğunu söylemek zorunda kalacağım ve suçlular hakkında film yapamam. Ve tam tersine, doğru yolu kaybetmiş talihsiz bir insan hakkında bir film yapabilirim. Ve bunun belirli nedenleri vardı. Sadece kendi içinde değil, toplumda da varlar. Bu nedenle seyirci bu adama karşı sorumluluğunu hissetti. Ash ve Diamond'ın başarısının ana sırrı budur... Kendini çıkışı olmayan bir durumda buldu - emrin yerine getirilmesi dünya kanunlarına, uymamak ise savaşın acımasız kanunlarına aykırıydı. Macek suretinde bu iki kanun çatışır. Filmin aksiyonunun savaşın son gününde ve barışın ilk gününde geçmesi sebepsiz değil.

Wajda, barışın ilk gününü kasvetli, karamsar bir şekilde "olumsuz ve olumlu bir yığına attığı" yeni Polonya halkının gücünü çarpıtılmış bir biçimde gösterdiği için de suçlandı. Ancak bu bile tarihsel ve sanatsal gerçeklere atıfta bulunularak tartışılabilir.

Komünist Shchuka yorgun ve hasta bir adam, acı çeken bir baba ve Alexander Yatskevich'in haklı olarak belirttiği gibi, "neredeyse sakat, işkence görmüş bir bilge." Vaida'nın romanda olmayan Pike'ın oğlunun melodramatik motifini filme sokması tesadüf değil. Sadık bir komünist, soğuk anıtsallığını ancak yine bir terörist olan oğlunun güvenlik güçleri tarafından yakalandığını öğrendiğinde kaybeder.

Vaida, "Pike'ın doğruluğunun filmde yeterince temsil edilmediği için eleştirildim," diye devam etti. “Ama mesele şu ki, tarihin mantığına göre, Pike muzaffer bir ordunun arkasında, Pike'ın arkasında aktif bir insan düşüncesi, Pike'ın arkasında haklı bir davanın doğruluğu var. Ama Macek yalnızdır. Ve ben değilsem kim onun için ayağa kalkacak? Ne de olsa Chelmicki ve Kossetskys kuşağı benim kuşağımdır.”

Küller ve Elmas'ta yönetmenin kullandığı metaforlar hakkında çok şey söylendi ve yazıldı. Bu, Pike'ın tabanca atışlarıyla öldürülmesinin, zaferin şerefine bir selam kükremesine dönüşmesinin sahnesidir. Bu aynı zamanda yaralı Pike ve katili Maciek'in ölmekte olan kucaklaşmasıdır ve Maciek'in kardeş katili atışlarının tüm doğal olmadığını simgelemektedir. Bu, Maciek'in beyaz çarşafın arasından görünen kanı: Beyaz üzerine kırmızı, Polonya bayrağının rengi. Bu, nihayet, üzerinde karga sürülerinin avını beklediği devasa bir çöplükte bir kahramanın ölümüdür.

Ancak en akılda kalıcı olanı, plastik güzelliği ve alt metnin derinliği ile dikkat çeken bardaki sahnedir - Vaid'in en anlamlı, keskin ve anlamlı metaforlarından biri.

... Otelde bir ziyafet var, şarkıcı vatanın şanı için can veren askerleri anlatan "Kırmızı Gelincikler" şarkısını söylüyor. Maciek ve Andrzej barda yalnızdır. Sessizler, votka içiyorlar ama tüm bunların arkasında büyük bir yorgunluk, ölülerin hatırası var. Cilalı bir tezgahın üzerinde alkol bardakları var. "Unutma?" Andrzej'e sorar ve bardakları cilalı çubuktan hızla fırlatır. Birinin üzerinde, diğerinin üzerinde, üçüncünün üzerinde yanan alkolün mavi ışıkları lambalar gibi parlıyor ve Andrzej ölülerin isimlerini söylemeye başlıyor: "Stashek, Wilga, Hanechka ..." İsimler duyuluyor ve Maciek ateş yakıyor birbiri ardına bardaklara. Ve Andrzej korkarak onun elinden tutar: "Hala hayattayız!"...

Ashes and Diamond'ın galasından önce Andrzej Wajda'nın endişelenmesi gerekiyordu. Sansürcüler, kahramanın ölüm sahnesi tarafından uyarıldı. Ve ideolojik açıdan her şey normal görünüyordu. Evet, komünist hükümete karşı çıkan bir insan, tarihin çöplüğünde yok olmaya mahkumdur. Ancak sahnede Polonyalıların çoğunun yakaladığı başka bir anlam daha vardı. Kendi kendilerine, nasıl oluyor da bu kadar güzel bir adam çöp yığınında öldürülüyor, dediler. Bu normal mi? Final, aktif bir protestoya neden oldu. Prömiyerden birkaç saat önce, Vaida sansürden bir telefon aldı. Yönetmene galanın planlandığı sinemaya gitmesini ve sonunu kesmesini söyledi. Vaida seansın başlangıcına kadar bekledi ve talimat almamış gibi davrandı. Ve film yazarın versiyonundaydı. Şimdi son kesilemedi.

Ashes and Diamond muhtemelen Andrzej Wajda'nın elli yıllık yönetmenlik kariyerindeki en iyi filmi. Pek çok kişinin bu resmi, Polonya okulunun adını almış olan sinema sanatının bu yönünün en eksiksiz ifadesi olan Polonya sinematografisinin en yüksek başarısı olarak görmesi boşuna değildir. Birçok ankete göre "Küller ve Elmas" sinema tarihinin en iyi on filminden biridir.

"400 YUMUŞAK"

(Les quadrants darbeleri)

Yapım: Fransa, 1959. Senaristler F. Truffaut ve M. Musa.

Yönetmen F. Truffaut. Operatör A. Decae. Sanatçı B. Evein. Besteci J. Constantin. Oyuncular: J.-P. Léo, A. Remy, C. Morier, P. Offay, J. Flament, I. Clady, R. Beauvais, P. Repp, G. Decomble, J. Moreau, J.-C. Briali, J. Demy, F. Truffaut ve diğerleri.

"Yeni dalga"nın liderlerinden François Truffaut, sinema kariyerine "manevi babası" sinema eleştirmeni André Bazin'in ("400 Darbe"yi ona adadı) görüşleri doğrultusunda dergi eleştirileriyle başladı.

1957'de Truffaut, Fransa'da tanınmış bir yapımcı olan Ignace Morgenstern'in kızıyla evlendi (ironik bir şekilde, Truffaut ona daha önce "Fransız sinemasının boğucusu" demişti). Bir keresinde damadına Fransız film yapımcılığına yönelik bitmek bilmeyen saldırılardan dolayı kızan Morgenstern, yönetmenliği kendisinin üstlenmesini önerdi. Morgenstern'in ödünç verdiği (veya kızına çeyiz olarak verdiği) parayla, "Shpanyaty" adlı kısa film için bir dağıtımcı ödülü ve küçük bir devlet sübvansiyonu ile.

Truffaut ilk uzun metrajlı filmi 400 Darbe'yi çekebildi. Truffaut sanatta kolay yollar aramadı. Aslında sinema eğitimi almayan genç yönetmen, kahraman ve dünya hakkında özel, özgün bir konsept ve buna uygun çekim ve kurgu tarzı yaratmak zorundaydı.

Truffaut daha sonra "Evet, sanırım ilk başta şans bana yardımcı oldu," dedi. — Kosinor şirketini yöneten kayınpederim ilk filmim 400 Darbe'nin yapımcısı oldu. Hareket özgürlüğümü korumak istiyorsam kendi üretim şirketimi kurmamı tavsiye etti. Ve Altın Araba'nın anısına Film du Carosse'u organize ettim ve neyse ki şimdi, yirmi yıl sonra, bu küçük şirket hala var. Yani her şey bana çok para getiren o ilk filmle başladı ... "

Truffaut'nun otobiyografik tablosu "400 Darbe"nin kahramanı, on üç yaşındaki Parisli bir okul çocuğu, hayalperest ve kıpır kıpır Antoine Doinel'dir. Anne ve babası sürekli birbirleriyle tartışırlar. Ev sıcaklığından mahrum kalan çocuk, arkadaşı Rene ile sık sık derslerden kaçar. Bir gün derslerin olmamasını annesinin ölmesiyle açıklıyor. Aldatma keşfedilir, ancak bunu bir dizi başka "ihlal" izler - kaçışlar, küçük hırsızlık. Antoine, çocuk suçlular için bir ceza kolonisine gönderilir. Filmin genç kahramanı isyan eder. Bir gün koloniden kaçar ve var gücüyle hiç görmediği denize koşar. Antoine'ın aziz rüyası gerçek oluyor - deniz kıyısında çıplak ayakla koşmak. Ders kitabı çekimleri -kumların üzerinde hafifçe yuvarlanan dalgaların üzerinden atlayan bir çocuk- resmi tamamlıyor.

Olay örgüsüne göre, bu, kaderin "dört yüz darbesinin" üzerine düştüğü genç bir kaybedenin talihsizliklerinin hikayesidir. Derin anlama göre - çocuğun yetişkinleri tarafından yanlış anlaşılma draması. François Truffaut kendisinden, çocukluk deneyimlerinden bahsediyor: gençken kendisi de küçük suçlular için bir kolonide kaldı.

Truffaut, "İki filmi çok sevdim ve şüphesiz benim 400 Blows'umu etkilediler, bunlar Jean Vigo'nun Davranış İçin Sıfır ve Roberto Rossellini'nin Almanya, Sıfır Yılı" dedi. "400 Blows, belki de Rossellini planının bir filmi, çünkü Rossellini ile iki yıl boyunca senaryolar yazdım ve o doğru bir şekilde "beynimi bana verdi."

Tabii ki, filmin başarısı büyük ölçüde sanatçının Antoine rolü için seçimine bağlıydı. Eylül 1958'de Truffaut, France-Soir'de filmin başrolü için on üç yaşında bir çocuğa ihtiyacı olduğunu ilan etti. Altmış aday vardı. Truffaut, hayal gücünde yaşayan kahramanla dıştan ziyade içsel bir benzerlik bulmaya çalışarak çocuklara oldukça basit sorular sordu.

Jean-Pierre Leo, hepsinden daha yetenekli olduğu ortaya çıktı ve ayrıca filmlerde oynamayı hayal etti. Ünlü oyuncu Leo, “28 Mayıs 1944'te Paris'te doğdum” diyor. - Altı yaşında Lyceum'a gönderildi ve sonraki yıllarda on iki kez çalışma yeri değiştirdi. Muhtemelen benim karakterimde genç Truffaut'nun karakteriyle ortak bir şey vardı. François Truffaut'nun 400 Darbe filminde başrol oynayacak bir erkek çocuk aradığını gazetede okuduğumda on üç buçuk yaşındaydım. Ona bir mektup yazdım ve bir fotoğraf gönderdim. Beni seçmelere davet etti, bir dizi soru sordu. Elimden geldiğince cevap verdim. Korktum ama bazen korku beni kendime çekiyor, bazen de tam tersine heyecanlandırıyor. Söylemek gerekirse, agresif bir şekilde utangaçtım. Truffaut bu rolü bana emanet etti ve ben bir daha Lyceum'a geri dönmedim.

Elbette Jean-Pierre Leo, görüntüye kendine ait bir şey kattı ve Antoine Doinel, adeta onunla Truffaut arasında. Leo, Truffaut'un düşündüğünden daha agresif çıktı ve filmin havasını tamamen değiştirdi. Yönetmen, Antoine Doinel'i kapalı, çekingen bir çocuk olarak hayal etti. Kahraman Leo'nun özel bir sağlığı vardı, karşı koyabilirdi. Ama yine de, her şeyden önce Antoine, Truffaut'nun kahramanıdır.

400 Darbe filminde, çocuk ekranda olmadığında, bir ruh hali değişimi oluyordu. Sahneye sadece yetişkinler katılsa ve çocuk üç dakikalığına gözden kaybolsa, duygu yok edilirse, bu parçanın kesilmesi gerekiyordu. Truffaut, filmde ona göre ciddi bir hata olan birkaç benzer sahne bıraktı.

François Truffaut, rolleri atamadan önce oyuncularla uzun sohbetler yapmaya çalıştı çünkü zeki bir kişinin aptal rolünü o kadar çekicilik ve özveriyle oynayacağına ve karakterinin çok daha ilginç hale geleceğine ikna olmuştu.

François Truffaut, "Bir oyuncu bana sempati duyduğunda, istemeden de olsa onun kahramanını insani açıdan daha iyi hale getirmeye çalışırım" diye yazmıştı. - Oyuncuya duyduğum sempatinin filme de yansımasını istiyorum. Her durumda, yarattığı imaj bundan yararlanır. Ve bir oyuncuyu sevmediğinizde, onun karakterini de sevimsiz hale getirme dürtüsü var.”

The 400 Blows'da Truffaut'un öğretmen rolünü oynayan oyuncuyla bir ilişkisi yoktu ve sonunda karakterin abartılı bir şekilde kötü olduğu ortaya çıktı. Tersine, Antoine'ın babasını oynayan aktör Albert Remy'nin konuşması o kadar hoştu ki, Truffaut ona anlayışsız birini oynamasını sağlayamadı. Yönetmen, kahramanının karakterine Albert Remy'nin özelliklerini vermeye çalıştı.

Filmin bölümlerinde geleceğin ünlüleri parladı: Jeanne Moreau (köpeği olan bir kadın), Jean-Claude Briali (yoldan geçen), Jacques Demy (polis). Ekranda Francois Truffaut'un kendisini (Rotor cazibe merkezinin bir çalışanı) görebilirsiniz.

400 Darbe, 4 Mayıs 1959'da Cannes Film Festivali'nde gösterildi. En iyi yönetmen ödülünü François Truffaut aldı. 400 Darbe daha sonra New York Film Eleştirmenleri Derneği tarafından yılın en iyi yabancı filmi seçildi.

Jean-Paul Godard, Truffaut'nun başyapıtından çok tuhaf bir şekilde bahsetti: ““ 400 Darbe ”filmi şu anlama gelir: Dürüstlük, Elan, Sanat, Yenilik, Sinematografi, Orijinallik, Cüret, Ciddiyet, Trajik, Tazelik, Kral Ubu, Fantezi, Öfke, Dostluk, Evrensellik, Şefkat".

"HIROŞİMA, AŞKIM"

(Hiroşima aşkım)

Yapım: Fransa, 1959 Senarist M. Duras. A. Rene'nin yönettiği. Operatörler S. Vierni ve M. Takahashi. Besteciler D. Fusco ve J. Delerue. Sanatçılar M. Esaka ve A. Mayo. Oyuncular: E. Riva, E. Okada,

Ç . Dassas, P. Barbeau, B. Fresson.

Yönetmen Alain Resnais ilk çıkışını yirmi altı yaşında kendisine birçok uluslararası ödül kazandıran kısa filmi Van Gogh (1948) ile yaptı. Daha sonra birkaç belgesel film daha yayınladı: "Gauguin", "Guernica", "Heykeller de ölür", "Dünyanın tüm hatırası", "Gece ve Sis" ...

Night and Fog'un yapımcıları Rene'ye atom bombası hakkında bir film sipariş ettiler. Farklı senaryolarla beş altı ay çalıştıktan sonra hiçbir şeyin yolunda gitmediğini, atom bombasıyla ilgili filmlerin zaten var olduğunu ve bunları tekrar etmenin bir anlamı olmadığını anladı. Elbette bu konuda ansiklopedik bir resim yapabilirsiniz ama maliyeti yüz milyonları bulur. Böylece atom bombasıyla ilgili film durma noktasına geldi. Ve yapımcıya projeden ayrıldığını bildiren Rene, yarı şaka yollu ekledi: "Tabii, Marguerite Duras gibi biri bununla ilgilenirse ..."

Ancak sözleri ciddiye alındı. Rene, Marguerite Duras ile tanıştı, uzun bir konuşma yaptılar, "Hiroşima, aşkım" filminin başlangıcını belirleyen düşünceler ortaya çıktı. Alain, insan sevgisinin kitle imha dehşetiyle yüzleştiği şiir gibi bir şey gördü.

Alain Resnais, “Kendimize, karakterlerin trajedinin doğrudan katılımcıları olmadığı, ama ya hatırladıkları ya da sonuçlarını hissettikleri bir film yapmaya çalışabileceğimizi düşündük” diye yazıyor. "Japonlarımız Hiroşima felaketinden sağ çıkamadı, ama o bunu biliyor ve filmin tüm izleyicileriyle aynı şekilde yaşıyor, çünkü hepimiz bu dramayı içsel olarak deneyimleyebiliyoruz, topluca deneyimliyoruz, hatta hiç yaşamamış olsak bile." Hiroşima'ya.”

René, Marguerite Duras'a bir senaryo için yalnızca belirsiz bir fikir verdi, yalnızca Hiroşima'da geçen ve 1944'te savaş sırasında meydana gelen bir olayı çağrıştıran bir aşk hikayesinin paralel kurgu yardımıyla gösterilen bir taslağı. Duras, Rene'nin kontrolü ve rehberliği altındaki sürekli işbirliğiyle planının edebi tasarımını üstlendi.

Film alışılmadık bir şekilde başlıyor. Karanlıktan, yan ışığın ışınlarında, aşıkların birbirine dolanmış bedenleri çıkıntı yapıyor. Ve aniden bir erkek sesi şöyle diyor: "Hayır, Hiroşima'da hiçbir şey görmedin." Sevgi dolu sarılma kareleri, Hiroşima trajedisini anlatan belgesel kareleriyle değişiyor. Ve kadın sesi acıdan, ölümden, hatıradan ve umuttan bahsediyor.

Aşkın nedeni ve acı çekmenin nedeni daha ilk bölümden itibaren filmde karşımıza çıkıyor. Kahraman, Hiroşima ile ilgili bir filmde rol almaya gelen bir Fransız aktris. Kahraman, ailesi Hiroşima'da ölen bir Japon mimardır. Savaştı ve onun kurtuluşu olduğu ortaya çıktı.

Fransız kadın filme katılıyor. Göstericiler atom bombasını protesto ediyor. Pankartlarla, sloganlarla gidiyorlar. Onlar için mesele sadece fotoğraf değil. Ciddiyetle gösterirler. Bu onların hayatı, onların mücadelesi.

Ve yine aşıklar - bir Japon ve bir Fransız birlikte - bir otelde, Hiroşima sokaklarında ve restoranlarında. Onunla mutlu olduğu için her zaman ondan ayrılmak ister. Açıklama, ekranda parça parça görünen, Hiroşima çevresindeki gezintileriyle karmaşık bir şekilde iç içe geçen hikayesinde ortaya çıkıyor.

On sekiz yaşında işgal altındaki Nevers'te bir Alman askerine aşık oldu. Hayır, savaş istemiyordu. "Aşkım Bavyera'ya gidip evleneceğiz..." Ama planları gerçek olmayacak. Şehrin kurtuluşu sırasında öldürüldü, işgalciyle bağlantısı nedeniyle kafası kazındı. Aşk ve umutsuzluktan neredeyse delirecekti. Sonra Paris'e gitti, bir iş, bir aile ve huzur buldu.

Filmin gösterime girmesinden sonra, işgalciye aşık olan kızın ahlaki saflığı hakkında çok tartıştılar. Savunmasında Alman askerinin savaşa karşı olduğunu, Nevers'teki işgalin kansız ve barışçıl olduğunu söylediler. Alman askeri anti-faşist miydi? Filmin yazarları için bu açıktı, ancak kahramanı çok fazla aklamamak, ona çok kolay sempati uyandırmamak için hiçbir şeyi açıklığa kavuşturmak istemediler.

Hiroşima'da Fransız bir kadın aşkı yeniden buldu. Ancak hem Hiroşima'yı hem de ilk hissini yok eden savaşın gölgesi, onun yeni bir aşka teslim olmasına izin vermez. Ayrılmaları gerekir. Ateş ettikten sonra, kahraman sonsuza dek Paris'e uçacak. Japon kalacak, onun bir ailesi ve burada bir işi var. Eleştirmen François Morin'in belirttiği gibi: "Aşıkların birçok engelle ayrılması nedeniyle aşkları ölüme mahkumdur: çevrelerinin tutsağıdırlar ve yaşam yolları sonsuza kadar dağılmak için kesişmiştir."

René, büyük dramaya doğrudan katılmamaları anlamında karakterlerini "kahraman olmayanlar" olarak adlandırdı.

Alain Resnais, oyuncu seçimine her zaman dikkatli bir şekilde yaklaşmıştır. Mesleğinde akıcı olan oyuncuları tercih etti. "Hiroşima" ile durum zordu: reenkarnasyon sanatını bilen ve aynı zamanda ekrana aşina olmayan lirik bir aktrise ihtiyaç vardı. Emmanuelle Riva'da bu başarıyla birleştirildi: ünlü bir tiyatro oyuncusuydu ama sinema için yeni bir yüzdü.

Yönetmen tarafından tasarlandığı gibi, "Hiroşima" nın kahramanının sempati uyandırması gerekiyordu, ancak koşulsuz değil, ancak bir tahriş karışımıyla ...

Emmanuel Riva ve Eiji Okada kontrollü ve hassas oynuyor. Film eleştirmeni R. Yurenev'in haklı olarak belirttiği gibi, okumaya en ufak bir dokunuş filmin dokusunu bozar, hem belgesel görüntüleri hem de karakterlerin duygularının gerçeği ile çelişir. Hem geçmişle ilgili özverili bir itirafta hem de bu geçmişin üstesinden gelmekteki acizliğini fark etmedeki gerçek samimiyeti, onu anlama, onu teselli etme, onu yeni bir aşka döndürme arzusundaki gerçek samimiyet, o fethedici sadelikle aktarılıyor. bu bize oyuncu olduğumuzu unutturuyor.”

Sette Alain Resnais, oyuncuların olabildiğince özgür hissetmelerini sağladı. Oyunculuk işine her zaman saygı duydu, koğuşlarını can sıkıcı müdahalelerden kurtarmaya çalıştı. Aynı zamanda, oyuncuların metinlerini, mizansenlerini mükemmel bir şekilde bilmelerini istedi: çerçeve içindeki yerler, jestler, geçişler. Her şey yoluna girdiğinde, ilk çekimi yaptı, yalnızca duygunun samimiyetine ulaştı, böylece içinde yapay hiçbir şey hissedilmedi. Rene, bu yaklaşıma dayanarak gelecekteki işini inşa etti.

Fransa'da Nevers'de çekim yapan kameraman Sasha Vierny ve Japonya'da Hiroşima'da çalışan Michio Takahashi stilistik bir bütünlük aramadılar çünkü her teknik, her tavır bölümün içeriği olan düşünce tarafından dikte edildi.

Giovanni Fusco ve Georges Delerue'ye ait müzikler filmde mütevazi bir yer kaplıyor. O melodik ve mütevazi. Bazen müzik, farklı zamanlardan ve farklı yerlerden bölümleri birbirine bağlamaya yardımcı olur. Kadın kahramanın hikâyesini açtığı Japon kafesinde çalan sakin müzik, ancak hikâyesinin görüntüleri ekranda belirdiğinde yavaş yavaş kaybolur.

Nevers'deki sahneler çelişkili görüşlere neden oldu. Yazarın Hiroşima trajedisi ile Nevers'teki sıradan drama arasına eşit bir işaret koyduğu birçok kişiye göründü. Ancak Rene'ye göre, bu karşılaştırmanın tüm gücü tam olarak ölçeklerin ölçülemezliğinde yatmaktadır: “Sonuçta atomun yapısı evrenin yapısını andırır. Her iki olay da savaşın insanlık dışılığına, savaşın çılgınlığına, hem Nevers'li kızın kaderini hem de yüzbinlerce Hiroşima sakininin kaderini aynı zulümle ayaklar altına almaya dayanıyor. Aksine film, Hiroşima'daki devasa, ölçülemez, fantastik olayla, sanki Hiroşima'dan geçiyormuş gibi gördüğümüz Nevers'teki minik hikayeyi - tıpkı bir mum alevinin büyüteçle bakıldığında büyütülmüş olarak karşımıza çıkması gibi - tezat oluşturuyor. ve ters döndü. Genel olarak Hiroşima'daki asıl olayı görmüyoruz. Bir bütün olarak fikir vermek için bir manzarayı veya olayı tüm detaylarıyla anlatmanın gerekli olmadığı romanlarda bazen yapıldığı gibi birkaç ayrıntıda temsil edilir.

Rene'nin 10 Haziran 1959'da ekrana gelen savaş karşıtı resmi "Hiroşima aşkım" siyasi mücadelenin nesnesi oldu. "Humanite" ve tüm sol basın filmi güçlü bir şekilde destekledi. Sağcı, estetik eleştiri, eserin sürrealizmi, gerçekliğin yok edilmesi hakkında zevkle yazdı. Ve Cannes Film Festivali'nin organizatörleri, Amerika Birleşik Devletleri ve Almanya ile diplomatik komplikasyonlardan korkarak Hiroşima'yı yarışmaya kabul etmeyi reddettiler. İlerici eleştirmenlerin baskısı altında, film Cannes'da yarışma dışı gösterildi, ancak bu, Uluslararası Film Basın Örgütü (FIPRESCI) ve Film ve Televizyon Yazarları Derneği'nin filme özel ödüller vermesini engellemedi.

Dağıtımcıların beklentilerinin aksine film uzun süre ekranlardan ayrılmadı. Alain Resnais, film endüstrisindeki yerini sağlamlaştırdı. Kendisi Hiroşima çevresinde bu tür tutkuların patlak vermesini beklemiyordu, Rene "skandal" bir film yapmayacaktı. Ama en önemlisi, kendisinin ve Marguerite Duras'ın bilinçli olarak izin verdiği tek olağandışı şeyin - bir Fransız kadınla bir Japonun sevgisinin - herkese doğal görünmesine şaşırmıştı ...

Fransız film eleştirmeni Georges Sadoul, "Hiroşima aşkım"ın sinemada unutulmaz bir iz bırakacağını tahmin etmişti. "Hiroşima'nın yönü inanılmaz. Alain Resnais harika bir yönetmen, zamanının görüntü yönetmenleri arasında ön sıralarda yer alıyor... Bu sihirbazın dokunduğu her şey dönüşüyor. En bayağı yer tuhaf, sıra dışı, heyecan verici görünmeye başlıyor.”

"BAZILARI SICAK GİDER" ("CAZDA YALNIZCA KIZLAR")
(Bazıları Sıcak Sever)

Yapım: Ashton Productions, Mirish Company Pictures, ABD, 1959. B. Wilder ve A. Diamond tarafından yazıldı. Yönetmen: B. Wilder. Görüntü yönetmeni C. Lang, Jr. Sanatçı T. Haworth. Besteci A. Deutsch. Oyuncular: M. Monroe, T. Curtis, J. Lemmon, J. E. Brown, P. O'Brien,

J. Raft ve diğerleri.

Nisan 1958'de, o zamanlar New York'ta yaşayan Marilyn Monroe, Hollywood'dan Billy Wilder'ın komedi filmi "Some Like It Hot" (Sovyet gişesinde - "Cazda Sadece Kızlar") senaryosunu aldı ve burada kendisine rol verildi. caz şarkıcısı Milochka Kovalchik.

Monroe'nun cevap vermek için hiç acelesi yoktu. “Yeni bir resim mi yapayım yoksa evde kalıp tekrar hamile kalmaya mı çalışayım? diye sordu kendine. "Sanırım dünyadaki her şeyden çok istediğim şey bir bebek. Ama belki Rab bana hamileliğim anlamında bir tür işaret verir? Muhtemelen deli bir anne olurdum; Çocuğumu ölesiye sevmek isterim. Bunu çok istiyorum ve aynı zamanda korkuyorum. Arthur [aktrisin kocası Miller] da istediğini söyler ama şevki geçer. Resim yapmam gerektiğini düşünüyor. Ne de olsa ben bir film yıldızıyım, değil mi?”

Marilyn Monroe, Haziran başında Los Angeles'a döndü. Havaalanında bir grup gazeteci toplandı. Tüm yolcular uçaktan indiğinde, tanışanların kafası karıştı: Marilyn nerede? Sadece yarım saat sonra uçağın merdiveninde göründü.

Bazıları Sıcak Sever, Sevgililer Günü'nde bir cinayete tanık olan Joe (Tony Curtis) ve Jerry (Jack Lemmon) adlı iki adam hakkında bir çizgi roman. Gangsterlerden kaçarak kadın elbiselerine dönüşürler ve kadın caz topluluğuna girerler. Josephine olan Joe, Milochka Kowalczyk'e aşık olur. Monroe'nun kahramanı ukulele çaldı, içki içmekten ve bir milyoneri "tavlamaktan" çekinmedi. Film bir giydirme eksantrikti.

Wilder ve Diamond, çekimler sırasında senaryo üzerinde çalıştı. Çoğu durumda, sahneler zaten kabataslak çizilmişti, ancak diyalog her zaman son dakikada yazılmıştı.

Wilder film üzerinde çalışmaya başladığında, yapımcılar Miris kardeşler, tüm rolleri tanınmış oyuncuların oynamasında ısrar ettiler. Daha sonra, yapımcılar Tony Curtis ve Marilyn Monroe'yu aldıktan sonra, yeterince film yıldızları olduğuna karar verdiler. Şanslarını denemeyi ve Jerry rolü için belirsiz bir aktörü seçmeyi kabul ettiler. Wilder, "Columbia'lı o çocuk Lemmon'u istiyorum" dedi. Mirish kardeşler itiraz etmedi.

Lemmon ve Curtis, Some Like It Hot adlı komedide son derece belirsiz durumlar yaşadılar, ancak oyunculuğun yumuşaklığı onları yumuşattı. İçten içe sakin ve sağduyulu kalan Lemmon ve Curtis, en çarpıcı gösterileri yaptılar.

Yönetmen, danışman olarak Berlin'den gerçek bir travesti tuttu. Sınıfın ilk gününden sonra, “Limon kesinlikle imkansız. Curtis harika bir iş çıkarıyor ama Lemmon başarısız oluyor. Ona hiçbir şey öğretemiyorum, yapmasını söylediğim şeyleri yapmayı reddedip duruyor."

Lemmon, ikna edici bir kadın tasviri istemedi ve kendisinin ve Curtis'in bir kadın elbisesinden rahatsız olan iki erkeği canlandırması gerektiğini hissetti. Billy Wilder, travestiyi tamamen kızdıracak şekilde Lemmon'ın çizgisini benimsedi.

Çekimler başlamadan önce Curtis ve Lemmon, herkesin beğendiği bir görünüm bulana kadar bir haftalık makyaj denemelerinden geçti. Cazcı kılığına girerek yakındaki sinema salonuna gittiler, kadınlar tuvaletine girdiler ve aynanın karşısına oturarak dudaklarını boyamaya ve bayanlarla ilgili konularda sohbet etmeye başladılar. Oradan geçen aktrisler ve dansçılar, "kızların" nerede çekim yaptıklarıyla ilgileniyorlardı. Curtis ve Lemmon, "Yeni Billy Wilder filminde." Kimse onların erkek olduğundan şüphelenmedi.

Ama Marilyn kötü ruh halini geçmedi. Marilyn rolü beğenmedi. Wilder cana yakındı ama iğneleyiciydi. Monroe onun hakkında ne düşündüğünü hayal etti: "Taştan yapılmış sandık. Pamuktan beyin.

Dört yıl önce The Seven Year Itch'de oyuncuyu çekerken kendisine eziyet eden yönetmen Billy Wilder, şimdi beş aylık yeni bir işkenceye maruz kaldı.

Birincisi, Marilyn sürekli geç kalıyordu - iyi günlerde iki saat, kötü günlerde altı saat. Wilder bir kez daha geç kaldığında, "İzniniz olsun ya da olmasın, filmi bitireceğim," diye ısrar etti.

İkincisi, Monroe soyunma odasından çıkamadı: ona psikolojik olarak çekime hazır değilmiş gibi geldi. Life dergisine verdiği son röportajında oyunculuğun tuhaflıkları üzerine düşünen Monroe, "Sadece çivi çakmaya değil, şapkasını ellemeye çalışıyorsunuz" dedi. Marilyn'in sete girme hazırlıkları izleyenleri hayrete düşürdü ve meslektaşlarını çileden çıkardı. Lloyd Shearer, "Her çekimden önce," diye yazdı, "Marilyn gözlerini kapattı ve derin bir transa girdi. 1927 modası ucuz mayosunu giydi, sonra birden ellerini bileklerinden ayırmak istiyormuş gibi hızla kollarını sallamaya başladı. Bunlar, Marilyn'in Lee Strasberg Actors Studio'da ustalaştığı tekniğin unsurlarıydı.

Stüdyo başkanının karısı Paul Strasberg, siyah bir elbise, siyah bone ve siyah gözlüklerle her zaman Marilyn'in yanındaydı. Her çekimden sonra, yönetmen "Dur!" - Monroe, Paula'ya döndü ve Paula ondan memnun olduğunu belirten bir baş işareti yaptı ya da onaylamayarak başını salladı. İkinci durumda, sahneyi tartışmak için kenara çekildiler. Elbette Billy Wilder sinirlendi.

Marilyn'den tam anlamıyla çıkmak için kırktan fazla çekim yapmak gerekiyordu, oysa diğer büyük oyuncularla Wilder, kural olarak bir veya iki çekimle sınırlıydı.

Aslında, harika başladı. Filmin başında trende Marilyn'in bir perdenin arkasından belirip Lemmon'ın yatağına atladığı ve ona erkekliğini gösteremediği için kızdığı bir sahne vardır. İki sayfa diyalog var. Sahne ilk çekimde çekildi. Billy Wilder kameramana "Doğru anladınız mı?" diye sordu. Her şeyin yolunda olduğunu söyledi. Sonra Billy, "Harika, yani işimiz bitti" dedi. Marilyn, "Olamaz!" diye haykırdı. Lemmon da şaşırmıştı, "Ne yani, hepsi bu mu?" Wilder cevap verdi: "Evet, ikiniz de mükemmel oynadınız, her şey istediğim gibi oldu." Lemmon ile ilk sahneydi. Marilyn zamanında geldi, kendini iyi hissetti ve mesajı hatırladı. Ancak bu nadiren oldu. Zaten o zamanlar, etrafındakiler henüz bunu bilmese de, ciddi bir akıl hastasıydı.

Sitede dayanılmaz bir durum yaratılmıştı. Marilyn biraz dağılmayı başaramadan Curtis hafifliğini ve neşesini kaybetti.

Bir zamanlar üzerine bir bardak şampanya fırlattığı Curtis, Marilyn'in "kötü niyetli küstahlığını" ve "kin dolu bencilliğini" hatırladı. Kırk iki çekim için bir tavuk budu ısırması gerekecek çünkü Marilyn onun birkaç kelimesini telaffuz edemiyor. Sonra birkaç ay tavuğa dokunamayacak bile.

Curtis ve Lemmon saatlerce topuklu ayakkabılarla dikilip ipek çorapların ve sahte büstlerin altında terlediler ta ki Marilyn "Benim tatlım" diyecek gücü kendinde bulana kadar. Aktris, "Sevgilim, benim" dedi. "Benim, tatlım." Toplam kırk yedi çekim yapıldı.

Son olarak Wilder, çekmecenin dibine büyük harflerle rolün sözlerini yazdı. Çok kısa sürede setteki tüm kutuları yazılarla süslemek zorunda kalacak.

15 Eylül 1958'de Marilyn Monroe, sinir yorgunluğu teşhisiyle Lübnan Cedars Hastanesi'ne kaldırıldı. Onun zihinsel durumu hakkında ciddi bir şekilde düşünmem gerekiyordu. Marilyn yine hamileydi. Arthur Miller, gazeteciler ve foto muhabirleri ile tüm görüşmelerinin iptal edildiğini duyurdu. Wilder bu konuda yorum yapmadı. Oyuncu hastanede üç gün geçirdi.

Wilder enerjik bir insandı ve nadiren yönetmen koltuğuna otururdu. Billy uzun sigaralar içti ve iş onu tatmin ettiğinde Tirol şapkasının tüyünü değiştirdi. Oyunculara hayrandı ve onlara büyük bir saygıyla davrandı. Wilder her zaman deney yapmaya hazırdı. "Hiçbir şey açıklama, sadece göster ki anlayabileyim" dedi.

Ancak Monroe, yönetmeni neredeyse sinir krizi geçirmesine neden oldu. Wilder daha sonra, "Uçuyorduk ve uçakta bir psikopatımız vardı" diyecekti.

Filmde Curtis'in bir milyoneri canlandırdığı, Marilyn'den daha fazla öpücük ve okşama aldığı uzun bir sahne var. Oyuncuya o anda nasıl hissettiği soruldu. Curtis kinci bir tavırla, "Hayatımda hiç bu kadar sıkılmamıştım. Marilyn'i öpmek, Hitler'i öpmek gibidir."

Sözleri Monroe'ya iletildiğinde, sadece omuzlarını silkti, "Bu onun sorunu."

1958 yılının Kasım ayı başlarında çekilen resmin son sahneleri, hasta Marilyn'in inanılmaz fiziksel çabasını gerektirdi. Hastaneden taburcu olduktan sonra "bebeği sallamamak için" otelde yattı.

Wilder ve Diamond uzun süre son bir cümle bulamadılar. Ancak son gün şu cümleye karar verdiler: "Herkesin kendi eksiklikleri vardır" (İngilizce: "Kimse mükemmel değildir" - "Kimse mükemmel değildir"). Jerry-Daphne bir erkek olduğunu itiraf ettiğinde Osgut Fielding III (Joe Brown) tarafından konuşulur. Ancak Wilder bunun komik olacağından şüpheliydi: "Büyük olasılıkla işe yarayacak. Özellikle önceki sahneler için bazı kesmeler yapmamız gerektiğinden yarın çekim yapacağız. Ve iyi gitmezse, başka bir şey bulup onu da çekeriz. Ve sonra ne bırakacağımıza karar vereceğiz. Klasik sahne böyle doğdu.

Filmin bütçesi 2.883.848 $ ile neredeyse yarım milyon aşıldı.

Palisade bölgesindeki Bay Theatre'da "Bazıları Sıcak Sever" deneme gösterimi yapıldı. Gösterimden sonra Mirish kardeşler Wilder'a her şeyi yeniden yapması, Marilyn'i daha çok göstermesi gerektiğini söylediler. Yapımcılar ayrıca "İyi bir komedi bir buçuk saatten fazla sürmez!"

Wilder gerekli değişiklikleri yapacağına söz verdi. Aslında, on beş saniye boyunca yalnızca bir sahneyi kesti ve geri kalan her şeyi olduğu gibi bıraktı.

Gençler yeniden görüntülemede toplandı. Filmden çok keyif aldı ve Mirish kardeşler, Billy'nin yeniden çalışmasından son derece memnun kaldılar.

Happy Wilder basına şunları söyledi: “Monroe ile iki film yöneten tek yönetmen benim. Adalet, Yöneticiler Loncası'nın bana Mor Kalp vermek için dilekçe vermesini gerektiriyor."

Doğru, yıllar sonra yönetmen Marilyn hakkındaki fikrini değiştirdi: “Keskin komik diyalog anlayışına sahip bir komedyen olarak tek kelimeyle harikaydı. Tanrı'nın bir hediyesiydi. İnan bana. Son on beş yılda, aktrislerden yaklaşık bir düzine teklif aldım. Ama onlarla çalışmaya başladığımda, "Hiçbir şey yürümez, Marilyn Monroe'ya ihtiyacı var" diye düşündüm. Kimse onun seviyesine ulaşmadı: onun yanında herkes çok sıradan.

"Bazıları Sıcak Sever" komedisinin galası 29 Mart 1959'da gerçekleşti. Hevesli eleştiriler hemen gazetelerde yer aldı. Marilyn Monroe en yüksek övgüyü aldı. O her zamanki kadar güzeldi. Film, Nisan, Mayıs ve Haziran aylarında Amerika'nın en popüler filmleri listesinin başında yer aldı. Amerika Birleşik Devletleri'ndeki toplam gişe hasılatı 25 milyon dolardı.

Jack Lemmon (27 Haziran 2001'de öldü) son röportajlarından birinde şunları söyledi: “En ufak bir şüphe olmadan bunun en iyi Amerikan komedisi olduğunu söylüyorum. Ve içinde rol aldığımdan değil. Benim için hiçbir şey ifade etmiyor. Senaryonun ilk sayfalarını okurken dahi harika olduğunu anladım. Daha iyi yazmak imkansız. Bunun Billy Wilder'ın en iyi başarısı olduğuna eminim. Filmi yaratıcılığın zirvesinde yaptı. Bu şimdiye kadar gördüğüm en iyi film."

Entertainment Weekly tarafından yapılan bir ankete göre, Bazıları Sıcak Sever tüm zamanların en iyi filmleri listesinde dokuzuncu, komediler arasında birinci sırada yer aldı.

"SON NEFESTE"

(Sufle hakkında)

Yapım: Fransa, 1959 Senaryo J.-L. Godard, F. Truffaut'nun orijinal hikayesine dayanmaktadır. yönetmen J.-L. Godard. Kameraman R. Kutar. Besteci M. Solal. Oyuncular: J.-P. Belmondo, J. Seeberg, D. Boulanger, A.-J. Hue, J.-P. Melvil, L. David, R. Anen ve diğerleri.

Jean-Luc Godard'ın Breathless adlı filminin vizyona girmesinden sonra Fransız sinematekinin babası Henri Langlois, artık Godard'dan "önce" ve "sonra" sinema olduğunu ilan etti. Jean Collet de aynı fikirdeydi: “Godard, mevcut olan her şeyi halletti. Psikoloji, sosyoloji, mantık, ahlak ve tabii ki geleneksel sinematografi ile ilgilendi.

Jean-Luc Godard, F. Truffaut, C. Chabrol, J. Rivette ve E. Romer ile birlikte sinematografide sözde "Yeni Dalga"nın lideri olur. Godard ilk yönetmenlik denemesini 1954'te kısa filmi Operation Concrete ile yaptı. "Nefessiz" filmi onun ilk büyük eseridir.

Godard ayrıntılı senaryolarla alay etti: Kimsenin onlara ihtiyacı yok çünkü kimse onları okumuyor. "Breathless" filminin çekimleri başladığında senaryo yoktu. Görüntü yönetmeni Raoul Coutard, Godard'ın Dedektif dergisinden yapımcıya birkaç hikaye getirdiğini ve bunlardan birinin üzerine François Truffaut'un "İlginç bir senaryo olabilir" yazdığını iddia etti. Başka bir versiyona göre, "Breathless" senaryosu, aynı Truffaut tarafından bir günlük notuna dayanarak yazılmış birkaç sayfayı temsil ediyordu.

Yani Godard, diplomatik arabayı çalan adam hakkında konuşacaktı. Sıradaki ne? Tahmin etmem gerekiyordu. Devriye polisini öldürdükten sonra arkasında başka "günahların" olduğu ortaya çıkacaktır. Örneğin, Amerika'da kaldığı süre boyunca bir adamı öldürdü ve hapis yattı. Gemiyle eve dönerken, film yıldızlarıyla röportaj yapmak için Avrupa'ya giden Amerikalı bir gazeteciyle tanışır. Bir beyefendi gibi davranıyor ve diğer gezginler onu "oldukça iyi bir insan" olarak hatırlayacak. Onu, deve kürklü bir palto çalan bir hırsız sanarak, Touring Club'da tamamen tesadüfen tutuklarlar.

Yapımcı Georges de Beauregard hikayeyi beğendi. Sigortalı olarak, doğal ortamda ve ucuz oyuncularla çekim yapmayı içeren yalnızca yarım milyon franklık bir bütçeyi onayladı.

Godard, başrolü kısa filmi Charlotte and Her Lover'da rol alan Jean-Paul Belmondo'ya teklif etti. Belmondo, askerlik yaptığı Cezayir'den yeni dönmüştü (orada bir kaza geçirdi ve terhis oldu). Godard, oyuncuya ne kadar harika bir role sahip olacağını söyledi: “Bir fikrim var. Marsilya'da araba çalan adam. Paris'e geliyor... ve sonra bakarız. İki şeyden biri - ya sevgilisiyle evlenecek ya da ölecek ... ”Ve Belmondo sözleşmeyi imzalar.

Zaten Françoise Sagan'ın Hello, Sadness adlı romanından uyarlamasıyla tanınan Amerikalı Jean Seberg, Patricia rolünü oynamayı kabul etti.

Oyuncu Lilian David, Patricia'nın Michelle'in para çaldığı kız arkadaşı rolünü üstlendi.

Oyuncuların geri kalanı ya profesyonel değildi (Belmondo'nun katılımıyla birçok filmin gelecekteki senaristi D. Boulanger gibi) ya da az biliniyordu (R. Aney, J.-P. Mariel).

Godard sık sık "Nefessiz"in her şeye izin verilen bir film olduğunu söylerdi. “Bu onun doğasında vardı. İnsanlar ne yaparsa yapsın, her şey filme girebilirdi. Bundan başladım. Kendi kendime dedim ki: zaten Bresson vardı, Hiroşima yeni ortaya çıktı, belli bir sinema türü bitiyor, belki sonsuza kadar bitti, hadi son noktayı koyalım, her şeye izin verildiğini gösterelim. Geleneksel tarihten başlamak ve var olan tüm sinemayı yeniden yapmak, yeniden şekillendirmek istedim. Ben de sinemaların yeni açıldığı ya da ilk kez yaşandığı izlenimini vermek istedim.”

Jean-Luc Godard ilk sahneyi yazdı (Champs Elysées'de Jean Seberg) ve geri kalan her sahne için hazır bir sürü notu vardı. Çekimler devam ederken senaryo yazılıyordu ama Godard tam olarak ne yapmak istediğini biliyordu. Örneğin, sonunu beğenmedi. “Sonunda sonunda işkence gördüm. Kahraman ölecek mi? İlk başta tam tersini yapmayı düşündüm, mesela S. Kubrick'in "The Killing"i. Gangster kazandı ve parayla İtalya'ya gitti. Ama bu çok geleneksel, geleneksel olmayan bir şey olurdu... Sonunda kendi kendime, normal bir gangster filmi yapma niyetimi itiraf edersem, türle sürekli çelişmemem gerektiğini söyledim. Adam ölmeli. Atridler artık birbirlerini yok etmiyorlarsa, onlar Atrid değildirler."

Buna göre filmin konusu değişti.

Şimdi adi dolandırıcı Michel Poicart, Paris'e gitmek, parasını oradan almak için Marsilya'da bir araba çalıyor. Onu kovalayan bir motosikletli polisi öldürdükten sonra arabayı terk eder ve Paris'e giden trene biner. Burada Michel, gazeteci olmayı hayal eden Amerikalı Patricia Franchini ile yakınlaşır. Para kazanmak uğruna bir gazete satıyor - New York Herald Tribune'ün Paris baskısı. Michel ara sıra polisten kaçarak Champs Elysees'de dolaşıyor. Patricia'yı kendisiyle birlikte Paris'ten İtalya'ya koşması için ikna etmeye çalışır. Ancak pratik Amerikalı, maceraya eğilimli değildir. Ve komiser onu vizesinden mahrum etmekle tehdit ettiğinde, sevgilisine tereddüt etmeden ihanet edecek. Michel'in kaçacak vakti olabilir ama bunun yerine kadına, kendisine, ömür boyu tiksinti içinde sırtını polisin kurşununa maruz bırakır.

Oyuncular için bu resimdeki çalışma olağandışıydı. Çoğu tamamen farklı bir şekilde film çekmeye alışık: replikleri öğrenin, hareketleri prova edin, yerdeki tebeşir işaretlerini geçmeyin. Ve birden sinemada mutlak, tam özgürlüğün mümkün olduğu ortaya çıktı. Jean-Paul Belmondo'nun daha sonra tanımladığı gibi: “... Nasıl davranacağımı bilmiyordum, Godard'ın niyetini anlamadım. Ne istediğini bir tek o biliyordu. Film senkron ses kaydı olmadan çekildi, bu yüzden Godard sadece kamerayı açtı ve sessiz filmlerdeki gibi perde arkasından bize ne yapacağımızı söyledi. Komut istemi... Akşamları eve gelip eşime “İnanılmaz! Bir deliyle film çekiyorum!” Bu filmin asla vizyona girmeyeceğinden emindim, bu yüzden tamamen sakin ve rahattım. İş değil, amatör eğlence ... Bir oyuncu için bu harika! Daha önce hiç böyle bir özgürlük duygusu hissetmemiştim.”

Godard, yoldan çıkmamasına yardımcı olan bir defterden ayrılmadı. Kameraman Raoul Kutar'a kesin talimatlar verdi. Film süper bir belgesel. Tek bir köşk değil - sadece sokaklar, şeritler, vitrinler, metro merdivenleri, otel odaları. Kutar neredeyse kameramanın ışığını kullanmıyordu - çerçevenin doğaçlamasına, tarihçeye değer veriyordu. Ve eğer kahramanın yüzünün yarısı gölgedeyse - öyle olsun, bu sadece filmin "belgeselini" geliştirir.

Sabah, Patricia bir moda yazarıyla röportaj yapıyor. Yazar anlamsız kinizmi savurur. Burada belgesel görüntüleri filmi işgal ediyor: Eisenhower Paris'e varıyor. Elbette bu "ek", filmin "belgesel" tarzını pekiştirdi.

Patricia ve Michel'in Champs Elysees boyunca geçişi sırasında kamera hareketi, çerçeveye giren yoldan geçenler bunu fark etmeyecek şekilde organize edildi. Raul Coutard küçük bir manuel arabaya oturdu ve Godard onu filmdeki karakterlerin hızına göre döndürdü veya sürükledi.

Yavaş yavaş oyuncular kendilerinden neyin istendiğini anlamaya başladılar. Godard'ın kendisi şikayet etse de: “Oyuncuları anlayamıyorum. İkisi de canavar ve çocuk. Bunlar her zaman teselli edilmeye ihtiyaç duyan büyük çocuklar. Kendilerini ifade edememe sorunu yaşıyorlar. Bu yüzden onlar oyuncu..."

Ve işte filmin son, muhtemelen en unutulmaz bölümü. Polis Michel'i vurdu; sanki tüm hayatı bu anlamsız uzun koşuda mecazi olarak ifade edilmiş gibi uzun bir şeritte koşar ve koşar. Ve son nefesinde asfalta yığılarak Patricia'ya şakacı bir şekilde yüzünü buruşturur.

Finali çekmek için Paris'in 14. bölgesindeki Rue Campagne-Première seçildi. Godard, Belmondo'ya şu talimatı verdi: "Sırtınızda bir kurşun hissettiğinizde düşeceksiniz." Ve Jean-Paul bunu zekice "hissetti". Yüzü tanıdık bir ifadeyle buruştu ve kollarını iki yana açarak yere düştü. Sonra, parmağını dudaklarının üzerinde gezdirerek, ölmekte olan ünlü sözünü söyledi: "Ne iğrenç." Bu sözler hem kalabalığın içinde bulunan Patricia için hem de kendi nefret dolu hayatı için geçerliydi.

Michel ölür, ancak filmde sanki "son" gibi başka bir plan daha vardır, Patricia'nın merhum Michel'e bakan sonsuz uzun bir planı. Dönerek, veda duygusunu kırarak hızla ayrılır ...

Godard çağrışımsal-figüratif montajı temelden reddetmiştir. Bölümleri yapıştırdı - biri bitti, diğeri başladı. Bu tür bir yapıştırmanın estetik anlamı, filmin yapısında otoriter, öznel hiçbir şeye izin vermemektir. Godard tüm filmi tek bir noktadan tek parça çekebilseydi, elbette çekerdi.

Film, yapımcıya çok uzun göründü ve Godard, kurgu tekniklerini hemen değiştirdi, tüm ayrı sahneleri atmadı, ancak her bölümde bir şeyi kesti, duraklamaları kaldırdı, geçişlerden kaçındı. Bu nedenle, zamanımızın huzursuz hızını mükemmel bir şekilde aktaran elektrikli ritim.

Godard'ın filmi birçok ödül aldı ve uzun zamandır bir klasik haline geldi. Yıllar boyunca biraz yaşlanmadı. Görünüşe göre bu, Godard'ın en başarılı, en samimi filmlerinden biri. Belmondo şahsında bir müttefik buldu. Jean-Paul, Goncourt Ödülü'nü "Nefessiz" olarak adlandırdı. Coşkulu bir incelemede François Truffaut, Godard'ın tablosunun - estetik açıdan - Jean Vigo'nun Atalanta'sıyla pek çok ortak noktası olduğunu yazdı. Truffaut şunları kaydetti: "Vigo'nun resmi, kahramanların sevgi dolu kucaklaşmasıyla sona erdi. Elbette o gün bir çocuğa hamile kaldılar - "Breathless" dan Belmondo.

Godard'ın filmi de bir darbeydi çünkü kahramanı yakışıklı değil. Burnu kırık, sıska bir adam. Ağız kenarında sigara...

Böylece Jean Paul Belmondo bir yıldız oldu. Kahramanlarının küstahlığı, kabadayılığı, asiliği ve aynı zamanda insanlığı ve savunmasızlığı, 1950'lerin ve 60'ların başındaki gençliğin ruh haliyle uyum içindeydi.

Resmin hem züppelerin hem de ortalama izleyicinin zevkine uygun olması ilginç. Bazıları düşünceyi takip etti, diğerleri eylemi takip etti.

Film, Yeni Dalga'nın manifestosu ilan edildi. Bu tarzın bileşenleri bariz bir provokasyon tadı, doğal manzarada çekim, genellikle elde tutulan bir kamera, karakterlerin tepkilerini gözetliyormuş gibi çok hareketliydi. Belmondo daha sonra Godard'ın gizli bir kamerayla çekim yapıyor gibi göründüğünü, bu nedenle izleyicinin bir "kendiliğindenlik", "bulguların fışkırması" hissine kapıldığını söyleyecektir.

"Son nefeste" filmi birçok ödül aldı. Godard, Berlin Film Festivali'nde en iyi yönetmen olarak kabul edildi.

"PSİKOZ"

(psikopat)

Yapım: Shemley Productions, ABD, 1960. Senaryo A. Hitchcock ve J. Stefano, R. Bloch'un romanından uyarlanmıştır. Yönetmen A. Hitchcock, Kameraman J. L. Russell, Jr. Sanatçılar: R. Clatworthy, J. Harley. Besteci B. Herrmann. Oyuncular: E. Perkins, J. Lee, W. Miles, J. Gavin, M. Belsam, J. McIntyre ve diğerleri.

Alfred Hitchcock'un çalışmasındaki "Psikoz" filmi bir tür deney: yönetmen, bir televizyon kasetinin mali sınırları dahilinde bir film yapıp yapamayacağını kontrol etmek istedi? Bunun için hızlı çalışmasını bilen bir televizyon ekibini şirketine davet etti. Gecikmeler sadece cinayet sahnelerinin çekilmesiyle ilgiliydi. Geri kalan her şey TV hızında çekildi. Siyah beyaz "Psikoz" sadece 800 bin dolara mal oldu.

Alfred Hitchcock, Psycho'nun film haklarını isimsiz olarak yazar Robert Bloch'tan 9.000 $'a satın aldı. Roman, Wisconsin'den cinayete meyilli manyak Ed Gein'in gerçek hikayesine dayanıyor. Hitchcock, kitabın neredeyse tüm baskısını satın aldı ve yok etti: yönetmen, Psikoz'un olay örgüsünü olabildiğince az kişinin bilmesini istedi. Filmin kendisi "Production 9401" ve "Wimpy" (görüntü yönetmenlerinden Rex Wimpy'den sonra) çalışma başlıkları altında çekildi.

Bu kasetin konusu özel zorluklarla dolu değil. Bununla birlikte, Hitchcock için görsel yorumu kadar önemli olan malzemenin kendisi değildi.

Filmin başında sıradan bir modern Amerikan şehri gösteriliyor. Çatıların üzerinden geçen kamera, izleyiciyi birçok pencereden birine getiriyor. odaya girer.

Ardından gelen aşk sahnesi de esasen sıradan. Aşıklar, hayatlarını düzenlemek için yeterli olmayan para hakkında konuşurlar. Sonunda Marion Crane (kahramanın adı budur) ayrılır.

Marion'un çalıştığı firmanın resepsiyonu. Sahibi sarhoş bir müşteriyle görünür. Kız, bankaya götürmesi gereken kırk bin alır. Ancak banka yerine eve gidiyor. Yol için giyinmek. Yanınıza bir çanta dolusu para alın.

Marion arabayı oldukça uzun süre kullanıyor ve bu sürenin neredeyse tamamında kızın yüzü ekranda. Hitchcock'a ve aktris Janet Leigh'e saygılarımızı sunmalıyız - bu çekimler gerçekten mükemmel.

Karanlık yola çöker. Yağmur yağmaya başlar. Karanlığın içinden bir kır otelinin neon tabelası beliriyor.

Sessiz, küçük bir motel. Sahibi belirir, uzun boylu, arkadaş canlısı bir adam. Marion ve Norman (Anthony Perkins'in canlandırdığı) hemen birbirleriyle ilgilenmeye başlar. Akşam yemeğinden sonra Norman misafirden ayrılır ve tepedeki evine çekilir. Terasa çıkan Marion, evden gelen keskin yaşlı bir kadının sesini duyar ve Norman'ı ziyaretçiyle uzun konuşması için kıskançlıkla suçlar.

Hitchcock, "Hikayenin pratikte ilk kısmı bir engeldir," diye vurguladı. - Beklenmedik bir cinayet izlenimini güçlendirmek için seyircinin dikkatini başka yöne çevirmek gerekiyordu. Seyirci hırsızın yakalanıp yakalanmadığına odaklansın diye para hırsızlığı ve uçuş ile sergiyi kasıtlı olarak uzattık. Çalınan 40.000 doların olduğu çizgi tüm film boyunca noktalandı, böylece seyirci ataletle paraya ne olduğunu düşünmeye devam etti.

Halk, bundan sonra ne olacağını tahmin etmek için olayların önünde olmayı sever. Bu, basmakalıp düşünce zincirini kontrol ederek ustaca oynanabilir. Kızın yolculuğu hakkında ne kadar çok ayrıntı öğrenirsek, seyirciler onun kaçışını gözetlemeye o kadar daldılar. Bunun için motosikletli ve araba değiştiren bir polisin olduğu sahneleri dahil ettik. Motelin sahibi kıza hayatından bahsettiğinde ve birbirlerine bilmiş bakışlar attığında, seyirciler hala onun zulümden kaçıp kurtulamayacağını merak ediyor. Bazıları bu "hoş genç adamın" ona doğru kararı vereceğini öne sürüyor. İzleyicinin düşüncesini manipüle ediyoruz ve onu gerçekte olacaklardan olabildiğince uzak tutuyoruz.”

... Kız soyunur ve banyoya gider. Uzun bir duş alıyor ve bundan keyif alıyor. Kamera küvetin etrafında dönüyor ve şeffaf bir perde görüyoruz. Bir el onu uzaklaştırır. Korkunç bir kadın figürü, saldırmak için kaldırdığı bıçağıyla karanlıktan ona doğru adım atarken Marion çılgınca çığlık atıyor. Parıldayan devasa bir bıçağın ve kızın korku ve acı içinde kıvranan vücudunun hızla birbirini izleyen çekimleri. Sonunda Marion yerleşir, huni kan akımlarını çeker...

Norman koşarak gelir. O dehşete kapılmış durumda. Ancak kısa sürede kendine hakim olduktan sonra, suçun izlerini dikkatlice örtmek için önlemler almaya başlar...

Birçoğu, kahramanın ölümünün montajının eksiksiz olduğuna dikkat çekti. Ona yapılan saldırı, katilin banyodaki deliğe yapışmış gözünün yakın çekimiyle başlar ve kurbanın ölü, donmuş gözünün aynı yakın çekimiyle sona erer.

Hitchcock, "Çekimler için bir kadın gövdesi modeli yapıldı," dedi. “Bıçağın ağzından kan akmış olmalı. Ama biz kullanmadık. Çıplak dublör Janet Leigh ile çalıştık. Biz sadece Bayan Li'nin ellerini, omuzlarını ve kafasını gösterdik. Geri kalan her şey yedek oyuncuya aitti. Doğal olarak bıçak vücuduna değmedi, her şey monte edildi ... "

2004 yılında İngiliz Total Film dergisinin editörleri, eleştirmenlerden film tarihindeki "en iyi ölüm sahnelerini" seçmelerini istedi. Anket sonuçlarına göre ilk sırayı 90 kesmenin olduğu Marion'un öldürüldüğü sahne aldı.

Sahne bir hafta boyunca çekildi. Anthony Perkins buna katılmadı; o sırada New York'taki role hazırlanıyordu. 45 saniyelik sahne için 70 çekim yapıldı. Hitchcock'un elinde bıçaklı figürün ortaya çıktığı anda duşa buzlu su dökülmesini emrettiği ve bu nedenle oyuncunun çok doğal oynadığı söyleniyor. Ama bunlar sadece söylenti. Hitchcock'un siyah-beyaz versiyonu tercih etmesinin yanı sıra, filmin renkli olarak çok kanlı görünmesi nedeniyle. Bu arada, kan yerine çikolata şurubu kullanıldı. Cinayet mahalli seslendirilirken kış kavununa bıçak saplandı.

... Kız kardeşi (Vera Miles) ve sevgilisi (John Gavin) Marion'u aramaya koyulur. Aynı zamanda özel bir dedektif (Martin Belsam) da peşindedir. Norman'ın eski evine girmeye çalışır, yaşlı kadının aynı gizemli figürüyle çarpışır ve tıpkı Marion gibi bıçağının darbeleri altına düşer. Dedektifin ölümü de aynı yaratıcı şekilde sahnelenir. İstenilen efektlere ancak karmaşık kombine çekimlerin yardımıyla ulaşmak mümkün oldu.

Rahibe Marion yanlışlıkla Norman'ın annesinin on yıl önce öldüğünü öğrenir. Bodrum odalarından birinde sırtı ona dönük oturan yaşlı bir kadın bulur. Bir itişten sonra sandalye keskin bir şekilde döner: kız kendini mumyayla yüz yüze bulur ...

Bir an sonra, aynı yaşlı kadının elinde bıçakla bir figürü kapı eşiğinde belirir. Ani yardım, saldırmak için kaldırılan eli durdurur. Mücadelede peruk düşüyor ve karşımıza yaşlı kadın değil, Norman çıkıyor.

Son bölümde soruşturmaya katılan bir psikiyatrist tarafından her şey anlatılıyor. Norman karmaşık, bölünmüş bir kişiliğe sahiptir. Enkarnasyonlarından biri, küçük bir taşra motelinin sahibi olan yalnız bir genç adamdır. Öte yandan, akıl hastası olduğu iddia edilen kendi (aslında çoktan ölmüş) annesi olduğunu hayal ediyor. "Anne" imajında Norman, sadist ve katil olur, çünkü "anne" oğlunu tüm kadınlar için kıskanır ve yoluna çıkanları öldürür. Yani Norman farkında olmadan bir katil. Cinayetleri "annesinin" işlediğinden emindir ve o, Norman, onun suçlarını yalnızca gizler...

Kitapta Norman Bates, dıştan iğrenç, yozlaşmış ve seks manyağı olarak tasvir ediliyor: kocaman, şişman, kel, kırmızı yüzlü. Hitchcock ayrıca yakışıklı Anthony Perkins'i Norman'ı oynaması için davet etti. Yönetmen için, yalnızca Perkins'in çekici bir görünüme ve zarafete sahip olması değil, aynı zamanda bu aktörün Norman'ı asalet edebilmesi, yükseltebilmesi, onu zeki, rafine edebilmesi de önemliydi. Daha önce Perkins, dürüst, utangaç, özverili gençlerin birçok rolünü oynadı.

Psychosis'in ilk bölümlerinde Norman, üstelik bir romantik gibi görünüyor: ince güzelliği ve solgun yüzünün kederli ifadesiyle, bir peri masalından bir prensi andırıyor. Ancak, o zaman içinde şeytani bir şeyin kaydığı ve sonra iğrenç olduğu kötü bir büyücü gibi görünmeye başlar.

Anthony Perkins'in ücreti 40.000 dolardı. Tam olarak aynı miktar Marion tarafından çalındı.

Marion rolü için Shirley Jones, Lana Turner, Martha Heyer düşünüldü. Ama Janet Leigh kazandı. Oyunculuğa 1947'de MGM ile haftada 50 dolara bir sözleşme imzaladığında başladı. Aktris, The Seal of Evil'de (1958) Orson Welles ile yeteneğini gösterdi.

Janet Leigh, ekran testinden sonra Hitchcock'un kendisine şunları söylediğini hatırladı: “Seni seçmeye karar verdim çünkü sen gerçek bir aktrissin. Ancak unutmayın: Yalnızca senaryoda yazılanları oynamalısınız ve çok fazla soru sormayın. Oyuncuların doğaçlama yapması hoşuma gitmiyor." "Psychosis" filminin çekimleri, aktrisin sadece üç haftasını aldı ve bir hafta banyoda sahneye çıktı.

Eleştirmenler haklı olarak Hitchcock'ta ekranın tam anlamıyla her santimetresinin bilgi taşıdığına işaret ediyor - boş alan yok. Marion'un çalıştığı ofiste duvarda iki resim asılıdır: biri kızın daha sonra polis tarafından durdurulacağı yolu, ikincisi ise Norman'ın arabayı boğacağı bataklığı gösterir.

Marion parayı çalmadan önce sutyeni ve çantası beyazdır. Çalındığında siyaha dönerler. Hitchcock bunu bilerek yaptı, böylece kadın kahramanın kötü bir şey yaptığını gösterdi.

Marion'un ikinci arabasının plakası NFB-418'dir. Bunlar Norman (Francis) Bates'in baş harfleri.

Kuşlar, resmin gizli işareti haline gelir. Norman'ın hobisi tahnitçilik, yani doldurulmuş kuş yapmaktır. Bates'in ikinci adı, kuşların koruyucu azizinin adı olan Francis'tir. Kahraman Vinç'in adı "Vinç" olarak tercüme edilebilir. Norman, Marion'a "kuş gibi yediğini" söyler. Motel içi doldurulmuş kuşlarla dekore edilmiştir. Kuşlu resimler hem duvarda hem de banyo kapısında görülebilir.

Psycho, 30 Kasım 1959'dan 1 Şubat 1960'a kadar çekildi. Hitchcock ve senarist Joseph Stefano, caz bestelerini müzik düzenlemesi olarak kullanmak istediler, ancak daha sonra Bernard Herrmann'ın yaylı çalgılar orkestrasını tercih ettiler. Kemanların delici seslerinden damarlardaki kan soğuyor.

"Psycho" dünya çapında 50 milyon doları aşan hasılatla Hitchcock'un en çok hasılat yapan filmi oldu. Bu elbette yönetmeni memnun etti ama onu her şeyden önce filmin seyirciler üzerindeki etkisi tatmin etti. Hitchcock, "Benim için özünde konu önemsiz," dedi, "oyunculuk çok önemli değil; ama filmden, film müziğinden ve seyirciyi cıyaklatacak teknik numaralardan sorumluyum. Sinemanın kitlelerin duygularını etkileme yeteneği, kibrimizi son derece gururlandırıyor. Ve bu açıdan "Psikoz" bir başarı olarak kabul edilebilir. İnsanlar olay örgüsünden, büyük oyunculuk sanatından ve filmin çekildiği en çok satanlara olan aşktan şok olmadı. Saf sinema yaptı. Benim görevim halka faydalı bir şok vermek. Medeniyet, herhangi bir şeye doğrudan yanıt verme yeteneğimizi elimizden aldı. Nekrozdan kurtulmak ve iç huzuru yeniden sağlamak, ancak şokun eşiğinde hareket eden yapay tekniklerin yardımıyla mümkündür. Bu amaca en iyi sinema yardımıyla ulaşılır. Ve başarı içerikle değil, teknikle elde edilir. Kamera filme hükmediyor."

"Psikoz" ciddi bir hikaye ama yine de mizahla yeniden anlatılıyor ve Hitchcock bunu birden fazla kez vurguluyor: "Psikoz kesinlikle ciddi bir film olarak tasarlandıysa, herhangi bir gizem veya gerilim olmadan, bir belge gibi klinik bir vaka olarak ortaya konması gerekirdi." , bir hikaye hastalığı. Ve gerilim sineması ironi olmadan düşünülemez.

Resim dört Oscar'a aday gösterildi: yönetmenlik (Hitchcock), yardımcı kadın oyuncu (Lee), sanat eseri ve sinematografi (Russell Jr.). Ayrıca Janet Leigh, Altın Küre'yi kazandı.

Alfred Hitchcock'un "Psycho" filmi Entertainment Weekly dergisi tarafından tüm zamanların en iyi 11. filmi seçildi. Ayrıca gerilim türünün en iyisi olduğu ortaya çıktı.

"TATLI HAYAT"
(Tatlı yaşam)

Yapım: İtalya-Fransa, 1960 Senaryo Yazarları: F. Fellini,

T. Pinelli, E. Flaiano, B. Rondi. Yönetmen: F. Fellini. Operatör O. Martelli. Sanatçı P. Gherardi. Besteci N. Rota. Oyuncular: M. Mastroianni, A. Ekberg, A. Aimé, A. Cuny, M. Noel, E. Furno, V. Santesso, A. Celentano ve diğerleri.

Büyük İtalyan Federico Fellini'nin yaratıcılığının zirvesi "Tatlı Hayat" filmidir. Ustanın bu eseri, İtalyan yaşamının bütün bir döneminin bir dönüm noktasıydı. Daha sonra, önde gelen İtalyan film eleştirmeni Giovanni Grazzini, La Dolce Vita'yı 20. yüzyılın kültür ve sanatsal hayal gücünün mihenk taşı olarak adlandıracaktı.

Fellini'ye göre, filmin yiyeceği, görsellerini yaratması, Europeo ve Augie show gibi dergileri resimleyen türden bir yaşamdı: Katolik Kilisesi ve Vatikan'ın "siyah soylularının" anlamsız gösterimi, sonsuz resepsiyon fotoğrafları ve "bu dünyanın kudretlileri"nin şenlikleri. Resimli dergiler, sürekli kendini yücelten, kendine hayran olan, kendini öven ve ödüllendiren bir toplumun titrek bir yansımasıydı. Böyle bir topluluğa gülmemek günahtı. Ve Fellini bu fırsatı değerlendirdi.

"Tatlı Hayat", ellili yıllarda Roma'nın yaşamından, yeteneğini değiş tokuş eden ve vicdanını yatıştıran yozlaşmış bir gazeteci imajıyla bağlantılı bir kısa öyküler zinciridir. Filmin kısa öyküleri toplumun farklı katmanlarını gösteriyor: basın, burjuvazi, aristokrasi, aydınlar, bohemler. İnsanların yalnızlığının, yabancılaşmasının, ayrılığının hüküm sürdüğü kaygısız, boş, anlamsız bir yaşam.

Eylül 1958'de, "Tatlı Hayat" senaryosunun taslak versiyonu çıktı. Yazar ve senarist Ennio Flaiano şunları kaydetti: “Modern bir genç adamı (gazeteci olsun ya da olmasın) göz ardı edilemeyecek temel gerçeklikle çarpışma halinde göstermek istedik çünkü yalnızca basın, sinemanın kendisi, televizyon, sosyologlar ve ahlakçılar gösterileni yapın. Ve bu tatlı bir gerçek. O hoş. O seviyor ve sakinleşiyor."

Fellini, böyle bir filmi yönetmeye cesaret edecek bir yapımcı bulmayı hemen başaramadı. Yedi yapımcı "Tatlı Hayat" ı reddetti. Sonunda gözü pek biri ortaya çıktı - Angelo Rizzoli (aynı zamanda bir kitap yayıncısıydı).

Gazeteci Marcello'nun ana rolü, Marcello Mastroianni tarafından samimiyet ve derinlikle oynandı.

Fellini, "Bizi Juliet tanıştırdı" dedi. - Tiyatroda Marcello ile oynadı ve bana ondan ilk bahseden o oldu ...

Hırslarla dolu, şüpheci ve retorikçi, hedeflerine ulaşmak için her yola başvurmaya hazır bu gazeteciyi nasıl hayal ettim? Marcello ile tanışmaya karar vermeden önce birçok oyuncuya baktım. Onunla bir gezintiye çıktık ve hemen iki erkek gibi sohbet etmeye başladık.”

Belirleyici toplantı Fregen'de gerçekleşti. Marcello, Fellini ile çalışmak için her şeyi yapmaya hazırdı.

Sonra Marcello şöyle dedi: “Kızların peşinden koşan bir tür kırık adamı oynamaktan ve düz şakalar yapmaktan bıktım. Ve o zaman bana teklif edilen rol, bir aktör için bir rüya! Federico'ya kendimi alt üst edeceğime dair yemin ettim ve o bana inandı.

İsveç uyruklu Anita Ekberg, kariyerine Hollywood'da oyuncu olarak başladı. 1956'da İtalya'da Kral Vidor'un Savaş ve Barış filminde Helen Kuragina olarak rol aldı. Daha sonra İngiltere'de çalıştı ve İtalya'ya döndü.

La Dolce Vita'da yarattığı Sylvia imajı, Hollywood'dan gelen ve savurganlığı ve laik skandallarıyla Roma'da ünlenen bir film yıldızı olan Ekberg'in kişiliği ve karakteriyle şaşırtıcı bir şekilde örtüşüyordu.

Filmin kilit figürlerinden biri, toplumun ve medeniyetin daha da gelişmesinin umutsuzluğunu, çıkmazını fark eden Profesör Steiner'dir. Çocuklarını öldürür ve kendi canına kıyar. Eleştirmenlerin belirttiği gibi, Fellini filminde manevi değerlerin taşıyıcısı olan tek kişi olan Steiner'in ölümü, Marcello Rubini'yi normal bir varoluşa dönme olasılığından, herhangi bir kurtuluş umudundan mahrum eder.

Fellini, Henry Fonda'yı bu rol için ideal oyuncu olarak görüyordu. Hatta ona Amerika'ya davet bile gönderdi. Ancak Fonda meşgul olduğunu öne sürerek bunu reddetti ve rolü Alain Cuny aldı.

Anouk Aime, soğuk ve alaycı Romalı aristokrat Maddalena'yı canlandırdı. Aktris Yvonne Furneau, Marcello'nun metresi Emma rolü için mükemmel bir oyuncu olduğunu kanıtladı.

Fellini'nin çekimlerden önceki çizimleri arasında ünlüleri en uygunsuz yerlerde ve en uygunsuz anlarda filme alan bir Paparazzo foto muhabirini oynayan aktör Walter Santesso'nun birkaç resmi vardı. Fellini, bu ismin ruhsuz ve soğuk bir duygu avcısı için mükemmel olacağını düşündü.

Fellini, resepsiyon sırasında striptiz düzenleyen yapımcının eski eşi rolü için oyuncuyu titizlikle seçti. Nadia Gray gizemli, kışkırtıcı bir gülümsemeyle dikkatini çekti. Küçük yaşta bir Rumen prensiyle evlendi, ardından bir dizi İngiliz filminde seçkin bir yabancıyı oynadı.

Belgeselciliğe saygı duruşunda bulunan Fellini, filmine "gerçek" karakterleri - aristokratları, yazarları, sanatçıları, politikacıları - davet etti.

"Tatlı Hayat" çok uzun bir süre çekildi - neredeyse altı ay. Film 1959 sonbaharında tamamlandı.

Mastroianni, "Tatlı Hayat hayatımın en güzel dönemi, harika bir dönem, iyi çalıştık ve o zamanlar eğlendik!" dedi.

Oyuncu etrafında en hoş, en ideal atmosferi yaratan Fellini, karakterin yaratılmasında doğrudan yer aldı. İlk başta Mastroianni'ye endişeyle baktı - sanatçının saygın fizyonomisini biraz değiştirmek, ona daha belirsiz, kurnaz bir ifade vermek istedi. “Ona on kilogram kilo verdirdim (ve bu daha sonra her yeni filmden önce tekrarlandı) ve olabildiğince gergin ve huzursuz görünmesini sağladım. Üzerine siyah kaşlar çizdik, yüzüne sarımsı bir pudra sürdük, koyu renk gözlükler taktık, siyah bir takım elbise ve siyah bir kravat taktık. Yaptığımız tüm bu küçük oyunlar ona belli belirsiz hastalıklı bir görünüm verdi.

Marcello, Anita Ekberg ile hemen arkadaş oldu ve Federico onu putlaştırdı. Senaryoya göre Marcello, Sylvia'ya şöyle diyor: “Ay, Dünya, anne, eş. Kimsin?

İri göğüslü İsveçli, inanılmaz güzelliğinin yanı sıra portakal suyuyla içtiği votka miktarıyla da etkiledi. Meşhur gece sahnesinde heybetli, siyah bir elbise giymiş, uzun altın sarısı saçları çıplak sırtına dökülmüş, ağır ağır Trevi Çeşmesi'nin havuzuna yaklaşarak kendini suya attı. Marcello şaka yaptı, "Anita, Trevi Çeşmesi'nde banyo yaparak tarih yazdı."

Sonra başka güzellikler de vardı: Senarist Tulio Kezik'in yazdığı gibi, “tavuk kümesindeki horoz rolünden açıkça zevk alan Marcello'nun etrafında sürekli dönen Anouk Aimé, Yvonne Furneau, Nathalie Noel. Ekranda adeta bir süpermen olan cesur bir kahraman olan O, gerçek hayatta da akışına bırakılmıştır.

Aristokratların olduğu sahne, Fellini tarafından, Roma soylularının evlerindeki resepsiyonlara ve şenliklere sık sık gelen bir ziyaretçi olan Brunello Rondi'nin bazı hikayelerinden esinlenerek, çekimler sırasında eklendi.

Filmin müzikleri ise Nino Rota tarafından yapılmıştır. Fellini en sevdiği besteciye filmin resimsel planında barok, "Bizans" bir şeyler olduğunu ve müzikal temanın zengin ve aynı zamanda acınası, yavaş yavaş dolaşan bir kervan fikrini doğurması gerektiğini söyledi ( bir dereceye kadar "Tatlı Yaşamı" temsil eden) veya dalgalar üzerinde sallanan muhteşem ve aynı zamanda fakir bir gemi hakkında. Ve Nino Rota, ilham alarak belirli bir tema üzerine orijinal bir melodi besteledi. Jenerik için müzik daha önce yazılmıştı. Film müziğinin geri kalanı popüler melodilerden oluşuyordu.

... Şafakta sarhoş bir şirket denize açılır. Ve o anda, uzaklarda, körfezin ötesinde, pırıl pırıl gözleri olan bir kız yükselecek; bir şeyler bağıracak, elini Marcello'ya sallayacak, ama şaşkınlıkla şöyle diyecek: "Anlamıyorum" - ve herkesle birlikte denizin fırlattığı deniz canavarına gidecek ...

Yapımcı Angelo Rizzoli final hakkında üzgün bir şekilde "Hiç umut bırakmıyor" dedi.

Çekimleri tamamlamak için verilen ilk ziyafette Rizzoli bir şişe şampanyanın mantarını açtı ve mantar Mastroianni'nin göğsüne çarptı. "Sadece bir mantar olması iyi," diye şaka yaptı.

Sophia Loren de ilk gösteriden sonra üzüldü: "Zavallı şey, ne yaptın?" dedi Federico'ya.

Ama aynı zamanda vizyonerler de vardı. Rizzoli adına film prodüksiyonunun yayınlanmasına nezaret eden Peppino Amato, bir keresinde şöyle demişti: "La Dolce Vita sonsuza kadar sinema tarihinde bir kilometre taşı olarak kalacak."

Resim Şubat 1960'ta yayınlandı.

Film fırtınalı bir skandala neden oldu, kilise sansürle zulmetti. Mastroianni, "Milano'daki Capitol sinemasında ona [Federico] bile tükürdüler" diye hatırlıyor.

Padua Katedrali'nde vaizler, "alenen günah işleyen Federico Fellini'nin ruhunun kurtuluşu" için dua çağrısında bulundu. Osservatore Romano'da "İğrenç Bir Hayat" başlıklı bir makale çıktı. Bazıları sansürün filmi gösterme izninin kaldırılmasını, negatiflerin yakılmasını ve yönetmenin yabancı pasaportunun alınmasını talep etti.

Fellini, işinin gerçek doğasını açıklamak için Milano Başpiskoposuna gitmek zorunda kaldı: “Tüm ideallerin ve tüm kurumların çökmekte olduğu, insanların, bir şeyler beklemek, otomatlar gibi hareket etmek, "2000 yılının bir halk şarkıcısı-söz yazarının yapabileceği şekilde insanlığın ahlaki durumunu göstermek istedim."

Bir dahaki sefere Fellini basın sayfalarında şöyle diyecek: “Bu filmin korkunç olduğunu söylüyorlar. Ama neden korkutucu? Tamı tamına hassasiyetle dolu böylesine hassas bir anlatımda korkunç ne olabilir?.. Filmim bir yas ve yıkıntılar panoraması olsa da... bu yıkıntılar öyle parlak, öyle şenlikli, neşeli, öyle altın bir ışıkla aydınlatılıyor ki hayat harabeler çöküp molozlarıyla yolunuzu tıkasa bile... bana öyle geliyor ki umutsuzluğu değil, umudu ifade ediyorum .

Yönetmen Pier Paolo Pasolini, La Dolce Vita'nın yazarını destekledi: "Yakından bakın: tüm filmde üzülecek veya sempati duymaya değer tek bir karakter yok: herkes güzel, herkes tatlı, kalıp atılsa bile ; ölümün ağır ayak sesleri duyulsa da herkesin hayatta kalmaya yetecek enerjisi ve gücü vardır. Tüm karakterlerin var olma sevinciyle bu kadar iç içe olduğu bir film görmemiştim. Yıkıcı, trajik anlar bile sulu, tam kanlı, gösteriler gibi sunulur, sorun olarak değil.

"Tatlı Hayat" muazzam bir seyirci başarısı elde etti. Fellini bitmeyen tartışmalara katıldı, çok sayıda röportaj verdi. Birçok kişi bu filmden servet kazandı. Fellini, yapımcıdan yalnızca elli bin dolar ve bir altın saat aldı. La Dolce Vita'nın çekimleri için Via Veneto'yu dönüştürmeyi gerekli gördü çünkü sokak ona "güvenilmez" görünüyordu. Yapımcı bunun için para olmadığını söyledi ama Fellini filmin kiralanmasından elde edilen gelirden yüzde pay almayı reddederse ... Gerçek bir sanatçı olarak Fellini tereddüt etmedi: “Eğer bir kez daha yapma ihtiyacıyla karşılaşırsam böyle bir karar, o zaman, filmin kaderinin ne olacağını bilsem bile, fedakarlığımın tam bilinciyle aynısını yapardım.

La Dolce Vita, Cannes 60'ta Altın Palmiye, Acapulco Film Festivali'nde FIPRESCI Ödülü ve Yılın En İyi Yabancı Filmi dalında New York Eleştirmenler Ödülü'nü kazandı. Kostüm tasarımcısı Piero Gherardi Oscar'a layık görüldü. "Tatlı Hayat" farklı ülkelerden yönetmenler üzerinde önemli bir etki yarattı.

Fellini'nin filminin vizyona girmesinden sonra İngilizce'de "Dolce Vita" ("Sweet Life") ifadesi ortaya çıktı ve ünlü fotoğraf avcılarına "paparazzi" denilmeye başlandı.

ROCCO VE KARDEŞLERİ

(Rocco ei suoi fratelli)

Yapım: İtalya-Fransa, 1960. Senaryo yazarları L. Visconti, V. Pratolini, S.Ch. d'Amico, P. F. Campanile, M. Franciosa, E. Medioli. Yönetmen: L. Visconti. Operatör J. Rotunno. Sanatçı M. Garbulya. Besteci N. Rota. Oyuncular: A. Delon, R. Salvatore, A. Girardot, K. Paquetu, P. Stoppa, S. Delar, C. Cardinale, S. Fokas, A. Panaro, M. Cartier, C. Pani, R. Vidolazzi ve vb.

1958'de İtalyan yönetmen Luchino Visconti, gazetecilere verdiği bir röportajda, "genç boksörlerin hayatından" film fikrinden bahsetti. Hikayenin kahramanlarının, bir "ekonomik mucize" koşullarında daha iyi bir yaşam arayışına giren fakir Lukanin'den köylüler olması gerekiyordu.

"Rocco ve Kardeşleri" filminin fikri Visconti tarafından sunulduysa, ana olay örgüsü hamlesi Vasco Pratolini tarafından önerildi ve ardından senaryo üzerinde özenli çalışma başladı. Visconti liderliğinde Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franchosa, Enrico Medioli tarafından yönetildi ve her biri belirli bir kahramanın kaderinden sorumluydu.

Film Ekim 1955 ile Şubat 1960 arasında geçiyor. “Rocco ve Kardeşleri”, iflas eden ve güneyden, Lukanin'den “kuzey başkenti” Milano'ya gelen Parondi köylü ailesinin (Anne Rosaria ve oğulları) hikayesini anlatan sosyo-psikolojik bir film romanıdır. en büyük oğlu Vincenzo'nun çoktan yerleştiği yer. Rosaria, diğer oğulları Simone, Rocco, Ciro ve küçük Luca'nın hayatlarını burada düzenleyebilmelerini umuyor.

Simone (Renato Salvatore) bir boks okuluna girer. Rocco (Alain Delon) teslimatçı olarak çalışmaktadır. Ailenin maddi durumu iyiye gidiyor. Ancak Simone, fahişe Nadia'ya (Annie Girardot) aşık olur ve hırsızlık yaparak onun için para ve hediyeler almaya başlar. Rocco askere alınır.

Bu arada Parondi ailesi üç odalı yeni bir daireye taşınır, Vincenzo (Spiros Fokas) seçtiği Ginetta (Claudia Cardinale) ile evlenir, bir çocukları olur: Ciro (Max Cartier) Alfa Romeo otomobil fabrikasında çalışmaya gider.

Rocco, orduda görev yaparken yanlışlıkla hapis cezasını çekmiş Nadia ile tanışır. Bu görüşmeden aşkları başlar. Umut dolu bir şekilde Milano'ya dönerler.

Burada Simone, arkadaşlarıyla birlikte çorak arazide aşıkları pusuya düşürür ve Nadya'ya kardeşinin gözü önünde "eğitim amaçlı" tecavüz eder. Rocco, ağabeyine karşı çıkmak istemez ve Milano Katedrali'nin çatısında Nadia ile acı verici bir açıklama sırasında ondan Simone'a dönmesini ister.

Şiddet ve zulümden nefret eden Rocco, ailesini kurtarmak için profesyonel bir boksör olmak zorunda kalır. Simone içki içer, iskambil oynar, kardeşlerinden borç para alır. Nadia ona geri dönmeyi reddettikten sonra kızı bıçaklıyor. Ayık düşünme yeteneğini kaybetmeyen tek kişi olan Ciro, cinayeti polise bildirir ve Simone tutuklanır. Olan her şeyi deneyimleyen Ciro, küçük kardeşi Luca'ya (Rocco Vidolazzi) Simone'u diğerlerinden daha az sevdiğini söyler. Tüm sıkıntıların sebebini, ailenin yeni bir hayat arayışı içinde memleketlerini terk etmesinde, köklerinden kopmasında görüyor.

Olay örgüsünden filme giden yolda çok şey değişti, dönüşümler geçirdi. Bu, Rocco'nun ölmekte olduğu ve vurgunun figürü üzerinde olduğu olay örgüsüne kıyasla, senaryoda zaten farkedilebilirdi. Visconti çekimler sırasında şunları yazdı: "Rocco ve Kardeşleri filminin - ve bu başlığın, vurgunun bir karakterden diğerine kaymasının bir sonucu olarak, Ciro ve Kardeşleri olarak değiştirilebileceği - artık netleşti. "Beyaz Geceler" gibi kayıp yanılsamalarla ilgili roman..."

Senaryonun ilk taslağında Ciro, Alfa Romeo fabrikasında çalışmıyordu. Kardeşlerin ortaklaşa bir kamyon satın alacağı ve kendisinin, Ciro'nun Lucanin'den Lombardiya'ya petrol veya diğer ürünleri taşıyacağı ve böylece Milano'da yaşadığı için memleketinden ayrılmayacağı gibi "ideal" bir dernek hayal etti.

Çekimler Milano civarında, Fogliano Gölü'nde, Roma stüdyosu "Titanus" un iç kısmında gerçekleşti.

Yönetmen, Rocco rolü için genç Alain Delon'u davet etti. Clément'in "Parlak Güneşte" filmindeki büyük başarı, İtalyan-Fransız ortak filmi "Rocco ve kardeşlerinin" yapımcılarının dikkatini acemi bir aktörün adaylığına çekti.

Delon'un Visconti ile ilk tanışması 1958'de, birçok İtalyan aktör Olga Horstig'in menajeri olduğu Londra'da gerçekleşti. Bundan kısa bir süre önce Luchino Visconti'yi ziyaret etti. Masada yönetmen konuğa, Rocco rolünün oyuncusunu bulamadığı resmin konseptini ayrıntılı olarak anlattı. Yemeğin sonunda Horstig, Visconti'nin tam da ihtiyaç duyduğu kişinin Alain Delon olduğuna ikna olmuştu. Ve birkaç gün sonra oyuncuyu onunla Londra'ya gitmeye davet etti.

İngiltere'nin başkentinde Luchino Visconti, Verdi'nin Don Carlos operasını sahneledi. Operanın sonunda Olga Horstig, Delon'u yönetmenle tanıştırdı. Visconti daha sonra "Onu görür görmez bunun Rocco olduğunu anladım," diyecek.

O zamanlar Alain Delon, Luchino için onu şiddetle kıskanan Romy Schneider'in nişanlısıydı. Delon bu konuda şunları kaydetti: “Visconti bir estet idi, güzelliği severdi, erkekleri tercih ederdi. Bana aşık değildi ama öyleydi, bu doğru."

Çekimler 22 Şubat 1960 sabahı başladı. Yönetmen, Milanolular tarafından grubuna verilen resepsiyona sevindi. Visconti, memleketinin herhangi bir bölgesinde değerli yardımcılar bulur.

Delon heyecanla Rocco'nun en karmaşık görüntüsü üzerinde çalışmaya başladı. Visconti onunla çok zaman geçirdi, Thomas Mann'ın "Joseph and His Brothers" romanı hakkında, Dostoyevski'nin "The Idiot" filmindeki Prens Myshkin'in imajı hakkında, Milano'nun kenar mahallelerinin çevirdiği orman hakkındaki hikayeleri Giovanni Testor hakkında konuştu. savaştan sonra senaristler tarafından kullanılmıştır.

Delon hakkındaki kitabın yazarı, film eleştirmeni A. Braginsky'nin belirttiği gibi, “Rocco'da asıl mesele, karakterlerin ilişkilerinin metni ve psikolojik alt metnidir. Visconti, oyunculardan sözlerde ve jestlerde en üst düzeyde kesinlik ve anlamlılık talep etti. Alain Delon, kahramanının soğukluğunun açıkça sahte olduğunu ustaca gösteriyor. Nadia ile konuşurken Rocco'nun gözlerindeki acı ve acıyı kimse unutamaz.

Çekimlerden önce altı ay boyunca Via Salaria'daki spor salonunda antrenman yapan Renato Salvatori de öyle. Alain Delon sıkı bir eğitim rejimi izler. Fransız boksör Jacques Voyon tarafından tavsiye edildi.

Delon için asıl sınav, son dövüş sahnesiydi. Filmdeki rakibi, rolünde Fransız profesyonel Atali'nin ringe çıktığı İsveçli bir boksör. Çekimler için eski Milano tiyatrosunun binaları donatıldı ve ekstralar toplandı - altı yüzden fazla kişi.

Isınmadan sonra Visconti, Alain'e "Şimdi çekime başlıyoruz!" diyor. Klaket tıkırtısı başladı. Kalabalık "Rock-co... Rock-co!" diye bağırır ve Alain, Atalı'ya bir dizi darbe indirir. Düşüyor. Hakem sayar: "Bir, iki, üç." Seyirci alır: "Dört, beş, altı." Kalabalığın uğultusu: "Yedi, sekiz, dokuz." Visconti memnun. Sahneye daha gerçekçilik katmak için üç farklı açıdan bir çekim daha istiyor. Genel olarak, Alain bütün bir boks maçı geçirmek zorunda kaldı.

Rocco'ya karşı samimi duyguların saflığını koruyan Milanlı bir fahişe olan Nadia rolü, 29 yaşındaki Fransız aktris Annie Girardot tarafından zekice canlandırıldı. Bu filmden önce rolü somutlaştırarak daha güçlü, daha parlak bir çizimi yoktu. Film üzerinde çalıştığını bir tatil olarak hatırlamasına şaşmamalı. Sonra Roma'da Annie Girardot, kocası olacak ve ondan bir kızı Giulia'yı doğuracağı aktör Renato Salvatori ile tanıştı.

Daha önce Gibson'ın Two on a Swing oyunundan uyarlanan performansta Visconti ile birlikte oynayan oyuncu, Rocco'da herkesi şok etti. Onun güçlü dramatik mizacını ilk tahmin eden Luchino Visconti oldu. Girardot'un kendisi şöyle dedi: “Visconti harika bir oyuncu. Arkasındaki oyuncuyu onun için fark edilmeden yönetmeyi başarır ve rolünü hayatının bir devamı haline getirir. Derinlemesine, neredeyse bilinçaltı düzeyinde hareket eder ve kadın kahramanın karakterine tam uygun olarak, oyuncunun bilinçli tepkilerinden çok içgüdüsel tepkilerini gerçekleştirir. Eminim ki Visconti gibi harika, korkunç ve komik bir yönetmenle uğraşan bir oyuncu için "anlamak"tansa "olmak" tercih edilir.

Rocco ve Kardeşleri'nde Claudia Cardinale'de küçük bir rol oynadı. Visconti, hevesli aktrisi halktan enerjik bir genç kadın - beş Parondi kardeşin en büyüğü olan Vincenzo'nun karısı Ginetta rolünü oynamaya davet etti. Teslim olmuş, sessiz Vincenzo, büyük bir şehrin yabancı ve acımasız yaşamına hızla uyum sağlamayı başardı, ancak o, kardeşlerinin aksine, azla yetinmeye hazır. Ve Ginetta, beklenmedik bir cesaret ve azimle, çocuklarının mütevazı mutluluğunu, iç huzurunu ve esenliğini savunuyor.

Rocco ve Kardeşleri ilk kez 6 Eylül 1960'ta Venedik Film Festivali'nde gösterildi. Film, film forumunun ana etkinliği oldu. Ancak festival müdürlüğü ona büyük ödülü vermemek için her şeyi yaptı. Bu entrikanın bir sonucu olarak "kazanan", Andre Caillette'in "Ren Nehri'ni Geçmek" filmi oldu. Jüri üyesi Sergei Bondarchuk ve tüm Sovyet delegasyonu protesto amacıyla festivalden ayrıldı. Visconti, filmi ikincilik ödülünü aldığında çok üzüldü. Hatta kabul etmeyi reddetti.

O dönemde ülkenin liderliğini ele geçirmeye çalışan sağcı siyasetçiler, sansürcüleri ve hatta polisi harekete geçirerek "Rocco ve Kardeşleri" filminin gösterime girmesini engelledi ya da her halükarda yasa tasarısına maruz bıraktı. Yine de, resim tüm İtalya tarafından izlendi. Başka hiçbir Visconti filmi bu kadar büyük bir başarı elde edemedi.

"Rocco ..." hakkındaki tartışma uzun süre azalmadı, ancak eleştirmenlerin hiçbiri resmin büyük önemini inkar edemedi. Visconti'nin bir zamanlar Neorealizm tarafından yapılan keşifleri yeni bir düzeye çıkardığını yazdılar. Eleştirmenler, Visconti'nin filmini Dostoyevski'nin Karamazov Kardeşler ve Aptal romanlarının yanı sıra Thomas Mann'ın Joseph ve Kardeşleri romanıyla karşılaştırdılar. Son olarak, başrol oyuncularının çalışmalarının oyunculuk yeteneklerinin keşfinin ne olduğunu unutmamalıyız: Annie Girardot, Alain Delon, Renato Salvatori!

"Macera"
(Uavventura)

Yapım: İtalya-Fransa, 1960. Senaryo M. Antonioni, E. Bartolini, T. Guerra. Yönetmen M. Antonioni. Operatör A. Skavard. Sanatçı P. Poletto. Besteci D. Fusco. Oyuncular: G. Ferzetti, M. Vitti, L. Massari, D. Blanchard, J. Addams ve diğerleri.

Michelangelo Antonioni, Macera'yı kırk yedi yaşındayken yönetti. Film, çalışmalarında bir dönüm noktası olduğunu kanıtladı. Bundan böyle Antonioni'nin resimlerinin kahramanları mühendisler, mimarlar, gazeteciler, yazarlar, yönetmenler ve onların entelektüel eşleri ve kız arkadaşları olacak. Yönetmen, kendisini endişelendiren tehlikeye odaklanmaya karar verdi - toplumu tehdit eden zihinsel çürüme, insan bağlarının kopması ve manevi yoksullaşma.

"Macera", zengin kız Anna (Lea Massari), sevgilisi Sandro (Gabriele Ferzetti), arkadaşı Claudia (Monica Vitti) ve Anna'nın hafta sonu için davet ettiği misafirlerini içeriyor.

Parti sırasında Anna bir yerlerde kaybolur, arayışı başlar ama hiçbir yere götürmezler. Hayat Devam Ediyor. Sandro, Claudia'ya düşkündür, ancak bu onun laik bir partide bir fahişe eşliğinde görünmesini engellemez. Claudia hayal kırıklığına uğradı. Sandro çaresiz. Ama şafakta affedilir...

Antonioni'ye sık sık Anna'nın nereye gittiği soruldu. Senaryoda bir sahne vardı, sonra kesildi, Claudia ve diğer konukların adada dolaşıp kızın ortadan kaybolmasıyla ilgili her türlü varsayımda bulundukları. Ama hiçbirinde duramazlar. Sessizlik var ve sonra biri şöyle diyor: "Ya da belki boğuldu?" Claudia şaşkınlıkla sorar: "Kolay mı?" Şaşkınlık içinde karakterler birbirlerine bakarlar.

"Macera" konusu, filmin yapımından çok önce doğdu ve kayıp kızın gerçek hikayesinden ilham aldı. Antonioni aramasına bile katıldı. Bu olay tek başına senaryo yazmak için yeterli zemini sağlamasa da yönetmenin hayal gücünü fazlasıyla heyecanlandırdı. Gezilerden biri sırasında, kızın ortadan kaybolmasıyla ilgili tüm koşullar hafızasında su yüzüne çıktı ve "Macera" senaryosu ortaya çıktı.

Antonioni bir röportajda şunları söyledi: “Hoş filmler ve acı filmler, hafif filmler ve hasta filmler var. "Macera" acı, biraz hastalıklı bir film. Duyguları terk etmenin acısı veya başlangıcı, doğumu zaten sonun mührü ile işaretlenmiş olan duyguların acısı. Ve tüm bunları efektlerden yoksun bir dille anlatmaya çalıştım. [...] Maceralar her gün gerçekleşir. Her gün başımıza gelen herhangi bir toplantı bir maceraya dönüşebilir. Bugün yüksek ahlaklı bir insan, bilimsel alanda değil, ahlaki alanda cehaletten korkar. Bunalıma girmiş, korkulara kapılmış böyle bir insan kaçınılmaz olarak başarısız olur. Macerası iyi bitemez."

Çekimler Eylül 1959'dan Ocak 1960'a kadar Roma ve Sicilya'da yapıldı.

Film ekibi her sabah bir tekneyle Panarea'dan (Eolie Adaları) yirmi dakika uzaklıktaki Lisca Bianca uçurumuna doğru yola çıkar. Deniz genellikle çok fırtınalıydı. Bu geziler sırasında insanlar hayatlarını riske attılar.

Vapurlar hatta hizmeti geçici olarak durdurdu ve film ekibi küflü boynuz ve bisküvi yedi. Sigara yoktu. Ve maaşlar da. Elbette görevliler, hat düzelir düzelmez Roma'ya dönmeye karar vererek greve gittiler. Resmin yönetmeni başka işçileri işe aldı. Ancak oraya varıp grevcilerle görüştükten sonra aynı gemiyle evlerine gittiler.

Yönetmen, oyuncular, kameraman, yönetmen ve yardımcıları adada kaldı. Projektörleri üzerlerinde taşıdılar ve neredeyse açık denizlere yerleştirdiler. Bir gece bir fırtına, grubun Panarea'ya dönmesini engelledi ve geceyi bir uçurumun üzerinde geçirmek zorunda kaldı. Dalga, iki kişinin bulunduğu salın demirlerini kopartarak denize çıkardı. Sal, şafakta tamamen bitkin, bitkin insanlarla bulundu.

Yapımcı ilk zorlukta kaçtı. Roma'da uzun süre yenisini bulamamışlar.

Antonioni, "Ama benim için o kadar da önemli değildi" dedi. “Yirmi bin metrelik filmle çekim yapabilirdim. Başka bir sorunum vardı: Filmin gerçeğini nasıl gösterebilirim ve onunla hiçbir ilgisi olmayan, ancak bu kadar buyurgan bir şekilde hayatımıza ve işimize giren diğer her şeyi "sessizleştiririm"? Veya bu dinlenmeyi başka şeylerin bir ölçüsü olarak mı alacaksınız? Elbette yoldaşlarıma böylesine saçma bir yaşam ve çalışma dayatmaktan duyduğum endişeleri, zorlukları ve aşağılanmaları gizlemek isterim. Bu bir filmse, o zaman film nedir?

Monica Vitti ilk olarak Antonioni ile filme aldı. Kahramanı Claudia, bir zevk gezisi sırasında insanların maneviyat eksikliği ve sinizmiyle karşılaşan ve bundan acı bir şekilde muzdarip olan modern bir genç kadındır. Aktris, "Bu filmdeki çalışmalarım hem yaratıcı hem de insani olarak tüm duygularımı zenginleştirdi" dedi. “Hiçbir şey söylemeniz gerekmeyen, sadece düşünmeniz gereken ve her şeyi gözünüzden okumanız gereken bir rolü oynamak çok zor.”

Tabii ki, yönetmenlik, Antonioni'nin filminin tüm içsel olarak gergin, yavaş tempolu ritmi olan kahramanın sessiz, bağımsız bir imajını yaratmaya yardımcı oldu, ancak yine de, bu unutulmaz kadın imajı, ifadesini büyük ölçüde Monica Vitti'nin yeteneğine borçludur.

"Macera" nın sonu farklı şekillerde anlatılmıştır. Çerçevenin bir yanında tüm kar beyazlığıyla Etna Dağı, diğer yanında ise sıradan bir duvar. Gerçeğe en yakın kişi Georges Sadoul'du. Bir anlamda duvar bir erkeği, Etna da bir kadını simgeler. Çerçeve tam olarak ikiye bölünmüş, duvarın bulunduğu bir kısım karamsar bir başlangıca, Etna'yı betimleyen diğer kısım ise iyimser bir başlangıca bağlanmıştır.

Antonioni, “Karakterlerin birbirinden ayrılmayacağı oldukça açık olsa da bu iki grup arasındaki ilişkinin nasıl gelişeceğini bilmiyorum” dedi. - Kız elbette adamı terk etmeyecek, onunla olacak ve onu affedecek çünkü birçok yönden benzer olduklarını anlıyor. Anna'nın geri dönebileceğini hissettiği andan itibaren, bir zamanlar onları birbirine bağlayan dostane duyguları unutturan bir korkuya kapıldı. Aynı şekilde, kahraman bir zamanlar Anna'ya aşık oldu ve belki de şimdi kıza olan aşkı sona eriyor. Ama ona başka ne kaldı, onunla birlikte olmamak nasıl? Aynı zamanda bir güç kaynağı olan bu ortak suçluluk duygusu olmasaydı hiçbir şey kurtarılamazdı.”

Macera 25 Ağustos 1960'ta Bologna'da prömiyer yaptı. Antonioni'nin filmi ve karakterleri, İtalya'da ve yurtdışında hemen anlayışla karşılaşmadı.

Gerçek tanıma Fransa'dan geldi. Cannes Film Festivali'nde "Macera" filminin gösterimi hararetli tartışmalara eşlik etti. Filmle ilgili hemen hemen her yazı, mitinge "Anna'yı arıyoruz!" gibi afişlerle gelen Cannes halkının meraklı algısını anımsattı. Antonioni'nin filmi Jüri Özel Ödülü, FIPRESCI Film Basın Derneği Ödülü ve Genç Eleştirmenler Ödülü'nü aldı.

Halkın alaycı tavrına karşılık olarak, uzun “duygu yolculuğu”nu, “aşk çölü”nün bu en detaylı keşfini, bulunamayan bu mutluluk arayışını, her zaman son bulan arayışları savunan çok ses oldu. başarısızlığın tanınmasında. Françoise Sagan, daha sonra yaygınlaşan yeni bir kelime olan "iletişimsizlik" ile ifade edilen "hayata hüzünlü ve şefkatli bakış" şarkısını söylemek için kalemi eline aldı.

Uluslararası bir anketin sonuçlarına göre, İngiliz dergisi Site and Sound, The Adventure'ı tüm zamanların en iyi filmleri listesinde ikinci sıraya koydu ve Antonioni, Eisenstein, Chaplin, Renoir ve Wells'ten sonra yönetmenler arasında beşinci oldu.

Antonioni'nin sonraki resimleri: "Gece" (1960, Batı Berlin'de büyük ödül), "Tutulma" (1961, Cannes'da özel ödül) ve "Kızıl Çöl" (1964, Venedik'te büyük ödül), " Macera", başka hiçbir dünyadan farklı olarak Antonioni'nin özel dünyasını yeniden yaratın. Yönetmenin kız arkadaşı, "üzgün ilham perisi" Monica Vitti, melankoliden, yalnızlıktan, varoluşun anlamsızlığından muzdarip, başkalarıyla karşılıklı anlayış arayan modern İtalyan kadınlarının görüntülerini yaratıyor.

İnsan yalnızlığı tetralojisinde Antonioni, modern toplumun akut hastalıklarından birini gösterdi - manevi duygusuzluk, maneviyat eksikliği, maddi zenginlik, prestij ve kariyer peşinde koşmanın bir sonucu olarak ayrılık. "Filmleriniz duyuların hastalığı hakkında mı?" yönetmen soruldu. "Hayır," diye yanıtladı usta, "bunlar duyguların yokluğuyla ilgili."

Antonioni, "içsel neo-realizm" olarak adlandırılan bir akım olarak sıralandı. "Yabancılaşma" ve "iletişimsizlik" şairi olarak kabul edilmiştir.

"VIRIDIANA"
(Viridiarya)

Yapım: İspanya - Meksika, 1961. Senaryo yazarları L. Bunuel ve X. Alejandro. Yönetmen: L. Bunuel. Operatör X. F. Agayo. Sanatçı F. Kanet. Müzik: Handel'in "Mass" ve Mozart'ın "Requiem"inden alıntılar. Oyuncular: S. Pinal, F. Ray, F. Rabal, M. Lozano, T. Rabal, X. Calvo ve diğerleri.

Luis Bunuel, film fikrinin nasıl doğduğu hakkında bir röportajda şunları söyledi: “Viridiana, Francis of Assisi döneminin az bilinen bir azizidir ve adı uzun zamandır dikkatimi çekmiştir. Onu Meksika'da hatırladım, bu görüntüden doğan filmin konusunu buldum. Ne zaman bu şekilde çalışmaya başlasam ve sonra iş sıçramaya başlıyor. Arkadaşım Julio Alejandro, İspanya Kraliçesini yatıştırdıktan sonra yatağına girmeyi başardığım, anlattığım eski erotik rüyanın gelişmesine yardım etti. Bu hikaye bir başkasıyla örtüştü…”

Senaryo hazır olduğunda yapımcı Alatriste, "Filmi İspanya'da çekeceğiz" dedi. Karar beklenmedikti - o sırada diktatör Franco orada hüküm sürüyordu.

Meksika'da yaşayan Bunuel, yalnızca Frankocu rejime muhalefetiyle tanınan Bardem film grubuyla işbirliği yapmayı kabul etti. Buna rağmen, Meksika'nın göçmen çevrelerinde Cumhuriyetçilerin gürültüsü ve protestoları başladı. Yönetmenin Frankocu İspanya'ya döndüğü haberi İspanyol göçmenlerin cesaretini kırdı. “Aramızda üç büyük vardı: Pablo Picasso, Pablo Casals ve Luis Bunuel. Şimdi Bunuel İspanya'ya döndü…”

Arkadaşlar yönetmen için ayağa kalktı ve bir tartışma çıktı: Bunuel'in İspanya'da çekim yapma hakkı var mı? Bu bir ihanet değil mi?

Bunuel tüm suçlamaları reddetti: “Bazen az ya da çok başarılı filmler çekmeyi başardım, ama hayatımı kazanmak için sıradan filmler de yapmak zorunda kaldım. Ancak hiçbir zaman taviz vermedim ve değer verdiğim ilkelerimi her zaman savundum. İspanya'ya anavatanım olduğu ve özgürce çalışma fırsatı bulduğum için gittim."

Film, Madrid'de bir stüdyoda ve şehrin dışındaki lüks bir arazide çekildi.

Oyuncu kadrosu mükemmeldi. Bunuel, Francisco Rabal ile yeniden çalıştı ve ilk kez Fernando Rey ve Silvia Pinal'i filme aldı. Küçük roller için eski aktörlerden bazıları ona 1930'ların resimlerinden tanıdık geliyordu.

Buñuel Conchita'nın kız kardeşi filmin çekimleri hakkında şunları söyledi:

“O zaman kardeşimin 'sekreteri'ydim. Madrid'deki hayatı bir münzevi hayatına benziyordu. Başkentteki tek gökdelenin on yedinci katında bir apartman dairesinde oturuyorduk. Louis, sütununda stilist bir keşiş gibi yaşadı.

Bazı sahnelerin nasıl çekildiğini gördüm. Luis'in melek gibi bir sabrı var. Asla kızmaz. Ama birkaç çekim yapıyor.

Filmdeki on iki fakirden biri, Cüzamlı lakaplı gerçek bir dilenciydi. Erkek kardeş, diğerlerinden üç kat daha az maaş aldığını öğrendi ve kızdı. Yapımcılar, çekimler bittikten sonra kendisi için bağış toplanacağını söyleyerek onu sakinleştirmeye çalıştı. Luis'in öfkesi daha da güçlendi, bir kişinin iş için sadaka almasına izin veremezdi. O da herkes gibi serserinin ücretinin her hafta ödenmesini talep etti.

„Filmdeki kostümler orijinaldir. Onları bulmak için gecekondu mahallelerini ve köprü altlarını karıştırmak zorunda kaldık. Onları gerçek ve iyi şeylerle değiştirdik. Paçavralar dezenfekte edildi ama oyuncular yoksulluk kokuyordu."

Bu filmde Bunuel, kendisine göre dokunduğu her şeyin değerini düşüren din ile bir kez daha hesaplaşıyor.

Manastır yeminini etmek üzere olan genç bir rahibe olan Viridiana (Silvia Pinal), yaşlı amcası Don Jaime'yi (Fernando Rey) birkaç günlüğüne ziyarete gelir. Her akşam gözlerden uzak, garip bir ritüel gerçekleştirir: ciddi kilise müziği eşliğinde, düğün gecesinde kalp krizinden ölen bakire karısının gelinliğini dener. Viridiana, rahmetli karısına çarpıcı bir benzerlik taşıyor. Don Jaime yeğenine tecavüz etmeye çalışır, ancak yeğeni kaçmayı başarır. Don Jaime kendini bir ağaca asarak intihar eder.

Yeğeni mülkünü miras aldı. Dünyevi hayatında saflığını ve müjde emirlerine sadakatini korumayı umarak manastırdan ayrılır. Viridiana, yoksulların ve yoksulların kendi elleriyle yaşayacakları bir topluluk yaratmaya çalışıyor. Herkesle dindar bir şekilde ilgilenir, yaraları iyileştirir ve kabukları yıkar.

Ancak çevresi kalpsiz, alaycı ve dağınıktır. Aristokrat ev gerçek bir doğum sahnesine dönüşüyor. Aşağılanmış insanlar sarhoş olur, sefahat eder ve velinimetlerine tecavüz edecek kadar ileri giderler. Bir dilenci cümbüşü, Viridiana'nın kompozisyon ve semantik merkezidir. Yönetmen, acı çekmenin arındırıcı gücü fikrini, onu bir başka rahatlatıcı yanılsama olarak görerek reddediyor.

Buñuel, "Bu dilencilerin malikanenin yemek salonunda, mum ışığında, dantel bir masa örtüsüyle kaplı büyük bir masada nasıl yemek yediklerini görmek istedim" dedi. “Aniden, bir tür resmin kompozisyonunu aldığımı fark ettim ve Leonardo da Vinci'nin Son Akşam Yemeği'ni hatırladım. Ve son olarak, ilişkilendirme yoluyla, Handel'in "Mesih" inden dilencilerin seks partisi sahnesine ve dansına "Şükürler olsun" eşlik ettim ve bunu bir rock'n roll ritmiyle vurgulamış olmamdan daha şaşırtıcı olduğu ortaya çıktı. Bu efekti beğendim. Aynı şekilde yaşlı adam ve kız arasındaki aşk sahnesinde Mozart'ın Requiem'ini vermek ve inşaatçıların çalışmalarını Meryem Ana'ya bir dua ile karşılaştırmak istedim.

Viridiana, pratik ve alaycı bir adam olan Kuzen Jorge'nin (Francisco Rabal) yardımıyla şiddetten zar zor kurtulur. İlk başta Bunuel, yaşlı adamın oğlunu bir cüce yapmak istedi. Ama sonra herkesin "Bu Bunuelian" diyeceğinden korkarak fikrini değiştirdi.

O günlerde İspanyol sansürü, küçük dırdırlarla ayırt ediliyordu. Bunuel bir sonsöz uydurdu: Viridiana kuzeninin kapısını çalar. Kapı açılıyor, o giriyor, kapı kapanıyor.

Sansür bu sonu beğenmedi. Bunuel, üç kişilik bir hayatı ima ettiği daha acımasız bir tane daha bulmak zorunda kaldı. Viridiana, Kuzen Jorge ve metresinin yer aldığı bir kart oyununa oturur. Ve Viridiana'ya şöyle diyor: "Er ya da geç bizimle kart oynayacağını biliyordum." Kahraman, anlamdan yoksun, manevi içerikten yoksun bir hayatla yüzleşmek zorunda kalır. Viridiana'nın ruhsal yükselişi başarısız olur, dürtüsü yere çarpar.

Viridiana prömiyerini 17 Mayıs 1961'de Cannes Film Festivali'nde yaptı. Bunuel'in tablosu kimseyi şaşırtmadı, üstelik Altın Palmiye aldı.

Viridiana hem halkı hem de eleştirmenleri uzlaşmaz iki kampa ayırdı. Festivalden kısa bir süre sonra, İngiliz dergisi Site and Sound, eleştirmenlerden tüm ülkelerin ve tüm zamanların en iyi on filmini seçmelerini isteyen bir anket düzenledi - çoğu Viridiana olarak adlandırıldı.

Ancak Amerikan dergisi Films in Review aynı zamanda şunları yazdı: “Bunuel gerçeklik duygusunu kaybediyor ve psikopatolojinin ve kötülüğün karanlık derinliklerine giderek daha fazla kayıyor. Yeteneğini yok ediyorlar ve aynı zamanda onun için yeni bir beslenme kaynağı oluyorlar ... Bunuel, Viridian'da bir anormallik yerleştirdi ve bunun için çeşitli psikopatlar filmi göklere çıkardı.

İspanya'da "Viridiana" gerçek bir skandala neden oldu. Tüm yutturmaca, "Osservator Romano" da "Meleklerin Ana Joan" ve "Viridiana" "bir dizi tanrısız sahne" olarak adlandırılan bir makaleyle başladı. Bunuel'in aforoz edilmesi izledi. "Viridiana" İspanya'da "ahlaksız", "asi", "tanrısız" bir eser olduğu gerekçesiyle yasaklandı.

"Viridiana" filmi İspanya'da Turizm ve Enformasyon Bakanı tarafından yasaklandı. Aynı zamanda İspanyol Sinematek'in yönetmeni, Cannes'da ödülü kabul ettiği için emekliye ayrıldı ve bunun için sahneye çıktı.

Diktatör Franco ondan filmi görmek istedi. İçinde kınanacak bir şey bulmadığını, ancak bakanının kararını iptal etmeyi reddettiğini ve Viridiana'nın İspanya'da yasaklanmaya devam ettiğini söylüyorlar. Buradaki resmin prömiyeri, ancak 1976'da, Franco rejiminin düşmesinden sonra gerçekleşti.

Viridiana skandalından sonra kimse Buñuel'i fikirlerinden ve yolundan dönmekle suçlayamazdı.

İtalya'da resim ilk olarak başarılı olduğu Roma'da çıktı ve ardından Milano'da gösterildi. Bu şehrin Başsavcısı burayı yasakladı, dava açtı ve Bunuel, İtalyan topraklarına ayak basmaya cüret ederse bir yıl hapis cezasına çarptırıldı. Bu ceza daha sonra daha yüksek bir otorite tarafından bozuldu.

"Viridiana" farklı algılandı. Yapımcı Gustavo Alatriste, filmi ilk kez izledikten sonra afalladı ve hiçbir şey söylemedi. Ardından Paris'te "Viridiana"yı, iki kez daha Cannes'da ve son olarak da Mexico City'de izledi. Beşinci veya altıncı seanstan sonra, çok memnun bir şekilde Buñuel'e koştu: "Luis, bu harika! Anladım". Yönetmen sadece omuz silkebildi çünkü en basit hikayeyi anlattığına inanıyordu.

Bunuel'in belirttiği gibi Viridiana, Altın Çağ'a kadar uzanan kendi geleneğini sürdürüyor ve otuz yıl arayla iki filmi yönettiğinde en özgür halindeydi. Yönetmen ironi ve yakıcılıkla dolu ama doğrudan, çocukluğun erotik ve dinsel saplantılarını ifade edecek bir komedi yapmak istedi. Çok dindar bir Katolik ailede doğdu ve on beş yaşına kadar Cizvitler tarafından büyütüldü. Dini yetiştirme ve gerçeküstücülük, Louis'de ömür boyu iz bıraktı.

Yazar Carlos Fuentes, bu resmi yönetmenin yaratıcı biyografisinin en iyilerinden biri olarak değerlendirdi: “Viridiana”, Buñuel'in eserlerindeki tüm karşıtlıkların bir sentezidir: şefkat ve şiddet, arayış ve uygulama, eski ve yeni düzen, insanlık ve aşırılık, sapkınlık ve masumiyet Bu, İspanyol kültürünün en parlak anlarının bir sentezi: pikaresk bir roman ve Quevedo, Murillo ve Goya, Perez Galdos, Valle Inclan, Cervantes. Bu filmin kendisi, ulusal kültürün parlak yeni bir unsuru, ülkeyi hâlâ karanlıkta tutan bu akıl dışı mitlere büyük popüler ve gerçekçi bir yanıt. Bence bu İspanyolca'daki en iyi film, büyük bir çalışma, tükenmez bir zenginlik."

"BATI YAKASI HİKAYESİ"

(Batı tarafı hikayesi)

Yapım: Beta Productions, Mipish Films, Seven Arts Productions, ABD, 1961. Senaryo E. Leman (A. Laurents'in oyunundan uyarlanmıştır). Yönetmen R. Wise ve J. Robbins. Görüntü yönetmeni D. L. Fapp. Besteci L. Bernstein. Sanatçı B. Leven. Oyuncular: N. Wood, R. Beimer, R. Moreno, J. Chakiris, R. Tamblyn, T. Smith ve diğerleri.

Batı Yakası Hikâyesi müzikalinin hem sahnede hem de sinemada mutlu bir akıbeti oldu. Arthur Lawrence'ın Batı Yakası Hikayesi 1957'de Broadway'de sahnelendi. Koreograf Jerome Robbins ve besteci Leonard Bernstein sayesinde seyircinin sevgisini kazanan bir müzikal ortaya çıktı. West Side Story filminin Ernest Lehman tarafından yazılması çok uzun sürmeyecek.

Bu resmin Shakespeare'in trajedisi "Romeo ve Juliet" ile bağlantısı şüphesizdir. Nefretin hüküm sürdüğü bir dünyada aşka yer yoktur.

Film, New York sokaklarının ve binalarının bir helikopterden tarandığı görkemli (neredeyse sekiz dakikalık!) bir önsözle başlıyor. Helikopter, Batı Yakası üzerinden, doğrudan okul bahçesinin üzerinden yavaşça alçalmaktadır. İşte savaşan çetelerin üyeleriyle ilk tanışma. Gençler sokaklarda dans ediyor. Parmak şıklatmalarının eşlik ettiği dansın keskin ritmi, Amerikan Romeo ve Juliet'in hikayesinin oynanacağı o gergin atmosferi yaratıyor.

Gelin terzisi olan kırılgan, iri gözlü Maria ve yardımcı işçi Tony, bir dans salonunda buluşurlar. Aralarında aşk alevlenir. İki klanın önümüzdeki gece Batı Yakası mahallesinde belirleyici bir hakimiyet savaşında bir araya geleceği gerçeğini düşünmemeye çalışıyorlar - ait olduğu Porto Rikolu "köpekbalıkları" ve yerlileri "roketler". New York, kimin tarafında hareket etmesi gerektiğini...

Ve böylece düşmanlar birleşir. Katliamı durdurmaya çalışan Tony farkında olmadan bir katil olur - Maria'nın erkek kardeşi Bernardo ayaklarının dibine düşer.

Ancak sevilen birinin ölümünün bile Maria üzerinde hiçbir gücü yoktur: Tony ile birlikte bu düşman şehri nasıl terk edeceğini ve mutluluğun onlara hala gülümseyeceğini hayal eder. Ancak kızın hayalleri gerçek olmaya mahkum değildir: Arkadaşının intikamını almaya karar veren Porto Rikolu Chino'nun kurşunu Tony'yi sollar. Sık ve yüksek metal ağlarla çevrili sitenin asfaltında ölür. Maria, genç adamın vücudunun üzerine eğilerek kontrolsüz bir şekilde ağlıyor. Doldurulamayan mutluluğunun yasını tutuyor...

Deneyimli bir yönetmen olan Robert Wise, film müzikali tarihinde yeni bir sayfa açma şansı buldu, ancak ondan önce gökten gelen yıldızlardan yoksundu. Sinema kariyerine RKO stüdyosunda editör yardımcısı olarak başladı. Wise, Citizen Kane ve The Magnificent Ambersons setinde Orson Welles için çalıştı. 1944'te anlamsız Matmazel Fifi'yi sahneledi. Bundan sonra, Wise işinde hiç durmadı, müzikal filmler de dahil olmak üzere çok şey çekti.

Wise'ın adının yanında jenerikte adı geçen Jerome Robbins'in yardımcı yönetmen olarak katılımı, danslar ve vokal sayıları alanıyla sınırlıydı. Robbins'in sahneleri mükemmel bir şekilde çekme ve yeniden çekme tutkusu vardı. Ancak bu tür çalışmalar bütçede bir artışa ve programın gerisinde kalmasına neden oldu. Sonuç olarak Robbins, film şirketinin patronları tarafından kovuldu. Robert Wise tabloyu kendisi bitirdi ve düzenledi.

Ancak koreografisini Jerome Robbins'in yaptığı danslar olmadan film düşünülemez. Bununla birlikte, Daniel L. Fapp'ın renkli filmi üzerine harika çekimler olmadan, Leonard Bernstein'ın harika müziği olmadan, Irene Sharaff'ın kostümleri olmadan. West Side Story'nin kusursuzluğunun sırrı, birçok yetenekli sanatçının çabalarının birliğinde yatıyor.

Director Wise, çalışanlarının yeteneklerini hassas bir şekilde değerlendirdi ve onlara çok fazla hareket özgürlüğü verdi. 1950'lerin birçok filmine dağılmış yeni biçim arayışlarını ve çeşitli yenilikleri West Side Story'de birleştirme meziyetine de sahip.

West Side Story'de Broadway prodüksiyonundaki oyunculardan sadece altısı rol aldı. Wise, sanatçıların çoğunu yaşları nedeniyle reddetti - "köpekbalıkları" ve "roketler" grupları gençlerden oluşuyordu.

Yakışıklı Richard Beymer'in Tony rolü için seçilmesi büyük ölçüde oyuncunun dış verilerinden kaynaklanıyordu. Ancak kahraman Natalia Wood rolünün oyuncusu seyirciler için bir "yem" idi.

1938'de San Francisco'da Rus göçmen Nikolai ve Maria Zakharenko'nun sanatsal bir ailesinde doğdu. Happy Land'de ekrana ilk çıktığında henüz beş yaşındaydı. Stüdyo yetkilileri, küçük oyuncu için bir takma ad buldu. Komedi filmlerinin yönetmeni Sam Wood'un onuruna, genç yeteneğe Natalia Wood adını verdiler. Doğal bir zarafeti vardı. Yirmi iki yaşında, Wise onu West Side Story'ye davet ettiğinde Natalia Wood, Hollywood'un en popüler aktrislerinden biri olarak kabul edildi ve Audrey Hepburn'ü bile geride bıraktı.

West Side Story'de "roketlerin" toplandığı bir dükkanın sahibi olan yaşlı Doc ve iki polisin yanı sıra yaş karakterleri yok. İlk kez filmlerde rol alan gençler, kendilerinden istenen her şeyi özverili bir şekilde ve tam bir özveri ile yaptı.

Dans, Broadway sahnesinden filme taşındı, ancak geniş bir ekranda ve hareketli bir kameranın yardımıyla gösterildiğinde, teatral geleneklerini kaybettiler, böyle bir gösteriye ve böyle bir "anlatı diline" dönüştüler. sinema.

Ancak Jerome Robbins'in müzikalini Broadway'de izleyenlere göre West Side Story'yi sanatsal açıdan bu kadar önemli kılan tüm unsurlar sahnede bulundu. Doğru, önemli bir fark vardı. Broadway'de, New York'un Batı Yakası'ndaki iki savaşan çete, stilize edilmiş bir arka planda dans etti. Sinema, büyük bir Amerikan şehrinin sokaklarında sahnelerin çekilmesine izin verdi, ancak Wise ve Robbins, Kaliforniya stüdyolarında değil, New York sokaklarında en önemli bölümleri çekmelerine izin verilmesi için hala mücadele etmek zorunda kaldı. Yine de dans sahneleri, 1960'ların başındaki bir Amerikan film müzikali için alışılmadıktı. Robert Wise'ın çekimler sırasında düzeni sağlamak için yerel bir suç çetesinin temsilcilerini tuttuğu söyleniyor.

Batı Yakası Hikayesi ortalama bir film olsa bile, iki sahne sayesinde tanınırdı - bir dans salonunda ve bir garajda.

İlk sahnede mambo dansının ifade zenginliği dikkat çekicidir. "Roketler" ve "köpekbalıkları" kendi mambo versiyonlarına sahiptir ve her grup için yönetmenin kendi ışık, renk, renkli yelpazesi vardır. Ve film uzmanlarının belirttiği gibi, 1961'de solistleri ve grupları göstermeyi, seyircinin tepkisini yakalamayı, dansta yarışan gruplardan Tony ve Maria'ya geçmeyi başaran geniş formatlı bir kameranın hareketliliği kesinlikle harika görünüyordu. ilk kez burada buluştu. Danstaki "roketlerde" spor unsurları, hareketlerdeki kurgu, güç hakimdir; "köpekbalıkları", özellikle ön planda dans eden Anita, daha belirgin bir zarafete, hareketlerin esnekliğine ve sebatına sahiptir.

İkinci sahne karanlık bir garajda başlıyor. "Roketler" öfkeli: liderleri Riff öldürüldü, Tony'nin üzerinde ölümcül bir tehdit var. Herhangi bir kızarıklık eylemi için hazırlar. Ve aniden Buzlu lakaplı çocuk, soğukkanlılığını koruyanın savaşı kazandığını söyleyen bir şarkı söyler. Gençlerin gergin figürlerinin zar zor tahmin edildiği karanlıkta şarkı söylemeye başlar. Ama sonra arabalara koşar ve dönüşümlü olarak farlarını yakar. Çok renkli ışık ışınları, dansa koşan "roketler" üzerinde kesişir. Şimdi mavi, sonra kırmızı, sonra turuncu, çılgınca bir dansla koşuştururlar ve onları ele geçirmiş olan gerilim ve endişeden kurtulurlar. Robbins en iyi dansını burada yapıyor.

West Side Story'de başrol oyuncuları profesyonel şarkıcılar tarafından seslendirildi. Örneğin, yapımcılar aktrisin sesinin "I Feel Pretty" ve "Tonight" gibi klasik melodiler için yeterince güçlü olmadığını düşündükleri için Maria Nixon, Natalia Wood için şarkı söyledi.

Jimmy Bryant, Richard Beymer için şarkı söyledi. Rita Moreno kendisi iki şarkı söyledi ("Amerika" ve " Beşli"), yüksek notalara basmak gerektiğinde Maria Nixon kurtarmaya geldi. Betty Wade, "The Boys Love It" dizisinde Rita Moreno'nun yerini aldı. Russ Tamblyn için "Rocket Song", filmde ikinci komutanı Icy'yi oynayan Tucker Smith tarafından seslendirildi.

Film 18 Ekim 1961'de New York'ta gösterime girdi. Yapımcılara altı milyon dolara mal olan "Batı Yakası Hikayesi" tüm dünyanın ekranlarını zaferle dolaştı. Film yalnızca ABD'de 43,7 milyon dolar hasılat yaptı.

"Batı Yakası Hikayesi" kendi evinde on altın "Oscar" aldı ve şu kategorilerde kazandı: film, yönetmenlik, sinematografi, kurgu, sanat yönetmenliği, kostümler, müzik, ses. Buna ek olarak, West Side Story'nin olay örgüsünün tuhaflığını takdir eden film akademisyenleri, yardımcı oyunculara ödüller verdi - Porto Rikolu bir kız olan Anita rolü için Rita Moreno ve korkusuz ve açık sözlü lider Bernardo rolü için George Chakiris "köpekbalıklarından". Rockets'ın lideri Russ Tamblyn'in ödülü almadığı için pişmanlık duyulabilir: Bernardo'nun açık sözlülüğünü ortaya çıkaran romantizmi ve deliliği olmasaydı, Bernardo'nun rolü asla bu kadar parlak olmazdı. "Oscar" Moreno ve Chakiris, filme katılan tüm genç dansçı ve şarkıcıların tanınmasına tanıklık ettiler.

1962'de tarihte ilk kez iki yönetmen, Robert Wise ve Jerome Robbins, yönetmenlik dalında Oscar aldı. West Side Story, En İyi Uyarlama Senaryo kategorisinde de çekişme içindeydi.

Richard Beymer ve Natalia Wood, Akademi Ödülü heykelcikleri almadılar (adaylar arasında bile yer almadılar), ancak eleştirmenlerden övgü dolu eleştiriler almayı hak ettiler.

West Side Story'nin başarısı Hollywood için beklenmedikti ve nedenleri hemen anlaşılamadı. En az iki veya üç yıl boyunca, çok yüksek teknik düzeyde de olsa, tamamen eğlenceli müzikaller Hollywood'da çekildi.

Hollywood'un bir şeyler öğrenmesi için, görünüşe göre filminin sırrını yakalayan Robert Wise'tan bir ders daha aldı. Wise'ın yeni dersi, ticari olarak benzersiz bir başarı olan The Sound of Music (1964) idi. Sekiz milyon dolara mal olan film, 20th Century Fox'a dört yılda 115 milyon dolar kazandırdı!

"JULES VE JİM"

(Jules ve Jim)

Yapım: Fransa, 1962. Senaryo F. Truffaut ve J. Gruault, A.-P. Roche. Yönetmen F. Truffaut. Kameraman R. Kutar. Sanatçı F. Capel. Besteci J. Delerue. Oyuncular: J. Moreau, O. Werner, A. Serre, M. Dubois, V. Urbino, S. Audepin, B. Bassiac, K. Noel, A. Nelsen, K. E. Wagner ve diğerleri.

Her şey, gazeteci François Truffaut'nun az tanınan yazar Henri-Pierre Rocher'ın "Jules ve Jim" romanına olan tutkusuyla başladı. 1956 baharında Truffaut, Ar dergisinde kitapla ilgili bir inceleme yayınladı. Gurur duyan yazar, eleştirmene yazılı olarak teşekkür etti: "Sevgili François Truffaut, Jules ve Jim hakkında, özellikle de 'değişen bakış açılarından görülen bu yeni ahlaki-estetik' hakkında söyledikleriniz beni çok etkiledi." Sonbaharda Henri-Pierre Rocher, Truffaut'a romanın beş nüshasını bir notla birlikte gönderdi: “Yöneteceğiniz için çok mutluyum! Sana güvenim tam." Ancak romanın çekilmesi için bir beş yıl daha geçmesi gerekecek. François Truffaut ve Henri-Pierre Rocher arasındaki dostane ilişkiler, Jules ve Jim filminin galasını görecek kadar uzun yaşamamış olan yaşlı yazarın ölümüne kadar sürecek.

Filmin aksiyonu Birinci Dünya Savaşı'ndan önce Paris'te başlar ve İkinci Dünya Savaşı'ndan kısa bir süre önce sona erer. Bu, Jules ve Jim adlı iki arkadaşın ve her ikisinin de aşık olduğu Catherine arasındaki ilişkinin incelikli ve hüzünlü bir hikayesidir.

Jules, filmin başında yirmi yaşındadır. Paris'te yaşıyor ve anadili Almanca'ya tercüme ediyor. Fransız arkadaşı Jim, bir diplomat olarak kariyer hayal eder, ancak spor ve edebiyat için girer. Bu arada, filmdeki karakterlerin isimlerinin sesi kasıtlı olarak milliyetlerine uymuyor.

Gençler bohem Montparnasse'de kaygısız vakit geçiriyorlar. Babası tarafından bir aristokrat ve bir Fransız kadın, annesi tarafından bir halk ve bir İngiliz olan Catherine ile tanışırlar. İngiliz dili ve edebiyatı öğretmenliği yapmaktadır. Catherine hem Jules'tan hem de Jim'den hoşlanır ama Jules ile evlenir. Bu durum erkek dostluğunu yok etmez.

Birinci Dünya Savaşı başlar ve arkadaşlar kendilerini cephede ayrılmış halde bulurlar. Jules ve Jim şiddetten nefret eder, ancak politikacıların emriyle düşmanlıklara katılmaya zorlanırlar. Birinci Dünya Savaşı'nın kronik görüntüleri, lirik anlatıya girerek uğursuz bir izlenim bırakıyor.

Savaştan sonra Jim, arkadaşlarını ziyaret etmek için Alplere gelir (bir kızları var, Sabina). Catherine ikisini de hâlâ seviyor. Jim'in metresi olur. Catherine ondan bir çocuk hayal ediyor. Çocuk sahibi olamayacakları ortaya çıktığında Jules'a döner.

Arkadaşlar arasında kavgalar çıkar, ayrılmaya, tekrar birleşmeye, tekrar ayrılmaya zorlanırlar ...

Jim, metresi Gilberte ile evlenecek: o da çocuk sahibi olmak istiyor. Bunu öğrenen Catherine, Jim'den özel olarak konuşmak için yanına gelmesini ister. Yürüyüş sırasında Catherine ve Jim'in olduğu araba yıkılmış bir köprüye döner ve Jules'un önünde nehre düşer. Survivor Jules, bir dost ve sevgilinin küllerini toprağa gömüyor. Her iki cesedin yakılması Jules eyaleti aracılığıyla verilir ve 1933'ten önceki dünyayı gösterir - insanın sonu ve Hitler'in yükselişi.

Jeanne Moreau bu filmde en iyi rollerinden birini oynadı. Yönetmenin bir stil yaratmasına diğer oyunculardan daha fazla yardımcı oldu. Truffaut, onun ender yeteneğinin özelliklerini tam olarak ortaya çıkarmak için her şeyi yaptı. Jules ve Jim'in prodüksiyonunu yalnızca Jeanne Moreau'nun sözüne güvendiği için sahneleyebildiğini defalarca söyledi: “Bir distribütörümüz yoktu, kayınpederim artık hayatta değildi ve sadece işin tamamlanması, filmin kaderine güven duyduk mu: Siritsky kiralama şirketi onu beğendi ve ekranlarda yayınlamayı kabul etti.

Buna karşılık, Moreau'nun fantezisine, hayal gücüne özgürlük verecek bir yönetmene ihtiyacı vardı. François Truffaut onun için böyle bir yönetmen oldu.

Jeanne Moreau'nun canlandırdığı elli film arasından öne çıkanlar Jules ve Jim'di. Kahramanı - Katrin - kontrol edilmesine izin vermiyor, kendisi yönetenlerden biri. Jeanne Moreau'nun ortaklarının "onun için" oynamasına şaşmamalı: resimdeki davranış biçimleri yalnızca ana karakterin karakterini özetliyor, kaderini genişletiyor.

Filmin ilk bölümlerinde Katrin, aynı kategoriklikle arkadaşlığı onaylar ve aşkı reddeder. Bir erkek kıyafeti giyer, mantarı yanmış bir bıyık çizer, böylece bu formda Jules ve Jim ile birlikte Birinci Dünya Savaşı arifesinde neşeli Paris'te dolaşırlar. François Truffaut, bu sahnelerde aktrisin Chaplin Kid'in takım elbisesini ve kareli şapkasını giymesinde ısrar etti.

Paris'ten sonra sahilde arkadaşların tatillerini geçirdikleri bir sahne vardı. Yüzmeden döndükten sonra bir masaya otururlar. Hayat Güzeldir! Kamera onların gülme çemberinin etrafında iki kez döner ve iki kez Catherine'in yüzünde donar. Eleştirmenlerden biri, "Parlak manzara, gümüş kahkaha, aparatın büyülü, kafiyeli hareketi Mozart'ın parlak müziği tarafından yankılanıyor" dedi. "Dünya sinemasında, karakterlerin yaşam doluluğunun yaratıcı sanatçının ilham verici mutluluğuyla uyum içinde olduğu bu türden çok az çekim vardır."

Filmin olay örgüsünde bu kareler tekrar ediliyor ama farklı bir anahtarda tekrar ediliyor. Uzun bir ayrılıktan sonra arkadaşlar yeniden bir araya geldi. Savaştan sağ kurtulan insanların ilişkilerinde ince bir şeyler değişir. Artık eski hafiflik ve dikkatsizlik yok. Küçük Sabina ile birlikte arkadaşlar kasvetli bir dağ kulübesinde masanın etrafında oturuyorlar. Catherine onlarla dalga geçer gibi bir şarkı söylüyor. Gözleri Jim'e sabitlenmiş: Jules'un karısı olduğu için yanlış bir seçim mi yaptı? Geceleri Catherine Jim'e gelir...

Catherine'in sonu, bir çaresizlik ve umutsuzluk hareketidir. Moreau, kahramanının kaderini tatminsiz bir aşk hikayesi olarak anlıyor. Acımasız sona rağmen, Truffaut'nun film boyunca yönetmenlik tarzı yumuşak ve lirik.

Jeanne Moreau'nun ortakları Fransız Henri Serre (Jim) ve Avusturyalı Oscar Werner (Jules) idi.

Werner bu filme özellikle düşkündü.

Jules ve Jim'in çocuk gibi davrandığı sahnelerin çoğu Oscar Werner tarafından aniden, doğaçlama olarak icat edildi. “Ben her zaman romantik oldum ve her zaman idealist olarak kaldım. Sermayem hiçbir zaman dolar olmadı, hepsi benim fantezim, ”diye vurguladı aktör. Çekimlerin başında Truffaut ona "Oscar Werther" adını verdiyse, daha sonra - "Lord Jules".

Jules ve Jim'de Truffaut hem stil hem de tema tarafından ele geçirildi. İlk uzun metrajlı filmi The 400 Blows'un ilkesini yeniden canlandırdı: başında ve sonunda katı bir olay örgüsü ve gelişme aşamasında maksimum yaşam. Truffaut, filmin karakterlerini sempatik ve sempatik olmayan olarak ayırmamaya çalıştı.

Yönetmen, Roche'un romanının atmosferini aktarmayı başardı. Jules ve Jim'de, Truffaut'nun geçmiş yılların (bu durumda, bu yüzyılın ilk yirmi yılı) yaşamını stilize etme ve ince bir şekilde yeniden üretme tercihi etkilendi ve bu, bir dereceye kadar beş yıl sonra ortaya çıkan "retro" modanın habercisi oldu. Bunun için Truffaut'nun antika mobilyalara, yüzyılın başından kalma posterlere, Picasso'nun tablolarına ve birkaç kiralık kostüme ihtiyacı vardı. Örneğin Oscar Werner, Burgtheater'ın stoklarından Paris'e getirdiği kostümlerde rol aldı. Werner, "Sinemada birçok şey, yaratıcı ekibin üyelerinin bir bakıma aynı kan grubuna ait olmasına bağlıdır" dedi. - Bu filmde ya kendinizi yok edeceksiniz ya da zirvelere ulaşacaksınız. Senaryo temelde bir hareket planı gibidir ve ne olacağı sadece ana bağlıdır.

Bölümdeki senaryoya göre Jim uzun bir aradan sonra Paris'ten döndüğünde Catherine istasyona sinirli bir şekilde gelir. Jules ve Jim konuşmaktan biraz uzak dururlar ve Jim, onun kötü ruh halinin olası nedeni üzerinde kafa yorar.

Çekimler ilerledikçe Truffaut, Jeanne Moreau'yu ekrandan çıkarmaya karar verdi ve Catherine tren istasyonuna gitmemeli: Jules, kimsenin nereye gittiğini bilmediğini ve geri dönüp dönmeyeceğinin genellikle bilinmediğini söylemek; ikisi de sadece onun hakkında konuşmak zorunda kaldı. Böylece Jules'un Catherine'e karşı hislerinin Jim'inkinden daha güçlü olduğu anlaşıldı. Sohbetin sonunda Jim her şeyi bırakıp Paris'e dönmeye hazırdı. O anda, Catherine aniden yeniden ortaya çıktı. Böylesi bir keyfi kaybolma ve aniden ortaya çıkma, Jeanne Moreau'nun rolünü büyük ölçüde geliştirdi ve duyguların yenilenmesine katkıda bulundu.

Film için mükemmel müzik, Truffaut'un daha önce birlikte çalıştığı Georges Delerue tarafından yazılmıştır. Boris Bassiak'ın "Whirlwind" şarkısını bizzat Jeanne Moreau seslendirdi.

1960'ların "Yeni Dalga" ve dünya sinemasının mihenk taşlarından biri olan "Jules ve Jim" filmi her yerde iyi gitti. Fransız eleştirmenler, "François Truffaut ve Jeanne Moreau'nun mucizesi" hakkında ender bir oybirliğiyle konuştular.

Bugünlerde "Jules ve Jim", François Truffaut'nun çalışmalarının zirvesi olarak kabul ediliyor. Aşk ve dostluğun neredeyse algılanamayan nüansları hakkındaki bu karmaşık film, Raoul Coutard'ın kamera çalışması ve Georges Delerue'nin müziği sayesinde, mükemmel yönetmenlik ve oyunculuğun yanı sıra zarif zerafet atmosferiyle öne çıkıyor.

"ARABİSTAN LAWRENCE"

(Arabistanlı Lawrence)

Yapım: Büyük Britanya, 1962 Yazan: R. Bolt. Yönetmen: D. Lin. Operatör F. Young. Besteci M. Jarre. Sanatçı J. Box. Oyuncular: P. O'Toole, A. Guinness, O. Sharif, K. Raines, D. Ferrer, E. Quinn, A. Kennedy, J. Hawkins ve diğerleri.

2004 yazında London Sunday Telegraph, 20. yüzyılın en iyi İngiliz filmini belirlemek için önde gelen İngiliz film yapımcıları arasında bir anket düzenledi. Peter O'Toole'un oynadığı David Lean'in draması Arabistanlı Lawrence, yapılan oylamada birinci oldu.

Film, İstihbarat Teşkilatı'nın bir şubesi olan Arap Bürosu'nun bir çalışanı olan Albay Thomas Edward Lawrence'ın anısına ithaf edilmiştir. Birinci Dünya Savaşı sırasında, Arabistan'ın Türk kesiminde Almanya'nın müttefiki olan Türkiye'ye karşı bir Arap ayaklanması başlattı ve böylece rakiplerinden birini zayıflatarak İngiltere'ye büyük yardım sağladı.

Lawrence olağanüstü bir askeri istihbarat subayıydı. Birçok Bedevi kabilesinin Arap dilini ve lehçelerini çok iyi biliyordu, sadece geleneklerini değil, dinlerini de inceledi. Lawrence, Suudi kralı Hüseyin'in maiyetinde vazgeçilmez bir kişi oldu ve ardından oğullarından biri olan Faysal ile yakın arkadaş oldu. İzci gerçek bir göçebeye dönüştü, Bedevi kıyafetleri giydi, develere iyi bindi, yemek konusunda iddiasızdı, sıcağa ve susuzluğa kolayca dayandı.

Lawrence Türk destanını Çöl İsyanı ve Yedi Bilgelik Sütunu'nda anlattı. Bir kazada öldü - 19 Mayıs 1935'te, eyalet İngiliz yollarından birinde bir motosiklete çarptı. O sadece 46 yaşındaydı. Lawrence, Londra'daki St Paul Katedrali'ne İngiliz savaş kahramanları ve artistik ünlüler arasında gömüldü.

Doğal olarak, Lawrence'ın Arabistan'daki heyecanlı maceraları Hollywood'un dikkatini çekti. Film yapımcıları, hayatını ekrandan anlatmalarına izin verme talebiyle defalarca Lawrence'a döndüler, ancak her seferinde reddetti.

Senarist Michael Wilson, Brother Lawrence'ı anı kitabının film haklarını yapımcı Sam Spiegel'e satmaya ikna edene kadar yıllar geçti. 1960 yılında Wilson, Lawrence of Arabia için senaryo versiyonunu değerlendirilmek üzere sundu.

Ne yazık ki, aslında her şeyin başladığı Michael Wilson, Amerikan sinemasının "kara listelerine" girdi ve 1962'de filmin Amerika Birleşik Devletleri'ndeki gösterimi sırasında adı jeneriğinden çıkarıldı.

"Arabistanlı Lawrence"ın prodüksiyonu, dünya sinemasının en iyi yönetmenlerinden biri olan İngiliz David Lean'e emanet edildi. Film eleştirmenleri, David Lean'ın adını, büyük ölçekli prodüksiyon, özel bir hikayeyi veya maceralı bir olay örgüsünü çığır açan tarihsel olayların tasviriyle ilişkilendirme arzusuyla karakterize edilen "harika stil" kavramıyla ilişkilendirir.

Lin, ana rol için oyuncuyu dikkatlice aradı. Shakespeare'in rolleriyle ünlenen tiyatro oyuncusu Peter O'Toole'a dikkati çekildiğinde, Marlon Brando'ya çoktan bir davetiye göndermişti. O zamanlar O'Toole filmlerde rol almaya yeni başlıyordu. Nicholas Ray'in "Beyaz Gölgeler" filmindeki ilk rolü eleştirmenler tarafından fark edilmedi.

O'Toole, ilk büyük film çalışması için çok ciddi bir şekilde hazırlandı. Her şeyden önce, Arabistanlı Lawrence'ın anılarını ve İngiltere'de onun hakkında yazılan kırk kitabı iyice inceledi. Oyuncu daha sonra Thomas Edward Lawrence'ın doğum yerine gitti (O'Toole gibi İrlanda kökenliydi) ve onu şahsen tanıyan insanlarla konuştu.

Sam Spiegel ve David Lean, film için bir yer seçmek için uzun zaman harcadılar, ta ki Ürdün'de, ufka kadar uzanan ve sürekli renk değiştiren kum tepeleriyle harika bir manzaraya sahip bir çöl köşesi bulana kadar.

Ocak 1961'de Peter O'Toole, çekimlerin birkaç ay sonra başlayacağı Ürdün'e geldi. Orada aktör, Arapça ve deveye binme sanatı eğitimi aldı.

Film ekibi Mayıs ayında Ürdün'e vardığında, O'Toole zaten durumdan oldukça memnundu. Bedevi kostümü giymişti ve Araplar ona babalarının bir zamanlar gerçek Lawrence dediği adıyla, El Ourens diyorlardı.

O'Toole, Lawrence'ı oynamadı - gerçekten öyleydi. Peter senaryoya kendi bölümleriyle katkıda bulundu - ve Lin itiraz etmedi: bunlar doğru sezgiler ve tam bir "karakter yaşamı" tarafından dikte edildi. Yönetmenin kendisi mutlak mükemmellik için çabaladı. O'Toole'un burnunu beğenmedi ve estetik ameliyat oldu. Sonra oyuncu saçlarının rengini değiştirdi.

Çekimler, en yakın vahadan 150 mil uzakta, sıcak bir çölde gerçekleşti. Burada bir galon su üç dolara mal oluyor. Etrafta yılanlar ve akrepler vardı. Çölde yaşam koşulları dayanılmaz derecede zordu ve film çekmenin oldukça tehlikeli olduğu ortaya çıktı. Savaş sahnelerine katılan (yedekleri tanımadı) O'Toole, birden fazla kez devesinden düştü ve kendini yaraladı. Ayrıca otuz yaşındaki oyuncunun ateşi de vardı.

Peter O'Toole saatlerce devesinin üzerinde kalmayı öğrendi. Ezilmeleri önlemek için eyere sünger kauçuk bir paspas koydu. Yenilik hemen takdir edildi ve çölde toplu sahnelere katılan gerçek Bedeviler tarafından kullanılmaya başlandı.

Peter O'Toole, "Her şeyin gerçekten olduğu yerlerde çekim yaptık," dedi. “Başlangıçta bize çölde çekim yapmanın beş ay süreceği söylendi. Omar Sharif ve ben orada dokuz ay kaldık. Çok yetenekli oyunculardan oluşan bir grup bir araya geldi: Claude Raines, Joe Ferrer, Anthony Quinn, Patrick Kennedy, Jack Hawkins. Herkes çadırlarda yaşadı ve inanılmaz bir şevkle çalıştı. Jack Hawkins ile çok iyi arkadaş oldum. Hepimiz alışılmadık bir şey çektiğimizi hissettik. Bana deveye binmeyi öğreten adam, Anthony Quinn'in canlandırdığı karakterin torunuydu."

Oyuncu kadrosu muhteşemdi: İngiliz Alec Guinness kurnaz, anlayışlı, soğukkanlı Prens Faysal rolünü oynadı; Amerikalı Anthony Quinn, her zamanki enerjik tavrıyla, "Kuzey Arabistan'ın en büyük savaşçılarından" biri olan Kuveyt'in cesur şeyhi Aud'u canlandırdı; Batı'da "Lawrence" dan sonra "yeni Rudolph Valentino" nun görkemini okumaya başlayan Mısırlı Ömer Şerif, genç, dizginsiz Şeyh Ali ibn El-Harish rolüyle mükemmel bir şekilde başa çıktı.

Omar Sharif (gerçek adı - Michel Shalhoub) şanslı bir mola sayesinde filme girdi. David Lean, asistanından Arap sanatçıların ve türlerin daha fazla fotoğrafını toplamasını istedi. Ona iki bin resim getirdi. Yönetmen Ömer Şerif'i seçti ama şu şartı koydu: "Bu adam İngilizce biliyorsa benim için oynayacak." Oyuncu şanslıydı: Londra'daki bir kolejde dil eğitimi aldı.

Şerif, renkli Arap kıyafetleri içinde harika görünüyordu, hem at sırtında hem de bir kamp çadırının zemininde egzotik bir şekilde yakışıklıydı.

David Lean çölde çalışırken ne kendini ne de başkalarını esirgemedi. Film ekibi arasında çok sayıda hasta varken işine yalnızca bir kez ara verdi.

Elbette kameraman Freddie Young'ın özverili çalışması da not edilmelidir. Resmin renk şeması harika.

Çekimler bir yıldan fazla sürdü. Sonunda bu zor filmdeki bir deri bir kemik kalmış, böcekler tarafından yenen, dizanteri nedeniyle zayıflamış katılımcılar İngiltere'ye geldi. Peter O'Toole en çok acı çekti. Ekim 1962'de Amerikan dergisi "Time" şu notu düştü: "Geçen hafta İngiltere'de bir sinema oyuncusu hastaneye kaldırıldı. Fiziksel olarak tamamen yıpranmış olduğu için hastaneye kaldırılması gerekiyordu. Geçen yıl korkunç yanıklar aldı, bacak bağlarını burktu, diz kapağını ve başparmağını kırdı, boynunu yerinden çıkardı ve iki beyin sarsıntısı geçirdi. Hepsi Arabistanlı Lawrence setinde Peter O'Toole'un başına geldi."

Anglo-Amerikan yapımının bütçesi 12 milyon doları aştı. Üretim, Kasım 1960'tan Ekim 1962'ye kadar neredeyse iki yıl sürdü.

Görüntüleri inceledikten sonra Sam Spiegel hayal kırıklığını gizlemedi.

Yapımcı, "Arabistanlı Lawrence"ın on Oscar için yarışacağını ve yedi kategoride (film, yönetmen, kameraman, sahne, ses, müzik, kurgu) kazanacağını elbette hayal edemezdi. Los Angeles Times, Lean'in filmini Sinematik Dünyanın Yedi Harikasından biri olarak adlandırdı ve New York Times, onu bir film destanının mükemmel bir örneği olarak nitelendirdi.

10 Aralık 1962'de Londra'da prömiyeri yapılan "Arabistanlı Lawrence" filmi seyirciler arasında büyük beğeni topladı. Toplu sahnelerin görkemli panoramik çekimi (deve binicilerinin ünlü saldırısı), karakterlerin ince gelişimi - tüm bunlar Lin'i bir yönetmenlik ustası yaptı.

Eleştiriler, Peter O'Toole'un, bir Arap şeyhinin kılığında ya da bir İngiliz subayının zarif üniformasında, beyaz bir deve üzerinde savaşa koşan ya da bir masada oturan, her yerde yakışıklı, cesur ve asil bir şövalye olarak göründüğünü belirtti. korku ve sitem." Ünlü senarist Noel Coward, galanın hemen ardından "Gerçekten bu kadar yakışıklı bir adam olsaydı Bedeviler ona Arabistan Çiçeği derlerdi" dedi.

O'Toole'un kendisi "yeni Olivier" olarak selamlandı. Karşılaştırma hiçbir şekilde tesadüfi değildir. Ne de olsa, yakın zamana kadar İngiliz vatanseverliğinin ve ulusal ruhun gücünün sahnede ve ekranda ideal sözcüsü olan büyük İngiliz aktör Laurence Olivier'di.

Lawrence'ın imajı, resmi olarak "Arapların kurtarıcısı" ve ulusal bir kahraman ilan edildiği İngiltere'de bu ismin çevrelendiği efsaneye göre yaratıldı. Arabistanlı Lawrence'ı Britanya İmparatorluğu'nun son Don Kişotu olarak nitelendiren film eleştirmeni Vladimir Utilov, istihbarat görevlisinin kişisel dramını şu şekilde açıklamıştır: “O'Toole'un karakterinin gerçek trajedisi, onun idealizmi ve siyasi körlüğü tarafından önceden belirlenmiştir; sonunda, hor gördüğü İngiliz bürokrasi makinesi tarafından kullanılıyor. Finalde klipten atılan kahraman deniz kenarında tek başına kalır - kısa, keyifli ve aldatıcı bir an için hükümdarı hissettiği zorlu ve anlaşılmaz bir unsurun önünde.

1989'da Arabistanlı Lawrence, Robert A. Harris tarafından restore edildi. David Lean'in bir zamanlar feda etmek zorunda kaldığı sahneler resme geri döndü (1962'de dağıtımcıların isteği üzerine filmin 35 dakika kesilmesi gerekiyordu). Şimdi 3 saat 37 dakika boyunca sergilendi. Yönetmen, bir dizi diyaloğu yeniden seslendirmesi için Peter O'Toole'u davet etti. Ünlü oyuncu, son versiyonundaki "Arabistanlı Lawrence"ın kendisi üzerinde güçlü bir etki bıraktığını itiraf etti.

2001 yılında, filmin DVD'si çıktığında, ekranda anlatılan hikayenin temelini anıları oluşturan Edward Thomas Lawrence'ın yazarları arasında yer almamasına birçok kişi şaşırmıştı. Film hakkında bir kitap yazan Robert Morris, hukuki açıdan filmin şöyle yazılması gerektiğini savunuyor: “Senaryo Robert Bolt ve Michael Wilson. Albay T. E. Lawrence'ın biyografisine ve anılarına dayanmaktadır. Bu yüzden altyazıların değişmesi gerekiyor.

Klasik sanat eserlerinin tipik özelliği olan "Arabistanlı Lawrence" filmi hiç de modası geçmiş değil. Dahası, başyapıtın kapsamı ve David Lean'in heyecan verici bir hikayeyi modern yönetmenlerin bu kadar tutkulu olduğu sinir bozucu aksiyon ekleri olmadan anlatabilme yeteneği şimdi bile inanılmaz.

"DOKTOR NO" ("BONDIANA")
(Dr. No)

Yapım: Büyük Britanya, 1962. Senarist R. Meibaum, J. Fleming'in romanından uyarlanmıştır. Yönetmen T. Young. Operatör T. Moore. Sanatçı K. Adam. Besteciler M. Norman ve J. Barry. Oyuncular: S. Connery, W. Andress, D. Weissman, J. Lord, B. Lee, E. Dawson ve diğerleri.

Eski İngiliz casusu Ian Lancaster Fleming'in gizli ajan James Bond hakkındaki ilk kitabı Casino Royale 1953'te yayınlandı.

Fleming on üç roman yazdı. İçlerindeki eylem aynı modele göre gelişir: çılgın bir kötü adam, devasa ölçekte ve cüretkar bir suç hazırlıyor. Kendisiyle kavga eden James Bond'u yakalar, ancak 007, ona aşık olan bir kızın - genellikle kötü adamın asistanı - yardımıyla kaçmayı başarır. Kahramanın adı, The Birds of the West Indies kitabının yazarı ornitolog James Bond'dan ödünç alındı.

Yazarın bir arkadaşı şunları hatırladı: "Fleming, Bond'a benzerliğini inkar etti, ama var. Her ikisi de deniz subayıydı, ikisi de iyi yemek, içki, harita ve araba taraftarıydı, ikisi de büyük şehirlerin yeraltı yaşamında çok bilgiliydi. Ancak Ian, James'ten çok daha iyiydi."

Bond kitapları tüm dünyada en çok satanlar oldu. 1960'ların ortalarında 50 milyondan fazla kopya satıldı. Ancak uzun süre Fleming'in romanlarını filme alma girişimleri başarısızlıkla sonuçlandı.

Son olarak, İtalyan kökenli Amerikalı bir yapımcı olan Harry Saltzman, "Casino Royale" dışında Fleming'in tüm romanlarının film haklarını 50.000 $ karşılığında satın alarak işi devraldı. (Bu romanın hakları Charles K. Feldman ve Jerry Breasley tarafından satın alındı ve Columbia Pictures'ı 1967'de David Niven'ın Bond olarak oynadığı Casino Royale adlı bir parodi filmi yapması için görevlendirdi.) Aynı zamanda, başka bir Kanadalı bağımsız yapımcı Albert Romolo ( Warwick Films'in kurucularından biri olan eski bir Hollywood ajanı olan Cubbi) Broccoli de 007 ile ilgili kitaplara ilgi duymaya başladı. sinema tarihinde.

Bryan Forbes ve Guy Hamilton, ajan 007 hakkında bir film yapmayı reddettikten sonra, yapımcılar daha önce gökten yeterince yıldızı olmayan Terence Young'ı seçtiler: hesabında yalnızca bir başarısı vardı - aksiyon filmi "Tiger Action" ( 1957) genç bir İskoç Shona'nın katılımıyla

Connery.

Çeşitli zamanlarda Cary Grant, James Stewart, James Mason, Peter Finch ve Richard Burton Bond rolünü üstlendiler. Ian Fleming, arkadaşı David Niven'in adaylığını destekledi. Ayrıca Michael Redgrave, Trevor Howard, Rex Harrison, Roger Moore, Richard Johnson, Patrick McGoohan...

Terence Young, Bond rolü için 31 yaşındaki Sean Connery'yi tavsiye etti: “Bu adam çok iyi. Harika bir sesi ve akılda kalıcı bakışlarının yanı sıra Clark Gable'ınkine benzer doğal bir çekiciliği var. Connery on filmde rol almasına ve tiyatro sahnesinde başarılı bir şekilde oynamasına rağmen, onu henüz çok az kişi tanıyordu.

Bu sırada United Artists'in Londra ofisinin baş yöneticisi Bud Ornstein, ilk James Bond filmi için bir milyon dolar ayırmaya karar verdi.

Terence Young, Connery'nin şirketin South Audley Caddesi ofisinde Saltzman ve Broccoli'nin yanı sıra United Artistes ile buluşmasını ayarladı. Tartışma sırasında Connery ayağa fırladı, kollarını salladı, masaya vurdu ve izleyicilere ajan 007'yi nasıl gördüğünü açıkladı. Aynı zamanda Sean, örneklere katılmayacağını duyurdu.

Connery gittiğinde, herkes onun karşıdan karşıya geçmesini izlemek için pencereye koştu. Brokoli, oyuncunun bir panter gibi hareket ettiğini takdirle karşıladı.

Ancak, yapımcıların İskoç aksanı karşısında kafası karışmıştı. Ek olarak, Connery rafine tavırlarla ayırt edilmiyordu. Ian Fleming'in de Sean hakkında şüpheleri vardı. Ancak Young, özellikle Connery 6.000 £ gibi mütevazı bir ücret ve barınma masrafları karşılığında filmde oynamayı kabul ettiğinden, adayını hala savundu.

Richard Maibaum tarafından yazılan Dr. No'nun senaryosu Young'a pek uymadı. Yazar, orijinalinden büyük ölçüde sapmıştır. Young, Fleming'in romanının ruhunu korumaya çalışarak senaryoyu yeniden yazmaya karar verirken, Cubby Broccoli filmin daha çok güzellikler, yarış arabaları ve egzotik doğa olması konusunda ısrar etti.

Yönetmenin arkadaşlarından biri, "James Bond," dedi, "Fleming'in ait olduğu üst sınıfın idealleri, Young'ın güzel bir yaşam sevgisi ve Connery'nin katılığı, asiliği ve çarpıcı cinselliği. Tabii ki, ikincisinin katkısı en önemli olduğu ortaya çıktı.

"Doctor No"nun konusu sadeliğiyle harika: gizli ajan 007, ıssız adasında bilimsel bir laboratuvar olarak donatılmış kurnaz bir kötü adamla yüzleşir ve dünyayı yok etmek için bir plan yapar. Ian Fleming, Dr. No'nun yeğeni Christopher Lee tarafından oynanmasını istedi. Rol için senarist Noel Coward ve Bergman oyuncusu Max von Sydow da düşünüldü. Joseph Weissman bu yazışma anlaşmazlığını kazandı.

Bir Bond filmindeki kötü adam zeki, terbiyeli, sevecen bir sese ve büyüleyici bir gülümsemeye sahip olmalıdır. Geçimini kazanmasına gerek yok: Uğruna savaşmaya başladığı güç dışında her şeye sahip.

Ocak 1962'de, yer bulmak için adaya bir film ekibi geldi. Bond kızı rolünü oynamaya hazırlanan uzun bacaklı, seksi İsviçreli güzel Ursula Andress, ay sonunda gruba katıldı. Kocası John Derek ile Kingston'a uçtu.

25 yaşındaki Ursula Andress, gelecek vadeden bir oyuncuydu ve dublaj için seslendirilmesi gerekiyordu. Muhteşem bir bikiniyle denizden çıktığı bölüm en güzel saati oldu. Eleştirmenler, Botticelli'nin Venüs'ünü bile hatırladılar. Island Records CEO'su Chris Blackwell ifade verdi, "Sahne harikaydı ve çekimler bittiğinde alkışlar geldi."

Young, Connery'ye uygun James Bond parlaklığını kazandırmak için çok zaman ve çaba harcadı. Sean, kahramanına çekicilik, erkeklik ve esneklik kazandırdı. “James Bond kesinlikle karşı konulamaz bir imaj, her erkeğin olmak isteyeceği, her kadının teslim olmaya hazır olduğu bir imaj. Connery, hayatta kalma mücadelesindeki zaferi simgeliyor” dedi.

1998 yılında İngiltere'de sinema tarihinin en ünlü cümlelerinden oluşan bir liste derlendi. Sean Connery'nin kendisini "Bond, James Bond" olarak tanıtan kahramanı kazandı.

6 Ekim 1962'de Dr. No Londra'da prömiyer yaptı. Ertesi sabah yapımcılar ünlü bir şekilde uyandılar. Fleming, yeniden Bond romanları yazmak zorunda kalırsa Connery'nin yarattığı imajın kendisine rehberlik edeceğini belirtti. Başka bir aktörle Bond'un kaderinin bu kadar başarılı olmaması oldukça olası.

Filmin ABD gösterimi, Küba Füze Krizi çözülene kadar ertelendi. 8 Mayıs 1963'te New York'ta Dr. Başrol oyuncusu Scotsman Sean Connery, bu kahramanın derinlerdeki şiddet kapasitesini ima eden taklit edilemez bir zarafetle hareket ediyor..."

Brokoli ve Saltzman mutlulukla parladı. Bond serisinin ilk filmi sadece Amerika'da altı milyon dolar hasılat yaptı.

James Bond'un yaratıcıları - içgüdüsel veya bilinçli olarak - meslekten olmayanların güçlü tutkular ve cesur eylemler için açlığını tatmin ettiler. Enerjik, aktif, cesur gizli ajanın ardından izleyici, hayatında yaşamasına izin verilmeyen kavgaların, kovalamacaların, yasak sarılmaların zevkini ve dehşetini yaşadı...

Dr. No'nun neredeyse tesadüfi başarısı, From Russia with Love adlı ikinci filmin çekimlerinde zaten programlanmıştı. Film şirketi bütçeyi iki milyon dolara çıkardı. Richard Meibaum'un senaryosunda daha çok mizah var.

Bond bu kez suç örgütü Spectrum ile karşı karşıya gelir. Ajan 007 için yem, İngiliz istihbaratının çok ihtiyaç duyduğu Sovyet şifre makinesi "Lektor" idi. Bond'un en tehlikeli rakibini canlandıran boyalı sarışın Robert Shaw, filmin daha ilk sahnesinde onu yok etmeye çalışır...

Bond kızı rolünü iki yüzden fazla güzellik üstlendi. Terence Young, 1960 Kainat Güzeli yarışmasında ikinci olan Daniela Bianchi'yi seçti. Bianchi'nin dublajını yaparken dublajın da yapılması gerekiyordu.

"From Russia with Love" filminin çekimleri Türkiye, İspanya ve İskoçya'da gerçekleştirildi.

"From Russia with Love", West End'deki en büyük dört sinemada aynı anda gösterilen ilk İngiliz filmi oldu. Oxford Üniversitesi'nde bir Bond hayran kulübü açıldı ve Variety, ekranda James Bond'u canlandırması nedeniyle Connery'ye özel bir ödül verdi.

Cinemond dergisi, Ajan 007'yi makul miktarda mizahla tanımladı: "Boy 1 m 89 cm, ağırlık - 78 kg, cilt - bronzlaşmış, alın - geniş, saç - siyah, gözler - koyu, kaşlar - uzun, burun delikleri - şehvetli, ağız - büyük, dudaklar - sert. Özel özellikler: son derece zarif, pahalı sigaralar içiyor, kadınlarla yorulmak bilmez bir macera ve entrika arayıcısı, sökülüp bir cüzdana yerleştirilebilen 7,65 mm'lik bir Beretta otomatik tabanca ile silahlanmış, her zaman sağ elinin altında bir stiletto var, Harika bir nişancı olan Drak için botlarının parmak uçları çelik topuklularla güçlendirildi, düşmana ıskalamadan vuruyor, uzun mesafeden bıçak fırlatıyor ... "

Yurt dışında filme tepkiler karışıktı. Örneğin İsveç, film vizyona girmeden en şiddetli sahnelerin kesilmesini talep etmiş ve bazı ülkeler, özellikle Sovyetler Birliği'nde sert bir şekilde eleştirildikten sonra filmin gösterimini tamamen yasaklamıştır.

Bond serisinin en iyilerinden biri üçüncü film olan Goldfinger'dı.

Filmin çekimleri için şimdiden hazırlıklara başlayan Terence Young, kendisine teklif edilen ücreti küçük düşürücü bulmuş ve çalışmayı reddetmişti. Yönetmenin yerini, Bernard Shaw'un "Şeytanın Çırağı" adlı oyununun uyarlamasıyla ünlenen Guy Hamilton aldı. Senarist Richard Maibaum'un yerini eski bir Londra film eleştirmeni olan deneyimli Paul Dehn aldı.

Bu resimde 007, ABD hükümetinin emanetçisi Fort Knox'u soymayı ve dünyanın hükümdarı olmayı planlayan kurnaz uluslararası maceracı Goldfinger ile kavga ediyor. Bond'un patlayıcı cihazın sayacını 007'de durdurduğu final sahnesi bir klasik sayılabilir.

Hamilton, Bond kadınlarının fikrini değiştirdi. Çekiciliklerinden yararlanarak, şimdi Bond ile bir düelloya giriyorlar. Tanınmış bir feminist olan Honor Blackman, Bond kızını oynaması için davet edildi. Aktris, 1963 baharında Pinewood Stüdyolarına vardığında, başta Connery olmak üzere ekip üyelerinin profesyonelliği ve coşkusundan etkilenmişti. Sean, kendi dublörlerinin çoğunu yaptı.

Kötü adam Goldfinger'ı, görünüşü - iyi huylu bir Alman kasabalı - karakteriyle tamamen tutarsız görünen ciddi Alman aktör Gert Fröbe oynadı. Ancak bu rol için tüm dünya onu bugüne kadar tanıyor. Ve filmin kendisi, altın boyayla kaplı çıplak bir kadın vücudunun çerçevesiyle tanınır.

"Goldfinger" coşkuyla karşılandı. Gazeteler, "Rüzgar Gibi Geçti'den beri sinemada böyle bir şey görülmedi" diye yazdı. Bondomania, uyandırdığı duyguların gücü açısından Beatlemania'ya yakındı.

United Artistes, filmin Aralık 1964'teki ABD galasına giden gürültülü bir tanıtım kampanyası düzenledi. Goldfinger, Kuzey Amerika ve Kanada'da 23 milyon dolar kazandı. Toplam ücret 40 milyonu aştı (2,9 milyon dolarlık bir bütçeyle).

Life dergisi kapağına "altın" kız Shirley Eaton'ın bir portresini yerleştirdi, Playboy kahramanları James Bond'u ve on yılın adamı Connery'yi çağırdı. Saturday Review, Sean'ın rolünü zekice oynadığını kaydetti. John Barry'nin müzik albümü listelerde zirveye ulaştı. Üniversite profesörleri Bond hakkında tezler yazmaya başladı ve kampüsteki öğrenciler gece geç saatlere kadar 007 imajının çağdaş kültürdeki anlamı hakkında tartıştılar.

Nisan 1965'te Sean Connery, Thunderball'u çekmek için Londra'dan Nassau'ya uçtu. Film yine Terence Young tarafından yönetildi. Domino adlı Bond kızının rolü Raquel Welch, Faye Dunaway ve Julia Christie tarafından teklif edilmişti ama sonunda Claudine Auger olmuştu.

Fleming'in konusu gelenekseldir. İki nükleer savaş başlığına sahip bir İngiliz bombardıman uçağı çalındı. Kaçıranlar karşılığında 100 milyon dolarlık işlenmemiş elmas talep ediyorlar. Aksi halde dünya şehirlerinden biri havaya uçacak. James Bond, kötü adamlarla mücadeleye giriyor.

Filmin bütçesi 5,5 milyon dolardı. Özel efektlerin sayısı arttı.

Thunderball, şimdiye kadar yapılmış en yüksek hasılat yapan gizli ajan filmlerinden biri haline geldi. Bond, yapımcılar Saltzman ve Broccoli'yi zengin etti. Dört film 150 milyon dolardan fazla hasılat yaptı.

Beşinci Bond serisi You Only Live Twice'ın çalışmaları 1966 yazının başlarında başlayacaktı. Terör örgütü Spektr yeniden sahneye çıktı. Kötü adam Blofeld (Donald Pleasence), Amerikan ve Sovyet uzay uydularını yok etmekle ve böylece üçüncü bir dünya savaşını başlatmakla tehdit ediyor. İngiliz uzay aracı bir Rus gemisi tarafından "yutuldu". Kaybın izleri Japonya'ya kadar gider. James Bond bir nükleer felaketi önlemelidir.

Bond'a ilk çıkışını yapan yönetmen Lewis Gilbert, kozmik çevreyle ustaca oynadı ve muhteşem bir final sahnesi çekti.

Ancak Sean Connery, Bond'un içindeki oyuncuyu öldürdüğünü anladı, 007 ile ilgili filmlerde çalışmak giderek daha fazla zaman ve çaba gerektirdi. "Doctor No" dört ay çekildiyse, "Sadece İki Kez Yaşarsın" altı ay sürdü.

Sean Connery, “Bu benim son filmim” dedi. Bütün bunlar ne kadar çabuk biterse, o kadar mutlu olacağım. Yapımcılarla konuşmuyorum. İlişkimiz sürekli bir savaşa dönüştü. En başından beri böyleydi. Biraz edepleri olsa beni iş ortağı yaparlardı.”

Yapımcılar başarısız bir şekilde Bond dizisi On Her Majesty's Secret Service'in bir sonraki filminde Connery'yi almaya çalıştılar ve kendisine bir milyon dolar peşin ve kârın bir yüzdesi teklif edildi. Sean'ın yerini Avustralya doğumlu George Lazenby aldı. Connery'nin ortadan kaybolmasını açıklamaya çalışan senarist, Bond'un estetik ameliyat geçirdiği bir sahne buldu - bu, son versiyona dahil edilmedi. "Majestelerinin Gizli Servisinde" filmi halk tarafından olumlu karşılandı, ancak eleştirmenler Connery'nin ayrılmasından pişman oldu.

1970 sonbaharında Bond dizisi Guy Hamilton tarafından yönetilmeye devam etti. Ama Bond'u kim oynayacak? Bu sefer yapımcılar şanslıydı: Sean Connery, 1,25 milyon dolarlık bir ücret ve ücretlerin yüzde 12,5'i ile iki "Bond dışı" film için bir sözleşme karşılığında eski günleri sallamaya karar verdi.

Diamonds Are Forever'da 007, ana düşmanı Ernst Blofeld ile tekrar buluşur (bu karakter, gizli organizasyon Spectrum'un başı altı filmde yer alır).

"Diamonds Are Forever" da oynadıktan sonra Sean Connery, Bond'dan tamamen ayrıldığını söyledi. Ve 5,5 milyon dolarlık bir ücret bile onu baştan çıkarmadı. Tam on iki yıl boyunca Connery, 007 olarak savaş görevlerinden çekildi. Irvin Kershner'ın Never Say Never Again (1983) filminde Spectre'nin uğursuz hükümdarıyla başka bir "ölüm oyunu" oynamayı kabul etti. Ancak "Thunderball"un bu versiyonu resmi "Bondian"da yer almıyor. Kötü adam rolünü ünlü aktör Klaus-Maria Brandauer oynadı ve geleceğin Hollywood yıldızı Kim Basinger, Bond kızı oldu.

Connery, "Asla Asla Deme" filminin adının eşi Micheline tarafından önerildiğini iddia ediyor. Bu sadece bir şakaydı - Sean o kadar uzun süre Bond'u bir daha asla oynamayacağını söyledi! Ajan 007'ye "Frankenstein'ın canavarı" ve diğer kötüleyici lakaplar taktı. Ve aniden, elli iki yaşında, yine bu karaktere dönmeye karar verdi. Neden? Connery'nin kendisi kesin bir cevap vermedi. Burada hiç şüphesiz 5 milyon dolarlık bir ücret önemli bir rol oynadı.

Connery'nin diziden ayrılmasının ardından Burt Reynolds, Paul Newman ve Robert Redford onun yerine geçmek istedi ancak yapımcılar tarihi televizyon dizileri sayesinde ün kazanan Roger Moore'u seçti.

Moore yedi Bond filminde rol aldı: Guy Hamilton'ın yazdığı Live and Let Die (1973) ve The Man with the Golden Gun (1974), The Spy Who Loved Me (1977) ve Moonraker (1979) ve Lewis Gilbert, For Your Eyes Only (1981) ), Octopussy (1983) ve John Glen'in yazdığı A View to a Kill (1985).

Roger Moore'u değiştirme zamanı geldiğinde, yapımcılar Pierce Brosnan'ı düşündüler ama o, Remington Steele ile meşguldü; Avustralyalı Sam Neill de adaylar arasında yer aldı ancak onun yerine Britanyalı Timothy Dalton tercih edildi. John Glen, katılımıyla "Gözlerden Kıvılcımlar" (1987) ve "Öldürme Lisansı" (1989) resimlerini yönetti.

Dalton, Bond olarak zarif ve yakışıklı ama sıkıcıydı. Onunla iki filmin ardından şüphecilerin sesleri yeniden duyuldu, "Bond'un buharı bitti" ve dizi öldü. Liam Neeson, Mel Gibson, Hugh Grant ve Sam Neill ayrıldıktan sonra gizli ajan rolü için onaylanan İngiliz Pierce Brosnan olmasaydı Bond'un kaderinin nasıl değişeceğini kim bilebilirdi.

Brosnan, kahramanıyla ilk kez çocukluk döneminde tanıştı: "Goldfinger benim için sinema dünyasının kapısını açan anahtar oldu" dedi aktör. Bond ve altınla kaplı kadın aklımı başımdan aldı. Ondan önce, renkli filmlerin hiç gösterilmediği küçük bir İrlanda kasabasında yaşıyordum. On yaşımdayken Londra'daki ilk hafta sonu Goldfinger'ı izlediğimi hatırlıyorum. Sonra Steve McQueen, Clint Eastwood ve Marlon Brando'yu öğrendim."

Brosnan, Sean Connery ve Roger Moore tarafından başlatılan çizgi roman tarzı ironiye geri döndü. "Tuhaf bir şekilde," diyor Pierce, "bir aksiyon filminde oynamak düşündüğümden daha eğlenceli çıktı. Ve genel olarak, bu tür filmler insanları eğlendirmekten başka bir şeymiş gibi davranmazlar.

Brosnan'ın ilk Bond filmi olan Yeni Zelandalı Martin Campbell'ın yönettiği GoldenEye, dünya çapında 350 milyon dolar hasılat yaparak serinin tüm gişe rekorlarını kırdı.

James Bond, gizli bir uzay silahı olan çalınan Altın Göz'ü aramak için Rusya'ya koşar. Bir süper silahtan daha tehlikeli olan tek şey, ölümcül güzellikteki ölümcül bir katil olan Xenia'dır (Famke Janssen). Robbie Coltrane, filmde kötü adam Valentine'ı canlandırıyor ve modern İngiliz sahnesinin gururu Judi Dench, James Bond'un tarihteki ilk kadın patronu (daha önce merhum Bernard Lee, ajan 007'nin komutanıydı). James Cameron'ın True Lies'ına çok fazla paralellik bulunduktan sonra senaryonun yeniden yazılması gerekiyordu.

Goldeneye'ın bütçesi 52 milyon dolarken, Roger Spottiswoode'un yazdığı Tomorrow Never Dies (1997) MGM'ye 110 milyon dolara mal olmuştu.

Bu sefer rüzgar egzotik Doğu'dan esiyor. Acımasız bir medya patronu, Çinliler tarafından engellenen uluslararası bir bilgi tekeli yaratmaya çalışıyor. Bir İngiliz savaş gemisi aniden Çin sularında batar ve savaş başlıkları çalınır. James Bond, Çinli kadın Wai Lin ile birlikte bir kez daha dünyayı kurtarıyor.

Tomorrow Never Dies filminde Bond'un kız arkadaşı onun sadece metresi değil, aynı zamanda ortağı, akıllı ve kararlı bir kadın polistir. Çinli karateka Wai Lin'i Hong Kong yıldızı Michelle Neo oynadı.

1999'da, seyirciyi çok seven aynı Brosnan'ın katılımıyla bir Bond dizisi daha yayınlandı. "Dünya Yetmez" filminin yönetmenliğini Michael Apted üstlenmiştir. "Ve bütün dünya yeterli değil" - bu "Bond ailesinin" sloganıdır, bu nedenle her halükarda "Majestelerinin Gizli Servisi Üzerine" filminde belirtilmiştir.

"Die Another Day" (2002, Lee Tamahori tarafından yönetilen) önsözünde sakallı bir Bond - Brosnan, Kuzey ve Güney Kore arasındaki askerden arındırılmış bölgede hapishanede ve kim olduğunu hatırlamaya çalışıyor. Bu sefer, İzlanda'daki bir buz sarayında yaşayan bir cani, eşi benzeri görülmemiş bir silahla dünyayı tehdit ediyor ve Bond, onu etkisiz hale getirmek için dünyanın yarısını dolaşmak zorunda kalıyor.

Bond kızı rolünü canlandıran Halle Berry ise bu roldeki üçüncü siyahi aktris. Ajan 007, onunla gerçek bir aşk yaşıyor.

İngiliz casusu Miranda Frost'un rolü, daha önce sadece televizyonda rol alan 23 yaşındaki aktris Rosamund Pike'ın ilk büyük film çalışması. Role hazırlanırken aksiyon filmlerini tam anlamıyla kare kare inceledi. "Başka Bir Gün Öl"de en sevdiği sahne Bond'la yataktayken: "'Tanrım, gerçekten James Bond'la aynı yataktayım! Acaba kaç kadın benimle yer değiştirmek ister?'”

Seri devam edecek mi? Pierce Brosnan bu konuda spekülasyon yaptı: “James Bond'u seviyorum. Başka bir filmde oynamayı gerçekten çok isterim. Sırada ne var? Yaşlanmaya başlıyorum. Şimdi kırk dokuz yaşındayım, bir sonraki resim çıktığında elli bir, sonra elli üç olacağım. Ve belki devam ederim. Roger Moore isteyerek kabul etti - "A View to a Kill" de elli sekiz yaşındaydı. Ama harika bir fiziksel formda kalmalısın.”

Eylül 1999'da İngiliz Film ve Televizyon Enstitüsü, binlerce ünlü film yapımcısının katıldığı bir ankete dayanarak İngiliz sinema tarihinin en iyi 100 filminin bir listesini yayınladı. İki James Bond filmi içeriyordu: Dr. No ve Goldfinger.

"8 1/2"

Yapım: İtalya, 1963. Senaryo F. Fellini, E. Flaiano, T. Pinelli, B. Rondi. Yönetmen: F. Fellini. Kameraman G. Di Venanzo. Sanatçı P. Gherardi. Besteci N. Rota. Oyuncular: M. Mastroianni, C. Cardinale, A. Aime, S. Milo, B. Steele, M. Pisa, G. Alberti, M. Lebo, I. Dallas ve diğerleri.

Federico Fellini, her iki yılda bir yeni bir film çekme kuralına sadık kalarak, 1962'de en karmaşık ve ilginç eserlerinden biri olan 8 1/2'yi yaratmaya başlar.

Film için ilk itici güç neydi? Fellini'nin kendisi şöyle dedi: "Hayatının hangi günü olursa olsun, birinde bir kişinin portresini yaratmaya yönelik belirsiz ve belirsiz bir arzu."

İlk başta, herhangi bir serbest meslekten, kırk iki veya kırk üç yaşından oldukça yorgun, hastalanmaya başlayan ve kendini halletmeye çalışan bir insan hakkındaydı.

Senaryo dört kişi tarafından yazıldı: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli ve Brunello Rondi. Fellini temayı, motivasyonu, durumu önerdi ve ortak yazarları her sahnenin senaryosunu geliştirdi.

Fellini uzun süre filmin kahramanına meslek bulamamıştı. Avukat mı? Mühendis? Gazeteci? Bir gün gizemli kahramanı sularda - Chianciano gibi bir tatil beldesinde - tedavi edilmesi için gönderme fikrini aldı. Ve Federico'ya film fikri daha somut bir karakter kazanmaya başlamış gibi geldi. Harem sahneleri, hipnozcuyla maden kaynağında geçirilen geceler çoktan yazılmıştı: şimdi kahramanın hem karısı hem de metresi vardı ama anlatım hala devam etmiyordu. Fellini şöyle hatırladı: “Daha fazla gelişme için bir çekirdeği, bir başlangıç noktası yoktu, yani başlangıcı yoktu; Nasıl biteceği hakkında hiçbir fikrim yoktu. Pinelli bana her gün kahramanımızın ne yaptığını, mesleğinin ne olduğunu sordu. Hala bilmiyordum ve beni biraz rahatsız etmeye başlasa da çok önemli olduğunu düşünmedim."

Fellini, karakterlerini somutlaştırması gereken kişilerin yüzlerini görmesi gerektiğine karar verdi - aktörler bulmak, çekim için yerler seçmek, birçok sorunu çözmek, film stüdyolarına gitmek, yaratıcı bir ekip oluşturmak, sanatçı ve kameramanla konuşmak - genel olarak, her şeyin çekime hazır olduğunu varsayın.

Marcello Mastroianni başrolde rol aldı. Onun için Fellini, Laurence Olivier'i terk etti. Sonra Paris'ten Anouk Aimé'yi çağırdı.

Fellini'nin en sevdiği aktrislerden biri Sandra Milo'ydu. Üstelik eşi Giulietta Mazina'nın bildiği uzun bir karşılıklı romantizm yaşadıklarını söylüyorlar ... Fellini, Milo'yu parlak bir aktris olarak sevdi, onun için özel olarak roller yazdı. Yönetmen tarafından belirlenen tüm koşulları yerine getirdi. Milo'yu yalnızca eğlendirebilen itaatkâr bir metres olan aptal Carla rolünü oynamaya davet eden Fellini, "Çok kısa sürede sekiz ila on kilo almalısınız ..." dedi Milo itiraz etmeden kabul etti.

Roma yakınlarındaki ormanda, Kursaal'ın binasını ve büyükannenin köylü evi, otel odaları olan Scalera'nın çekim pavyonlarında inşa etmeye başladılar.

Film prodüksiyona alındı ve Fellini hâlâ arayış içindeydi: “Bir çıkmazda olduğumu sanıyordum. Ben bir film koymaya karar vermiş ama hangisi olduğunu unutmuş bir yönetmenim. İşte o anda her şey çözüldü: Aniden filmin tam kalbine girdim - şimdi başıma gelen her şeyi anlatacağım, filmim ne tür bir film olduğunu bilmeyen bir yönetmenin hikayesi olacak. yapmak istedi.

"8 1/2", ünlü yönetmen Guido Anselmi'nin asistanları, arkadaşları ve hayranlarından oluşan bir kalabalık içindeki yalnızlığının, yorgunluğunun, kafa karışıklığının, yaratıcı kısırlığının hikayesi hakkında trajik ve aynı zamanda ironik bir hikaye. Fellini, yönetmenin her şeyden önce sabahtan akşama kadar soru yağmuruna tutulan biri olduğunu gösteriyor. Aynı zamanda bu, benmerkezci bir Katolik entelektüelin itirafının hikayesidir. İtirafının merkezinde karısı, annesi ve metresleriyle olan ilişkisi var.

Film karmaşık bir biçimde yapılmıştır: gerçeklik, rüyalar ve rüyalarla serpiştirilmiştir, anlatı zaman ve mekanda hareket eder, gerçek karakterler kurmaca karakterlerle, canlılar ölülerle bir arada bulunur.

Ana karakter geçmişe yolculuk eder. Aklına, dünyanın bir bütün gibi göründüğü, ebeveynlerin taşralı sadelikleriyle bulutsuz olduğu, kendisinin bir üniversite öğrencisi olduğu çocukluk görüntülerini getiriyor. Son olarak, Saragina, Fellini'nin hayatında gördüğü ilk fahişe olan muazzam büyüklükte bir kadın olarak çerçevede belirir. Olay, Selesian kardeşlerin manastırındaki kolej öğrencilerinin yaz tatillerini geçirdikleri Fano sahilinde meydana geldi.

Annenin anıları, karısının imajıyla kahraman için birleşir. Sonra aniden merhum babanın ciddi ve solmuş bir görüntüsü mezardan çıkar ve şikayet eder: ne cennet ne de cehennem vardır ve mahzen çok küçüktür. Fellini'nin tüm bu inanılmaz derecede güçlü anıları, şimdiki zamanla keskin çarpışmalarla kendini gösterir.

Marcello Mastroianni için "8 1/2" sonsuza kadar emsalsiz bir şaheser olarak kalacak. Burada Fellini'yi kendisi oynadı: melankolisi, kaygısı, şüpheleri, sürekli gerçeği arayışı ve gündelik hayatın dehşeti, yaşam krizi duygusu.

Mastroianni, "Belki de Federico kendini bu karaktere sokmuştur," dedi. - Yalancı olarak kabul edildi. Çekimler başlamadan önce ne kadar gergin olduğunu söyleseler kimse inanmaz. Biliyorum çünkü oradaydım…”

Fellini, film itirafında Cardinale'ye çifte bir rol emanet etti - ünlü aktris Claudia (yönetmen adını bile değiştirmedi) ve "kaynağın bakiresini" hayal eden Guido - gençliğin, saflığın, içselliğin sembolü düzen ve denge. Anselmi için iyileştirici ve arındırıcı bir görüntüydü.

Federico Fellini için yaratıcı atmosfer koşuşturmaca, gürültü, konuşmalar ve her türlü düzensizlikti. Şaşırtıcı bir şekilde, tüm bu koşuşturmaca olmadan konsantre olamıyordu.

Cardinale, “Federico'nun yazılı rolleri, hazır bir senaryosu yoktu” diye hatırlıyor, “ancak son dakikada size kaydırılan bazı satırların olduğu kağıtlar vardı. Sette tam bir doğaçlama atmosferi hüküm sürdü. 8 1/2'deki partnerim Marcello Mastroianni'ydi. Çekimler başlamadan bir dakika önce, Marcello yerine Fellini önümde durdu ve hareket halindeyken bir şeyler söyleyerek bir şeyler söyledi. Ve cevap verdim. Filmdeki gerçek diyalog buydu.

Ve Federico ile çekim yapmak gerçek bir "olay". Görünüşe göre doğaçlama yapıyorsun, her şeyi tamamen kendiliğinden yapıyorsun ve ancak o zaman gerçekte seni - çok belirsiz bir şekilde - tam olarak ihtiyacı olan şeye bıraktığını anlıyorsun. Federico ile sadece bir filmde rol aldım ama o bana dünyanın göbeği gibi hissettirmeyi başardı - en güzel, en olağanüstü, en gerekli.

8 1/2'de Anouk Aime en zor rollerinden birini oynadı. Bir film yapımcısının karısı olan Louise Anselmi'nin imajını yarattı. Bu sefer Fellini, oyuncuya sofistike psikolojik hareketler sunmadı. Louise kocasını seviyor ama aşkının onuru için savaşması gerekiyor. Anouk Aime, çifte oyunculuk görevini olduğu gibi çözer. Guido'nun hayallerinin kahramanı olduğu sahnelerde oyuncu sade, hafif ve mutlak güzellikle güzeldir. Filmin "gerçek" sahnelerinde Anouk Aime gülünç gözlükler takıyor, burnuna bir sürü çil çiziyor, güzel saçlarını kesiyor ve yorgun bir film yıldızının buğulu sesiyle konuşuyor...

Çekimler sırasında yapımcılar Fellini'den son için bir eskiz hazırlamasını istedi. İki yüz oyuncuyu bir araya getirdi ve onları yedi kamera önünde geçit töreni yaparken gösterdi. Federico, bu dansın görüntüsünden o kadar ilham aldı ki, Guido ve karısı Luisa'nın barıştığı yemekli vagondaki orijinal sonu değiştirmeye karar verdi.

“8 1/2”nin sonunda bir sahne belirir, filmin beyaz giysili karakterleri seyircinin önünde eğilmek için dışarı çıkarlar. Ve Guido - çalışmaya başladığı için zaten mutlu - filmdeki son monologunu sanki bir tatildeymiş gibi söylüyor.

Çoğu eleştirmen, resmin sonunun sembolik bir anlamı olduğunu belirtti. Oyuncularının ve çalışanlarının uzun bir alayı arasında kendisini yine bir çocuk olarak gören yönetmenin kendisinin son, çok incelikli görüntüsünü gösteriyor.

Pek çok izleyici, filmin garip başlığı karşısında şaşkına dönüyor. Yönetmen, "Bu sadece bir sonraki işimin seri numarası," diye açıkladı. Bu filme bir isim bulamadım. Elbette, birçok edebi başlıktan birini seçmenin bir cazibesi vardı, ancak bunların zaten entelektüel icatlar olacağını hissettim. Bir zamanlar filme “Tam Karışıklık” veya “Tam İtiraf” adını vermek istedim ama bu isimler beni tatmin etmedi. Bununla birlikte, filme tamamen dinsel nedenlerle - en azından oyuncularla yapılan sözleşmelerde, çeşitli yükümlülüklerimizde belirtmek için - bir isim verilmesi gerekiyordu. Sonra ona geçici bir isim verdim. Yedi buçuk film yönettim ve bu film sekizinci buçuktu. Yani sonunda bu isim kaldı.

Her zaman olduğu gibi, Fellini'nin çalışmaları etrafında hararetli bir tartışma alevlendi. Pek çok eleştirmen, "8 1/2" filmini dünya sinemasının en yüksek başarısı olarak kabul ederek, "zamanımızın tüm ıstırabını ve umutsuzluğunu emdiğini", herhangi bir felsefenin ana sorusuna cevap verdiğini söyleyerek sınırsız bir şekilde övdü - nedir akıllı varlığın anlamı.

Çalışmasının belki de en özlü tarifi Fellini tarafından verilmiştir: “8 1/2 filmi nedir? Cehennem arifesi atmosferinde, kopuk bir psikanaliz seansı ile kişinin kendi vicdanının düzensiz bir şekilde sınanması arasında bir şey. Melankolik, neredeyse cenaze niteliğinde ama kesinlikle komik bir film.”

Genel kamuoyunun görüşü açıktı: "8 1/2" elitist bir çalışmadır.

Moskova'daki 1963 Uluslararası Film Festivali'nde "8 1/2" filmi Büyük Ödülü aldı. Bu, Fellini ve eşi Giulietta Mazina'nın Sovyetler Birliği'ni ilk ve son ziyaretiydi. Jürinin kararı, Fellini'nin "sanatçının hakikat arayışındaki iç mücadelesini yansıttığı olağanüstü yaratıcı, yönetmenlik çalışması için" ödüllendirildiğini belirtti.

Fellini, Moskova'da düzenlediği basın toplantısında, kahramanı Anselmi'nin yaşadığı ruhsal krizi kendisinin de yaşadığını ve üstesinden gelmeyi başardığını söyledi. Bunun kanıtı, bu krizden çoktan geçmiş bir aşama olarak bahsettiği filmin kendisidir. "Benim işim sonsuz bir arayış, bir sanatçı asla tam anlamıyla tatmin olamaz" diye ekledi.

"8 1/2" filmi, New York Eleştirmenler Ödülü'nü ve "yılın en iyi yabancı filmi" kategorisinde prestijli "Oscar" ödülünü aldı. Amerikan Film Akademisi ayrıca en iyi kostümler için Piero Gherardi'yi ödüllendirdi.

"HİZMETÇİ"
(HİZMETÇİ)

Yapım: Büyük Britanya, 1963 Yazan: G. Pinter. Yönetmen: J. Losey. Operatör D. Slocomb. Sanatçı R. McDonald. Besteci J. Dankworth. Oyuncular: D. Bogard, J. Fox, S. Miles, W. Craig, R. Vernon, K. Lacey ve diğerleri.

Joseph Losey'nin Uşağı bir gizem filmi, bir mesel filmi. Bu, genç, naif bir aristokrat ve onun ikiyüzlü hizmetkarının yavaş yavaş zayıf iradeli bir efendiyi eline alması ve ardından iradesini ona dayatarak onu ahlaki yıkıma ve düşüşe götürmesi hakkında acımasız bir hikaye. Resmin başarısı, Robin Maugham'ın oyununa dayanan tiyatro dramaturjisinin yükselen yıldızı Harold Pinter tarafından yazılan senaryo tarafından büyük ölçüde kolaylaştırıldı. Yönetmen Losey, özellikle oyunun temasına yakındı - insan pasifliği ve gelişen Batı medeniyetinin ahlaki çürümesi. Buna karşılık Pinter, toplumun ikiyüzlülüğüne, birçok tabusuna ve oyunun kurallarına karşı çıkarak bireyin dramını gösterme yeteneğiyle ünlendi. Pinter ve Losey arasındaki tanışma, her ikisi için de mutlu bir birlikteliğin başlangıcı oldu.

Joseph Losey, 1909'da La Crosse, Wisconsin, ABD'de doğdu. Sahne için Harvard'da tıp okumaktan ayrıldı. 1932'de tiyatroda ve savaştan sonra sinemada yönetmenliğe başladı.

Solcu fikirleriyle tanınan Losey, Hollywood'da birkaç film çektikten sonra 1951'de ABD'yi terk etmek zorunda kaldı.

Losey, filmlerinde sık sık kahramanın kendisinin kaybını, kişiliğin çözülmesini, bir kişinin celladına veya hayalet ikizine bağımlılığını araştırdı. The Servant'ta yönetmen, sabit güdülerini ve tipik olarak İngiliz sosyal meselelerini bir araya getiriyor. Bu acı verici bir insan bağlantısı, bir işkenceci ve bir şehit hakkında bir hikaye. Losey, "Benim için bu, aynı tuzağa ancak farklı uçlardan düşen insanların hikayesi" dedi. "Hizmetkar", en mükemmel eseri olarak kabul etti.

Eski bir Londra malikanesinde, efendi Tony ve hizmetçi Hugo Barret, artık aristokrat toplumun gerçekleriyle hiçbir ilgisi olmayan Viktorya dönemi normlarına göre yaşıyorlar.

Barret nezakettir, inceliğin ta kendisidir. Evle mükemmel bir şekilde ilgilenir, masada bekler, paltoyu sahibinin gelini Susan'a verir. Susan, Barrett'ı küçük düşürmeye çalışır. Hizmetçi, aşağılayıcı kaprislerine sakince katlanıyor.

Tony, Barret tarafından kesinlikle desteklenen yerleşik ritüeli itaatkar bir şekilde takip eder. Yanlış ellerden gelen herhangi bir hizmeti kabul etmeye hazır. Buna karşılık, Barret her türlü hizmeti vermeye hazırdır.

Ancak oyunun kuralları, sahibinin iradesi dışında değişir. Yardımsever, çalışkan, mütevazı ve esprili Barret, fark edilmeden ve amansız bir şekilde bir tirana ve sadiste dönüşür: metresi Vera'yı kız kardeşi kisvesi altında eve sokar, ev sahibini yozlaştırır ve onu iradesine tabi kılar.

Ve burada melankolik Tony kontrolünü kaybeder. Takip eden her şey, bireyin fantazmagorik bir ıstırabı olarak algılanır. Susan'ın isteği üzerine Tony, suçlu Barret'i uzaklaştırır (bu doruk noktasında, Losey dışbükey bir aynayla kendine bir numara yapar: Tony'nin "gururlu sahibinin" yüzü şişer, Barret minik çarpık bacaklarda topallar). Bir süre sonra Tony, Vera'nın af ricasını ciddiye almaz. Kaderi hala mühürlü. Barret orijinal yerine geri döner - ve Tony'nin evi gitgide daha hızlı bir şekilde tam bir çürüme atmosferine batıyor. Ve Barret son zaferine ulaşır - neredeyse Susan'a teslim olur.

Barrett için efendisini ezmek önemlidir. Tony'nin aşağılanması ve düşüşü, hizmetçinin kendi aşağılanma yıllarını telafi etmesidir.

İngiliz sahnesinin ve dünya sinemasının gururu olan seçkin bir aktör olan Dirk Bogarde, Barret'in uşağı olarak rol aldı. Sanat yolculuğuna büyük heykeltıraş Henry Moore'un rehberliğinde, King's College'da onunla birlikte çalışarak başladı. Joseph Losey'de ilk olarak Sleeping Tiger (1954) filminde oynadı. Oyuncu ve yönetmen arasında hemen tam bir anlayış kuruldu.

Bogard'ın "The Servant" filmindeki ortağı İngiliz aktör James Fox'du. Rolünü doğru, duygusal ve gerçekten derinden oynadı. Pinter'ın mükemmel senaryosu, karakterlerin psikolojik düellosunun tuvali haline geldi. Bu arada, Pinter'ın kendisi ekranda sosyeteden bir adamın küçük bir rolünde beliriyor.

Erkeklerin ilişkisi, iki kadın kahraman - ev sahibi Susan'ın gelini ve hizmetçi Vera'nın metresi - arasındaki söylenmemiş düelloda yansıtılır.

İnanç, Barret'in sahibini tehlikeli bir ağa sokmasına yardım eder. Hizmetçinin hesaplamalarına müdahale eden evlilik planlarını mahvetmek için yanlışlıkla efendinin yatağına giren çaresiz bir safkan rolünü oynuyor.

Vera'nın rolü genç bir tiyatro ve sinema oyuncusu Sarah Miles tarafından oynandı.

Sarah Miles'ın inancı, her şeyden önce, masumiyet ve ahlaksızlık, alaycılık ve saflık, bayağılık ve melodramatik pozun şok edici bir kombinasyonu, kahramanın herhangi bir eyleminin rahat doğallığı ile hatırlanıyor: Tony ile Barrett'ın kız kardeşi olarak konuşup konuşmadığı. , ister genç bir adamı baştan çıkarmaya çalışsın, ister sahibinin yokluğunda bir suç ortağıyla açıkça eğlensin. Sofistike bir taklitçi, her şeyde doğal ve neredeyse her zaman sahte. Bu ikilik, düşüncesiz bir bakış ve alaycı bir gülümsemede gizlenmiş, çocuksu çekiciliğin ahlaksızlıkla alaşımında olduğu kadar, görüntünün "lezzeti" dir.

Hizmetçi'deki başarı, oyuncuya Devlet Tiyatrosu'nun kapılarını açtı.

Kahraman-antipot olarak, Vera'ya sahibinin gelini Susan karşı çıkıyor - tatlı, çok akıllı değil ama kendine güveniyor. Wendy Craig, Susan rolünü tesadüfen aldı - bu rol için onaylanan oyuncu, hamilelik nedeniyle çekim yapmayı reddetti.

"Hizmetkar" filmi, yazarların niyetine karşılık gelen ağır bir his bırakıyor, ancak bu, büyük ölçüde oyunculuk performansının meydan okuyan sululuğuyla kolaylaştırılıyor.

Film eleştirmeni D. Shestakov, "Her hareket ve ses, barok natürmortlardaki nesneler gibi vurgulanıyor" diyor. Sözcükler, birer birer beklenti dolu ya da harap olmuş bir sessizlik kuyusuna düşüyor. Hareketlerin, seslerin, jestlerin aşırı, sinemasal somutluğu, olup bitenlerin psikolojik içeriğinin muğlak gizemiyle yoğun bir çelişki içine giriyor. Sempatimiz bir kahramandan diğerine aktarılır, ta ki herkese ya da hiç kimseye sempati duymamız gerektiği, doğuştan ve sonsuza dek köklü özelliklerle, fenomenlerin yüzeyi ile gerçek özleri arasında tamamen İngiliz bir çelişkiyle uğraştığımız netleşene kadar. , hayatın biçimleri ve içeriği arasında.

Film Kasım 1963'te gösterime girdi. İngiliz Film ve Televizyon Akademisi, Losey ve Pinter'ın çalışmalarına övgüde bulunarak The Servant'ı sekiz büyük ödüle aday gösterdi. Doğru, sadece üç ödül kazandı: Dirk Bogarde (En İyi Erkek Oyuncu), Douglas Slocombe (Siyah Beyaz Filmde En İyi Görüntü Yönetmeni) ve James Fox (Umut Veren Erkek Oyuncu).

Eleştirmenler, filmin önemli bir avantajının görsel çözümü olduğuna dikkat çekti: cesur montaj bağlantıları, plastik metaforlar, sembolik ayrıntılar ve yazarın düşüncesinin hareketini taklit eden, ancak aynı zamanda tamamen özgür ve göze batmayan kamera çalışması. The Servant, Losey'i Avrupa sinemasının seçkinleriyle tanıştırıyor.

"CHERBOURG ŞEMSİYELERİ"

(Les Parapluies de Cherbourg)

Yapım: Fransa - Almanya, 1964. J. Demy'nin yazıp yönettiği. Operatör J. Rabier. Sanatçı B. Evein. Besteci M. Legrand. Oyuncular: K. Deneuve, N. Castelnuovo, A. Vernon, M. Michel, E. Farne, M. Perrey ve diğerleri.

Fransız sineması uzun süre film müzikaline kendi yaklaşımını bulamadı. 1960'lara kadar Paris'te ilk Fransız film müzikalleri olarak selamlanması gereken iki film çekildi: Cherbourg'un Şemsiyeleri (1964) ve Rochefort'tan Kızlar (1967). Yazarları Jacques Demy, "Yeni Dalga" adı altında Fransız sinemasının yenilenmesini savunan genç yönetmenler grubuna aitti. Jacques Demy, müzikal film alanında deneyler yapmaya başlayan tek kişiydi. Bir müzikal yaratma girişimi zaten ilk filmi "Lola" (1960) idi. İçinde Nantes'li bir kız hakkında büyüleyici bir aşk hikayesi kullandı ve Michel Legrand'da bir Fransız müzikal filminin geliştirilmesiyle gerçekten ilgilenen bir besteci buldu.

Başarısız aşk, kaçış, yalnızlık hikayesi olan "Lola" da şarkıcı ve kabare dansçısının başrolünü Anouk Aime oynadı. Filmin ana karakterlerinden biri de Lola'nın terk ettiği çocukluk arkadaşı Roland Kassar'dır. Kassar karakteri, aktör Marc Michel ile birlikte daha sonra Cherbourg Şemsiyeleri'ne taşındı. Genevieve'nin annesine Lola'nın ihanetiyle zor zamanlar geçirdiğini, Amerika'ya gittiğini, çok çalıştığını, zengin olduğunu ve büyük bir kuyumcu olduğunu orada anlattı. Böylece Jacques Demy, olay örgüsü açısından bir filmden diğerine bir köprü kurmuş oldu. Ek olarak, "Lola" nın kadın kahramanlarından biri olan Cecile, Nantes'ten herhangi bir yere değil, Cherbourg'a kaçtı.

1960 yılında ilk film "Lola" vizyona girdiğinde, genç Fransız aktris Catherine Deneuve izlemesi için bir davet aldı ve burada Jacques Demy'nin adının yanında bir not vardı: "... Sizinle tanışmayı çok isterim. "

Catherine, “İlgilendim ve duygulandım” diyor. "Beni Lovelace'te Mel Ferrer ile birlikte gördüğü ortaya çıktı. Tanıştık ve projesini benimle paylaştı. Ama filmi çekmeye başlamamız uzun zaman aldı."

On sekiz yaşındaki oyuncu o zamana kadar yedi filmde rol almıştı ama hiçbiri onu tatmin etmemişti. Hayatını sinemaya bağlaması gerekip gerekmediğini ciddi olarak düşündü.

Yönetmen, "The Umbrellas of Cherbourg" (1964) adlı yeni filminde aynı temaya, ancak eleştirmenlerin "film chante", yani "sung film" dediği tamamen yeni bir üslupla döndü. Yapım, Jacques Demy tarafından Legrand ve müzik editörü Francis Lemarque ile birlikte tasarlandı.

Michel Legrand şöyle diyor: “Lola'dan sonra Jacques ve ben arkadaş olduk. Bana “Loyalty, or the Umbrellas of Cherbourg” projesini önerdi. Bir müzikal yapmaya karar verdik, kendimizi evime kapattık ve şarkı yazmaya başladık. İlk başta bunun diyalogların konuşulduğu, şarkıların söylendiği sıradan bir müzikal olduğunu düşündük. On gün sonra anladık ki bundan bir şey çıkmayacaktı. Diyalogdan müziğe ve tam tersine geçişlerle sürekli kafamız karıştı. Fikrimizden şüphe etmeye başladım. Jacques da. Birkaç ay ayrıldık ve sonra Jacques beni aradı ve şöyle dedi: "Müzik ve diyalogların birleşimini sevmiyorsak, bunu eklemsiz yapalım - hem diyaloglar hem de şarkılar söylesin!"

Demi ve Legrand, bir yıl boyunca olağandışı senaryolarını eklemeye çalışarak ofislerde dolaştılar. Besteci tüm partisyonu seslendirdi, tüm karakterler için şarkı söyledi. Yapımcılar yanıt olarak bunun bir tür delilik olduğunu söylediler. "Cherbourg Şemsiyeleri"nin yazarları her yerden sergilendi. Sonunda medya patronu Pierre Lazarev'e bir mektup gönderdiler: "Size alışılmadık bir proje göstermek istiyoruz." Ve yakında randevu aldılar.

Legrand, "Jacques ve ben geldik, orijinal parçamızı yeniden seslendirmeye hazırlandık," diyor. - Lazarev ofise girdi ve şöyle dedi: “Ne olduğunu gerçekten anlamadım ama kesinlikle halkı şok edecek. Ve arkadaşım Mag Bodar yapımcı olmak istiyor. Yani o senin filmini yapacak ve ben parasını ödeyeceğim.” Bunları bir solukta anlattıktan sonra bir koltuğa oturdu, pipo yaktı ve biriyle telefonda konuşmaya başladı. Artık onunla ilgilenmiyorduk."

Genevieve rolü aslında Catherine Deneuve için yazılmıştı.

Yönetmen, Genevieve'nin annesi rolü için Daniel Darrier'ı okudu. Ancak koşullar bunu engelledi ve yönetmen Darrier yerine önce Micheline Prel'i ve ardından Anne Vernon'u davet etti.

Michel Legrand, orkestrası ve şarkıcıları Daniel Licari, José Barthel ve diğerleriyle müzik kaydetti. Catherine Deneuve ve Nino Castelnuovo, Anne Vernon ve Marc Michel rollerini ezberlemeye başladılar. Çalışmaya başlamadan önce tüm rol ve müzikal kısım ezbere öğrenilmelidir. Bu özel bir disiplin gerektiriyordu.

"Cherbourg'un Şemsiyeleri" tablosu hüzünlü bir aşk hikayesini anlatıyor.

... Cherbourg'daki Rue de la Tour Carré. 1957 Dul Emery (Anne Vernon), Cherbourg Şemsiyelerini yönetir. Kızı Genevieve (Catherine Deneuve) ticaretine yardım ediyor. Bir otomobil tamircisi olan Guy Fouchet (Nino Castelnuovo), onlara çok da uzak olmayan bir garajda çalışmaktadır. Genevieve bir adama delicesine aşıktır.

Guy'ın Cezayir'e gitmesi gerektiğinde aşk biter. Şimdi Genevieve, gitgide daha az gelen mektuplarını ve ... bir çocuğu bekliyor. Annesinin baskısı altında zengin Roland Cassar (Marc Michel) ile evlenir ve Cherbourg'dan ayrılır.

Guy iki yıl sonra geri döner. Genevieve'nin evliliğini öğrenince acı çeker, "şenlik"te teselli arar ama sonra ona uzun süredir aşık olan Madeleine (E. Farne) ile kaderine katılır. Bir benzin istasyonu satın alır ve erdemli bir baba olur.

1962 Noel Arifesinde, Genevieve ve kızı Françoise ile bir Mercedes istasyonun önünde durur. Kahraman, Guy ile tekrar tanışır - şimdi o, vizon paltolu zengin, bakımlı bir hanımefendi. Aralarında sadece iki veya üç söz atılır, bundan her ikisinin de mutlu olduğu ve geçmişten pişmanlık duymadığı sonucu çıkar. "Kimin var?" "Kızım, Françoise." - "Ve sen?" "Oğlum, François." "Kızını görmek istiyor musun?" diye sorar Genevieve (kız arabada oturuyor). Guy'ın böyle bir arzusu yok. Yabancı oldular ve şimdi kayıtsızca sonsuza dek ayrıldılar. Onlara kalan tek şey, Cherbourg'daki büyük aşkın sevgili ve acı hatırasıdır...

Michel Legrand'ın hüzünlü, duygusal melodisi, son jeneriğin fonunda çalıyor.

Olay örgüsü tipik bir melodramdır. Ancak bu, yalnızca müzikal yollarla çözüldü. Bu daha önce sinemada hiç olmamıştı: Demi'nin tüm karakterleri filmin başından sonuna kadar şarkı söyledi: sıradan günlük konuşmalar bile bir anlatım şeklinde sunuldu. Kasetin başında araba tamircisi Guy ve patronu, Mercedes'in arızasının nedeni ve yaklaşan fazla mesai hakkında şarkı şeklinde "konuşmaya" başladığında, birçok izleyici şok gibi bir şey yaşadı. Bu nedenle, eleştirmenlerin - ve hatta Demi'nin kendisinin - ilk başta resmi bir film müzikali olarak değil, bir film operası olarak görmesinde şaşırtıcı bir şey yok.

Demi çekimlerden önce "Resmime bir Amerikan müzikalinden ve bir Fransız operetinden hiçbir şey almıyorum" dedi. - Boş mısra şeklinde yazılan tüm diyaloglarım karakterler tarafından seslendirilmiştir. Yani opera gibi, tüm sözlerin net olduğu, müziğin basit, hatta popüler temalara dayandığı bir şey…

Her şeyin müziğe tabi olacağı bir film yapmak istedim. Kameranın hareketi, oyuncuların konumu müzikal ritim tarafından yönlendirilmeli ve aynı zamanda gerçekle yakından bağlantılı kalmalıydı...

Bu, "renkli film" kavramına benzeterek söylemem gerekirse, "şarkı söyleyen bir film".

Böyle bir resim çekmenin çok zor olduğu ortaya çıktı. Demi, film müzikallerinde deneyimi olmayan oyuncularla çalıştı. Filmin tamamı bir "oynatma sistemi" ile çekildi, böylece hiçbir sahnede yer alan oyuncuların sesleri duyulmuyor. Her sahne saniyeye kadar zamanlandı. Catherine Deneuve'nin daha sonra söylediği gibi, hemen ustalaşılmayan bu "çok zorlama jimnastik" sonunda harika bir sonuç verdi. Bu bağlamda, formun özgünlüğü ve Michel Legrand'ın mükemmel müziği hakkında çok şey söylendi. Müzik, karakterlerin duygu ve düşüncelerini ifade etme aracı haline gelir. Ve bu olağandışı deneyimin başarısız olmaması, tüm Jacques Demy topluluğunun şüphesiz değeridir.

Film bittiğinde kimse onu oynatmak istemedi. Sihirbaz Bodard, hemen en iyi dağıtımcıyı arayan Lazarev'e şikayette bulundu ve sinemalarında Cherbourg Şemsiyeleri'ni göstermezse reklamının bir satırını dergilerinde yayınlamayacağını söyledi. Sonuç olarak, film Paris'in en iyi salonlarında gösterildi. Ve ilk günden itibaren başarı geldi.

Yakında tüm dünyada çalacak müziklerle dolup taşan, ekrana yeni yüzlerle gelen film, çok fazla tartışmaya neden olacak, sadece hayranları değil, rakipleri de olacak. Önce Louis Delluc Ödülü'ne layık görüldü, ardından 1964'te Cannes Film Festivali'ne gönderildi ve burada festivalin ana ödülü olan Palme d'Or'a layık görüldü. Bu zaten bir zaferdi.

Alman film eleştirmeni Michael Hanisch şunları yazdı: “Cherbourg Şemsiyeleri, kelimelerle tarif edilmesi zor, gerçek bir Fransız cazibesine sahip. Hatta bazı eleştirmenler bu film için yazılan müzik ile Mozart'ın eserleri arasında bir bağlantı bulmaya bile çalıştılar. Bunun nedeni filmin özel bir kolaylığı, incelikli eğlencesi, güzel melodileri, zevkli müzikal görüntüleriydi. Ve aynı zamanda, Fransız gerçekliği bu romantik hikayeye gerçekten giriyor - tıpkı Mozart'ın zamanının sorunlarını açıkça göstermesi gibi ... "

Cezayir'de kısa süre önce sona eren savaşın yıktığı, başarısız bir aşkın bu şekilde anlatılmasına seyirci kayıtsız kalmadı. İlk şaşkınlıktan sonra, oldukça doğal bir şekilde filmin mantığını takip etti ve anlatımları tamamen normal bir karakter iletişimi biçimi olarak algıladı.

Demi'nin bu en mükemmel yaratımına müzik ve renk açısından bir şiir adı verildi.

Aksiyon ve müzik, Demi ile organik bir bütünlüğe kavuşuyor. Demi ve Legrand, film için tam müzikal numaralar yaratmaya çalışmasalar da, "The Umbrellas of Cherbourg" birkaç popüler şarkının kaynağı oldu ve bunlardan biri - başlık bir - tüm dünyayı dolaştı.

Filmin hak ettiği başarı, Catherine Deneuve'nin kendisini sinemaya adama kararında belirleyici bir etkiye sahipti. İlk defa kendisine çok uygun bir imajı canlandırmış. Jacques Demy, ince, romantik yeteneğini olumlu bir şekilde ortaya koymayı başardı.

"Cherbourg Şemsiyeleri" - Deneuve'ye göre konsepti herkesin çılgınca bulduğu bir film - mutlu bir kader bekliyordu. Yurtdışı da dahil olmak üzere ticari bir başarıydı. Bir tür klasik olan "gerçekten Fransız" filmiyle eşanlamlı hale geldi.

"DR. STRANGELOVE VEYA KORKUYU NASIL DURDURDUM VE
NÜKLEER BOMBAYI SEVDİM"

(Dr. Strangelove veya: Endişelenmeyi Bırakmayı ve Bombayı Sevmeyi Nasıl Öğrendim)

Yapım: BK-ABD, 1964 Senaryo yazarları:

T. Southern, S. Kubrick, P. George'un romanından uyarlanmıştır. Yönetmen: S. Kubrick. Operatör J. Taylor. Besteci L. Johnson. Sanatçı K. Adam. Oyuncular: P. Sellers, J. Scott, K. Wynn, S. Pikens, P. Bull, J. Earl Jones ve diğerleri.

Garip adıyla dünya sinemasının en ünlü hiciv komedilerinden biri olan "Doktor Strangelove veya Nasıl Korkmayı Bıraktım ve Atom Bombasına Aşık Oldum", SSCB ile ABD arasındaki ilişkilerin yükseldiği uluslararası bir gerilim atmosferinde yaratıldı. tırmandı. Küba Füze Krizi neredeyse büyük bir çatışmaya yol açtı.

1960'ların başında Amerikalı yönetmen Stanley Kubrick, çağdaşlarının çoğu gibi nükleer savaş tehdidi altındaydı. Hatta Amerika'dan daha güvenli olduğunu düşündüğü için Avrupa'ya taşındı. Kubrick kitle imha silahları okudu, modern savaş hakkında çok şey okudu. Dünyanın önde gelen güçlerinin nükleer stratejileri hakkında koca bir kitaplık topladı.

Stratejik Araştırmalar Enstitüsü başkanı Alistair Buchan, Kubrick'e Peter Bryant tarafından yazılan Two Hours Before Die'ı okumasını tavsiye etti (yazarın gerçek adı, emekli bir RAF Teğmeni, Peter George'dur). Kitap, depresyondan muzdarip belirli bir Amerikan generalinin Sovyetler Birliği'ne nükleer saldırı emrini nasıl verdiğini anlatıyor. Neyse ki, felaket önlenebilir. Kitap iyimser bir şekilde sona eriyor, Rus ve Amerikalı liderler ciddi bir şekilde böyle bir maceranın bir daha asla olmayacağına dair birbirlerine güvence veriyor.

"Dr. Stangelove veya Nasıl korkmayı bıraktım ve atom bombasına aşık oldum" - Pentagon, ordu, askeri ve sivil liderlik üzerine bir hiciv. George'un çalışması çarpık olay örgüsüne sahip bir gerilim filmiyse, o zaman Kubrick ve ortak yazarı Terry Southern konuyu hicivli bir şekilde ele aldı. Dolayısıyla karakterlere verilen komik isimler.

Askeri üssün komutanının (Sterling Haylen tarafından canlandırılıyor) adı Jack Rippert - "Karındeşen Jack"; başkanın soyadı, "pislik" anlamına gelen Mac Maflin'dir; ve atom bombacısını Rusya'ya götüren binbaşıya "King" Kong denir.

Jack Rippert bir askeri alarm verir. Havadaki bombardıman uçaklarına Rusya'ya saldırmaları emredildi. Sonra generalin çıldırdığı ortaya çıktı. Obessilev

bir kadınla görüştükten sonra, birdenbire her şeyin meyve sularını - portakal, limon ve her türden - zehirleyen Kızılların bir komplosu olduğuna ve bu nedenle komünistlerin yok edilmesi gerektiğine karar verdi.

Pentagon, üssün aramalara cevap vermediğini fark eder. Ekranda bir Hava Kuvvetleri generali belirir. Sunumu grotesk bir tarzda gerçekleşir. İlk olarak, generalin ofisindeki bir telefon görüşmesinde yarı çıplak bir sarışın belirir ve resmi olarak patronunun meşgul olduğunu açıklar. Ardından, telefon için ısrarlı taleplerin ardından, tamamen sarhoş bir general (George Scott tarafından canlandırılıyor) dört ayak üzerinde sürünüyor.

Bu arada bombardıman uçakları Rusya'ya uçuyor. Binbaşı Kong, emri aldıktan sonra bir kovboy şapkası takar ve bir pilotun kendisini düşman bölgesinde bulması durumunda ihtiyaç duyduğu bir dizi şeyin bulunduğu dokunulmaz bir paketi açar: üç çift naylon çorap, ruj, prezervatif, sakinleştirici ve tonik haplar , dolar, ruble ve son olarak bir cep İncili.

Filmin konusu paralel olarak gelişiyor - temelde, Beyaz Saray'ın gizli toplantı odasında ve bombacının güvertesinde. Generaller birbirini suçlarken Beyaz Saray'da bir ağız dalaşı çıkar ve başkan (Peter Sellers) bir eylem programı oluşturmaya çalışır. Deniz piyadeleriyle üsse saldırmaya karar verdi. Üssünde irtibat subayı, bombardıman uçaklarını geri gönderebileceğiniz kodu açmaya çalışıyor.

Bir felaketi önlemek için her şey yapılmış gibi görünüyor: çılgın general intihar etti, üs ele geçirildi, kod bulundu ve ankesörlü telefon, ekipman arızalandığı için Beyaz Saray'a bildirildi, bombardıman uçakları üsse döndü. Telsizi hasar görmüş biri hariç. Ve sonra başkanın baş bilim danışmanı Dr. Strangelove aranır. Aynı Satıcılar tarafından canlandırılıyor, ancak tamamen farklı, grotesk bir üslupla. Strangelove tekerlekli sandalyede getirilir. Bu engelli kişi olasılıkları hesaplıyor ve felaketin kaçınılmaz olduğunu ilan ediyor. Milletin en iyi kısmını ve tabii ki liderliği kurtarmak - onları sığınaklarda saklamak gerekiyor.

Ve sonra Binbaşı "King" Kong, bir kovboy atı gibi üzerinde "Merhaba" yazılı bir atom bombasına binerek Ruslara doğru uçar. Ve final geliyor: sessizce yükselen atomik mantarların arka planında, lirik, nazik bir şarkı geliyor: "Tekrar buluşacağız, ama nerede ve ne zaman bilmiyorum." Bir zerafet ve aynı zamanda insanlığa alaycı kitabe.

Kolektif bir imaj olan Dr. Strangelove'un prototipleri arasında Henry Kissinger (Berlin doğumlu, ABD nükleer stratejisinin geliştiricilerinden biri), Wernher von Braun (Nazi bilim adamı, V-1 ve V-2 roketlerinin yaratıcısı, daha sonra ABD'nin uzayı keşfetmesine yardım eden). Bölümlerden birinde, Dr. Strangelove'un mekanik kolu seğirir ve istemsizce faşist bir selamla uzanır, onunla savaşır ve kontrolünü kaybederek aniden başkana seslenir: "Führerim!" Wernher von Braun gibi bilim adamlarının siyasi özleri, bu uğursuz karikatürde yazarlar tarafından ortaya çıkıyor.

İngiliz Peter Sellers, filmde üç farklı rol oynadı. O da dördüncü için başvurdu, ancak Binbaşı T. J. "King" Kong'un Teksas aksanında ustalaşamadı. Ve Kubrick bu rol için başka bir oyuncu buldu. Batı One-Eyed Jack'teki (1961) Slim Pikens'in çalışmasını hatırlayarak, ona Kong rolünü emanet etti. Ama aynı zamanda yönetmen numaraya gitti. Aktörün tüm senaryoyu okumasına izin vermedi ve kara komedi olarak ne yaptığı hakkında tek kelime etmedi. Pikens, sanki gerçek bir dramada oynuyormuş gibi son derece ciddi oynadı. Sonuç etkileyiciydi.

General Jack Rippert rolü için Kubrick, düşük bütçeli The Assassination (1956) filminde birlikte çalıştığı Sterling Hayden'ı seçti.

Bir Pentagon generali rolünü oynayan George Scott'ın konumu, yönetmen tarafından alışılmadık bir şekilde - satranç oynayarak kazanıldı. Birkaç bölümde kaybeden George, istemeden Kubrick'e saygı duymaya başladı ve sette elinden gelenin en iyisini yapmaya çalıştı.

Kubrick, Two Hours Before Die'ı Ekim 1962'de İngiltere'deki Shepperton Stüdyolarında çekmeye başladı. Şimdi filmin adı "Dr. Strangelove, ya da Nasıl korkmayı bıraktım ve atom bombasına aşık oldum."

Filmin sanatçısı Ken Adam'ın (Dr. No) yönetmenliğinde stüdyonun pavyonu, toplantıların yapıldığı Savaş Odası'nın etkileyici setleriyle inşa edildi.

Bin iki yüz metrekarelik pırıl pırıl siyah zeminin ortasında, bir ışık halkası içinde, yedi metre çapında, yeşil bir bezle kaplı yuvarlak bir masa duruyor. Arkasında, çoğu kalın kumaştan askeri üniformalı, yerleri çizmemek için çizmelerinin üzerine keçe terlikler giymiş ve her tarafı terlemiş otuz oyuncu oturuyordu. Duvarlara SSCB, ABD, Avrupa ve Asya'yı tasvir eden on metre yüksekliğinde ışıklı haritalar asılmıştı. Şehirler ve sınırlar olmadan kıtalar bir kutu oyunu gibi çıplak ve basit görünüyor. Daha büyük etki, Sovyetler Birliği haritasına dağılmış düzinelerce noktaya doğru yavaşça hareket eden kırk parlak ok tarafından yaratılır: her ok, nükleer silahlı bir Amerikan uçağını tasvir eder, her nokta bir hedeftir.

ABD Hava Kuvvetleri yetkilileri, gizliliği gerekçe göstererek Kubrick ve tasarımcısının B-52 bombardıman kokpitinin içini tanımasına izin vermedi. Fotoğrafların ve hayal gücünün yardımına başvurmak zorunda kaldım. Görüntü ekranda yayınlandıktan sonra ABD Hava Kuvvetleri'nin Kubrick'in casus bilgileri kullandığından şüphesi yoktu.

George'un romanında bombalardan birinin adı "Lolita"dır. İki yıl önce Kubrick, Lolita'yı Nabokov'a dayanarak çekmişti, bu yüzden bombanın adını Sevgili John olarak değiştirdi.

Kubrick sondan pek hoşlanmadı. Şüphelerini Spike Milligan ile paylaştı. O cevap verdi: "Neden Vera Lynn finalde" Yeniden buluşacağız "şarkı söylemiyor?" Kubrick onun tavsiyesine uydu.

Çekimler, on beş haftalık çalışmanın ardından 23 Nisan 1963'te sona erdi.

"Doktor Strangelove" prömiyerinin 12 Aralık 1963'te yapılması planlandı. Ancak 22 Kasım'da Dallas'ta Başkan John F. Kennedy'nin ölümüne neden olan silahlı saldırılar filmin gösterime girmesini geciktirdi. Amerika Birleşik Devletleri'ndeki "Doktor Strangelove" prömiyeri yalnızca 29 Ocak 1964'te gerçekleşti.

Film, adaylıklarda dört Oscar'a aday gösterildi: en iyi film, aktör, yönetmen ve uyarlanmış senaryo. Eşsiz bir durum: Sellers, üç farklı rol oynadığı bir filmle En İyi Erkek Oyuncu dalında aday gösterildi.

"Dr. Strangelove", Sinema Sanatları ve Bilimleri Akademisi'ne göre Amerika Birleşik Devletleri'ndeki en iyi üç komediden biridir.

Entertainment Weekly anketine göre Kubrick'in filmi dünya sinemasının başyapıtları arasında 14. sırada yer alıyor.

"MATTA İNCİLİ"

(II Vangelo ikinci Matteo)

Yapım: İtalya-Fransa, 1964. P. P. Pasolini'nin yazıp yönettiği. Kameraman T. Delli Colli. Sanatçı L. Scaccianoche. Besteci L. E. Bakalov. Oyuncular: E. Irazoki, M. Caruso, S. Pasolini, M. Morante, M. Socrate, S. Di Porto ve diğerleri.

Matta'ya Göre İncil, büyük İtalyan yönetmen Pier Paolo Pasolini'nin ana filmlerinden biridir.

Dini bir şekilde yetiştirilmedi ve onaylanmadı bile. Geleceğin yönetmeni ilmihal derslerinden kaçındı ve aynı zamanda dar görüşlü okullara da dayanamadı. Pier Paolo laik okullarda okudu ve Bologna'daki Galvani Lisesi onun eğitiminde özel bir rol oynadı.

"The Gospel of Matta" filmi, birçok Amerikalı eleştirmen tarafından tüm zamanların en beklenmedik filmi olarak kabul ediliyor. Her şeyden önce, çünkü ateist ve Marksist din temasına yöneldi.

Pasolini çocukluğundan beri İncilleri tekrar okumadı ve tekrar okuduğunda şok oldu. Daha sonra Pasolini, bu metnin "manevi güzelliğe" sahip olduğunu söyledi.

Pasolini zaten kendisine bir isim kazanmış ve İtalya'nın önde gelen yönetmenlerinden biri olmasına rağmen, filmin fikri ilk başta yapımcıları ilgilendirmedi. Bunun nedenleri vardı. Son zamanlarda, asi yönetmen, İncil'deki bir filmi çekerken çok fazla peynir yedikten sonra çarmıhta ölen bir köylü hakkındaki cüretkar halk çizgi romanı Koyun Peyniri'nde dini duyguları aşağılamaktan yargılandı.

Pasolini edebi kaynağa sadık kalacağına söz verdi. “Bunu şöyle hayal ediyorum: Satırdan satıra, herhangi bir senaryo veya yönetmenlik geliştirmesi yapmadan Evangelist Matta'nın metnini takip edin. Resim dizisine maksimum doğrulukla tercüme etmek için ... Montajın çıkarlarına eklenmiş tek bir cümle bile yok, ”diye yazdı Pasolini, filme danışmanlık yapan teolog Dr. Caruso'ya.

Pasolini, İncil metninden Havari Matta'nın en ayrıntılı ve gerçekçi anlatımını seçti. Pasolini'ye göre, Mesih hiç de Tanrı değildi, ancak "bu dünyanın güçlülerine", Ferisilere ve Romalı yetkililere meydan okuyan bir asi, "ilk devrimci" idi. Kehanetleri işe saygıyı, zenginliği hor görmeyi, eşitlik ve adalet çağrılarını vurguladı. İsa İtalyanlar arasında İtalyanca vaaz verdi.

Pasolini, bir yıldan fazla bir süredir İsa rolü için bir oyuncu arıyordu. Söylentilere göre şairi de alacaktı... Gerçek şu ki, yönetmen İsa'yı yoksullar dünyasında isyana hazır bir entelektüel olarak göstermek istemiş ve ona göre böyle bir figür şair olabilir. Pasolini, ilham perilerinin bakanlarına bakmaya başladı.

Pasolini, genç bir İspanyol edebiyat öğrencisi Enrique Irazochi ile tesadüfen karşılaştığında neredeyse Allen Ginsberg'e karar verdi. Pasolini hemen ona sordu: "Affedersiniz, resmimde rol oynar mısınız?" Ciddi bir adam olan Enrique bunu reddetti. Ancak yönetmen ısrarcıydı ve Irazoki'yi Mesih'in suretinde hareket etmeye ikna etti.

Havarilerin rolleri için aktörler, onlar hakkında bize gelen bilgilere göre seçildi. Bazıları halktandı, örneğin, Peter bir balıkçı ve Roma alt sınıflarından genç bir Yahudi Settimo Li Porto tarafından canlandırıldı. Ancak eğitimli olanlar da vardı, bu yüzden entelektüel Ferruccio Nuzio'yu Matthew Pasolini rolü için davet etti. Yaşlı Meryem Ana'yı yönetmenin annesi Susanna Pasolini canlandırdı.

Doğayı aramak için Pasolini Filistin'e gitti ama sonunda filmin çekildiği güney İtalya'ya yerleşti. Yönetmene göre bu, antik dünyadan günümüze geçiş yapmasına izin verdi.

Kudüs'ü, şimdi ne yazık ki harabe halinde olan ve Sassi olarak adlandırılan Matera'nın eski kısmına yerleştirdi. Bethlehem, "The Gospel of Matta" filminde olduğu gibi, yakın zamana kadar insanların mağaralarda yaşadığı Puglia'da bir köy oldu. Sicilya'nın kavrulmuş toprağı, bakımsız kulübeler ve vahşi manzara gerekli ortamı yarattı.

Pasolini kendisi için inanılmaz bir şey keşfetti: İtalya'da kimse İncil'i okumuyor. Bütün tanıdıklarına bunu sordu ve sadece iki veya üçü okuduklarını söyledi. Bu nedenle, İtalya'da müjdeye dayalı bir film yapmanın başka herhangi bir yerden çok daha güvenli olduğu ortaya çıktı.

Pasolini, "Eski Filistin ile modernite arasında seçim yaparken ikincisini tercih ettim" dedi. — Analoji ilkesi, mit, epik atmosfere girmeme yardımcı oldu. İsa'nın öyküsünü anlatırken, onu gerçek biçimiyle yeniden kurmadım. Başaramazdım, çünkü o zaman dini bir film yapmak gerekli olurdu ve ben bir inançsızım ... Bu yolu izlemedim çünkü sözde "çürütme" den tiksiniyorum - bu bir küçük burjuva tavrıdır. Tersine eğilimliyim - dünyadaki her şeyin mitolojileştirilmesine. Mesih'in hayatını olduğu gibi değil, Mesih'in tarihi artı iki bin yıllık yorumunu yeniden yaratmak istedim - bu süre zarfında, Hıristiyanlık, kendi başına çok önemsiz olan biyografisini büyük ölçüde mitolojik hale getirdi.

Zaten genç bir pezevengi anlatan ilk film "Accattone" un çekimleri sırasında, Pasolini belirli bir dini üslup geliştirdi ("kutsal" terimini ve eleştirmenler - kesinlikle yanlış olan "Katolik" terimini tercih etmesine rağmen). Üslup dinseldi ama içerik değildi. İçerik aldatılabilir, stil asla. "İncil ..." i benimseyen Pasolini, zaten bir üslup formülüne sahip olduğuna inandı ve Accatton ile aynı ruhla çalışmaya başladı. Ancak iki gün sonra çıkmaza girdiğini anladı ve hatta daha önce veya sonra başına gelmeyen plandan vazgeçmeyi bile düşünmeye başladı.

Pasolini, kutsal bir metinle ilgili olarak kutsal üslubu kullanmanın tek kelimeyle saçma olduğu sonucuna vardı ve geçmişteki tüm teknik bulgularını bir kenara bırakmaya karar verdi. Bir zum lensi kullanmaya başladı, kameranın yörüngesini değiştirdi, çerçeveyi yeni bir şekilde oluşturdu - stil kutsal değil belgesel oldu. Yani tamamen yeni bir tarz ortaya çıktı.

"Accattone" ve "Gospel ..." tarzı arasındaki daha derin bir karşıtlık, ilk durumda yönetmenin neredeyse yalnızca Masaccio ve kısmen de Giotto ve Romanesk heykel tarafından yönlendirildiği gerçeğine karşılık gelir. sadece bir ima satırı izledi ve ikincisinde, ödünç alma kaynakları çeşitliydi - Piero della Francesca (Ferisilerin kıyafetleri), Bizans resmi (Roauault gibi İsa'nın yüzü), vb. Müzikte de durum aynı: "İncil ..." de farklı müzik tarzlarının ve akımlarının (Mozart, Bach, Prokofiev, Webern, devrimci Rus ve İtalyan şarkıları, Negro spirituel) bütün bir karışımı var.

Accattone'da yönetmen hikayeyi İncil'de birinci tekil şahıs ağzından anlatmıştı... bunu yapmak imkansızdı ve ateist Pasolini bunu inanan bir görgü tanığı aracılığıyla aktardı. Yönetmenin ödünç aldığı resim ve sinemadaki birçok farklı kaynağa rağmen, sonuç şaşırtıcı bir şekilde organik ve birleşik görünüyor.

Aynı zamanda Pasolini, Matta İncili'nin çok tartışmalı, kafa karıştırıcı ve bazen kafa karıştırıcı bir film olduğunu kabul etti. Hepsinden önemlisi, bu sadece gizemli olmakla kalmayıp bazen izleyicilerin kafasını karıştıran Mesih figürü için geçerlidir. Yönetmen, "Utandığım birkaç an var, bir tür karşı reform baroku - mucizelerin yaratılması" dedi. - Somun, balık ve sanki karadaymış gibi suda yürümekle ilgili mucizeler - en iğrenç dindarlık. Bu "pitoresk" resimlerden bir vaaza, İsa'nın tutkulu uzlaşmazlığına geçişler, muhtemelen seyirciyi şaşkına çeviriyor. Örneğin Katolikler, imajı düşürdüğüme, Mesih'i kötü yaptığıma ikna olarak salonu terk ediyor. Ama mesele iyi ya da kötü olması değil, çelişkilerle dolu. İncil'in metninin yanı sıra. Farkında olmadan, analoji ilkesini kullanarak, Kutsal Yazıların teolojik çelişkilerini modern figürde yeniden ürettim. Orada çok fazla çelişki var. Ama Müjde'yi büyük ve kanlı yapan onlardır...”

Matta'ya Göre İncil'in prömiyeri 4 Eylül 1964'te Venedik Film Festivali'nde yapıldı. Pek çok kişi için beklenmedik bir şekilde, film sadece Jüri Özel Ödülü'nü değil, aynı zamanda Vatikan adına hareket eden ekümenik jüri Büyük Ödülü'nü de aldı. Siyah beyaz film, şiirsel gücü, karakterlerin derinliği, dramatik aksiyonu, dönemin canlı reprodüksiyonu ve plastik ifadesiyle eleştirmenleri etkiledi. V. Kudryavtsev'in daha sonra belirttiği gibi: “Önümüzde manevi yüzlerin portrelerinden oluşan harika bir galerimiz var, yakalanan manzaraların büyüsü, yoksullukları ve ciddiyetleriyle güzel (kameraman T. Delli Colli). Büyük sanatçıların resimleriyle en ince karşılaştırma.

Din, İtalyan toplumunun yaşamındaki temel faktörlerden biridir. Çoğu İtalyan için, Pasolini'nin tablosu müjdenin ilk okumasıydı. Bu nedenle film, bir yandan İncil'in çok okunduğu İngiltere ve Amerika'da, diğer yandan İtalya'da farklı tepkiler aldı. İtalya'da skandal bir yenilik olarak algılandı, ayrıca kafa karıştırıcıydı, çünkü hiç kimse Mesih'in böyle olabileceğini hayal etmemişti - sonuçta, hiç kimse Matta İncili'ni okumadı ve İngiltere ve Amerika'da bu görüntü özünde çakıştı. insanların hayal ettiği gibi ve bu nedenle hiçbir skandal çıkmadı.

Yönetmen, iki üç yıllık bir aradan sonra filmi izledikten sonra şunu itiraf ediyor: “Filmimin kesinlikle Katoliklikle ilgili olduğunu düşünmüyorum. [...] Bu film benim çünkü dini ve benim dünya görüşüm de dini, ancak inandığım dinin resmi olanla hiçbir ilgisi yok ve "İncil ..." üzerinde çalışmak demekti. benim için mitolojik olarak destanın sınırına ulaşmak . Ek olarak, bu film benim için kişisel anlamı olan motiflerle dolu: tüm ikincil karakterler - güney İtalya'daki tarım işçileri - bana özgü. Bunu onları ekranda tekrar gördüğümde fark ettim ve İsa figürü benim, yırtıcı çelişkilerle dolu.

"BİR KİŞİ"

(Kişi)

Yapım: Svensk Film Industry, İsveç, 1966. Senarist ve yönetmen I. Bergman. Operatör S. Nykvist. Sanatçı B. Lindström. Oyuncular: B. Andersson, L. Ullman, M. Kruk, G. Bjornstrand.

1960'ların ikinci yarısında, İsveçli yönetmen Ingmar Bergman zaten bir klasik olarak görülüyordu. Filmlerindeki felsefi sorunlarla dikkatleri üzerine çekti.

Bergman, Persona'dan önce The Seventh Seal (1956), Strawberry Field (1957), The Fountainhead (1959), Silence (1963) gibi dünyaca ünlü yirmi altı film yönetti.

1964 yazında Ingmar Bergman, dört saatlik bir film için Yamyamlar adlı bir senaryo yazdı. Dramaten tiyatrosunun başındaki görevinin ilk yılıydı, dolayısıyla yönetmen bir yıl içinde Cannibals'ı çekecekti.

Ocak 1965'te Bergman, ilk başta soğuk algınlığı ile hastalandı. Mart ayında yönetmen kötüleşti, uzun süredir zatürree ile yürüdüğü ortaya çıktı, ardından penisilin zehirlenmesi ve orta kulak iltihabı oldu. Uzun bir süre Ingmar ne okuyabilir ne de TV seyredebilirdi.

Bibi Andersson'ın Cannibals'ta oynaması gerekiyordu. Onu, Brecht'in Kafkas Tebeşir Dairesi'nde büyük başarı yakalamış, Ulusal Tiyatro'nun yetenekli genç oyuncusu Norveçli Liv Ullman ile tanıştırdı. Bergman, Cannibals'ta Ullman için küçük bir rol yazdı.

Ardından yakın arkadaşı doktor, Liv ve Bibi'nin duvara yaslanmış güneşlenirken çekilmiş resimlerini gösterdi. Bergman, aktrislerin bu kadar benzer olmasına hayret etti. Her ikisine de benzeyen, bireyselliklerini yitiren, tek kişilikte, tek "ben"de birleşen iki kadın hakkında bir senaryo yazmak istedi. Bergman, “Sonra aklıma bir fikir geldi: İlk sahnede yan yana oturuyorlar ve ellerini karşılaştırıyorlar, birinin başında diğerinin başında geniş kenarlı şapkalar var. Verimli bir malzeme olacağını hissettim, beni gerçekten neşelendirdi.

Nisan ayında, Bergman yapımcı Kenne Fant'ı aradı. Djurgården'e gittiler, Tiel Galerisi'ne gittiler ve ardından Ingmar teklif etti: "Dinle, Temmuz sonunda bana insanlardan birini ve parayı verebilir misin? Liv Ullman ve Bibi Andersson'u davet edeceğim. Bu film işe yaramazsa, masrafları bir sonraki filmime aktaracaksınız.”

Kenne sordu: "Bu film ne hakkında olacak?" “Biri susuyor, diğeri konuşuyor. Ellerini karşılaştırırlar ve sonra karışırlar, birleşirler. "Anlıyorum," yapımcı kaşlarını çattı. Bergman hemen ona güvence verdi: "Film çok kısa ve ucuz olacak." Kenna Fant'in kabul etmekten başka seçeneği yoktu.

Bergman senaryoyu yazmaya başladı. Günde bir saat onun için terapi gibi bir şeydi. Yeni filmdeki başroller hakkında Liv Ullman ve Bibi Andersson ile konuştu.

Mayıs ayında Bergman'ın durumu keskin bir şekilde kötüleşti ve senaryo üzerindeki çalışmalar durdu. Liv ve Bibi hastanede müdürü ziyaret etti.

Bergman, filmin senaryosunu iki haftada tamamladı.

Çekimler 19 Temmuz 1965'te Stockholm'de başladı ve ilk başta işler pek iyi gitmedi. Bergman tamamen sağlıklı değildi ve kendinden emin değildi. "Hiçbir şey yapamayacakmışım gibi hissettim. Günler geçti ve sonuçlar içler acısıydı, Bibi kızmıştı, Liv gergindi ve ben yorgunluktan donakalmıştım. Ama sonunda bir gıcırtıyla sallandık. Ve birdenbire "Hayır, düzelteceğiz, şu ya da bu şekilde yapacağız ama farklı şekilde ayarlayacağız" sözlerinde heyecan duyuldu. Kimsenin morali bozuk değildi. Kimse kendini hiçbir şey için suçlamazsa, dava birçok açıdan kazanır. Ayrıca film, çalışmalarımız sırasında ortaya çıkan güçlü kişisel duygulardan elbette çok yararlandı. Çekim başarılıydı. Yorucu çalışmalara rağmen kamera ve tüm iniş çıkışlarda bana destek olan çalışanlarım ile sınırsız iletişim özgürlüğü yaşadım.

Bergman, stüdyoda çekilen materyali inceledikten sonra bunun daha farklı ve daha iyi yapılabileceğini fark etti.

Film ekibi Foryo Adası'na gitti. Hava güzeldi. Stockholm film stüdyosunda olduğu gibi bir yazlık ev inşa ettiler; hastane bir köy kulübünde kuruldu.

"Persona" bir oda dramasıdır. Eylem sahnesi kesinlikle sınırlıdır: önce bir psikiyatri hastanesindeki bir koğuş, sonra bir kır evi. Karakter sayısı en aza indirilmiştir - yalnızca ikisi vardır (epizodik karakterleri saymaz).

Otuzlu yaşlarının başındaki ünlü oyuncu Elisabeth Vogler (Liv Ullman), başrolünü oynadığı “Elektra”nın performansı sırasında sahnenin ortasında durmuş, susmuş ve performansına devam etmeyi reddetmişti. O zamandan beri Vogler üç aydır sessiz.

Başka bir kadın kahraman, hastasıyla iletişim kurmaya çalışan yirmi beş yaşındaki çekici hemşire Alma'dır (Bibi Andersson). Ve böylece tedaviye devam etmesi için Vogler'ı Alma ile birlikte deniz kıyısındaki tenha bir kulübeye göndermeye karar verilir.

Alma, Elizabeth'e ruhunu açan ve bu şekilde hastayı iletişime döndürmeye çalışan sonsuz bir monologa öncülük eder. Ancak Elizabeth inatla sessizdir. Ve bu sessizlik, bir uçurum gibi, Alma'yı kendine çekiyor. Hastasına karşı tavrı bir dizi çelişkili değişimden geçer - şefkatten, neredeyse sevgiden nefrete ve yine umutsuz bir temas kurma girişimine.

Filmde Alma'ya ek olarak sadece iki konuşan karakter var: bayan psikiyatrist ve Elizabeth'in kocası; sadece birkaç dakikalığına görünürler. Aksiyonun çoğu için izleyici, dünyadan uzakta, kıyıda iki kadın kahramanla baş başadır. Her biri gizemli bir şekilde diğerinin özelliklerini edinir. Dış göstergelerle daha güçlü olan Alma, yavaş yavaş koğuşunun zorluklarına ve nevrozlarına katılır. Basında, filmin gösterime girmesinden kısa bir süre önce, Elizabeth'in sahneye geri döndüğünü gösteren kısa bir kapanış sahnesi olduğu bildirildi - görünüşe göre tamamen iyileşmişti.

Liv Ullman kitabında "Bibi Andersson ve ben Persona'da oynadık" diye yazıyor. - Senaryoya göre Bibi'nin film boyunca konuşması, ağlaması ve öfkelenmesi gerekiyordu. Tek bir kopyam vardı: "Hiçbir şey." Ama hayatımda ilk kez kimsenin şüphelenmediği duygu ve düşüncelerimi ortaya çıkarmama yardım eden bir film yönetmeniyle tanıştım. Bu yönetmen işaret parmağını şakağına dayayarak sabırla dinledi ve ifade etmeye çalıştığım her şeyi anladı. Her şeyin olabileceği bir atmosfer yaratan bir dahi - kendimden beklemediğim bir şeyin bile.

Filmin yaklaşık dörtte üçü Faure'de yeniden çekildi. Stockholm'e döndükten sonra bazı sahneler yeniden çekildi. Böylece filmin yarısı yeniden çekilmiş oldu!

"Persona"nın senaryosu bir doğaçlama gibi görünebilir. Ancak resim, titizlikle geliştirilmiş bir plana göre inşa edilmiştir.

Bergman filmin adını "Sinema" koyacaktı. Ancak yapımcı itiraz etti. Ve sonra Persona vardı. "Persona" kelimesinin orijinal anlamı, klasik dramada bir oyuncunun maskesi anlamına gelir. Aynı zamanda şu anlama geliyordu: oyunun karakteri. Latince "alma", "ruh" anlamına gelir. İnsanın ikiliği, göründüğü kişi ile gerçekte kim olduğu arasındaki uyumsuzluk, filmin ana temasıdır. Elizabeth içsel bir kişilik bölünmesi yaşar. Ama Alma da onun için endişeleniyor.

Jung, şaşırtıcı bir şekilde filme uyan ilginç bir "persona" tanımı verir: "Tamamen zıt karakter özelliklerine sahip bir bireye barınak, koruma, aldatma veya çevresindeki dünyaya uyum sağlama girişimi için kasıtlı olarak yapay veya gizlenmiş bir görünüm verilir." ." Bergman'ın kendisi şöyle dedi: "Bu tanımı beğendim ve bu duruma uyuyor ... İki kişinin maske değiştirip aniden iki kişilik bir maske takması çok ilginç."

Psikoterapi tekniklerinden biri, hastanın sinir krizine neden olan durumu yeniden yaşamaya zorlanmasıdır. Elizabeth'in hastalığının nedeninin anneliğinin dramatik öyküsü olduğuna inanan Alma, Elizabeth'in yaşadıklarını analiz etmeye çalışır ve ona annelik öyküsünü anlatır. Hikayesini iki kez tekrarlıyor, ancak bir kez Alma'nın yüzü ekranda beliriyor ve ikincisi - Elizabeth. Ve bu iki kare arasında, birkaç dakikalığına Alma-Elisabeth'in yüzü beliriyor, sağ tarafı kadın kahramanlardan birine, sol tarafı diğerine ait olan bir yüz.

Bergman, "Kızlar bunu benim bulduğumu bilmiyorlardı," dedi. — Bu fikir çekimler sırasında aklıma geldi. Filmin bu kısmı geliştirilip kurgulandığında, onları ilginç bir şeye bakmaları için davet ettim. Ve onlar için bir sürpriz oldu. Liv şöyle dedi: "Hayır, sadece Bibi'nin bu çekimde ne kadar korkutucu olduğuna bak!" Ve Bibi itiraz etti: "Hayır, ben değilim, ama sen!" Buradaki fikir, her yüzün kötü ve iyi bir tarafı olduğu ve ben en azını birleştirdim. Bibi ve Liv'in olumlu yönleri.

İlk başta her biri korkmuş ve kendi yüzünü tanıyamamış. “Yüzüme ne halt ettin?” demek doğru olur ama bunu söylemediler. "Vay canına, Liv ne kadar tuhaf görünüyor!" diye haykırdı Bibi. Kendilerini tanımadılar. Bu tepkiyi ilginç buluyorum.

Başlangıçta görüntü yönetmeni Sven Nykvist ve ben Liv Ullman ve Bibi Andersson'a düzenli olarak ışık tutacaktık. Ama kötü çıktı. Ardından, ışığı eşitlemeden bile yüzün bir yarısını tamamen karartmaya karar verdik.

O zaman, monologun son bölümünde yüzlerin aydınlatılmış yarılarını tek bir yüzde birleşecek şekilde birleştirmek zaten oldukça doğaldı.

"Persona" neredeyse tamamen yakın çekimler, geniş panoramalar üzerine kuruludur ve biçim, içerikle tam bir bütünlük içindedir.

Eylül 1965'te çekimler bittikten sonra Ingmar Bergman Dramaten'e döndü. Yönetmen daha sonra, "Persona setindeki idari yorgunluk saçmalığı ile özgürlük arasındaki farkı hissettim," dedi. "Bir keresinde Persona'nın hayatımı kurtardığından bahsetmiştim. Bu bir abartı değil. Gücüm olsaydı, muhtemelen oyunu bırakırdım. En önemlisi, ilk defa seyircinin resmi nasıl algılayacağına kayıtsız kaldım.

Bugün bana öyle geliyor ki Persona'da - ve daha sonra Whispers and Cries'da - sınırıma ulaştım. Sadece sinemanın ortaya çıkarabileceği sözsüz sırlara özgürce dokunduğumu.

"ERKEK VE KADIN"

(Un homme et une femme)

Yapım: Fransa, 1966. Senaryo yazarları K. Lelouch ve P. Utterhoven. Yönetmen K. Lelouch. Operatörler C. Lelouch, P. Pouget, J. Colomb. Sanatçı R. Luchard. Besteci F. Lay. Oyuncular: A. Aimé, J. L. Trintignant, P. Baruch ve diğerleri.

Görünüşe göre Claude Lelouch'un çalışmalarındaki hiçbir şey bu resmin görünümünü gölgede bırakmadı. Yeni Dalga'yı yaratanlarla birlikte sinemaya geldi. 23 yaşındaki belgeselci, 1960 yılında kendi film yapım şirketini kurdu. Her yıl bir kaset çıkardı, ancak çoğu kârsızdı. The Decisive Moments'ın çöküşünden sonra yönetmen neredeyse intihar ediyordu. Ve aniden her şey mucizevi bir şekilde değişti. 1966'da Claude Lelouch'un yönetmenin en iyi saati olan "A Man and a Woman" adlı filmi yayınlandı.

Çekimlerden önce bir yapımcı aranıyordu. Sonunda, Lelouch'a Kuzey Amerika'da dağıtılması için henüz var olmayan bir resmi kırk bin dolara satmasını teklif eden, Amerikan ve Kanada televizyonları için Avrupa filmleri alıcısı olan bir Kanadalı bulundu. Film renkli olduğu sürece. Claude Lelouch, "Kaderin Kölesi" adlı kitabında "Kabul ediyorum" diye yazıyor, ancak geriye dönüp baktığımda, bu kırk bin doların bile (filmin maliyetini hesaba katarak) tüm filmi renkli çekmeme izin vermeyeceğini anlıyorum. . Sonra hileye gidiyorum. Aksine, uzlaşma şeklinde bir numaraya başvuruyorum. Müvekkilime elbette tek kelime etmeden, "Erkekler ve Kadınlar" ın mekan çekimlerini renkli yapmaya ve iç mekanları siyah beyaz çekmeye karar verdim. Bu teknik bana bütçe dahilinde kalma fırsatı verecek. Biraz şanslıysam, o zaman filmin gelecekteki izleyicileri, benim temel materyal düşüncelerimi bilmeden, bu teknikte özgün bir sanatsal yenilik görecekler.

Senaryo henüz yazılmamıştı ve Lelouch, içinde kimin ana rolü oynayacağını zaten biliyordu - Fransız sinemasının yükselen yıldızı Jean-Louis Trintignant. Aktör, "O zamanlar Claude Lelouch'u kimse tanımıyordu" diyor. - "The Girl and the Guns" filmini izledim, yanına geldim ve onda oynamak istediğimi söyledim. Lelouch taşındı."

En dikkat çekici olan ise Trintignant'ın yönetmene tek bir satır bile okumadan sadece senaryo hakkında konuşup onay vermesi. Aslında okunacak başka bir şey yoktu.

Bir doktor ve bir yönetmen yardımcısı arasındaki aşk hikayesi hakkındaydı. Yaklaşık otuz yaşındalar. İkisi de evli, ikisinin de çocukları var, o bir erkek, o bir kız. Toplantı sırasında ana karakterler evlilik bağlarından muaftır (neden, hangi koşullar nedeniyle henüz açıklığa kavuşturulmamıştır). Chance, her ikisinin de mesleklerini icra edebilmeleri için çocuklarını gönderdikleri yatılı okulun kapısında onları tanıştırmaktan mutluluk duyar. Filmin kahramanları, ilişkilerini zorlaştırabilecek maddi zorluklardan ve dini önyargılardan uzak, modern, bağımsız, zengin insanlardır. Bu koşullar altında aşklarının nasıl gelişeceğine, çekim sürecinde karar verilmesi, düşünülmesi, hayal edilmesi gerekiyordu.

Claude Lelouch ve senarist Pierre Utterhoven, bir aydan kısa bir süre içinde Erkekler ve Kadınlar için neredeyse finale kalan bir senaryo yazdı.

Lelouch'a göre "Erkek ve Kadın" daki müzik, görüntüler kadar önemli bir rol oynamalıydı.

The Girl and the Guns'da başrol oynayan Pierre Baruch, yönetmeni arkasında akordeon olan, mütevazı ve suskun küçük bir adam olan Francis Ley ile tanıştırdı. Lei daha önce hiç bir filmde çalışmamıştı.

Bir anı kitabında Claude Lelouch şöyle yazar:

“Filmin ana temasını, kafamda tuttuğum görüntülere tam olarak uyan bir tür halk ezgisi olarak hayal ediyorum. Zaman geçiyor ama işler yolunda gitmiyor.

Francis, "Yarın gel," diyor, "bir şeyler pişirmek için zamanım olacak ...

Beni durdurduğunda kapı kolunu çoktan tutmuştum:

"Bekle... Bende başka bir şey var ama... onun sığıp sığmayacağından pek emin değilim."

Yatağa geri oturuyorum.

- Boşver. Hala oynuyor...

Ve Francis Lay bana Man and Woman filminin müziğini çalıyor. Onu ilk notalardan tanıyorum. Uzun zamandır bildiğin ama unuttuğun bir şarkı gibi. Bu müzik hem delici, hem hüzünlü hem de ritmik. Deniz gibi... Sahilde âşık olup istasyonun peronunda ayrılan iki insan... Bu benim filmim Francis'in akordeonundan geliyor. Saatlerce filmin temasını sonsuza kadar tekrarlıyor, çeşitlendiriyor, modüle ediyor, seçenekler buluyor. Bu gece, Deauville kumsalı Montmartre'ın kaldırımıyla flört ediyor.”

Lelouch, Romy Schneider'ı kadın kahraman rolüne davet etti, ancak o reddetti. Ardından yönetmen Anouk Aime'nin adaylığına karar verdi: “Romy ile tanıştığımda bile bana her zaman bu rol için ideal göründü. Belki de bu benim çılgınlığımdır - "erişilemez yıldıza" ulaşma arzusu. Çünkü o tam olarak öyle: tamamen ulaşılamaz bir film yıldızı. En azından benim için. Fransa'da ünlü, özellikle Federico Fellini ile düzenli olarak filme alındığı İtalya'da daha da ünlü.

Yönetmen, senarist, kameraman ve yapımcıyı tek bir kişide birleştiren Claude Lelouch, filmi yerinde, doğal bir ortamda, portatif bir kamera kullanarak, hantal aydınlatma ekipmanı kullanmadan çekti. Onun için asıl önemli olan oyuncuların davranışlarıydı.

Lelouch, Trintignant ve Aime'ye sahnenin içeriğini açıkladı, diyaloğun ana hatlarını verdi ve prova yapmadan hemen çekime başladı. Aynı zamanda, iki ana oyuncunun her birine ayrı ayrı talimat verdi, böylece birçok söz ve eylem, partner için sürpriz oldu ve anında tepki vermek gerekiyordu.

Bir gazeteci tarafından bir oyuncuya böyle bir özgürlük vermenin herhangi bir riski olup olmadığı sorulduğunda, yönetmen şu yanıtı verdi: "Bu kontrollü bir özgürlük. Her neyse, bu tür bir filmde bir oyuncunun aptal olmaya hakkı yoktur."

Lelouch, en avantajlı atış noktalarını ustalıkla buldu. Yineleme yapmadı. Sahne başarısız olmuş gibi görünüyorsa, onu terk ettiler ve başka bir sahneyi filme aldılar.

Trintignat sadece bir oyuncu değil, aynı zamanda karakterinin yaratıcısıydı. Lelouch, "Sette katkısı çok önemliydi" diye ifade ediyor. - Olanlara karşı her zaman duyarlı, açık ve anlayışlıdır. Yönetmene her zaman bir şeyler sunar. Ben buna hediye vermek diyorum. Trintignat, "hediyeler yapan" bir aktördür. Ancak yalnızca önemli bir şeyin yaratılmasında suç ortağı olduğunu hissettiğinde. "Erkek ve Kadın" da, benim yalnızca özetlediğim şeyi sık sık aldı ve geliştirdi.

Kahramanın mesleğini değiştirmeyi - onu doktor değil, yarışçı yapmayı öneren Trintignant'dı. Motor sporları Trintignat ailesinin bir tutkusuydu. Jean-Louis düzgün bir şekilde kazanmaya başladığında bir spor araba satın aldı ve otomobil yarışlarına katıldı.

Lelouch, pistte ve Monte'deki ralli sırasında bazı çok muhteşem sahneleri filme aldı.

Carlo.

Lelouch, "Her dönüşte kapıya fırlatılıyorum" diye yazıyor. — Ve Monte Carlo'daki bu rallide pek çok viraj var. Ama ben sakinim. Jean-Louis sadece harika bir aktör değil, aynı zamanda en iyi Fransız yarış sürücülerinden biridir; hem direksiyon başında hem de kamera önünde kendinden emin hissediyor. Geleneğinin aksine, merceğe sırtını döndü. Arka koltukta otururken, küçük boyutu ve kolay kullanımı sayesinde izleyicide Jean-Louis'nin arabasında olduğu ve ünlü ralliye katıldığı izlenimini vermemi sağlayacak 16 mm'lik bir kamera ile çekim yapıyorum. Ana kameramanım Jean Colomb, kamerasını sürekli olarak parkurun kenarlarında tutarak rota boyunca farklı noktalara yerleştiriyor. 35mm kamera ile çekim yapıyor. Ben haber filmi operatörü olarak çalışıyorum, o kameraman olarak çalışıyor.”

Yol boyunca, kahramanın biyografisinin bazı koşulları da icat edildi. Jean-Louis Duroc, her gün hayatını riske atan bir yarış pilotu. Bir keresinde bir kaza geçirip doktorlar yaşam mücadelesi verirken, karısı onun öldüğünü düşünerek keder içinde kendini pencereden atarak intihar etti. Oğlunun yanında kaldı ve onu bir pansiyonda ziyaret ettiğinde, orada bir pansiyonda yaşayan bir kızı olan dul Anna adında bir kadınla tanıştı.

Kahramanın hikayesi, filmde olduğu kadar dramatik ve dokunaklı görünüyordu. Anna, yönetmenin asistanlarından biri olan sinemada çalışıyor. Kocası bir dublördü - karmaşık numaralar yapıyordu - ve sette öldü. Onunla mutlu bir hayatın anıları, kahramanın zihninde tekrar tekrar su yüzüne çıktı ve onun yeni mutluluğun gerçekliğine inanmasını engelledi.

Jean-Louis ve Anna birbirlerine aşık oldular. Anıların, eski duygunun üzerinden geçmek kolay olmadı ama hüznün yerini yeni tutkular aldı ve ikisi de mutluluğu buldu, çocuklar da gerçek bir aile buldu.

Anouk Aime, yarattığı karakterin de yazarı oldu. Aktris, “Neredeyse bir aile oyunu gibi, gerçekten eğlenceliydi” diyor. “Oyuncuları metni ezberlemeye zorlamak yerine Lelouch şöyle dedi: “Bu düşünceyi size en uygun gelen anda ifade edeceksiniz, aksi takdirde istediğinizi yapın.” Ve kendisi, kenarda, bir kamerayla istediğini yaptı.

Jean-Louis Trintignant ve Anouk Aimé gerçekten güzeldi. Oyuncuların performanslarının hayati inandırıcılığı, özgünlüğü, hile ve klişelerden yoksun olmaları, yüksek profesyonelliklerinin, tekniklerinin ve becerilerinin sonucudur. Görünüşe göre oynamıyorlar, ekranda yaşıyorlar.

"Erkek ve Kadın" sadece filme alınmış bir aşk hikayesi değil. Anouk Aimé setinde, Anna'nın bir araba kazasında ölen dublör kocasını oynayan Pierre Baruch'a aşık oldu. Sanatçılar sinagogda evlendi. Kutlamaya tüm film ekibi katıldı. Lelouch, Pierre ve Anouk'un yer aldığı iki seks sahnesi çekmeyi pratik buldu. Bu yatakta ne olur, senaryo verilmedi.

Lelouch, filmini çekimler sırasında kurguladı. "Erkekler ve Kadınlar" ın ilk versiyonu onun üzerinde iç karartıcı bir izlenim bıraktı: "Başka bir filmi batırdım. Bu daha da korkutucu çünkü sette gerçek bir film yapma yolunda olduğuma ikna olmuştum. Bundan hepimiz emindik. Sonuç nasıl bu kadar feci olabilirdi?

Lelouch, neredeyse hiç uyumadan günler ve geceler geçirdiği kurgu masasına tekrar oturur. Filmi kısaltıyor... sahneleri yeniden düzenliyor... Birkaç saat sonra elinde "Erkekler ve Kadınlar"ın daha kısa versiyonu var. Artık haklı olarak şöyle diyebilirdi: "Oldukça tarafsız bir şekilde yargılamak için harika olduğunu düşündüğüm bir film izledim."

Şans tamdı, neredeyse kusursuzdu. United Artists'ten bir komisyon, yönetmene filmi dünya çapında dağıtması için bir sözleşme teklif ediyor. "Erkekler ve Kadınlar"ın Kuzey Amerika'da gösterim hakları, Kanada'dan bir renkli film alıcısına aitti.

Cannes Film Festivali'ne giriş tarihi çoktan geçti, ancak Man and Woman bir istisna yapıyor. Ön gösterimin üzerinden daha bir gün geçmeden bir karar verilir: Festivalde Fransa'yı Lelouch'un filmi temsil edecek.

Film eleştirmenleri, klasik melodramatik olay örgüsü ile Yeni Dalga tarzının çarpıcı kombinasyonuna, erotik gevşekliğe dikkat çekti (o zamanlar yatak sahnesi cesurdu). Aynı zamanda Lelouch, estetizmle suçlandı, diyorlar ki, zarif bir çerçeve onun için hayatın gerçeklerinden daha önemli.

Jüri, Cannes ana ödülünü paylaştı. Altın Palmiye, Erkek ve Kadın için Claude Lelouch'a ve Bayanlar ve Baylar için Pietro Germi'ye verildi.

Lelouch ayrıca Katolik Jüri Ödülü ve Yüksek Teknik Komisyon Ödülü'nü aldı.

Paris'te "Erkek ve Kadın" filmi çılgın bir başarıydı. Gösterildiği üç sinema salonu her seansta aşırı kalabalıktı. Kahraman Anouk Aime'ye aşık olan dünyanın her yerindeki kadınlar tabaklanmış koyun derisi paltolar giymeye başladı.

10 Nisan 1967'de Fred Astaire ve Ginger Rogers, Lelouch'a En İyi Yabancı Film ve En İyi Senaryo dallarında iki Oscar verdi. Doğru, Anouk Aime avucunu Elizabeth Taylor'a kaptırdı ("Kim Korkar Virginia Woolf'tan?").

Bundan sonra Claude Lelouch'un adı adeta bir sembol haline gelecek, ondan "ekranın büyük şairi", "herkes için film yapan bir yönetmen", "parlak bir söz yazarı" olarak bahsedecekler.

"BLOW-UP" ("FOTOĞRAF ZUM")

(Patlamak)

Yapım: İngiltere, 1966. Senaryo M. Antonioni ve T. Guerra tarafından, X. Cortazar'ın bir hikayesinden uyarlanmıştır. E. Bond ile işbirliği içinde İngilizce diyaloglar. Yönetmen M. Antonioni. Görüntü Yönetmeni C. Di Palma. Sanatçı A. Gorton. Müzik G. Hancock ve Yardbirds'e ait. Oyuncular: W. Redgrave, D. Hemmings, S. Miles, J. Castle, P. Bowles, J. Birkin, J. Hills ve diğerleri.

"Blow-up", büyük İtalyan Michelangelo Antonioni'nin muhtemelen en olay örgüsü ve en muhteşem filmidir. Ünlü tetralojiyi (“Macera”, “Gece”, “Tutulma” ve “Kızıl Çöl”) yaratan yönetmene göre, kadın karakterlerle çalışmak erkeklerle çalışmaktan her zaman daha kolay ve rahat olmuştur. Belki de Antonioni'nin erkekler hakkında gerçekten konuşmaya başlaması ancak Blow-up ile başlıyordu.

Film, Latin Amerikalı yazar Julio Cortazar'ın "The Devil's Drool" adlı kısa öyküsünden esinlenmiştir. Ancak Antonioni olay örgüsünü kendi yöntemiyle elden geçirdi. "Patlama"yı düşünerek, geceleri uyumadı, düşündü, yazdı, eskiz yaptı. Hikaye, birden fazla çözüm olasılığıyla yönetmeni büyüledi ve tüm seçeneklerini oynamaya çalıştı.

"Blow-up" filminin kahramanı (çeviri: "Blow-up"), Londralı genç, başarılı bir fotoğrafçı Thomas. Arkadaşıyla birlikte işsizler sığınma evleri, savaş karşıtı gösteriler ve atom bombası denemelerinin yer aldığı bir albüm hazırlıyor. Ancak kahramanın asıl mesleği moda dergileri için reklam fotoğraflarıdır.

Terk edilmiş Marion Park'ın yeşil bahçesinde öpüşen bir çiftin - genç bir kadın ve saygın bir beyefendinin - izini süren Thomas, bir dizi fotoğraf çeker. Eve giderken, parktan bir yabancı (adı Jane) ona yetişir ve ondan filmi vermesini veya satmasını ister. Reddedildikten sonra stüdyoda Thomas'a gelir ve negatif karşılığında çıplak vücudunu gösterir. Sinir bozucu ziyaretçiden kurtulmak için Jane'e bir film daha verir ve parkta çekilmiş fotoğrafları kendisi geliştirir.

Çekimleri yakınlaştıran Thomas, tabancalı bir adamın çalıların arasında saklandığını fark eder. Parkta bir cinayet işlenmiş olabileceğine karar verir. Akşam geç saatlerde Thomas parka gider ve çalıların arkasında bir beyefendinin cesedini bulur. Fotoğrafçı eve döner. Ancak, sahibinin yokluğunda biri laboratuvarını ziyaret etti: tüm resimler ve filmler çalındı. Thomas geceleri tekrar parka gider ama hiçbir şey bulamaz. Ceset gitti!

Olan her şey, kahramana yalnızca hayal gücünde var olan bir tür fantazmagori, gerçeküstü bir şey olarak görünmeye başlar. Thomas öğrendiklerini birine anlatmaya çalışır. Ama kimse onu dinlemek istemiyor - sadece dünyaya tamamen kayıtsızlıktan.

Blow-up'ın son sahnesi dünya sinemasında ders kitabı oldu. Maskeli balo kostümleri giymiş ve yüzleri boyalı erkek ve kızlar bir cipte şehrin sokaklarında koşuştururlar. Araba tenis kortuna yanaşıyor. Oyun başlar. Gergin bir maç sırasında sahada her şey olması gerektiği gibi oluyor. Bu sadece oyun hayali bir top ve hayali raketlerle devam ediyor. Tenisçilerden biri "topu" ağ üzerinden gülerek gönderir ve top Thomas'ın yanına "düşer". Fotoğrafçı önce şaşırır, sonra bir gülümsemeyle görünmez topu "alır" ve elini sallayarak ağın arkasına geri döndürür. Thomas kendisine sunulan "oyunun kurallarını" kabul etti. Ve uzaklaşan kamera, kahramanın azalan figürünü yeşil çimenlerin üzerinde bırakır...

Senarist Toninho Guerra, ünlü sahnenin nasıl doğduğunu şöyle anlatıyor: “Bir zamanlar - o zaman hayatımda zor bir dönem vardı - çeşmeler ve şelaleler hakkında bir Japonca kitapla karşılaştım. Harika bir yapay şelalenin fotoğrafı vardı... susuz! Yine de her şey, gerçek bir şelalenin tam bir yanılsaması yaratılacak şekilde yapıldı. "Yokluk"u her zaman sevmişimdir.Olması gerekenin yokluğunu sık sık hayal ederim ama aslında yoktur. "Blow-up" filminin finalindeki topsuz tenis oynadıkları ünlü bölüm böyle ortaya çıktı. Yıllar geçtikçe daha çok topsuz oynuyormuşum gibi hissediyorum."

"Blow-up" farklı şekillerde yorumlanabilir çünkü gerçekliğin algılanması, yani karakterlerin onu nasıl gördüğü veya görmek istediği ile ilgilidir. Antonioni'nin filmi, yirmili yıllarda Scott Fitzgerald'ın hayata karşı hayal kırıklığını gösterdiği hikayeler gibi, sonu olmayan bir performans.

Tabloda anlatılan hikaye herhangi bir yerde geçebilirdi ama Antonioni pastel maviye değil gri bir gökyüzüne ihtiyacı olduğuna karar verdi. Gerçekçi renkler arıyordu. Yönetmen, Modesty Blaze'de Joseph Losey ile birlikte rol alan Monica Vitti ile Londra'da birkaç gün geçirdi. İşte o zaman İngiliz başkentinin Blow-Up için mükemmel bir ortam olduğuna karar verdi. Antonioni, "Bunu bulduğumda, filmin İtalya'da geçtiğini düşündüm, ancak daha sonra bu hikayenin herhangi bir İtalyan şehrinde yerelleştirilemeyeceğini anladım" dedi. - Ülkemizde Thomas diye bir karakter yok. Filmin aksiyonunun ait olduğu o yılların Londra'sı için ise tam tersine, modaya uygun fotoğraf stüdyolarının bu atmosferi çok tipik. Ek olarak, Thomas, örneğin Roman veya Milan'dan daha Londra yaşamıyla bağlantı kurması daha kolay olan olayların içine çekilir. Pop art hareketine yakın diğer birçok İngiliz sanatçı, yazar, yayıncı ve müzisyenle aynı düşünce ve yaşam tarzı ile karakterizedir. Anarşi yasası dışında hiçbir yasa tanımadığını beyan etmesi ve aynı zamanda yerleşik ritüele göre yaşadığı tesadüf değildir.

Ancak Antonioni'yi Londra'ya taşınmaya zorlayan başka nedenler de vardı. Blow-up'ta İtalyan sansürcülerin asla kaçırmayacağı erotik sahneler büyük önem taşıyor. Bu nedenle, örneğin, katı ahlak koruyucuları için, fotoğrafçının evindeki sahne, manken olmak isteyen iki genç kız tarafından baştan çıkarıldığında ve üçü yerde büyük kağıtların altında yuvarlandığında, küfür gibi görünebilir. duvardan aşağı uçup kahkahalarla kıyafetlerini yırttılar. Sahnede kaba bir şey yok. Hafif, rahat ve hatta komik. Antonioni'nin film bağlamında bu görüntülere ihtiyacı vardı ve bunları reddetmeyecekti.

Blow-up'ın yapımcılığını Sophia Loren'in kocası Carlo Poiti üstlendi. Filmin bütçesi küçüktü, yaklaşık 1,8 milyon dolardı. Proje ayrıca Hollywood şirketi MGM'nin bir şubesini de içeriyordu.

1966 baharında Michelangelo Antonioni, Blow-up için doğa aramak üzere Londra'ya geldi. Fotoğrafçılarla tanıştı, sergileri ve fotoğraf stüdyolarını gezdi. “Bu atmosferden o kadar etkilendim ki, ne pahasına olursa olsun onu seçtiğim olay örgüsünde iletmek istedim” dedi.

Blow-up Antonioni, altmışların sonlarında "sallanan Londra" da filme aldı. Sanatçılardan, müzisyenlerden, oyunculardan, yazarlardan oluşan çok küçük bir tabakaydı. Her şey birkaç blok ve şehrin diğer bölgelerindeki birkaç disko ile sınırlıydı. Elbette Beatles ve Rolling Stones göze çarpıyordu. Gece hayatı, hafif uyuşturucular, bedava aşk...

Tüm kadınların zevkle giymeye başladığı mini moda oldu bile. Zaman harika fotoğrafçılar doğurdu. Moda dergileri için çekim yapan fotoğrafçılar arasında, David Bailey kötü bir üne sahipti. Bu arada, Antonioni ondan ve East End'in diğer ustalarından Brian Duffy ve Terence Donovan'dan çok şey öğrendi ve kahramanın imajını yarattı.

Baş rolü oynayan İngiliz aktör David Hemmings, yeni, "sallanan" bir neslin temsilcisiydi. Blow Up'da, 1960'ların "hayal kırıklığına uğramış" genç elit idealini kusursuz bir şekilde somutlaştırdı. Mavi gözlü balgamlı, kaderin sevgilisi Thomas, bir tüketim toplumunun faydalarından yararlanır, ancak çabalarının boşuna olduğunun farkında olmasına rağmen, kararlı eyleme (gizemli bir suçu ifşa etmeye) hazır, henüz onlar tarafından yozlaşmamıştır.

Parktaki kız Jane'in rolü, İngiliz aktris Vanessa Redgrave tarafından zekice gerçekleştirildi. 1960'ların başında ünlü aktör Michael Redgrave'in kızı, Royal Shakespeare Company ile performans sergileyerek kendini yalnızca tiyatroya adadı. Ekran şöhreti ona "Morgan: tedavi için uygun bir vaka" (1966) filminden sonra geldi, ancak Vanessa'yı yücelten Antonioni'nin tablosuydu.

O yılların Londra'daki en ünlü moda modelleri Penelope Tree ve Jane Shrimpton ve Avrupa'da - Alman model Veruschka (dünyada - Kontes von Lendorff) olarak kabul edildi. Verushka, ünlü bir model olan Blow-Up'ta oynadı.

Blow-up'ta Antonioni bakış açısını değiştirdi, nesneler ve insanlar arasında daha fazla hava, daha fazla boşluk bırakmaya karar verdi. Fotoğraf stüdyolarının, gece kulüplerinin, restoranların dünyasına filmde güzel, ruhani bir doğa karşı çıkıyor. Londra parkının yeşil köşesi, gerçek güzellik ve muhteşem uyumla doludur.

Filmin müziği, caz stillerinin büyük yaratıcısı trompetçi Miles Davis'in topluluğundaki çalışmaları ile dünyaca ünlü olan Herbie Hancock tarafından yazılmıştır. Hancock, elektronik klavyeleri caza ilk sokanlardan biriydi ve caz-rock, caz-funk, hip-hop, asit caz ve füzyon müzik tarzlarının kurucusu oldu.

Filmin orijinal numarasını Kim yaptı, ancak yapımcılar arasında hararetli bir tartışmanın ardından ritim ve blues grubu Yardbirds onun yerini aldı. Film, grubun Jimmy Page ve Jeff Beck'in birlikte çaldığı ender bir performansını içeriyor. Birkaç ay sonra, bir Amerika turnesi sırasında Beck gruptan ayrılacaktı.

Blow-up'ın prömiyeri Aralık 1966'da New York'ta gerçekleşti. Film, yönetmen ve orijinal senaryo için iki Oscar adaylığı aldı.

Antonioni'yi "Blow-up" filminin "Altın Palmiye" aldığı Cannes Film Festivali-67'de zafer bekliyordu. Birçoğu beyefendiyi kimin öldürdüğünü, suçun sebebinin ne olduğunu sormak istedi: aşk trajedisi, suç saikleri veya belki siyasi bir komplo? Bununla birlikte, bir basın toplantısı sırasında yönetmen gazetecilere, çalışmanın amacı ve yorumuyla ilgili herhangi bir soruyu yanıtlamayı reddettiğini söyledi: "Muhtemelen bu konuda benden daha fazla şey biliyorsunuz."

Antonioni daha sonra şunları söyledi: “Blow-up'ta gerçekliği bağımsız bir biçimde yeniden yaratmak istedim. “Mevcut gerçeklik ⁴? Ana temalarından birine tamamen uygun olarak kurgulanan filmin görsel çözümünde çıkış noktası burası: Şeylerin gerçek özünü görüyor muyuz?

Ocak 1970'te Antonioni'nin resmi gişede 20 milyon doların üzerinde hasılat elde etti. Büyük Britanya Film Akademisi, "Blow-up"ı yılın en iyi filmi seçti.

"GÜN GÜZELLİĞİ"

(Belle de jour)

Yapım: Fransa—İtalya, 1967. Senaryo yazarları L. Bunuel ve J.-K. Carriere, J. Kessel'in romanından uyarlanmıştır. Yönetmen: L. Bunuel. Operatör S. Verni. Sanatçı R. Clavel. Oyuncular: K. Deneuve, J. Sorel, M. Piccoli, J. Page, F. Rabal, P. Clementi, J. Marshal, F. Fabian, M. Latour ve diğerleri.

"Günün Güzeli" filmi, Joseph Kessel'in aynı adlı romanına dayanıyordu. Yönetmen Luis Bunuel'e göre, bu roman ona oldukça melodramatik göründü, ancak başarılı bir şekilde inşa edildi, "filmin ana karakteri olan Severina'nın günlük rüyalarını filme taşımaya ve bir burjuva mazoşistinin portresini en iyi şekilde ana hatlarıyla çizmeye izin verdi. mümkün."

Bunuel'in düzenli senaristi Jean-Claude Carrière'in arasına Marquis de Sade'a göndermeler serpiştirdiği olay örgüsü üzerindeki çalışmalar birkaç hafta sürdü.

Bunuel'in filmleri genellikle gerçekle kurmacayı iç içe geçirir. Bu tamamen "Gündüz Güzelliği" için geçerlidir (bu, günde sadece birkaç saat yaşayan kelebek türlerinin adıdır). Luis Bunuel, resme ana karakterin belirgin beş erotik rüyasını ve iki çocukluk anısını dahil etti. Ama fantezi nerede başlar ve hayatın gerçekliği nerede biter? Günün Güzeli'nin senaryosunun önsözünde ekler, "çocukluk anıları, karakteristik saplantıların yükselip alçaldığı hayaller" olabilecek sahneler olarak tanımlanıyor... temelde hayal gücünde meydana gelirler, görüntü veya ses olarak onları çerçeveleyen sahnelerden farklı olmamalıdırlar.

Günün Güzelliği, çağdaş Paris'te geçiyor. Güzel Severine (Catherine Deneuve), genç ve başarılı bir doktor olan Pierre'in (Jean Sorel) karısıdır. Görünüşe göre her şeye sahipler - bir ev, arkadaşlar, refah, toplumdaki konum. Çoğu zaman Severina, burjuva ailelerinden gelen diğer birçok kadın gibi kendi haline bırakılmıştır. Eleştiri çoğunlukla Severina'nın cinsel tatminsizliğine işaret eder, bu yüzden aile dışında, yan tarafta aşk zevkleri aramaya gider.

Bir arkadaşından, arkadaşının Madame Anais'in genelevinde "Moda" tabelasıyla gizlenerek fuhuş yaptığını öğrenen Severina, "Günün Güzelliği" adıyla müşterisi olur. Kahraman, neşeli bir adam ve bir sapık-mazoşist, bir jinekolog, nekrofili eğilimli bir prens olan zhuire Adolf ile karşı karşıyadır. Anais ayrıca iki kötü adam için sığınak bulur - Hippolyte ve Marcel. Aşık Marcel (Pierre Clementi), Severine'e onunla evlenme teklif eder, ancak güzellik onu reddeder: kocasını sever.

Kocasının arkadaşlarından biri olan Madam Anais Henri Husson (Michel Piccoli) ile tanışan Severina, genelevden ayrılmaya karar verir. Kıskanç Marcel bir kadının peşine düşer. Filmde, Marcel'in öldüğü ve Pierre'in bir koltuğa zincirlenmiş belden aşağısı felçli, kör ve dilsiz kaldığı geleneksel bir çatışma vardır. Severina, vicdanlı bir şekilde kocasıyla ilgilenir.

Husson, Pierre'e gelir ve ona Severine'nin maceralarını anlatır. Mucizevi bir şekilde konuşması ve görmesi geri gelen Pierre, ağır bir ceza yerine karısını bir arazide oturmaya ve parkta yürüyüşe davet eder. Sandalyesinden kalkıyor, eskisi kadar ilgili ve sevecen.

Hikayenin sonu çelişkili olduğu kadar belirsiz de değil. Bununla ilgili yorum yapan Bunuel, gerçekte ne olduğunu bilmemize gerek olmadığını söyledi. Aslında iki son sunuyor. Ya Severine kendini fantezilerinden kurtardı ve bundan sonra o ve Pierre mutlu yaşayabilir. Ya da tam tersine, mutlu bir çiftin görüntüsü Severine'in arzuladığı son rüyadır: gerçekte sevgilisi ölmüştür, Pierre felçlidir, maceraları hakkında her şeyi bilir ve onunla bir daha asla konuşmaz.

Günün Güzeli için çekimler 10 Ekim 1966'da şu anda feshedilmiş olan St. Maurice Stüdyolarında başladı. Bundan önce Luis Bunuel, Diary of a Maid'i (1963) Fransa'da Jeanne Moreau ve Simeon the Hermit (1965) ile Meksika'da yönetti.

Bunuel, "Çekim açısından son tarih on haftaydı," diye hatırladı. - Filmi sekizde çektim çünkü sıra dışı kamera açıları aramaktan ve oyunculara aptalca şeyler söylemekten bıktım...

Filmde çok hoşuma giden sahneler var ama hiç beğenmediğim sahneler de var. Çekimler sırasında bana tam bir özgürlük verildiğini söylemeliyim ve bu nedenle sonuçtan tamamen kendimi sorumlu görüyorum.”

Günün Güzeli, Bunuel'in üçüncü renkli filmi. 1960'ların atmosferiyle dolu bu resim, Sacha Verny'nin kamera çalışması, Yves Saint Laurent'in kostümleri ile parlıyor. Eylem, Paris parklarının, Champs Elysees'in, pahalı burjuva iç mekanlarının zemininde gerçekleşir.

Severine rolü, Catherine Deneuve'nin en iyi eserlerinden biridir. Yönetmen, Roman Polanski'nin "Repulsion" adlı filmini izledikten sonra dikkatleri üzerine çekti. Bunuel'in izlediği tek Deneuve filmiydi ve onun adını bile hatırlamadığı iddia ediliyor.

Zaman geçecek ve Luis Bunuel itiraf ediyor: "Severina'nın imajını perdeye yansıtacak zeki, güzel, gizemli bir aktris arıyordum... Sürekli hareket halinde olan bir aktris..."

Catherine Deneuve tarafından canlandırılan Severina, dışarıdan yavaş yavaş ahlaki bozulma ve sapkınlığın sembolüne dönüşen bir kıza benziyordu ... Luis Bunuel onu böyle tasarladı. Catherine Deneuve'nin soğuk kısıtlaması ve aristokrasisi, kahramanın keskin maceralarını (veya fantezilerini) olumlu bir şekilde başlattı.

Fransız eleştirmen Michel Aubrian, "Günün güzelliği," diye yazmıştı, "Catherine Deneuve için boynunu kırmanın hiçbir maliyetinin olmadığı bir roldü. Çirkinliğin eşiğindeki tutkuyu tasvir etmesi gerekiyordu ve aynı zamanda gülünç veya itici görünmüyordu ... Oyunu kazanıyor ve bunun kanıtı, kahramanın hastalığını kınamaya başlamamız, kendisini değil ve biz onun acı veren gülümsemesini unutamaz.

Bunuel ile nasıl çalıştı? "Mükemmel! diye haykırdı Deneuve. - Esprilidir, oyuncuları sever, onlara güvenir ve aynı zamanda sabırsızdır. İlk başta Luis Bunuel'i asla anlayamayacağımı, düşüncelerinin akışını yakalayamayacağımı düşündüm. Ama o kadar kesin ki, söylediğinden fazlasını gösteriyor. Her zaman harekete, ritme önem verir... Onun için beden ve onun hareketleri, yüz ve sözlerden çok daha önemlidir. Yani çekimler sırasında diyaloğa bir şeyler katıyor... Ona karşı çok dikkatli olmalısınız. Her şey yolunda gidince susar. Oyunculara tam bir özgürlük verdiği izlenimi ediniliyor, ancak resimlerinin klasik biçiminde böyle bir özgürlüğe yer yok.

Marsilya'yı, genç İtalyan yönetmenle bağlantılı bir sanatçı olan Pier Clementi canlandırıyor. Eleştirmenlerin belirttiği gibi, imajı bir zıtlık üzerine inşa edilmiştir: diktatörce bir tavır ve neredeyse kadınsı bir çocuksu görünüm.

Başka bir kötü adam olan Hippolyta'nın rolü, daha önce Nazarene ve Viridian'da oynamış olan Francisco Rabal tarafından oynandı. Bunuel onu hem oyuncu hem de insan olarak seviyordu.

Günün Güzelliği 24 Mayıs 1967'de Fransa'da prömiyer yaptı. Film, Venedik Film Festivali'nde en yüksek ödül olan "St. Mark'ın Altın Aslanı" Grand Prix ödülüne layık görüldü.

Resme bakan yaşlı Kessel, çocuğunu tanımadı ve prömiyeri minnettarlıkla terk etti: acımasız zulüm altında "gerçek heyecan verici şefkat" yakaladı.

Film ticari bir başarıydı. Herkes "Day Beauty" nin izledikten sonra bile heyecanlandırmaya devam ettiğini not etti. Resim, her açıdan, filmin bize gerçeklik olarak sunduğu şeye rüyaların ve fantezilerin gizemli bir şekilde nüfuz etmesi nedeniyle büyük ilgi görüyor. Ve Michael Wood'un haklı olarak belirttiği gibi, “Hayal ile bize gerçeklik olarak ifşa olan durumu çoğu zaman ayırt edemediğimizden değil; sadece hayali bir duruma girdiğimiz anı her zaman fark edemeyiz - nerede olduğumuzu ancak rüya sona erdiğinde ve karakterler bunun hakkında konuşmaya başladığında anlarız.

Yine de "Günün Güzelliği" tek başına alkışlarla karşılanmadı. Filmi ahlaksızlığı ve fahişeliği teşvik etmekle suçlamaya çalıştılar, onu orta burjuva sınıfından bir kadının "her şeyi yiyip bitiren cinsel kompleksini" tatmin eden "erotik bir yolculuğu" olarak adlandırdılar.

Yönetmenin kendisi, erotizm üzerine her türlü spekülasyonu şiddetle reddetti. "Günün Güzelliği'nde" dedi, "cesur görünebilecek sahneler var ama bunlar şaka, küstah şakalar. Kesinlikle pornografi... Hiç erotik film yapmadım. Filmlerimde çok güçlü sahneler var ama onları sekiz yaşındaki bir çocuk bile izleyebilir.”

Beauty of the Day'in vizyona girmesinin ardından Bunuel, bunun son filmi olduğunu belirtti. Ama İspanyol edebiyatı klasiği Benito Pérez Galdos'un aynı adlı romanından uyarlanan Tristan (1969) da dahil olmak üzere beş muhteşem film daha sahneleyecek. Usta, mükemmel oyunculuğu yönetmenin becerisiyle birlikte "Günün Güzelliği" filmini dünya sinemasının bir başyapıtı haline getiren ana role Catherine Deneuve'yi tekrar davet etti.

"BONNİE VE CLYDE"

(Bonnie ve Clyde)

Yapım: Warner Bros., vb., ABD, 1967. D. Newman ve R. Benton tarafından yazıldı. A. Penn'in yönettiği. Operatör B. Guffy. Sanatçı D. Tovularis. Besteci Ch. Strous. Oyuncular: W. Beatty, F. Dunaway, Michael J. Pollard, J. Hackman, E. Parsons, D. Pyle, D. Taylor, E. Evans, J. Wilder ve diğerleri.

Arthur Penn'in filmi, otuzlu yılların başındaki Buhran sırasında Amerika Birleşik Devletleri'nde faaliyet gösteren Bonnie Parker ve Clyde Barrow çetesinin gerçek hikayesine dayanıyor. Genç akıncılar, nadir zulüm ile ayırt edildi. Ancak ölümlerinin hemen ertesi günü, Amerika onları daha önce dehşete düşüren her şeyi affetti: Hafızalarında kalan tek şey, tüm dünyaya karşı birlikte olmaları ve birbirlerini sevmeleriydi.

Hollywood, Bonnie ve Clyde'ın trajedisini görmezden gelmedi. Örneğin 1958'de William Whitney'in The Bonnie Parker Story (1958) filmi gösterime girdi, ancak başarılı olamadı.

Senaristler David Newman ve Robert Benton, ünlü soyguncuların biyografisini kendilerine göre sunmaya karar verdiler. Newman, Bonnie ve Clyde'ın çağdaşlarının banka soymalarından değil, alışılmadık yaşam tarzlarından, özellikle Bonnie'nin puro içmesi ve şiir yazmasından etkilendiğini belirtti.

Oyuncu Warren Beatty, yapımcı olarak hareket etme cesaretini gösteren senaryoya ilgi duymaya başladı. Bonnie ve Clyde'ın senaryosunu 75.000 dolara satın aldı ve Warner Bros.'a teklif etti. Film şirketinin patronları, acemi yapımcıya tam olarak güvenmedi ve film için sadece 2,5 milyon dolar ayırdı.

Uzun zamandır yönetmen arıyoruz. Sonunda seçim Arthur Penn'e kaldı. Philadelphia'da doğdu. İtalya'da, Perugia ve Floransa Üniversitelerinde ve Los Angeles'taki Actors Studio'da eğitim gördü. 1958'de Penn, Brüksel Film Festivali'nde Büyük Ödül kazanan ilk filmi Left-Handed Weapons'ı çekti. Bir sonraki filmi The Miracle Worker (1962) ona En İyi Yönetmen dalında Oscar kazandı. Penn için dönüm noktası, Amerika Birleşik Devletleri'nde artan şiddetle ilgili sorunları anlatan The Chase (1965) dramasıydı.

Yine de Arthur Penn'in en mükemmel filmi Bonnie ve Clyde'dır. Karakterlerle ilgili sıra dışı olanı açıklayan yönetmen, “kendilerini arama tarzlarına sahip olduklarına” dikkat çekti. Onlar retrospektiftir.

... Küçük yağmacı ve araba hırsızı Clyde Barrow, mesleğinin romantizmini büyülüyor, taşralı can sıkıntısından bitkin düşen garson Bonnie Parker. Clyde'ın tabancayla oynadığını görünce hemen onunla gitmeye karar verdi. Ve soygunlar, kovalamacalar ve pusulardan oluşan bir hayat başlar... Baş harfleri KV ile saygıyla anılan bir benzin istasyonundan gelen bir çocuk ve Clyde'ın kardeşi Buck ve eşi Blanche, "Barrow çetesine" katılır. Buck şakalar yapar ve yanında bir Kodak kamera taşır. Rahibin kızı Blanche, soygunlara karışmaz.

Silahlı çatışmalar daha yoğun, araba kovalamacaları daha yoğun hale gelir ve Bonnie'nin terk edilmiş bir kum ocağında annesi ve akrabalarıyla buluşması son bir veda gibi görünür.

Sonunda, Teksas Korucuları çeteye baskı yapar: Buck çatışmalardan birinde ölür, karısı Blanche polis tarafından kocasının cesedinin yanında yakalanır ve Bonnie ve Clyde, Peder'in de dahil olduğu bir pusudan ağır ateş altında kalır. K.V., en çok oğlunun göğsünde bir dövme olması gerçeğinden memnun olmayan kuruluma yardım etti. Filmin kahramanlarının ölüm bölümü hızlandırılmış çekimle yapılmış ve ağır çekimde gösterilmiştir. Bu, resmin doruk noktasıdır.

Penn, hikayenin sonu hakkında yorum yaptı: "Bu gençlerin ölümü, kaçınılmazlığı hikayenin doğasında olan mantıklı bir sonuçtur ve gösterimi, röportajdan daha soyut hale gelmelidir."

Yine de Bonnie ve Clyde pek çok gangster filminden biri değil. Her şeyden önce, hikayenin kendisinin tarzı ile ayırt edilir.

Resim, bir kaleydoskop fotoğrafla başlar. Erken çocukluktan itibaren kahramanların tarihi. Ard arda çekimler yapılıyor, izleyici hâlâ bu insanlar hakkında hiçbir şey bilmiyor - yalnızca tahmin yürütebilir ve ardından şu başlık belirir: “BONNY PARKER, 1910'da Rowena, Teksas'ta doğdu ve ardından Batı Dallas'a taşındı. 1931'de suç faaliyetlerine başlamadan önce bir kafede garsonluk yaptı.

Ve yüzü açık, geniş bir gülümsemeyle genç bir adamın fotoğrafı göründüğünde, resme şu yazı eşlik ediyor: “CLAID BURROW, fakir bir çiftçinin ailesinde doğdu. Genç adam, benzin istasyonlarını soyan küçük bir hırsız olur. Silahlı soygundan iki yıl hapis yattı ve 1931'in başlarında iyi halden serbest bırakıldı. Gerçek Bonnie Parker ve Clyde Barrow'un hayat yollarına eşlik eden, en başta belirip bir anda kaybolan fotoğraflar, izleyiciyi bir film-anı atmosferine sokuyor.

Arthur Penn, sahneleri banjo müziğiyle birleştirerek filmi bir balad gibi kuruyor. Gangster Romeo ve Juliet'in hikayesini estetize ettiği izlenimi ediniliyor. Rastgele hareketler, gösterişli soygunlar, silahlı saldırılar, kendini tanıtma aşkı (yakaladıkları şerifle fotoğraf çektikten sonra gangsterler resmi gazetelere gönderir ama Bonnie gazetelere kendisi ve yoldaşları hakkında yazdığı şiirler gönderir) - tüm bunlar gerçekteydi ve bu, Penn tarafından film karakterleriyle vurgulanıyor. Şiddeti şiirselleştirme suçlamalarını reddeden yönetmen, şunları söyledi: “Biz şiddetin savunucusu değiliz, sadece bazı anlarda inisiyatifi ele alabilecek olanın gençler olduğunu gösteriyoruz ... Filmi yorumlamamda önemli dozda ironi var. . Çoğu zaman izleyiciyi bir şeye inandırmak için bir sahne çekerim, bir sonraki sahnede inandırıcılığını çürüttüğüm ... Bu, çok basit ve çok ince olmayan insanlarla ilgili bir hikaye. Bu sadece, ne tür bir aktivitenin ve neden olduğunun çok az farkında olan, aktiviteye can atan insanların hikayesi."

Warren Beatty'nin canlandırdığı Clyde Barrow rolü filmde başrol oldu. Her zaman kusursuz giyinir ve sıcakta bile yeleğinden ayrılmaz. Akıncı, bir yarış arabası sürücüsünün becerisini ve bir atıcının el becerisini gösterir. Gerçek Clyde Barrow biseksüeldi. Beatty onu böyle oynamak istedi ama yönetmen akıncıyı iktidarsız "yaptı". Hikaye, Bonnie'nin iktidarsızlığını öğrendikten sonra bile Clyde'ı terk etmemesi daha da dokunaklı hale geliyor.

Bonnie Parker rolü için birçok ünlü aktris davet edildi, ancak sonunda Dorothy Faye Dunaway tarafından canlandırıldı. Ancak Warren Beatty, Faye'i çok şişman ve müreffeh buldu. Ayrıca Dunaway, boyu 1 m 48 cm olan Bonnie Parker'dan 20 cm daha uzundu.

Ancak Faye karakter gösterdi. Haftada otuz kilo veriyor, Bonnie gibi ince olmak için bileklerine ve ayak bileklerine ağırlıklar takmaya başlıyor: artık sabah beş buçukta kalkıyor ve akşam sekizde yatağa gidiyor, günü boş bir yerde geçiriyor. eğitimi durdur. Ve Beatty pes eder... Faye Dunaway'in "Bonnie and Clyde"daki performansı, savaş sonrası Amerikan sineması tarihindeki en unutulmaz çıkış olarak adlandırılabilir. Oyuncunun böyle bir başarıyı bir daha yaşama şansı olmadı.

Çekimler Haziran 1966'da başladı ve Eylül'de başarıyla tamamlandı.

Faye Dunaway, olağanüstü çalışma kapasitesi, katı öz disiplini ve iradesiyle herkesi etkiledi. Oyuncu, rol üzerinde günde 12-14 saat çalıştı. Blanche rolünü zekice oynayan rol arkadaşı Estella Parsons, "İş yerinde insanlık dışı" dedi.

Daha sonra Faye, Bonnie'de büyük yeteneklere sahip, açılmaya mahkum olmayan, bunu kendisi anlayan ve bu nedenle kasıtlı olarak kendi kendini yok etmeye giden bir kız gördüğünü söyleyecektir. Ve tanıdıkları arasında "ölmek isteyen" ve bu nedenle kasıtlı olarak hayatlarını yakan birçok kişi tanıdığını da ekleyecektir.

Bonnie Clyde, üzerine ünlü bir bere oturan kısa sarı saçlı güzel bir kızdır. Uzun, dar bir etekle 1960'ların bir film yıldızı gibi görünüyordu. Bununla birlikte, otuz yıl önceki tarihin, altıncı on yılın gençlik protestosuyla illüzyonlar için yalnızca bir bahane olduğu yönetmenin aradığı tam da bu - modern - etkiydi.

Gene Hackman'ın ilk büyük film rolü, Warren Beatty ile oynadığı Lilith'te (1964) oldu.

Penn, bir röportajında Hackman'ın sadece seyirciyi değil, yönetmenleri de her zaman şaşırttığını vurguladı. Örnek olarak, Buck'ın bir boğanın ölümünü anımsatan ölüm sahnesini gösterdi. Hackman, "Çoğunlukla çalışkan olarak filme alınıyorum," diye şikayet etti, "ve kaplana benzeyen çalışkanı nerede gördünüz? .. Birkaç kez boğa güreşi izledim ve Buck rolünü aldıktan sonra sahneye hazırlanıyorum. boynundan yaralanmış ve ölmekte olan bir boğanın hareketlerini taklit ederek dört ayak üzerinde öldü."

Sonuç olarak, Gene Hackman En İyi Yardımcı Erkek Oyuncu dalında Oscar'a aday gösterildi.

Michael J. Pollard'ın kahramanı - "K. W. Moss", iki gerçek gangsterin özelliklerini birleştiren kurgusal bir karakterdir: William Daniel "W.D." Jones ve Henry Methvin. Bu arada, William Jones filmin galasını görecek kadar yaşadı ve gördüklerine dair izlenimlerini gazetecilerle paylaştı: “Bu filmde tamamen saçmalık olmayan tek şey, orada nasıl çekim yaptıkları. Neredeyse gerçek hayattaki gibi. Ancak Clyde farklı davrandı. Asla övünmezdi. Ve kesinlikle durmadan konuşmadı. Köpekler etraftayken her zaman bir kedi kadar sessiz davranırdı. Asıl meselenin sürekli hazır olmak olduğundan emindi ... Clyde, polisin bile tanıdığı mükemmel bir sürücüydü. Sanırım bu onu ve Bonnie'yi neredeyse iki yıl hayatta tuttu. Kimsenin sürmesine izin vermedi ve en yüksek hızda saatlerce durmadan sürebilirdi. Her hafta arabayı değiştirdik. Ve koş, koş, koş. Bazen başka bir şey yapmıyormuşuz gibi hissettim."

Bonnie ve Clyde prömiyerini 4 Ağustos 1967'de Montreal Uluslararası Film Festivali'nde yaptı. Bir buçuk hafta sonra Amerikalı izleyiciler resmi gördü. Warner Bros. ikinci ekranda "Bonnie and Clyde" filmini yayınladı ve resme "B" kategorisi atadı. Ancak eleştirmenler Penn'in filmi hakkında konuşmaya başlayınca ve gençler üzerine akın edince sinema sayısı arttı. Karmaşık, çok katmanlı bir şekilde inşa edilmiş insan dramı, filmin ruh hali, 1960'ların atmosferine çok yakın olduğu ortaya çıkan özel aurası, retro tarzını unutturdu ve onu bir gerçeklik olarak algılamamıza neden oldu. gençlik protesto zamanı.

"Bonnie ve Clyde" eleştirmenleri, "gangster filminin uzun ve saygıdeğer geleneğinin zirvesi" olarak kabul edildi. Penn'in resmi on Oscar'a aday gösterildi, ancak yalnızca iki heykelcik kazandı: Estelle Parsons en iyi yardımcı kadın oyuncu olarak kabul edildi ve Barnett Guffey sinematografi ödülü aldı. Faye Dunaway ve Warren Beatty, Oscar'ları sırasıyla Katharine Hepburn ("Bil Bakalım Akşam Yemeğine Kim Geliyor?") ve Rod Steiger'e ("Havasız Gece") kaptırdı.

Bununla birlikte, Dunaway'in profesyonel becerileri yalnızca yönetmenler tarafından değil, aynı zamanda genç aktrisler tarafından da hemen fark edildi. Jean Seberg hayranlıkla "Faye başka hiçbir şeye benzemiyor, güçlü kişiliği onun sıradan bir 'yıldıza' dönüşmesine izin vermeyecek" dedi. Carol Linley, "Faye'nin başarısı tüm Amerikalı aktrislere ilham kaynağı oldu" dedi.

Dünyanın her yerinde Dunaway'in kahramanını taklit etmeye başladılar: “la Bonnie Parker” gibi bütün bir moda trendi ortaya çıktı. Bonnie ve Clyde'ın piyasaya sürülmesinden bu yana, tüm dünyada binlerce ve binlerce bere satıldı...

"ROSEMARY'NİN BEBEĞİ"

(Rosemary'nin Bebeği)

Yapım: Paramount Pictures, ABD, 1968. Senaryo A. Levin'in romanından R. Polansky'ye ait. Yönetmen R. Polansky. Operatör W. Freiker. Sanatçı R. Silbert. Besteci K. Komeda. Oyuncular: M. Farrow, J. Cassavetes, R. Gordon, S. Blackmer, M. Evans, R. Bellamy ve diğerleri.

Polonyalı yönetmen Roman Polanski, Lodz'daki ünlü film okulundan mezun oldu. Kısa filmler sayesinde ellili yılların sonlarında geniş bir popülerlik kazandı. 1962'de, Polanski psikolojik dram Sudaki Bıçak'ı (1962) çektikten sonra, insanlar ondan orijinal bir dünya görüşüne ve benzersiz bir yaratıcı stile sahip bir usta olarak bahsetmeye başladılar.

Yönetmenin İngiltere'de sahnelenen sonraki iki filmi de başarılı oldu: "İtme" (1965) ve "Çıkmaz Sokak" (1966, Berlin Festivali'nde "Altın Ayı").

Polanski, Hollywood'da mutluluk aramak için ayrılır. İlk Amerikan filmi The Undaunted Vampire Killers'da (1967) başrol oynadığı film yıldızı Sharon Tate ile evlenir (kiralık filmler: Vampire Ball, Sorry, But Your Teeth Got Into My Boynu).

Paramount Studios'un yapım başkan yardımcısı Bob Evans, Polanski'ye Ira Levin'in mistik romanı Rosemary's Baby'nin provalarını verdi. Sabah Polanski, Bob Evans'a romandan uyarlanan bir film çekmek istediğini söyledi.

Film üzerindeki çalışmalar gecikmeden başladı. Polanski, senaryoyu inanılmaz bir hızla yazdığı Londra'ya gitti. Bunu, Ira Levin'in romanının sinematik olması, içinde ortak yerler olmaması, muğlak muhakemeler olmasıyla açıkladı.

Planı şöyle. New York'taki kiralık evlerden birinde, birkaç yeni evli Woodhouse, neşeli, kaygısız, aşık bir şekilde yerleşti. Hayatları bir idil gibidir. Rosemary bir bebek bekliyor. Ve burada gariplik başlıyor. İzleyici ilk başta onları genç bir kadının hamileliğiyle, durumunun tuhaflıklarıyla açıklamaya meyillidir. Aynı evde, daha sonra şeytana tapanların korkunç gizemli bir tarikatının üyeleri olduğu ortaya çıkan tatlı yaşlı bir çift yaşıyor. Tarikatın üyeleri, Rosemary'yi tedavi eden doktor ve hatta az tanınan bir aktör olan kocası Guy'dır.

Yazarlar, kahramanlarının zihinsel normalliğinde ısrar ediyorlar, mistik bir kabusun bölümlerini çok gerçek sahnelerle değiştiriyorlar. Rosemary, doğmamış çocuk için özverili bir şekilde savaşır, tarikata karşı çıkar, ancak gücünün önünde güçsüzdür - yenidoğanın beşiğinde ... Şeytan vardır. Doğum zaferinde bulunan tarikatın üyeleri, şeytani bir meclisi kutlar ve içgüdülerine itaat eden Rosemary, "çocuğunu" kollarına alır.

Roman Polansky kitabında "Bir agnostik olarak şeytanın kötülüğün vücut bulmuş hali olduğuna inanmadım" diye yazıyor. "Özgünlük adına, bir boşluk bırakmam gerektiğine karar verdim - Rosemary'nin başına gelen doğaüstü her şeyin onun fantezisi olma olasılığı. Tüm olaylar, onun hararetli hayal gücünün bir sonucu olan, görünüşte uğursuz görünen tesadüfler zinciri olabilirdi. Komşuların entrikaları, kocasının huzurunda şeytanın onu ele geçirdiği Şabat Günü, hatta bebeğin beşiği etrafındaki son sahne - her şeyin mantıklı bir açıklaması olmalı. Bu yüzden filmde kasıtlı olarak belirli bir miktar belirsizlik var."

Film eleştirmenlerine göre Polyansky, gerçekliğin ve şeytanlığın eşiğinde kalmayı başardı. Ateistler, özellikle hamile kaldıktan ve bir çocuk bekledikten sonra şüphe kuruntularından muzdarip, etkilenebilir bir genç kadın hakkında bir gerilim filmi olarak çekmiş olabilirler. Ve inananlar olay örgüsünü, Biberiye'nin ruhunu ve bedenini ele geçirmek isteyen Şeytan'ın entrikalarıyla ilgili bir hikaye olarak yorumladılar. Resmin kahramanı, kocasının şeytani bir mezhebe mensup olduğundan şüphelenmez ve "karanlığın prensi" nin oğlunun insan kılığına girmesi uğruna şeytana yapılan bir fedakarlık olduğu ortaya çıkar.

Polanski, film üzerinde çalışması için en iyi yapım tasarımcılarından biri olan arkadaşı Richard Silbert'i işe aldı. Setler Paramount Pictures Stüdyolarında yapıldı ve özel dikkat gerektiriyordu. Her şeyden önce, 1965'in sonunun ruh halini ve atmosferini yeniden yaratmak gerekiyordu. Polanski, filme Papa Paul'un New York ziyaretinin bir televizyon yayınını ekledi; Time dergisinin "Tanrı öldü" başlığıyla yayınlanan kapağından bir kare. Yönetmen çok komik bir detay bulmuş. Guy, Rosemary kısa bir saç kesimiyle eve geldiğinde, Sakın bana parasını ödediğini söyleme, diye öfkelendi. "Ben Vidal Sassoon," diye yanıtlıyor. "Çok moda."

Polansky, oyuncu seçimine de kutunun dışından yaklaştı. Ana karakterleri çizdi. Sanatçı bu eskizlere dayanarak gerçek portreler çizdi. Artık yönetmenin yardımcıları kimi arayacaklarını biliyorlardı. Sonuç olarak, Hollywood'da unutulan oyuncular bile davet edildi.

Rosemary Polanski rolü için hem ünlü hem de bilinmeyen birçok genç aktris denedi. Salı Kaynakına karar verdi, ancak Bob Evans onun yerine Mia Farrow'u önerdi. Polanski, sadece şarkıcı Frank Sinatra ile evli olduğunu biliyordu. Mia, Ira Levin'in (neşeli, güçlü bir Amerikalı) tanımına uymasa da, yönetmen ondan hoşlandı ve rol için seçmeler olmadan onaylandı.

Rosemary'nin kocası Guy Woodhouse rolü, Polanski tarafından John Cassavetes'i oynaması için ikna edildi.

Ön provalarda Cassavetes çok arkadaşça bir ruh halindeydi. Ancak çekim başladı ve John zor bir oyuncu olarak ününü haklı çıkardı: yönetmenin herhangi bir yönünü sorguladı, rolün yorumlanmasına katılmadı.

John, karakteri ve Rosemary'nin New York'taki apartmanın zemininde seviştiği sahnede çıplak olmak istemedi. Mia da sahneyi beğenmedi ama farklı bir nedenle: Frank Sinatra'nın gazabından korkuyordu. Mia'nın başka bir filmde oynamasını istedi ama oyuncu bunu reddetti. Sinatra onu affetmedi.

Polyansky, tam bir yakınlık geliştirdiği Farrow ile çalışmaktan keyif aldı. Aktris Maureen O'Sullivan ve yönetmen John Farrow'un kızı Mia gerçek bir profesyoneldi.

Şarkıcının avukatı sette göründüğünde "Rosemary'nin Bebeği" üzerindeki çalışmalar sona eriyordu. Farrow ile birlikte soyunma odasına çekildi. Birkaç dakika sonra avukat gitti ama Mia gelmedi. Polanski soyunma odasına baktı. Oyuncu gözyaşları içinde kaldı. Sinatra'nın boşanma davası başlattığı ortaya çıktı.

Roman Polanski ilk kez sağlam bir bütçeye sahipti ve bundan tam olarak yararlandı. Yönetmen, "İzleyici, filmdeki olayların çoğunu sanki Rosemary'nin gözünden görüyor" diyor. “Bunu aktarmaya çalışırken, hem kameranın hem de oyuncuların konumlandırılmasında büyük hassasiyet gerektiren kısa mesafeli lenslerle çektiğim uzun, karmaşık sahneleri sık sık sahneye koydum. Bu gibi durumlarda, genellikle uzun mesafeden çekime izin veren daha uzun bir odak uzaklığı optikleri kullanılır. Daha az zaman alıyor ama sonuç daha az etkili ve ikna edici.”

Krzysztof (Christopher) Komeda'nın harika müziği Polanski'nin filmine yeni bir renk kattı. Rosemary'nin Bebeği dokunaklı bir ninniyle başlar. Yönetmen, profesyonel bir şarkıcıyı dublaj için davet etmek istemedi ve Mia Farrow'dan bir melodi söylemesini istedi ...

Rosemary's Baby, 12 Haziran 1968'de Amerika Birleşik Devletleri'nde prömiyer yaptı. Gişenin önünde uzun kuyruklar oluştu. Filmin ticari başarısı, Paramount stüdyosunun mali sorunlarının çözülmesine yardımcı oldu (kiralamadan elde edilen tahsilat 30 milyon doları aştı). Resim Amerika'da bir kült nesne haline geldi, ancak yaratıcılarından yalnızca Ruth Gordon destekleyici bir rol için Oscar aldı (Minnie Castevet) ve Polansky uyarlanmış bir senaryo için aday gösterildi.

Film eleştirmeni S. Kudryavtsev, "Kasetiyle Polansky, modern okültizm hakkında bütün bir film trendini başlattı," ekran şeytancılığı "modasını yarattı ve Avrupa kültürünü resme getirdi" diyor. — Yönetmen, Faust hakkındaki ortaçağ gizeminden başlayarak mistik türü edebiyattaki asırlık felsefi arayışlarla ilişkilendirdi. Anlatılan hikayeyi F. W. Murnau ve K. T. Dreyer'in "eski dünya" sinema gelenekleri bağlamına yerleştirdi. Hoffmann'ın vampirlerle ilgili filmlerinde yer alan, gerçek ile yanılsamayı birleştiren, ilkel bir günlük düzeyde açıklanan ve büyülü, uhrevi, şeytani olan Hoffmann tarzı yazı stilini ustaca, erdemli bir şekilde zekice kullandı.

Ekran versiyonu edebi kaynağı yüceltti. Ira Levin'in romanı birçok kez yeniden basıldı ve en çok satanlar listesine girdi.

Kötü kaderin iradesiyle, "Biberiye'nin Bebeği" teması, Polansky'nin kaderinde trajik bir şekilde yankılandı. Kendini "beden iblis" İsa Şeytan ilan eden Charles Mason mezhebinden fanatikler, yönetmenin villasına baskın yaparak hamile karısı Sharon Tate ve misafirlerini vahşice öldürdüler...

"2001: UZAY ODYSSEY"

(2001: Bir Uzay Destanı)

Yapım: "Metro-Goldwyn-Mayer", ABD - Büyük Britanya, 1968. Senaristler A. Clark ve S. Kubrick. Yönetmen: S. Kubrick. Operatör J. Unsworth. Sanatçılar T. Masters, G. Lang, E. Archer. Müzik: A. Khachaturian, D. Ligeti, I. Strauss. Strauss. Oyuncular: K. Dallea, G. Lockwood, W. Sylvester, D. Richter ve diğerleri.

1956'da Amerikan film şirketi MGM, büyük bir stüdyoda çekilen ilk modern bilim kurgu filmi olan Forbidden Planet'i yayınladı. Muhtemelen o zaman genç yönetmen Stanley Kubrick bilimkurguya ilgi duymaya başladı. Ancak, "Uzay Destanı" fikrinin onda ancak Şubat 1964'te olgunlaştığına inanılıyor. Plaza Hotel restoranında ve New York'ta muhabir Roger Cares, Kubrick'e gelecek planları hakkında geleneksel soruyu sordu. Yönetmen, "Güleceksin," diye yanıtladı, "ama uzaylıların varlığı fikri beni esir aldı."

Kubrick, bir asistana ünlü bilim kurgu yazarlarının bir listesini derlemesi talimatını verdi, böylece her birinin en az bir eserini okuyabildi. Bunu öğrenen Cares, yönetmene arkadaşı Arthur Clarke'ı tavsiye etti.

17 Mayıs'ta Kubrick, yazarla bir araya geldi ve ona "mitolojik-belgesel" bir resim yaratmak istediğini söyledi. Clarke arkadaşlarına "Herkesin gerçekten iyi bir bilim kurgu olarak tanıyacağı bir film yapmayı hayal etti" dedi. Yazar, "Guardian" öyküsünü temel bir ilke olarak önerdi. Ortak yazarlar, "Güneş Sistemi Nasıl Fethedildi" kod adı altında bir senaryo oluşturmaya karar verdiler.

Clarke, Kubrick'i ünlü bir astrofizikçi olan Frederick Ordway'i bilimsel danışman olarak işe almaya ikna etti.

Resmen, resim üzerindeki çalışmalar 28 Ocak 1965'te başladı. Senaryo sadece 58 günde yazıldı. Nisan ayında, film resmi olarak 2001: A Space Odyssey olarak tanındı. 2001 sayısı semboliktir - bu yıl insanlığın yaşamında yeni binyıl başlıyor.

Kubrick'in filmi "Uygarlığın Şafağında" önsözüyle açılıyor. Dört milyon yıl önce, kabilelerin bulunduğu yerde, gizemli bir monolit, siyah taştan yönlü bir dikilitaş birdenbire ortaya çıktı. Pithecanthropes ona hayretle bakıyor. İçlerinden biri, Ayın Koruyucusu, büyük bir kemiği kavrayarak, aniden bunun bir sopa olarak kullanılabileceğini fark eder. Vahşi bir ilhamla etrafındaki her şeyi yok etmeye başlar. Ama şimdi kemik yukarı fırlıyor, çekimler onun hareketini yavaşlatıyor ve kulübün yerinde aynı açıda aya giden modern bir uzay aracı beliriyor.

Aksiyon 2001'e atlıyor. Ay krateri Taiho yakınlarında astronotlar siyah bir yekpare buluyor. Orada üç milyon yıldan fazla yattığı ortaya çıktı. Filmin yazarları, diğer gezegenlerde bizimkinden daha gelişmiş medeniyetlerin olduğu varsayımından yola çıkıyor. Ve belki de uzaylılar, Dünya sakinlerinin işlerine ve kaderine müdahale edebilirler. Monolith onların elçisidir. Aynı zamanda bir işarettir, dünyalılara başka gezegenlere taşınma olasılığı hakkında ipucu veren bir işarettir.

On sekiz ay sonra, Discovery Jüpiter'e doğru yola çıktı. Film, astronotların yolculuğunu büyük bir teknik deha ve inanılmaz bir yönetmenlik ustalığıyla anlatıyor. Yazarlar, Rus bilim adamlarının Amerikan uzay istasyonlarını da ziyaret ettiğini not etmeyi gerekli gördüler. Dikkat buna odaklanmasa da - tesadüfi bir buluşma, yere gelişigüzel atılmış "Aeroflot" yazılı bir çanta, uzay kaşiflerinden birinin Slav soyadı - Dr. Andrey Smyslov.

Discovery kokpitinde beş astronot var, ancak yalnızca ikisi uyanık - Komutan Dave Bauman ve Frank Poole, geri kalanlar yapay uykuya dalmış durumda.

Ancak, gemide düşünen başka bir varlık daha var - insan sesiyle konuşan süper güçlü bir HAL-9000 bilgisayar. Robot, geminin rotasını çizer, ekipmanın durumunu izler, mürettebatla ilgilenir.

İnsan, ellerinin yaratılmasıyla dramatik bir çatışmaya girer. Jüpiter'e yaklaşırken, bilgisayar insanlara itaat etmeyi bırakır. Acil bir durumda gemiyi kurtarmak ve uçuşa devam etmek için gerekli önlemleri almak zorundadır. Elektronik beyin, Jüpiter'e uçmaktan korkar, astronotları caydırır ve onu dinlemediklerinde isyan eder. Poole'u öldürür. Geminin komutanı Dave Bauman, yine de kötü amaçlı makineyi devre dışı bırakmayı başarıyor.

Space Odyssey'de dördüncü bir bölüm var. Uzaylılar, insanın Evrenin uzayına yeni bir sıçramaya layık olmadığı sonucuna varırlar - o, son derece agresif ve tehlikeli bir hayvan olarak kalır.

Bauman, inanılmaz bir süper uzayda sonsuz bir ışık koridorunda koşuyor. Kendini XVI. Louis tarzında döşenmiş bir odada bulur. Astronot ölümü düşünür. Görünüşe göre yaşlı bir adam oldu, ölüyor (tüm bunlar ekranda "nesneleştirildi"). Ve ölüm anında, odanın ortasında yeniden siyah bir stel büyür.

Ama bir de son kare var. Şeffaf bir başlık içindeki kozmik boyutlardaki bir insan embriyosu dünyaya yaklaşıyor. Ve burada finalin iki olası okuması var. İlk olarak, uzaylılar, bir kişiyi acı verici saldırganlığının altında yatan ölüm korkusundan kurtarmanın ve astronotu ölümsüz yapmanın gerekli olduğuna karar verirler. İkincisi: astronot çocukluğundan kopmuştur, atalarının odasında kendini iyi hissetmez - kendisiyle anlaşmaya varması için annesinin rahmine geri döndürülmesi gerekir.

A Space Odyssey'nin son çekimleri hakkında film eleştirmenleri arasında hararetli bir tartışma yaşandı. Kubrick'in destekçileri finali, görüntülerde ya dördüncü boyutu ya da Einstein'ın zamanın görelilik teorisini somutlaştırma girişimi olarak açıkladılar. Muhalifler, yönetmeni Tanrı fikrini, tasavvufu, Freudculuğu, Nietzscheciliği ve son olarak da sadece kötü tadı yaymakla suçladılar.

Kubrick, "uzay-zamanda" uçma fikrinin, halüsinojenik ilaçların kullanımının neden olduğu sanrılı vizyonlar sonucunda aklına geldiğini kendisi itiraf etti.

Kubrick'in A Space Odyssey'i 1960'ların en önemli bilim kurgu filmidir. Bu, en azından bütçesi - on buçuk milyon dolar ve kullanılan teknik araçların zenginliği ile kanıtlanmaktadır.

Çekimler, bilgisayar teknolojisi, uzay giysisi tasarımı, roketçilik ve düşük sıcaklık fiziğinin hızla ilerlediği 29 Aralık 1965'ten 7 Temmuz 1966'ya kadar gerçekleşti.

"İnsanın evrenle bağlantısı hakkında bir film yapmaya" karar veren Kubrick, filmine neredeyse belgesel bir özgünlükle yaklaşmaya çalışıyor. Odyssey için NASA uzmanları da dahil olmak üzere büyük Amerikan firmalarının mühendisleri tarafından uzay yapılarının modelleri geliştirildi. Dünya'ya yakın yörünge istasyonuna hayran olmamak elde değil - uzayda yavaşça dönen dev bir tekerlek; Ay'daki uzay limanı, 700 metrelik gezegenler arası uzay aracı Discovery. Roketin aya inişi tüm detaylarıyla gösteriliyor. Uzay manzaraları, yüksek bilimsel kesinlik ile tasvir edilmiştir - Ay'dan Dünya'nın görünümü, Ay'da gün doğumu, Jüpiter'in yakın mesafeden görünümü. Burada muhteşem kombine kompozisyonlar ekleyebilirsiniz (örneğin, bir kişinin silindirik bir bölmenin iç yüzeyinde “baş aşağı” yürüdüğü ünlü çerçeve). Tek kelimeyle, resmin muhteşem tarafı büyük övgüyü hak ediyor.

2001: A Space Odyssey, Wally Weaver'ın uzman olduğu dijital olmayan özel efektlerin başlangıcı oldu. Kubrick, mavi bir arka plana karşı maketler çekmek ve ardından "gezgin maske" yöntemini kullanarak başka bir negatiften bir arka plan eklemek yerine, sessiz film günlerinde geliştirilen tekniklere geri dönmekte ısrar etti. Teknisyenler, negatifi yeniden ortaya çıkarmak için filmi sürekli olarak geri sararak, düzinelerce öğenin her bir karesini dikkatlice düzenlediler.

"Space Odyssey"nin fütüristik dünyası elle yaratıldı. Yıldızlar, bir diş fırçası ve beyaz boyayla arka plana sıçramıştı. Düzinelerce okul çocuğu, yüzlerce asetat kağıdına bir uzay gemisinin siluetini çizerek, yıldızlı gökyüzünün parçalarını işaretledi. Ay yüzeyini simüle etmek için birkaç ton saf kum getirildi.

Böyle bir filmde oyuncular arka planda kayboldu. Cyrus Dullea (astronot Bowman), bırakın sonu, filmin başında oynayacak hiçbir şeyi olmadığından şikayet etti. Bundan önce Dullea, "David ve Lisa" filminde zihinsel engelli bir adamı canlandırdı. Hızla rol değiştirmeye çalıştı ve Kubrick'in teklifini memnuniyetle kabul etti.

İkinci astronot Frank Poole'un rolü, Anthony Perkins'in yedeği olan eski bir dublör olan Gary Lockwood tarafından davet edildi.

Ayın Koruyucusu'nu canlandıran Daniel Richter, filmin ilk bölümündeki çoğu sahnenin koreografisini de yaptı. Dawn of Civilization'ın bölümleri MGM'nin Londra şubesinin açık alanında çekildi.

Kubrick, Londra'daki grubun geri kalanını işe aldı ve göçmenler Robert Beatty ve Ed Bishop'u uzay kaşifleri rollerini oynamaya davet etti. Eski Kaliforniyalı William Sylvester, uzay istasyonundan Ay'daki Clavius Üssü'ne uçan ve monolitin sinyalini açan bir yetkili olan Heywood Floyd'u canlandırdı. Rus bilim adamlarının rolleri İngiliz Leonard Rossiter (Dr. Andrey Smyslov) ve Margaret Tyzek'e (Elena) gitti.

Dr. Floyd, kızını televizyon ekranında yalnızca bir kez görüyor. Doğum günü için ona bir orman hayvanı getirmesini ister. Kubrick'in beş yaşındaki kızı Vivian bu epizodik rolde rol aldı.

İki bebek şempanzeye ek olarak, aktörler veya pandomimciler büyük maymunları oynadı. Yüz ifadelerini taklit eden elastik maskeler taktılar. Çenelerin kapanmaması ve nefes almayı engellememesi için sanatçıların dişlerinin arasına tüpler yerleştirildi. Bebek şempanzeler, sahte göğüslerden emmek üzere eğitildi.

Bilgisayar için ses bulmak için oyuncu kadrosundan daha fazla çaba harcandı. İlk başta "Athena" olarak adlandırıldı ve bir kadın sesi vardı. Sonra HAL adını aldı. Önce İngiliz aktör Nigel Davenport, ardından Amerikalı Martin Bohem tarafından seslendirildi, ancak sonuçlar yönetmeni tatmin etmedi. Douglas Rein, Kubrick'in 2001'de vermek üzere olduğu yorumu okuması için davet edilmişti. Odyssey'deki bilgisayar onun sesiyle konuşuyor.

HAL bilgisayarı Illinois, Urbana'da oluşturuldu, çünkü Clark'ın uzun süredir arkadaşı olan bir profesör, Illinois Urbana Üniversitesi'nde öğretim üyesi oldu. The Odyssey'de HAL, "Daisy" şarkısını söylüyor çünkü Clark'ın Bell Laboratuarlarındaki arkadaşları bu şarkıyı 1961'de IBM-7094 bilgisayarlarına öğrettiler.

Kubrick, resmin resimsel yönüne bahse girmeye karar verdi ve diyaloğun çoğunu attı. İlk diyalog - uçuş görevlilerinin konuşması - filmin başlamasından 25 dakika 38 saniye sonra geldi!

Danışman Frederic Ordway, "birkaç sayfalık güzel ve kesinlikle gerekli diyaloğun kesilmesine karşı çıktı, bunlar olmadan daha sonra olanlar anlamsız görünüyor." Gerçekten de, bu açıklamalar olmadan olay örgüsü bozulur. Ancak Kubrick, "filmin son derece öznel bir deneyim olmasını, izleyiciye müzik gibi farklı, bilinçaltı bir düzeyde ulaşmasını istedi." Müzik eşliğinde Aram Khachaturian, Johann Strauss, Richard Strauss ve György Ligeti'nin klasik eserlerini kullandı. Mahler'in Üçüncü Senfonisi ile birlikte Kubrick, geminin uzay istasyonuna yanaşmasına eşlik etmesi için Mendelssohn'un Yaz Gecesi Rüyası scherzo'sunu kaydedecekti, ancak daha sonra Herbert von Karajan yönetimindeki Berlin Filarmoni Orkestrası tarafından icra edilen Johann Strauss'un Mavi Tuna valsini tercih etti.

4 Nisan 1968'de MGM, 2001: A Space Odyssey galasına Manhattan'daki Capitol'de ve iki gün sonra Los Angeles'ta ev sahipliği yaptı.

Eleştirmenler iki kampa ayrılır. The Los Angeles Times'tan Charles Champlin, sonunda "kasıtlı olarak belirsizliğe" dikkat çekti, ancak filmin teknik mükemmellik için açıkça bir Oscar kazanacağını kabul etti. The New York Times'tan Renata Adler, entelektüel içeriğin özel efektlerin ustaca kullanımıyla eşleşmediğini yazdı.

Alçakgönüllü tanıtımına rağmen, 2001: A Space Odyssey'in prömiyeri Capitol rekorları kırdı. Haftanın sonunda, dergi eleştirileri Kubrick'in çalışmasına daha dengeli bir değerlendirme sağladı. "Bir Uzay Destanı"nın görkeminin temelini atan, tekrarlanan izlemelerdi. Beklendiği gibi, resim görsel özel efektler adaylığında tek bir "Oscar" aldı.

İngiliz film akademisyenleri, Odyssey'i üç kategoride ödüllerle onurlandırdı: sanatçı (Tony Masters, Harry Lang, Ernest Archer), sinematografi (Jeffrey Aisuort), film müziği (Winston Ryder).

Odyssey'de Kubrick, yönetmenin görevine neyin dahil olduğu hakkında neredeyse hiçbir şey açıklamaz. Yapımcılar seyirciyi düşündürmek istediler.

Kubrick ile çalışmak Clark'ı ünlü yaptı. Yazar, tüm insan özlemlerinin özünün, bir tür Evrensel Süper Akıl ile birleşmek olduğuna inanıyordu. "2001: Odyssey One" romanı bu konuya adanmıştır. Aynı temayı 2010: Odyssey Two (1984) ve 2061: Odyssey Three (1987) filmlerinde de sürdürüyor. Clarke'ın romanından uyarlanan yönetmen Peter Hyams, 2010 yapımı filmi 1984 yılında yönetti.

"KOLAY BİNİCİ"

(Kolay binici)

Yapım: Pando Compami, Raibert Productions, ABD, 1969. D. Hopper, P. Fonda ve T. Southern tarafından yazıldı. D. Hopper'ın yönettiği. Operatör L. Kovacs. Besteci R. McGuinn. Sanatçı J. Kay. Oyuncular: P. Fonda, D. Hopper, D. Nicholson, L. Anders, L. Askew, T. Basil, K. Black ve diğerleri.

1960'ların ortalarında, Amerika Birleşik Devletleri'nde motosikletli gençlik çetelerini konu alan filmler oldukça yaygınlaştı. Bunlardan birinin adı Vahşi Melekler (1966). Roger Corman'ın yönettiği filmde ünlü oyuncunun oğlu Peter Fonda rol aldı.

Eylül 1967'de Fonda, arkadaşı Dennis Hopper'ın yerleştiği Kaliforniya'yı aradı. Korman'ın Yolculuğu'nda birlikte rol aldılar. Amerika yollarında dolaşan iki özgür ruhlu motorcu hakkında bir film fikri Dennis'e çekici geldi. Fonda'nın yapımcı, Hopper'ın yönetmen olması konusunda anlaşmıştık. Ayrıca ana rolleri korudular.

32 yaşındaki Dennis Hopper, Hollywood'da skandal bir üne sahipti. Ellili yıllarda James Dean ile birlikte rol aldı. O zamandan beri, ünlü isyancının gölgesi acımasızca onu takip ediyor. Fransız kadın Anne-Marie Bidault, "James Dean kuşağı, isyanlarını saldırgan davranışlar ve açık düşmanlıkla ifade etti" diye yazdı. "1960'lardaki gençlerin direnecek ne gücü ne de arzusu var gibi görünüyor: resmi Amerika'dan olabildiğince uzakta, ancak kaçarak ulaşılabilecek bir sığınak olan bir sığınak dünyasında mutluluk hayalleri kuruyorlar." Gerçekten de, Amerikan gençliğinin bir kısmı düzene karşı protestolarını hippi kolonilerine, gençlik komünlerine ya da sadece uyuşturucuya kaçarak ifade ettiler.

Fonda ve Hopper, senaryoyu yazması için ortak bir arkadaş olan ünlü hiciv Dr. Strangelove'un yazarı Terry Southern'ı görevlendirdi. Filmin adını bulan Güney'di. "Easy Rider" argodan ödünç alınmış bir ifadedir. Fonda'ya göre bu "bir fahişenin arkadaşı, pezevenk değil, şık bir herif. Hayatın tüm zevklerini (uyuşturucu, at yarışı, araba yarışı) kolayca alır. İşte Amerika'nın başına gelen buydu, dostum. Özgürlük bir fahişe olur ve hepimiz kandırılmış aptallarız.

Yapımcı arayışı uzun sürmedi. Ofislerinde açıkça esrar içtikleri Raybert Productions'tan adamlar senaryoyu hemen beğendiler. Başkanı Bert Schneider, Vakfa 325 bin dolarlık bir çek yazdı ve Columbia stüdyosuyla resmi kiralamak için bir anlaşma yaptı.

Easy Rider'da, uyuşturulmuş Billy olarak Hopper ve huzursuz Wyatt olarak Fonda, karakterlerini bariz bir sempatiyle canlandırıyor ve serbest bisikletçilerin göçebe yaşamını romantikleştiriyor. Wyatt, "Kaptan Amerika" olarak adlandırıldı. Cekette, kaskta, benzin deposunda Amerikan bayrağı. Peter Fonda'nın kendisi tarafından tasarlanmıştır. Ceket, Los Angeles'tan "saygıdeğer yaştaki iki küçük hanım" tarafından onun için yapıldı. Daha sonra Kaptan Amerika'nın ünlü kıyafeti bir yardım müzayedesinde satıldı.

Peter Fonda filmin fikrini şu şekilde açıkladı: “Benim için Easy Rider'daki en önemli şey, bireysel anarşi - dramatik, duygusal, romantik, saçma - ile Amerikan toplumunun çılgınlığı arasındaki paralelliktir. Benim buradaki fikrim şudur: Bir birey kendi yaşam tarzını yaratmak için bazı kuralları çiğnemeye kalktığında, sadece o bireyi yok edebilecek yerleşik bir sistem ve toplumla karşılaşmaya mahkumdur.”

Uyuşturucu satarak ve polisten kaçarak para kazanan Billy ve Wyatt, güçlü Harley'lerle Los Angeles'tan New Orleans'taki geleneksel karnavala doğru yola çıkarlar. Yolculuğa başlarken saatlerini çıkarıp çöpe atıyorlar ve bu jestle “zamanın dışına atlamak” arzusunu simgeliyorlar.

Siyah ceketli ve siyah gözlüklü, uzun saçlı, kükreyen motosikletlerde koşan bisikletçilerin görünümü güven uyandırmıyor. Billy ve Wyatt barışçıl olsalar da, bu adamları ayıran bağımsızlık duygusunun neden olduğu, düpedüz küçük kasaba düşmanlığıyla karşı karşıyalar.

Billy ve Wyatt, güney eyaletlerinde küçük bir kasabada hapsedilir. Burada iyi huylu ve komik sarhoş bir avukat olan George Hanson (Jack Nicholson) ile tanışırlar. Hanson, yeni arkadaşlarına UFO sorunuyla ilgilendiğini söyler, bizimkinden çok daha iyi medeniyetler olduğundan emindir. Polis ve bisikletçiler arasındaki meseleyi hallettikten sonra Hanson, Harley'lerden birinin bagajına oturur. İleride özgürlük var.

Filmin kahramanları, yol kenarındaki bir kafede bir şeyler yemek için mola verir ve ardından geceyi geçirmek için Amerika eyaletinin yıldızlı gökyüzünün altına yerleşirler.

George Hanson, özgürlük üzerine uzun bir monolog sunuyor. Zaten yüzlerce kez alınıp satılmışken gerçekten özgür olmanın zor olduğunu söylüyorlar. Özgürlük hakkında konuşmak ve özgür olmak tamamen farklı şeylerdir. İnsanlar durmadan özgürlükten bahsedebilirler ama gerçekten özgür birini gördüklerinde korkuya kapılırlar.

Bu, filmin doruk noktasıdır. Beyzbol sopalarıyla donanmış bir grup yerli, yolcuların dinlenme yerine gizlice girer ve uyuyanlara saldırır. Hanson'ın kafası ezilir ve ölür.

Yine de Wyatt ve Billy yolculuklarına devam eder. Ancak ne hippi topluluğunda ne de ulaşabildikleri New Orleans'ta neşe bulamıyorlar.

Genelevde Wyatt ve Billy kızları kendileri seçerler, onlarla içki içerler, şehir karnavalına giderler ve ardından aşk sahnelerinin sembolik bir yorumun altına girdiği mezarlığa giderler - İncil ve dualar okurlar. Bir çocuğun seslendirmesi Golgotha'yı, Mesih'in acılarını anlatır, merhamet dileyerek Tanrı'ya döner. Billy ve Wyatt sanki üzerlerine bir anma töreni söyleniyormuş gibi ağlıyorlar. LSD haplarının etkisi altında halüsinasyon görmeye başlarlar.

Ve son olarak, uygun son. Issız bir otoyolda motosikletçiler bir kamyon tarafından sollanır. Sürücünün yanında oturan çocuk, motosikletçilerin görünüşünden hoşlanmaz. Otomatik bir tüfek alır ve ateş eder. Ölümcül şekilde yaralanan Billy motosikletinden düşer. Ne olduğunu anlamayan Wyatt, yardım istemek için kamyona yetişir. Ancak ikinci bir atış yapılır. Wyatt'ın motosikletinin ABD bayrağı renklerine boyanmış benzin deposu patlar. Kaptan Amerika alevleri içinde kayboluyor...

Easy Rider için çekimler Mart 1968'de New Orleans'ta başladı. Burada Fonda ve Hopper, Mar di Gras karnavalını 16 mm'lik filme çektiler ve yerel mezarlıkta LSD kaynaklı halüsinasyonların olduğu bir sahneyi filme aldılar. Döndüklerinde, havaalanı uyuşturucu anlaşmasının açılış sahnesini ve Wyatt-Billy'nin bir grup hippiyle buluşmasını çekecekleri Los Angeles bölgesine gitmeden önce bir ara verdiler.

Yapımcı Schneider, kapalı kalma süresini yeni bir görüntü yönetmeni bulmak için kullandı, Macar Laszlo Kovacs. Göreviyle mükemmel bir iş çıkardı. Güneşe karşı çekim yapan ilk kişi Kovacs oldu ve görüntüyü bir gökkuşağı rengiyle doldurdu.

Çözülmemiş konulardan biri de George Hanson'ın rolüydü. Uzun bir tereddütten sonra Hopper, avukat Jack Nicholson rolünü onayladı.

Gelecek vadeden yönetmen, her çekimi mükemmelleştirmek için çalıştı ve çekimden sonra çekimi filme aldı. Fonda, Hopper ve Nicholson aslında kamera önünde esrar içtiler. Nicholson daha sonra ekibin kamp ateşi sahnelerini çekerken yüz elli beş esrar sigarası içtiğini itiraf etti. Hanson'ın rolü, Suthern'in senaryosunda ayrıntılı olarak geliştirildi. Nicholson senaryodan ayrılmadı ama aynı zamanda doğaçlama yapmak için her fırsatı kullandı.

Fonda ve Hopper arasında sürtüşme çıktı. Setteki arkadaşlar arasında gürültülü çatışmalardan ve onu deli eden uyuşturucu kullanımından bahsediliyordu.

Filmin kurgusu Don Kemburn ve dahil olan herkes tarafından yapıldı. Film müziği olarak 1960'lardan kalma rock müziği, özellikle Jimi Hendrix ve Bob Dylan'ın eserleri kullanıldı. Birde grubu üyesi Roger McGuinn, güzel marş Easy Rider's Ballad'ı yazdı.

Easy Rider, 8 Mayıs 1969'da Cannes Film Festivali'nde gösterildi. Nicholson daha sonra Cannes'da kristal rüyasının gerçek olduğunu söyledi: bir ekran yıldızı oldu. Festivalin jürisi, Dennis Hopper'a en iyi ilk yönetmenlik denemesi ödülünü verdi.

14 Temmuz 1969'da Easy Rider Amerika Birleşik Devletleri'nde piyasaya sürüldü. Film sektörünü salladı. Film çok sayıda incelemeye, bir coşku fırtınasına, şiddetli tartışmalara ve sinema gişesinde uzun kuyruklara neden oldu. Amerikan gençliği, Hopper'ın tablosunu ideolojik manifestoları olarak kabul etti. "Easy Rider", gençlik isyanı temasını kullanarak "yeni Hollywood"un, yani ticari sinemanın yolunu açtı. Düşük bütçeli filmin eşi görülmemiş başarısı, bir taklit dalgasını ateşledi.

Herkes Jack Nicholson'ın karakterini beğendi. Avukat George Hanson, halk tarafından tipik bir ortalama Amerikalı olarak algılanıyordu. Bir hayalperest, bir iyimser, insanlara umut verdi ve onlara zor zamanlarda bile mizah duygusunu korumalarını tavsiye etti.

Bu başarı olmasaydı Jack Nicholson'ın kaderinin nasıl gelişeceği bilinmiyor. Easy Rider'dan sonra kendi kendine, “Oyunculuğa geri dönmeliyiz. Artık bir film yıldızıyım."

Easy Rider, Ocak 1972'ye kadar 60 milyon dolar hasılat elde etti (340.000 dolarlık bir bütçeyle). Hopper, sinema dünyasında tanınan bir otorite ve gençler için bir tapınma nesnesi haline geldi.

"GECE YARISI KOVBOYU"
(Geceyarısı Kovboyu)

Yapım: Jerome Hellman Productions, ABD, 1969. W. Salt tarafından J. L. Herlihy'nin romanından uyarlanmıştır. Yönetmen: J. Schlesinger. Operatör A. Holender. Besteci J. Barry. Sanatçı J. R. Lloyd. Oyuncular: J. Voight, D. Hoffman, S. Miles, J. McGiver, B. Vaccaro, R. White, J. Salt ve diğerleri.

Geceyarısı Kovboyu, Joe Buck adında Teksaslı genç bir adamın hikayesini anlatıyor. Bulaşıkçı olarak çalışıp biraz para biriktirdikten sonra mutluluk için New York'a taşındı. Karşı konulmazlığına inanan Joe, yaşlanan zengin kadınlarla yaşamaya karar verdi ve onları "aşk için" suçladı. Alphonse, elbette, ondan çıkmadı: Taşralı masumiyet ve manevi terbiye ile özetlendi.

Dar pantolon, kovboy ceketi ve geniş kenarlı şapka giymiş Joe, acımasız yüzünü kendisine göstermekten çekinmeyen şehrin sokaklarında belirir. Önce taşralı valizini kaybeder, sonra boyalı bir sarışınla vakit geçirir ama kadının hiç parası yoktur. Sonunda, yolda Joe'nun bir dolandırıcı olduğu ortaya çıkar - Fare lakaplı topal bir İtalyan Rico Rizzo. Taşralıların saflığını anında takdir ederek, Joe'dan son birikimlerini alır.

Ertesi gün, Teksaslı suçluyla karşılaştı ve öksürükten boğulan Rico'yu çok zorlanmadan yakaladı. Dolandırıcıya ödeme yapmak için yetiştim ve aniden onda avlanmış, yönlendirilmiş bir insan, New York'un ürkütücü yeni gelen dünyasında onun sadık gölgesi haline gelen akraba bir ruh gördüm.

Rico, Joe'nun menajeri olmak için gönüllü oldu ve gecekondu mahallesindeki "kovboyu" evlat edindi. Arkadaş oldular, birlikte aç kaldılar, dondular ve yoksulluk içinde yaşadılar.

Teksaslı rustik bir adam Amerikan metropolünde çok şey görmüş. New York onu travestiler, çılgın papazlar, LSD ve Andy Warhol'un eserleriyle tanıştırdı (sanatçının bölümlerden birinde görünmesi gerekiyordu).

Tüberkülozlu bir hasta olan Rico'nun değerli bir hayali vardı - para kazanmak ve Florida'ya gitmek. "Kovboy" fikrinin başarısız olduğuna ikna olan Joe, yaşlı bir sapık iş adamını öldürmeye ve para almaya gider.

Ancak Rico'nun hayali gerçek olmayacak - Florida yolunda bir arkadaşının kollarında ölüyor. Joe yine yalnız, sadece yanılsamalardan, teselli edici saflıklardan, umutlardan yoksun.

Gece Yarısı Kovboyu, John Schlesinger'in ilk Amerikan filmidir. Schlesinger, 1926'da Londra'da doğdu. Oxford'dan mezun olduktan sonra tiyatro ve sinemada karakter rolleri oynadı, ancak oldukça hızlı bir şekilde yönetmenliğe geçti. Schlesinger'in 1960'lardaki en iyi filmleri Billy the Liar, Darling ve Far from the Madding Crowd'dur.

"Midnight Cowboy", Amerikalı yazar James Leo Herlihy'nin kitabından uyarlanarak onun tarafından sahnelendi. Bir sosyal analiz ustası olarak kabul edilen Schlesinger, perdede baştan çıkarıcı bir şekilde sansasyonel görünebilecek izole sahneleri feda ederek romanı Waldo Salt ile yaratıcı bir şekilde yeniden çalıştı. Kitapta Joe'nun basitliği patolojik, neredeyse aptallığın sınırında. Filmde Joe deneyimsiz, saf ve saf ama kesinlikle aptal değil. Arsa, kötü şöhretli "Amerikan Rüyası" nın acı bir parodisi olan, yıkılan umutların dokunaklı bir hikayesine dönüştü.

Schlesinger bu filmi yönetmeye hevesliydi ve finansman sorunları ortaya çıktığında kişisel birikimlerini bile bağışladı.

Oyuncular konusunda şanslıydı. "Kovboy" rolünü mükemmel bir şekilde Jon Voight oynadı. Voight önce Washington Katolik Üniversitesi Güzel Sanatlar Fakültesi'nde, ardından New York'ta Neighbourhood Playhouse oyunculuk okulunda eğitim gördü. John, The Sound of Music (1961) müzikaliyle Broadway sahnesinde ilk çıkışını yaptı, ardından A. Miller'ın View from the Bridge oyunlarında ve T. Williams'ın A Streetcar Named Desire oyunlarında oynadı. Voight, başarılı bir şekilde televizyon dizisinde rol aldı. Beyaz perdede ilk olarak D. Sturges'in The Hour of the Gun (1967) adlı filminde rol aldı.

Joe Buck'ın "Geceyarısı Kovboyu" ndaki rolü ona ün ve tanınma getirdi. John, performans tarzının tazeliği, mizah anlayışı, samimiyeti ve oyunculuk cazibesiyle izleyicileri ve eleştirmenleri büyüledi. Çok ölçülü ve yumuşak oynuyor.

Rico Rizzo'nun rolü Dustin Hoffman tarafından oynandı. Broadway dışı tiyatrodan sinemaya geldi. Film yapımcısı Mike Nichols, onu Mm! ve "Mezun" filmindeki ana role davet edildi

İlk filmi Madigan's Million (1966) olmasına rağmen, Hoffman'ı ünlü yapan Mezun'du. Ana roller tahmin edildi, ünlü yönetmenler onunla ilgilendi.

J.L. Herlihy'nin Midnight Cowboy'unun haklarını satın alan yapımcı Jerome Hellman da Mm'ye katıldı! ve Rico Rizzo rolü için mükemmel olanın Hoffman olduğuna karar verdi.

Hoffman, uzun müzakerelerden sonra Midnight Cowboy'da rol almayı kabul etti. Gerçek şu ki, Rizzo'nun rolü senaryoda ikinci bir rol olarak yazılmış ve Hollywood'un yazılı olmayan kurallarına göre, "yıldız" statüsüne ulaşmış ve yardımcı bir rol üstlenen bir aktör, fiilen bir intihar eylemi gerçekleştiriyor. seyirciler arasında bir "kaybeden" izlenimi yaratma riskini alıyor.

Ancak Hoffman, Rizzo rolünün oyunculuk itibarı için çok şey yapabileceğini öngördü. New York'ta çaresiz, yalnız yaşadığı bir dönemde onu acımasızca rahatsız eden deneyimlerin çoğunu bu işe yatırdı. Biraz dışlanmış olan Riko'nun ıstırabı onun için bir soyutlama değildi. Riko hakkında konuşurken kendinden bahsediyordu.

Oyuncu daha sonra, bu rolü oynamanın The Graduate'daki Benjamin Braddock rolünden daha kolay olduğunu itiraf etti. Kahramanın doğru bir şekilde bulunan görünümü, görüntünün içsel gerçeğine ulaşmasına yardımcı oldu.

Jon Voight ve Dustin Hoffman'ın düeti, modern Amerikan sinema tarihinin en içten düetlerinden biri haline geldi. Zıtlık ilkesine dayanır. Kovboy çizmeleri içinde gülümseyen sarışın Jon Voight ve yanında veremli, topallayan kısa boylu bir adam olan Hoffman var. Rico Rizzo'nun imajı, doğası gereği ilham verici bir doğaçlamacı olan Dustin'in hayal gücünün tamamını ortaya çıkarması için yeterince renkliydi.

Oyuncu çok çalıştı. Rizzo'nun veremli bir öksürükle geldiği köprüdeki sahnede, Hoffman o kadar sert öksürdü ki üçüncü çekimde Voight'ın üzerine kustu.

Doğal olarak topallamak için Dustin ayakkabılarının içine küçük taşlar döktü. Hareket halindeyken, kanatlanan bir cümle buldu. "Nereye gidiyorsun? Görmüyor musun, geliyorum!" Rizzo, neredeyse ona çarpacak olan sürücüye bağırır.

Hoffman Rico'yu zarafetle, zekice ve ustalıkla canlandırıyor. Oyuncu daha sonra "Midnight Cowboy" filminin çekimleri sırasında gerçekten hasta hissettiğini itiraf etti. Dustin, karakterine dipte yaşayanlar tarafından verilen takma adı - Fare'yi zekice oynuyor. Riko, insan düşüşünün en alt basamağında. Ancak onurunu kaybetmez ve içten sevgilerini de unutmaz. Hasta Rico, başka birinin mezarından çalınmış olsa da annesinin sefil mezarını bir çelenkle süslemek için dolaşır.

Son sahne (Riko'nun ölümü) filmin en güçlüsü değilse de en iyilerinden biridir. Tertemiz basit bir şekilde çözülür.

Filmde çok fazla aksiyon var, neredeyse hiç uzun plan yok ve Schlesinger'in önceki resimlerinin özelliği olan uzun pozlamalar var. Pek çok çekim temayı açık bir sembolizmle ifade eder. Kalabalık, kaldırımda secde eden adama aldırış etmeden işine koşturuyor; sadece Joe durur. Kuyumcunun eli, "kovboyun" hayran olduğu mücevheri pencereden çıkarır. Devasa bir şehrin elektrik "cennetinde" kaybolan yalnız kahramanların üzerinde, yapay bir neon güneş, bir örümcek güneşi ışınlarını uzatıyor. Şeyler ayrıca Schlesinger'in merceğinde semboller haline gelir. Örneğin, bir kovboy kıyafeti ve transistör Joe.

Resmin müzikal sırasına dikkat edilmelidir (besteci - John Barry). Jean "Tute" Theilemans'ın harikulade caz mızıkası ve özenle seçilmiş şarkılar, özellikle Fred Neal'ın Henri Nilsson imzalı "Everybody's Talking" adlı eseri muhteşem bir atmosfer yarattı.

"Geceyarısı Kovboyu" olağanüstü bir başarıydı. Schlesinger'in resminin sansasyonelliği, ilk kez Amerikan "ana akım" film prodüksiyon temalarını ve daha önce yalnızca "yer altı sinemasının" özelliği olan ortamları tanıtması gerçeğinde yatıyordu.

"Gece Yarısı Kovboyu", Schlesinger'in yaratılışına En İyi Film ve En İyi Yönetmen de dahil olmak üzere altı ödül veren İngiliz Film ve Televizyon Sanatları Akademisi tarafından en yüksek puana layık görüldü. Schlesinger ayrıca Batı Berlin'deki Uluslararası Film Festivali'nde bir ödül, İtalyan David di Donatello Ödülü ve bir dizi başka ödül aldı.

"Geceyarısı Kovboyu", "X" kategorisinde Oscar'a aday gösterilen ve aynı anda altı kategoride ilk film oldu, ancak yedi aday olmasına rağmen - ikisi aynı anda en iyi erkek oyuncu unvanını aldı - Jon Voight ve Dustin Hoffman. Sonuç olarak, "Geceyarısı Kovboyu" en iyi film, yönetmen ve uyarlama senaryo dallarında en iyi üç Akademi Ödülünü aldı. Doğru, Hoffman ve Voight törenden altın heykelcikler olmadan ayrıldılar. Bununla birlikte, En İyi Yardımcı Kadın Oyuncu dalında Oscar almayan ancak bir tür rekor kıran Sylvia Miles gibi: ilk kez, ekranda sadece altı dakika kalan bir oyuncu ödülü aldı.

Ama Joe'nun Manhattan'da bir otobüste tanıştığı bir Vietnam gazisini canlandıran genç bir kamera hücresi oyuncusu için onların görkeminin tadını çıkarmak ne kadar güzel olmalı! Al Pacino, hayata böyle bir biletle hâlâ gurur duyuyor ...

Enrico Rizzo'nun rolü, Hoffman'ın oyunculuk kariyerinde bir dönüm noktası oldu. Bu basın tarafından doğrulandı. Time dergisinin bir eleştirmeni, "The Graduate'da açık sözlü Benjamin Braddock olarak ilk çıkışını yapan Hoffman, ikinci bir role geri adım atarak başarısının üzerine inşa etti. Ve bunu nadir bir beceriyle ve hatta daha nadir bir cömertlikle oynadı.

Yıllar geçtikçe Rico, Hoffman'ın en sevdiği film eseri olmaya devam etti. Film, yaklaşık 3,6 milyon dolarlık bir bütçeyle yalnızca ABD'de 45 milyon dolar hasılat yaptı. 1994 yılında "Gece Yarısı Kovboyu", kültürel ve estetik değeri olan bir eser olarak Kongre Kütüphanesi Ulusal Film Siciline dahil edildi.

"KONFORMİST"

(II konformist)

Yapım: İtalya—Fransa—Almanya, 1970. Senaryo B. Bertolucci, A. Moravia'nın romanından uyarlanmıştır. Yönetmen B. Bertolucci. Kameraman V. Storaro. Besteci J. Delerue. Sanatçı F. Scarfiotti. Oyuncular: J. - L. Trintignant, D. Sanda, S. Sandrelli, G. Moskin, P. Clementi ve diğerleri.

Alberto Moravia'nın bir romanından Bernardo Bertolucci'nin yönettiği Konformist, dünya sinemasının en önemli ve karmaşık filmlerinden biridir. Kuşkusuz, ihanet ve uzlaşmanın doğası ve kökenleri, faşizm ve çeşitli tezahürlerinde erotizm hakkındaki felsefi düşüncelerinde. "Konformist", seçkin sanatın canlı bir örneğidir. Aynı zamanda bu film, olay örgüsünün dinamizmi, Jean-Louis Trintignant, Stefania Sandrelli ve Dominique Sanda'nın oyunculuğunun duygusallığı ve psikolojik derinliği ile geniş kitlelerin ilgisini çekti.

The Conformist'in ana karakteri, eğitimli bir filozof, bir entelektüel, entelektüel Marcello Clerici'dir (Jean-Louis Trintignant). Faşist propagandanın sarhoşluğu içinde, eyaletteki en güçlü örgüt olan siyasi gizli polisin ajanı olur. Marcello sadakat sınavını geçmelidir. Paris'teki liberal göçü yöneten eski profesörü Luca Quadri'yi (Pierre Clementi) Fransa'da öldürmekle görevlendirilir.

Film, Marcello'nun genç karısı Julia ile birlikte gizli bir görevi gerçekleştirmek için balayı gezisi kisvesi altında gittiği iki ülkede, iki şehirde, Roma ve Paris'te geçiyor.

Paris'te Clerici ve karısı Giulia (Stefania Sandrelli), profesörün karısı Anna Cuadri'ye (Dominique Sanda) aşık olurlar. Yönetmen, Anna'yı, çevresini ahlaki kınama değilse de belli bir miktarda ironi ile gösteriyor. Sonra Anna'nın Marcello'yu sevmediği ve Julia'nın bir lezbiyenin gizli tutkusundan etkilendiği ortaya çıktı.

Marcello tereddüt ediyor, şüphe duyuyor, ölümcül anı geciktiriyor - tüm bunlar incelikli ve psikolojik olarak doğru bir şekilde tasvir ediliyor. Yine de ihanet ediyor - gizli servis ajanlarına Profesör Quadri'nin ne zaman dağlara gideceğini söylüyor.

Cinayet mahalli, doğallığına rağmen gücüyle sallanıyor. Clerici, arabanın camından kayıtsızca bakıyor.

Bertolucci, "Marcello'nun dramı, kalabalığın içinde kaybolmaya, kaybolmaya çalışırken, inançlı bir kişiyi oynamaya çalışmasından ibarettir" dedi.

Marcello neden fırsatçı oldu? Bertolucci bir keresinde, Freudyenizm üzerine yaptığı orijinal çalışmasının The Conformist ile bağlantılı olduğunu kabul etmişti. Moravia ile birlikte, Clerici'nin ahlaki aşağılığının psikanalitik bir versiyonunu ortaya koydu. Gençken eşcinsel bir şoför tarafından baştan çıkarıldı. Marcello onu vurduğunu düşündü ve kendisini katil olarak görüyor. Ancak kahramanın kendisi eşcinsel eğilimlere yabancı değildir. Buna Marcello'nun annesinin uyuşturucu bağımlısı olduğunu da eklemeliyiz. Faşist hareketin gazisi, "Roma yürüyüşüne" katılan baba, kendini bir akıl hastanesine kapattı (baba ve oğul arasındaki görüşme sahnesi etkileyici bir şekilde tasvir edilmiştir).

Filmin sonunda birkaç yıl sonra Duce rejiminin yıkıldığı bir sahne görüyoruz. Mussolini'nin heykelleri Roma sokaklarında parçalandı. Faşist Parti'deki kör ortağına ve akıl hocasına yeni ihanet eden Marcello, müşteri davet eden bir erkek fahişenin sözlerini dinler. Marcello gibi bir tipin her rejime uyum sağlayacağına şüphe yok.

Bir ideolojiden diğerine kayıtsız bir kolaylıkla hareket eden bir konformistin karmaşık imajı, Jean-Louis Trintignant tarafından ikna edici ve doğru bir şekilde somutlaştırıldı. Büyüleyici güzellikler ve ahlaki (ve cinsel açıdan) etkilenen insanların rollerini eşit ikna kabiliyetiyle oynama konusunda ender bir yeteneğe sahiptir. Trintignat, Jean-Louis'in tüm deneyim ve becerisine, tüm düşünce, duygu, yaşam gözlemlerine ihtiyaç duyduğu karakterin ahlaki ikiliğini ekranda aktarmayı başardı ...

"The Conformist" oynadığım en iyi film, diyor Trintignant. - En iyi oyunculuk işim. Bu, yönetmen sayesinde oldu, ama aynı zamanda korkunç ve acı verici bazı dış koşullar nedeniyle oldu. Böyle anlarda oyuncunun tepkileri alışılmadık şekilde şiddetlenir. Bertolucci oradaydı ve çaresizliğimden yararlandı."

Trintignant o yıllarda sık sık İtalya'da çekildi. Eşi ve çocukları ile uzun süre Roma'ya geldi. Yani bu sefer öyleydi. Jean-Louis işe koyuldu, en büyük kızı Marie bir Fransız okuluna gitti, evi Nadine yönetti ve sekiz aylık en küçük kızı Paul'e baktı. Aniden bir gece, neden olduğu bilinmeyen Paul, yatağında boğuldu. Jean-Louis ve Nadine kederle ezildiler. Nasıl yaşayacaklarını bilmiyorlardı, kimseyi görmek istemiyorlardı. Ama işte oradaydı: ev tam anlamıyla paparazziler tarafından kuşatılmıştı, lensleri gece gündüz apartmanın kapalı pencerelerine nişan almıştı.

Trintignant, "O günden sonra içimde bir şeyler kırıldı," diye anımsıyordu. “İnsanlar ebeveynlerinin ölümüyle yüzleşirler. Bir çocuğun ölümüyle yüzleşmek imkansız ... "

Oyuncuyu zihinsel değişimleri incelemeye yönlendiren Bertolucci, kaderin iradesiyle eline düşen insan malzemesine güvendi. Faşizme alet ve kurban haline gelen kahramanın çıldırdığı final sahnesi için yönetmen Trintignant'ın doğaçlama yapmasına izin verdi. Aktöre göre, ruh için açık bir risk taşıyan bir oyundu, onu tam anlamıyla parçalara ayırdı.

Bertolucci, "Bence Trintignant günümüzün en iyi oyuncularından biri" dedi.

The Conformist'te Bertolucci en sevdiği aktrisleri Sandrelli ve Sanda'yı vurdu.

Stefania Sandrelli, sekiz yaşından beri dans dersleri alıyor. Amatör performanslara katıldı. O bir foto modeldi. 1960 yılında, sadece "Bayan Viareggio" (1946'da doğduğu şehir) olmakla kalmadı, aynı zamanda ilk filmini yaptı. Bertolucci'de ilk olarak "Partner" (1968) filminde rol aldı.

Clerici'nin sınırlı ama pratik bir cahil eşi Giulia rolünde Sandrelli'nin büyük potansiyeli ortaya çıktı. Kesin ve yakıcı hiciv özellikleriyle Julia imajını yaratır. Kocasının suçunu bildiği için sessiz kalıyor: Sonuçta, kariyeri için gerekliydi. Stephanie doğal zarafetini resme getirdi, çok eşsiz. Sandrelli ne yaparsa yapsın, her zaman zariftir.

Dominic Sanda Bertolucci, The Gentle One'da (1969) fark edildi. Bu Bresson filminde, 20 yaşındaki manken ilk filmini yaptı.

Sanda, "Bernardo bana bir yönetmen olarak çok şey verdi," dedi. - Orijinal ve eksantrik - karmaşık karakterler oluşturmayı öğretti. Ondan sonra eksantrikliği korkmadan oynayabilirim. Ondan önce, bunu yapmaya asla cesaret edememiştim. Yine de, genel olarak konuşursak, çok yönlüyüm. Ama benim için en zor şey kalabalığa direnmekti. Kalabalıktan korkardım. Örneğin kalabalık bir restorana giremez. Bernardo bu kompleksin üstesinden gelmeme yardım etti. Sette, provada benden hep daha fazlasını bekledi, yeteneklerimin altına düşmeme izin vermedi. Tam bir karşılıklı anlayış yaşadık.”

Haziran 1970'te Konformist, Berlin Film Festivali'nde gösterildi. Gazeteciler, Bertolucci'ye özel bir ödül verdi ve İtalyan sanatçının psikolojik sahneleri parlak bir şekilde kurguladığını, harika oyunculuk ifadesine ulaştığını, karakterlerin psikolojik deneyimlerinin nüanslarının ince bir şekilde iletildiğini belirtti. Vittorio Storaro, Ulusal Film Eleştirmenleri Derneği tarafından En İyi Görüntü Yönetmeni seçildi. İtalyanlar filme David di Donatello ödülü verdi.

Ancak Bertolucci'nin asıl tanınması daha sonra gelecek. İdollerinden biri Fransız yönetmen Jean Renoir'dı. Los Angeles'ta tanıştılar. Bertolucci, "Renoir, The Conformist adlı tablomu gördü ve özellikle film için bana teşekkür etmeye geldi," diye anımsıyordu Bertolucci. "İnanılmaz bir andı!"

SAAT TURUNCU
(Otomatik Portakal)

Yapım: Warner Bros., ABD, 1971. Senaryo S. Kubrick tarafından E. Burgess'in romanından uyarlanmıştır. Yönetmen: S. Kubrick. Operatör J. Olcott. Sanatçı J. Berry. Besteci U. Carlos. Oyuncular: M. McDowell, G. Quigley, O. Morris, P. Magee, W. Clark ve diğerleri.

Otomatik Portakal, Anthony Burgess'in çok beğenilen romanından uyarlanmıştır. Eylem yakın gelecekte Londra'da gerçekleşir. Genç çeteleri şehrin her yerinde faaliyet gösteriyor. Gece maceralarına çıkmadan önce, Cow Bar'da sütle uyuşturulurlar. Gruplardan birine Beethoven hayranı olan on dört yaşındaki Alex başkanlık ediyor. Alex ve üç arkadaşı kudretli ve esaslı eğlenirler: Kahkaha uğruna serserilerle alay ederler, kızların geçmesine izin vermezler, evlere girerler ve tecavüz ederler, sakatlarlar, öldürürler, soyarlar.

Yazara ve karısına yapılan vahşi bir saldırının ardından Alex hapse girer. Yetkililer bunu "Ludovik yöntemini" test etmek için kullanıyor. Mide bulantısına neden olan ilaç, Alex'e ekranda şiddetli sahneler gösterilmeden önce enjekte edildi, böylece herhangi bir saldırgan eylem için şartlı bir tiksinme refleksine neden oldu. Artık herhangi bir şiddet, Alex'te dayanılmaz bir baş dönmesi ve halsizlik hali olan alerjik bir reaksiyona neden olur. Ancak tesadüfi bir yan etkiyle: Artık Beethoven'ın müziğine de katlanamıyor.

Alex şehrin sokaklarına geri döner. Bir zamanlar dövdüğü serseriler tarafından saldırıya uğrar, ardından Alex, şimdi polis olan eski arkadaşlarının kurbanı olur. Onu bir su teknesine daldırarak ona uzun süre zevkle işkence ederler.

Sonunda Alex yazara ulaşır. Bir çetenin saldırısına uğradıktan sonra sakat kaldı ve eşi öldü. İntikam almak isteyen yazar, Beethoven'ın Dokuzuncu Senfonisi'nin kaydını açar ve genç adam pencereden dışarı atılır. Alex hastaneye kaldırılır. Hükümet aceleyle zihinsel işlemeyi iptal eder. Alex'i hastanede İçişleri Bakanı besliyor.

Alex'in hayvani içgüdülerini dizginleme yeteneğini yeniden kazandığı filmin sonunda yeniden doğuşu, insan doğasının onu bastırmaya ya da bastırmaya çalışan güçlere karşı ironik bir zaferi olarak algılanır.

Burgess'e göre olaylar 1972'de geçiyor, ancak zamana katı bir atıftan kaçınmak için yeni bir giyim tarzı ve çete üyelerinin özel bir dili - İngilizce, Rusça ve argo karışımı - icat etti. Yazar buna "gençlerin", yani gençlerin - on üçten on dokuza kadar olanların dili diyor.

"Otomatik turuncu" ifadesinin anlamı farklı şekillerde yorumlanır. Londra Cockney jargonunda, bizim "saygılarımızla" veya "kafasında hamamböcekleri olan" ile hemen hemen aynı anlama gelir: tuhaflıkları olan bir kişi.

Başka bir versiyona göre, "saatli portakal" ifadesi, bir süre Malezya'da yaşayan Burgess tarafından icat edildi. Malay'da "orang" kişi anlamına gelir. Bu nedenle, "Clockwork Orange" romanının başlığı "Clockwork (veya Mechanical) Man" olarak çevrilebilir.

Southern, A Clockwork Orange'ın senaryosunu Michael Cooper ile birlikte yazdı. Ancak stüdyoların hiçbiri bunu prodüksiyon için kabul etmedi. Başarısız olan Güney geri çekildi. Romanın film hakları avukat Cy Litvinoff tarafından satın alındı.

1969-1970'te Hollywood'da "genç sinemaya" doğru belirgin bir kayma oldu. Kırk yaşındaki Kubrick, hayatın gerisinde kalmak istemedi ve sansasyon yaratacak bir gençlik filmi yapmaya karar verdi. Aklına hemen Otomatik Portakal geldi.

Kubrick, Alex'i kimin oynayacağını zaten biliyordu. İngiliz Malcolm McDowell. Bu aktörü, Malcolm'un özel ayrıcalıklı bir okulun asi bir öğrencisi rolünü oynadığı Lindsay Anderson'ın "If ..." (1968) filminde gördü.

McDowell neredeyse yirmi sekiz yaşındaydı, Burgess'in karakterinin yaşının iki katıydı ama yaş farkı yönetmen için önemli değildi. Kubrick, "Malcolm meşgulse, muhtemelen bu filmi yapmayacağım" dedi.

Geleceğin dev bir şehrini inşa etmek için Kubrick'in bir dizi mimarlık dergisine ve bir yığın reklam broşürüne ihtiyacı vardı. Tamamen düşüşe geçen bir kültürün yerini ucuz pop sanatı aldı. Kubrick planını "Erotik sahne sayesinde, aksiyonun yakın geleceğe aktarıldığı izlenimini vermesi gerekiyordu" dedi. - Ne de olsa, erotik sanatın sonunda kitlesel hale geleceğine inanılıyordu. Örneğin, bugün Woolworth'tan Afrika manzaraları satın alıyorsunuz ve yarın duvarları erotik resimlerle süsleyeceksiniz.

Kedili Leydi'nin evindeki resim ve dev bir fallus, Alex'in odasında çıplak ve bir bale gibi dans eden dört İsa'dan oluşan porselen bir grup (Hollandalı sanatçı kardeşler Herman ve Cornelius Mackinck'in eseri) - bu A Clockwork Orange'ın dünyası.

Ken Bray'in yüzünün fotoğrafı - Alex'in yüzünün yakın çekimi, kameraya yan yan bakıyor, boyalı gözün üzerindeki kaşı kemerli - reklamcılığın en tanınabilir görüntülerinden biri haline geldi.

Alex'in acımasız bir savaşta tutuklanmasıyla sona eren başka bir "sürpriz ziyaret" sırasında, filmin kahramanı kararlı, atletik bir kadını inanılmaz bir erkeklik organını tasvir eden kendi heykelciğiyle öldürür.

Alex ve arkadaşları, İnek barında çıplak kadın mankenler arasında ilaçlı süt içiyor. Burgess'in romanı bu kuruluşun içini tam olarak tanımlamıyor, ancak Kubrick ve genç sanatçı John Berry, heykeltıraş Allen Jones'un buluntularını kullanarak burayı bir tüketici cinsel uyarımı tapınağı olarak sundular.

Barda "Korova" - erotik heykeller şeklinde tablolar. Süt dağıtıcı dizlerinin üzerinde çıplak bir kızdır. Göğüsten süt akar.

A Clockwork Orange üzerinde çalışırken, hiç kimse özellikle şiddet sahneleri konusunda endişelenmedi. Doğal ayrıntılar olmadan filme alındılar. Kubrick, daha önce LSD kullandığını inkar etse de bu sorunla ilgilendiği gerçeğini de saklamadı ve önümüzdeki yıllarda yaygınlaşacağını öngördü.

"Mekanik Portakal"ın ekran versiyonu, ruhsuz bir toplumun tehlikeleri ve şiddetin dehşetiyle ilgili benzetmenin çok ötesine geçiyor; kişilik kendi takdirine bağlı olarak.

Kubrick başka bir sorunu öne çıkarıyor - ahlaki seçim sorunu. Yönetmen, gönüllü kötülüğün şiddetli iyilikten daha iyi olduğuna inanarak, bireyin "doğal" zulmünü tercih ediyor. Böylesine tartışmalı ve karmaşık bir kavramı beyazperdeye Malcolm McDowell getirmeliydi. Bir kurbana dönüşerek sempati uyandıracak bir piçin oynaması gerekiyordu.

En iyi psikolojik analiz ustası olan McDowell, görevin üstesinden parlak bir şekilde geldi. Alex, eylemlerinde iğrenç, ancak zeka, güç ve şeytani bir ustalıkla donatılmış, bu da onu bu korkunç dünyanın diğer sakinlerinin üstünde ve omuzlarında yapıyor ve bilinçaltımızda ona hayran olmamızı sağlıyor.

Burada oyuncuya, genç kötü adamların tüm kurbanlarının haydutların kendilerinden daha itici ve acınası göründüğü yorumunda Kubrick yardımcı oluyor. "İyi" insanlar Alex'ten çok daha sapık, insanlık dışı ve acı çekemeyecek gibi görünüyorlar. A Clockwork Orange'da şiddet ve zulüm Alex'ten gelmiyor, ona yapılıyor. Alex işkence görüyor, hapishanede dövülüyor ve vahşi doğada, kolluk görevlisi olan eski arkadaşları Dim ve Georgie coplarla dövüyor.

McDowell, A Clockwork Orange'da uzun süre çekim yaptığını hatırladı. Psikolojik tedavi sırasında, kahramanı Alex'in gözleri, göz kapağından geçirilen özel "göz kapağı kilitleri" (bloke ediciler) yardımıyla zorla açık tutulur - bu ancak anestezi altında çıkarılabilir.

McDowell suya baş aşağı daldırıldığında neredeyse boğuluyordu ve solunum cihazı iki dakika boyunca arızalandı.

McDowell yıllar sonra şunları söyledi: "Kubrick tükenmez. Onu sevdim. Ondan nefret ettim. Beni bir insanın sahip olabileceği tüm duygulardan geçirdi. Ama bir şeyi asla unutmayacağım - sette böyle bir şey yaptığımda nasıl güldüğünü. Ona sonsuza kadar minnettar kalacağım. Hiçbir şey bir oyuncuyu yönetmenin anlık tepkisinden daha fazla canlandıramaz. Ve Stanley o kadar çok güldü ki ağzını bir mendille kapatmak zorunda kaldı ... "

Alex'in Beethoven'a olan sevgisi, A Clockwork Orange'ın müzikal sekansını tanımladı. Kubrick, Beethoven'ın Dokuzuncu Senfonisi'nin elektronik versiyonlarını, Rossini'nin William Tell'inin tekliflerini ve Purcell'in Kraliçe Mary'nin Ölümü İçin Müziği'ni aldığı pop bestecisi Walter Carlos'u (daha sonra, cinsiyet değişikliğinden sonra, Wendy Carlos) cezbetti. Burgess'in kitabı, Carlos'a Time Steps müzikal oyununu yaratması için ilham verdi. Kubrick, New Age üçlüsü Sunforest tarafından icra edilen birkaç melodi daha ekledi.

Alex'in reşit olmayan iki kızla süper hızlı seks partisine eşlik eden Kubrick, William Tell uvertürünün telaşlı, heyecan verici seslerini seçerek, akılsız genç seksin zaten uygun bir tanımlamasını parlak bir çizgi roman balesine dönüştürüyor.

Kedileri olan kadınla olan savaş, Rossini'nin Hırsız Saksağan'ına uzanan uvertürün müziğiyle zarif bir koreografik minyatür seti gibi görünüyor.

Beethoven'ın Dokuzuncu Senfonisi'nin ikinci bölümünün şeytani müziği, kasvetli mizahı, şeytani gücü, acı ama yaşamı onaylayan ruhuyla, Alex'in karakterindeki asıl şeyi mükemmel bir şekilde aktarıyor.

A Clockwork Orange, 19 Aralık 1971'de Amerika Birleşik Devletleri'nde prömiyer yaptı (27 milyon dolar). 13 Ocak 1972'de resim İngiltere'de gösterilmeye başlandı. İlk kez sinemalarda film gösterimi için Dolby ses sistemleri kullanıldı.

Pek çok yorumcu Kubrick'i şiddeti kışkırtmakla suçladı ve yalnızca birkaçı resmin görüntülerine dikkat çekti. Çalışmanın ana felsefi fikrini formüle etmeye çalışan Newsweek dergisi eleştirmeni Paul Zimmerman şu sonuca vardı: “Alex, her birimizin derinliklerinde gizlenen o karanlık ve ilkel kişiye hitap ediyor. Aslında, anında cinsel tatmin, öfkeyi açığa çıkarma veya bastırılmış intikam içgüdüleri, macera ve eğlence arzumuzla ilgili gizli rüyalarımızı gerçekleştiriyor.

Mart 1972'de Otomatik Portakal dört kategoride Oscar'a aday gösterildi: En İyi Film, Yönetmen, Senaryo ve Kurgu. Birçok film yıldızı, "X" kategorisi alan filmi onurlandırma korkusuyla törene katılmayı reddetti. Sonuç olarak Otomatik Portakal ödülsüz kaldı. Ancak The French Connection'ın en iyi film ve yönetmen dalında Oscar kazanan William Friedkin gazetecilere şunları söyledi: “Bence yılın en iyi yönetmeni Stanley Kubrick. Ve sadece bu yıl değil, tüm dönem."

A Clockwork Orange'ın vizyona girmesinden bir yıl sonra bile, film Atlantik'in her iki yakasında hala konuşuluyordu.

Kubrick, filmin ancak ölümünden sonra gösterilebileceğini belirtti. Ve böylece oldu. 1999'da A Clockwork Orange, 18 yaş altı sınırıyla da olsa yeniden yayınlandı.

"VENEDİK'TE ÖLÜM"

(Morte a Venezia)

Yapım: İtalya - Fransa, 1971. Senaryo yazarları L. Visconti, N. Badalucco, T. Mann'ın hikayesinden uyarlanmıştır. Yönetmen: L. Visconti. Görüntü yönetmeni P. De Santis. Sanatçı F. Scarfiotti. Müzik G. Mahler (Üçüncü ve Beşinci Senfonilerden alıntılar). Oyuncular: D. Bogard, B. Andresen, S. Mangano, R. Valli, N. Ricci ve diğerleri.

"Venedik'te Ölüm" adlı tablo, Thomas Mann'ın aynı adlı kısa öyküsünden yola çıkarak seçkin İtalyan yönetmen Luchino Visconti tarafından sahnelendi. Gustav Mahler'in bazı özelliklerinin tahmin edildiği baş karakter Gustav von Aschenbach'ın bir yazardan bir besteciye dönüşmesi dışında aralar önemsizdir. Bununla birlikte, orijinal yazarın niyeti büyük ölçüde Avusturyalı bestecinin çalışmaları ve yaşamı hakkındaki düşüncelerden ilham aldığından, böyle bir dönüşümün oldukça haklı olduğu ortaya çıktı. Mahler'in Beşinci Senfonisinden adagio melodisi filmin ana tema müziği oldu. Visconti, Mann'ın diğer eserlerinden bazı bölümler aldı (esas olarak "Doktor Faustus" adlı romanından),

Eylem zamanı kesinlikle gözlemlenir: 1911'dir. Son sakin yıllarını yaşayan, ancak yaklaşmakta olan felaketi şimdiden öngören Avrupa. Alman besteci Gustav von Aschenbach Venedik'e geldi. Günlerinin sayılı olduğunu hissediyor. Von Aschenbach, Polonyalı aileye dikkat çekiyor: iki kızı ve oğlu Tadzio'lu bir anne, tüm görünüşü Aschenbach'a güzelliğin mükemmel bir düzenlemesi olarak görünüyor. Bu buluşma besteciyi kargaşaya sürükler. Aschenbach, mükemmel güzelliğin yaşamla hiçbir ilgisi olmadığına, yalnızca tamamen ruhsal bir yaratım olabileceğine ikna olmuştu. Tadzio'nun özelliklerinin mükemmelliği, artık modern sanatçının konusu olmayan klasik güzelliği simgeliyor. Aschenbach büyülenmiş gibi, çocuk nereye giderse gitsin Tadzio'yu takip eder.

Venedik, kolera salgını tarafından ele geçirildi. Polonyalı aile ayrılmaya hazırlanıyor. Sahilde Aschenbach, denize veda ederek lagünün dalgaları boyunca daha da ileri giden ve sonunda durup elini kaldıran çocuğu son kez görür. Aschenbach sandalyesinden kalkıyor ve düşüyor. Öldü.

Film eleştirmeni Leonid Kozlov, "Bu filmin sonu trajik, tasvir edilen olayların doğası gereği durgun, bazen acımasız ironiden yoksun değil ve gerçekten anlatılamaz bir çekiciliği var" diye yazıyor. – En yüksek sanatsal beceri, filmin tüm yapısında, olay örgüsünün yeniden yaratılan ortamın dinamik resmiyle, insan imgelerinin yönetmen tarafından bulunan manzarayla uyumunda, tüm mekansal ve zamansal ritimde kendini gösterdi. Plastiklik, ışık ve renk hareketi ile Mahler'in müziği. Venedik'in efsanevi ve gizemli cazibesi perdede ifade ediliyor. Ve tabii ki, Dirk Bogarde'ın oyunculuk çalışmasının zirvesi haline gelen merkezi görüntünün dramatik gücü ve inceliğinde.

Visconti, Bogarde'ı Tanrıların Ölümü'nde filme aldı. İlk gün oyuncu altı çekim yaptı ve hepsi farklı. Diyalog yok, sadece bir ruh hali. Ve Visconti, aktörünü bulduğunu anladı. The Death of the Gods filminin çekimlerinden sonra Bogarde'ye Aschenbach rolünü teklif etti: "Hadi birlikte bir film çekelim, sen ve ben."

"Ama Aschenbach için çok mu gencim?" Bogard tereddüt etti.

"Neden? Visconti omuz silkti. - Yaş hakkında yazmıyor, ellinin biraz üzerinde. Bunun Mahler hakkında, Gustav Mahler hakkında ne olduğunu biliyor musunuz? Thomas Mann onunla trende tanıştığını söyledi.

Venedik'ten. Çok mutsuz, kompartımanın bir köşesine toplanmış, makyajlı, göz yaşları içinde... çünkü güzelliğe âşık olmuştu. Venedik'te mükemmel güzelliği biliyordu ve şimdi ölüme gitmesi gerekiyor ... Hayatta onun için başka bir şey kalmadı. Buraya! Mann'ın yazdığı gibi senaryo olmadan doğrudan kitaptan çekim yapacağız.

Hemen hazırlanmaya başlayın. Mahler'in müziğini, yazdığı her şeyi dinleyin. Durmadan dinleyin. Bu yalnızlığın, bu yurtsuzluğun içine nüfuz etmeliyiz; Müzik dinlersen her şeyi anlarsın. Ve yine de okumanız, okumanız ve kitap okumanız gerekiyor. O zaman hiçbir şey söylemeyeceğim. Kendin anlayacaksın çünkü Mann ve Mahler sana her şeyi anlatacak zaten. Söyleyeceklerini dinle ve benimle çalışmaya hazır olacaksın. Zamanı geldiğinde".

Çekimler sadece on bir ay içinde başlayacak. Asıl sorun, doğal olarak, paraydı; İtalyan hükümetinin mütevazı bir sübvansiyonunun yardımıyla kısmen çözüldü. Ama çok daha fazlasına ihtiyaç vardı.

Godfall (İngilizce konuşulan ülkelerde The Damned olarak yeniden adlandırıldı) Amerika'da büyük bir başarı elde etti ve Visconti, yapımcılardan belirli koşullar altında bir teklif aldı.

Birincisi, Bogarde'nin yerini halkın gözdesi olan daha popüler bir İngiliz aktör almalıydı. Buna Visconti kesin bir ret ile yanıt verdi. İkincisi, Tadzio'nun... bir kız olması gerekiyordu. Yapımcılar, bu versiyonun Amerikan halkı için daha kabul edilebilir olduğunu söylediler, ancak her şeyi Thomas Mann gibi bırakırsanız, o zaman olanların anlamı şuna indirgenecek: "pis yaşlı bir adam bir çocuğu kovalıyor." Visconti şok olmuştu. Mann'ın saflık ve güzellik arayışından bahsettiği açıktı. Seyirci bunu anlayamıyor mu? "Venedik'te Ölüm" uzun süredir ve hatta Amerika'da okunmaktadır.

Yönetmenin yapımcılarla olan tartışmaları neredeyse bir hafta sürdü. Sonunda Amerikalılar büyük bir isteksizlik ve endişeyle her iki konuda da teslim oldular, ancak bütçe yarıya indirildi.

Visconti, filmi kurtarmak için telif ücretlerinden feragat etmeye karar verdi. Onun örneğini takip etmemek imkansızdı... Tadzio'nun annesini canlandıran Silvana Mangano ödeme yapmayı reddetti, sadece otel masraflarını karşılamak için işe girdi ve kameraman Pasqualino De Santis'ten film ekibinin geri kalanına kadar set montajcısı, ücretlerinde buna karşılık gelen indirimlere gitti.

Meslektaşlarının desteğinden ilham alan Visconti, Tadzio'yu aramak için kuzey başkentlerine gitti. Neredeyse hemen onu Stockholm'de buldu. Gelecek vadeden büyükannesi tarafından seçmelere getirilen on üç yaşındaki ince, solgun, sarı saçlı Björn Andresen'in ideal bir aday olduğu ortaya çıktı. Çekimler Nisan 1970'te başladı.

Bogarde'nin Visconti ile ilişkisi çok sıra dışı görünüyordu. Film hakkında nadiren konuştular. Her zaman birbirlerinden biraz uzakta oturdular.

Bogarde, "Hiçbir koşulda Aschenbach'ı nasıl oynamam gerektiğini asla tartışmadık, yorumlama ve motivasyon sorularına hiç değinilmedi," diye hatırlıyor Bogarde. - Her nasılsa, Roma'dan ayrılmamızdan önce bile, Luchino'dan rolü tartışmam için bana sadece yarım saat vermesini istedim. İsteksizce kabul ederek kitabı kaç kez okuduğumu sordu. Bunu en az otuz kez yanıtladığımda, bana otuz kez daha okumamı tavsiye etti ve o kadar.

Bir sabah ondan doğrudan aldığım tek talimat, tam da Rialto Köprüsü'nün altından çıktığımız ve güneşi yüzümde hissettiğim anda küçük motorlu teknemde dik durmamı istemesiydi. O anda tam olarak neden bu hareketin benden istendiğini, birkaç ay sonra Visconti ile bitmiş resme bir bütün olarak bakana kadar bilmiyordum. Ancak o zaman, bir koreograf gibi tüm filmi kare kare inşa ettiğini, tüm hareketlerimi planına göre Gustav von Aschenbach'ın ruhunun somutlaştırılacağı kişinin müziğine tabi kıldığını fark ettim. gustav mahler'in müziği.

Visconti, her şeyin olması gerektiği gibi yapıldığından emin olmak için görüntü yönetmeni De Santis'e güvenerek günün görüntülerini hiçbir zaman incelemedi.

Visconti, Venedik'teki işin en sonu için son ölüm sahnesini hazırladı. Ve sonra mükemmel hava başladı. Deniz sakindi, rüzgar sahil boyunca sıcak kumları sürükledi, sıcaklık neredeyse dayanılmazdı.

Bogarde'nin ölüm maskesine gidecek özel bir makyaja ihtiyacı vardı: Soldurmayı, yaşlılığı, yıkımı ve nihai çürümeyi - ölümü simgeleyerek yavaşça çatlaması gerekiyordu.

Visconti oyuncuya şu talimatı verdi: “Bugün ışık mükemmel... gerçek bir sirocco... size yardımcı olacak... ısı; hastasın, yaşlısın; Tadzio'ya gülümsediğinde mutsuz yüzün kırışacak ve öleceksin... Bütün bunları sana söylüyorum çünkü onlar makyaj yapınca konuşamayacaksın, yüzün birbirine çekilecek. ölüm maskesi ... yani sadece bir çekim yapacağız.

Bogarde'yi beyaz bir şeyden kalın gümüş bir tüp hazırlayan makyöz Mauro'nun gözetiminde bıraktı. Kompozisyon yüzüne yerleşirken Dirk iki saat boyunca hareketsiz oturdu. Tüm cilt çekildi.

Bogarde sete alındı. Hatta büyük bir güçlükle nefes alabiliyordu. Dirk, dış sinyallere elinin yalnızca hafif bir hareketiyle tepki verdi. Sonuç olarak, her şey harika oldu. Doğru, o zaman makyöz bir saat boyunca beyaz makyajı bir spatula, su ve sabun, soğuk krem, benzin ve makasla sildi. Bogard'ın yüzü kıpkırmızıydı ve sanki şiddetli bir yanıktan yanmıştı ...

Çekimler Venedik, Trieste, İsviçre'de yapıldı ve 1 Ağustos 1970'te sona erdi.

Visconti, finansörlere kısmen sübvanse ettikleri "para çantalarını" göstermek için "korkunç Los Angeles" a gitti.

İzleme salonunda dolu bir ev vardı ve ışıklar yandığında kimse kıpırdamadı. Visconti günahkar bir şekilde bunun bir başarı olduğunu, son çekimlerin duygusal yoğunluğundan sonra akıllarının başlarına gelemeyeceğini düşündü. Aslında sessizlik, dehşete varan bir şaşkınlıktan kaynaklanıyordu. Visconti, filminin "Amerikan olmadığını" duydu ve konu çok kaygandı. "Venedik'te Ölüm" asla kar etmeyecek. Amerika'da gösterime girse bile filmin ahlaka aykırı olduğu gerekçesiyle yasaklanacağı yönünde bir öneri de vardı.

Umut Avrupa'da kaldı. Bir akşam Bogarde, Roma'dan ortak yapımcı Bob Edwards'tan bir telefon aldı: "John Julius Norwich diye biri var, lord falan - Pearly Venedik kurtarma fonunu kurdu - Londra'da filmimizin bir hayır kurumu galasını yapmak istiyor. Kraliçe katılmayı kabul etti ve iki çocuğu da yanında getireceğini söyledi.

Film, 1 Mart 1971'de Londra'da gösterime girdi. Bogarde, Venedik'te Ölüm'ü kurtaranın Ekselansları Lord Norwich olduğuna inanıyor. Visconti, Los Angeles'a şunları gönderdi: "Sizce bu film ahlaka aykırıysa ve bu nedenle ekrana çıkmasına izin vermiyorsanız, İngiltere Kraliçesini ahlaksızlıkla suçladığınızı düşünün."

Cannes Film Festivali'nde Venedik'te Ölüm resmi olarak İtalya'yı temsil ederken, ana ödül için bir başka yarışmacı, Joseph Losey'nin The Middleman adlı filmi İngiltere'yi temsil etti.

Visconti filminin gösterimi sırasında salon tıklım tıklım doluydu. İnsanlar koridorlarda, sahnede oturdular, sandalyelerin arkasında durdular; gazetecilerin sayısı yüzlerle ifade edildi. Bogarde, "Biz galip geldik, tüm dünya bizi sevdi," diye hatırlıyordu. — Jürideki önemli bir kişi hariç; bu adam bizi tanımadı ve zahmetli faaliyeti sırasında ziyaret ettiği her bar veya restoranda bunu bildirdi.

Sonuç olarak, Losey'nin filmi kazandı. Ödüllerin verilmesinin arifesinde, Visconti bunun farkına vardı. Valizlerini toplayan usta, havalimanına doğru yola çıktı. Festival yönetimi, yönetmene özel bir ödül sözü vererek Cannes'a geri göndermeyi başardı. Festivalin kapanışında Visconti, Romy Schneider'in elinden bir ödül aldı.

Besteci Aschenbach'ın rolü, Dirk Bogarde'nin çalışmalarındaki zirvelerden biridir. Ama ona acımasız bir şaka yaptı.

Bogarde, "Son filmde oynanan rol," dedi, "benim figürümün, en azından film yapımcılarının kafasında, bazı okul öğretmenlerinin gizlice şehvet düşkünü kılığında hareket eden, yaşlanan eksantrik imajıyla ilişkilendirilmesine yol açtı. öğrencilerden sonra - kız ya da erkek fark etmez, ya da şüpheli kapalı okulların gotik geçitlerinden gizlice giren ve günah çıkarma odalarında tutkulu itirafları dinleyen rahipler. Luchino Visconti ile ortaklaşa yürüttüğümüz Thomas Mann üzerinde büyük bir sevgi ve saygıyla yaptığımız çalışmanın taçlandırıldığı şey buydu. Her şey, sonunda kendimi bir yozlaşmış rolüne büründüğüm gerçeğine geldi.

Ağır, acımasız bir darbe..."

"BABA "
(Baba)

Yapım: Paramount Pictures, ABD, 1972. Senaryo M. Puzo ve F. F. Coppola. Yönetmen F. F. Coppola. Operatör G. Willis. Sanatçı D. Tavularis. Besteciler N. Rota (3. bölüm hariç) ve K. Coppola. Oyuncular: M. Brando, A. Pacino, J. Caan, R. Castellano, R. Duvall ve diğerleri.

"Mafya babası. Bölüm II, 1974 Oyuncular: A. Pacino, R. Duvall, D. Keaton, R. De Niro, J. Cazale, T. Shire ve diğerleri.

"Mafya babası. Bölüm III, 1990 Oyuncular: A. Pacino, D. Keaton, T. Shire, E. Garcia ve diğerleri.

Faaliyetleri her zaman meşum bir gizlilik perdesiyle gizlenen mafya hakkında bir bestseller seçen Francis Ford Coppola, Amerikan yaşamının popüler sanat çerçevesinde ortaya çıkmış en güçlü ve acımasız tablolarından birini yarattı.

Ama önce Coppola, Mario Puzo'nun senaryosunun radikal bir şekilde gözden geçirilmesini talep etti. Yazar, hem romanın genel yapısını hem de ana hikayeleri oldukça doğru bir şekilde yeniden üretti. Bununla birlikte, Coppola'ya göre, kendisine sunulan senaryo, Puzo'nun bununla hiçbir ilgisi olmamasına rağmen, yalnızca "yüzeysel ve önemsiz bir modern gangster filmi" yaratılması için malzeme sağladı: "O sadece söyleneni yaptı ... Gördüm hanedanlar ve iktidar sorunuyla ilgili kitapta önemli bir fikir.

"Baba" filminin merkezinde, Don Vito Corleone liderliğindeki bir aile-gangster klanı var. "Don", aile reisi için bir tür kalıtsal unvandır. Batı basını, Don Corleone liderliğindeki iş dünyasından saygıyla "sendika" olarak bahsetti.

Ekrana, ilişkilerin feodal rütbeye saygı ve herhangi bir farklılığın bastırılmasıyla tanımlandığı (böylece ailenin düşmanlarının eline geçmesinler) büyük Corleone evi hakimdir.

Corleone ailesi, diğer New York gangster sendikalarıyla anlaşmazlık içindedir. Bu acımasız mücadele sırasında, çılgınca bir kurşun yağmuru altında, klanın başının en büyük oğlu olan kendini beğenmiş Sonny ölür. Vito Corleone'nin ani ölümünden sonra, aile şirketinin yönetimi (Don unvanıyla birlikte) en küçük oğul - tüm aileden bir Amerikalıyla evlenen tek kişi olan Michael tarafından üstlenilir. Üniversite mezunu, yufka yürekli, dürüst, gözümüzün önünde değişen bir genç. Michael, şeytani bir ustalıkla acımasızca tüm rakiplerini yok eder...

Kesin oyuncu seçiminin yönetmenin başarının yarısını garanti ettiğine inanılıyor. Eğer öyleyse, o zaman Coppola'nın çalışmalarının bu yarısı kusursuz olarak adlandırılabilir.

Birçok tanınmış aktör, Don Corleone - Laurence Olivier, Orson Welles, George S. Scott ve hatta ünlü film yapımcısı Carlo Poiti rolünü üstlendi.

Coppola, Marlon Brando'yu denemeyi teklif ettiğinde, Paramount Pictures yönetimi onun adaylığına karşı çıktı (ne aktörün kendisi ne de Hollywood kodamanları karşılıklı antipatilerini gizlemediler). Ayrıca sinemada da uzun süredir ilgi çekici işlerle seyirciyi şımartmıyor.

Brando, test çekimlerini kabul etmek zorunda kaldı; bu, Hollywood şartlarına göre, onun itibarındaki bir aktör için aşağılayıcı bir prosedür ("Brando'ya test çekimi için başvurmak, Papa'dan bir İlmihal okumasını istemek gibidir," diye esprili bir şekilde Time dergisinin bir film eleştirmeni)

Kısa süre sonra Coppola, Brando'nun Beverly Hills'teki "ev sahibi malikanesinde" bir film kamerasıyla belirir. Marlon saçlarını ayakkabı cilasıyla boyuyor, bıyık çiziyor ve yanaklarına pamuk topları dolduruyor. Kameranın önünde durmadan önce aynadaki yansımasına peltek bir şekilde şöyle diyor: "İhtiyacımız olan şey bu: aşağılık bir bulldog suratı ve içi sıcaklık."

Brando'nun tam makyajlı örnekleri yapımcılar üzerinde olumlu bir izlenim bıraktı. Bazıları, sessiz, imalı bir sesle ve şişmiş yanaklarla gri saçlı yaşlı bir adam olarak reenkarne olan sanatçıyı tanımadı.

Brando'nun canlandırdığı Don Corleone, Amerikan seyircisinin önemli bir bölümü tarafından belli bir sempatiyle karşılandı. Ev çevresinde, erdemli bir aile babası ve kendisine yakın insanların koruyucusu olarak göründü ve aynı zamanda onları sürekli kendilerini savunmaya zorlayan çevrelerindeki düşman dünyadan klanın tüm üyeleri. Bu bağlamda, Vaftiz babası, koruması altında kişinin kendini güvende hissedebileceği bir "güçlü el" olan bir patron imajını yarattı.

Ve bazen Don Corleone sendikasıyla ilgili kararnameler çıkarsa da, temelde bir hükümdar olarak değil, bir ev insanı olarak gösteriliyor - kızının düğününe liderlik ediyor, bakkala gidiyor, torunuyla oynuyor.

Eleştirmen William S. Pechter şunları kaydetti: "Don Corleone rolünü oynayan Brando, benzeri görülmemiş bir makyaj ustalığıyla grubun geri kalanından sıyrılıyor, ancak ekrandaki varlığı bile bu kadar yayacak başka bir aktörün adını vermek zor. içsel güç ve bu güç sayesinde Don Corleone'yi alışılmadık derecede sakin bir şekilde oynayabilen, aynı zamanda kendi gücünün yaratıcısı ve her şeye gücü yeten kişinin kendisi olduğuna inanmaya zorlayan. Ve Brando, Don Corleone öldüğünde gücünü gizli tutsa da, ekrandan yokluğu, en azından bu özel tür gücü serbest bırakma potansiyelinin kaybı gibi geliyor.

Coppola, aile imparatorluğunun varisi Michael Corleone rolü için tiyatro oyuncusu Al Pacino'yu davet etti (ancak ondan önce beş ekran testinden geçmesi gerekiyordu!). Jack Nicholson'ı terfi ettiren Paramount Pictures patronları, "Çirkin ve gösterişsiz" dedi. Warren Beatty, Dustin Hoffman, Robert Redford, Alain Delon, Martin Sheen, Burt Reynolds gibi isimler de anıldı...

Ancak Coppola, Pacino'yu savundu.

Carmine Caridi, Sonny rolü için düşünüldü. Ancak Al Pacino ile eşleştirilen James Caan daha iyi görünüyordu (filme göre kardeşlerdi). Karidi, The Godfather'ın ikinci bölümünde küçük bir rol oynayacak.

Diğer sanatçılar da büyük beğeni topladı: Richard Castellano, Robert Duvall, Al Lettieri, Abe Vigoda, Gianni Russo, Al Martino ve Morgana King. Coppola, karakterlerinin İtalyan köklerini gizlemedi (oyuncuların isimlerinden de anlaşılacağı gibi), aksine, ulusal özelliklerini ön plana çıkararak, dar bir ortamın ve türün sınırlarını aşmayı başardı.

The Godfather'ın çekimlerinden önce çalkantılı olaylar yaşandı. New York mafyası filmin yapımına karşı çıktı. Olay sadece telefon görüşmeleri ve tehdit mektuplarıyla sınırlı kalmamış, filmin yapımcılarından birinin arabasına ateş açılmış ve şans eseri hayatta kalmış. Sonunda, şirket yönetimi, aslında kasetin kahramanlarının prototipi olanların, mafyadan herhangi bir şekilde bahsetmemesi taleplerini kabul etmek zorunda kaldı. Geriye yalnızca tarafsız "aile" ve "sendika" kaldı.

The Godfather, 29 Mart - 6 Ağustos 1971 tarihleri arasında, özellikle New York'ta, Las Vegas, Sicilya ve Hollywood gezileriyle çekildi.

Filmdeki olaylar 1945'in sonundan 1955'e kadar geçiyor. Paramount patronları, bütçeyi kısmak için aksiyonu günümüze taşımak ve kendilerini Hollywood stüdyolarıyla sınırlamak istediler. Ancak Coppola ve sanatçı Dean Tavoularis, New York'a bir film gezisi ayarlamakta ısrar etti. Bu şehirde ana çekim gerçekleşti (yüzden fazla nesne dahil edildi).

En zor sahnelerden biri, Sonny'nin Connie'nin kocasını acımasızca dövdüğü sahneydi. 700'den fazla figüran kullandı. Çekimler dört gün boyunca devam etti.

"İlk başta," diyor Coppola, "Marlon Brando'nun kaprisli bir titan olduğunu düşündüm. Ama çok basit, doğrudan bir insan olduğu ortaya çıktı. Brando, insanlarla kolayca yakınlaştı. Teklifi sette reddedildiğinde, Marlon bunu öfke nöbetleri olmadan sakince karşıladı.

Brando harika bir doğaçlamacıdır. Sahneyi nasıl yeneceğini, bir ruh hali yaratacağını biliyordu. Filmin başında, Don Corleone kucağında bir kediyle bir sandalyede oturuyor ve yumuşak, sevecen bir sesle konuşuyor. Kedi senaryoya dahil edilmedi. Oyuncu sette başıboş bir hayvan aldı.

Brando'nun bir dezavantajı vardı: rolün metnini iyi hatırlamıyordu, bu yüzden özel plakalara satırlar yazmak zorunda kaldı. Aktörün ölümünden sonra, notlarıyla birlikte senaryo Temmuz 2005'te bir müzayedede 312.800$'a satıldı!

Ancak Al Pacino sette kendini hemen evinde hissetmedi: “Benimle aynı fikirde olmalarını sağlamak için başkalarını kazanmak zorundaydım. Bir bağlantı ağını nasıl öreceğimi hiç öğrenmedim ve onlarla yaşamak daha kolay. Çekim, Al Pacino'nun sadece yetenekli değil, aynı zamanda son derece amaçlı, iş takıntılı ve sinema babası Brando'ya oldukça layık olduğunu gösterdi. Kilit sahnelerde, doğal kısıtlamasının yerini birdenbire, rolün imajına netlik ve öngörülemezlik veren fırtınalı mizaç patlamaları aldı.

Coppola, kendisini "atmosfer" denen şeyi yaratabilen bir usta olarak gösterdi. Bu sadece The Godfather'ın kırklı yılların sonlarında New York'un sokak hayatını yeniden yaratırken gösterdiği özenle değil. Daha az özgün olmayan film, bir evin, ailenin hayatını gösteriyor. Ve hayat sadece ortalama bir Amerikan ailesi değil, Sicilya'dan gelen bir göçmen ailesidir.

Godfather, En İyi Film, Senaryo ve En İyi Erkek Oyuncu dallarında üç Akademi Ödülü kazandı. Ancak Brando, ABD'nin Kızılderililere yönelik ayrımcılık politikasını protesto etmek için ödülü reddetti. Coppola, oyuncunun eylemi hakkında yorum yaptı: "Marlon, inandığı her şeyde samimi ve dürüst."

The Godfather, sinema tarihinin en çok hasılat yapan filmlerinden biri oldu (25 yılda 245 milyon dolar hasılat elde etti!). The Godfather'ın yankılanan başarısından sonra, Paramount Pictures'ın patronları mafya destanının devamını filme alma arzusu duydular.

Francis Ford Coppola, “İlk The Godfather'ı edebi bir kaynağa bağlı bir yönetmen olarak çektim” diyor ve ekliyor: “Gangsterler ve onların profesyonel ^faaliyetlerisadece en üst seviye. Benim için çok katmanlı bir araştırmanın konusu, bir fikir olarak, bir metafor olarak mafyanın yanı sıra, hükümette, iş dünyasında nasıl işlediğiydi. Açıkçası, karakterlerin bir miktar romantikleştirilmesi filme kitaptan geldi. Bu yüzden , bu insanları romantizmden arındırmak için The Godfather ^44'ündevamını koymaya karar verdim . Burada tatlı bir genç adam imajı yerine zalim bir katil belirir. Ve bu, gerçeğe daha uygun."

Paramount Pictures, Coppola'ya milyon dolarlık bir ücret, karın yüzde 13'ü ve tam bir yaratıcı özgürlük teklif etti. Bunun yerine “The Godfather” filminin çekilmesi gerekiyordu. Bölüm II" mümkün olan en kısa sürede. Coppola'nın senaryoyu yazmak ve prodüksiyona sokmak için sadece üç ayı vardı.

İkinci bölüm, Michael Corleone'nin mafya klanındaki gücün dizginlerini nasıl devraldığını ve ayrıca Vito Corleone'nin tarihini göstermekti.

Aksiyon Sicilya'da, mafyanın küçük Vito Andolini'nin babasını öldürmesiyle başlar. Gelecekteki Don Corleone, fakir bir göçmenin hayatını zora soktuğu New York'a gider. Ancak yavaş yavaş, adım adım mafya klanındaki gücün doruklarına yükselir, eve gitmeyi ve babasının katillerine ödeme yapmayı başarır.

Genç Vito Corleone rolü, Mean Streets filmiyle hatırlanan Robert De Niro tarafından davet edildi. Oyuncu bir keresinde The Godfather'ın ilk bölümündeki rollerden birini üstlendi. Coppola, Robert De Niro ve Marlon Brando arasındaki benzerliğe hayran kaldı.

Çekimler 1 Ekim 1973'te başladı. Coppola ve grup Lake Tahoe sahnelerini çekerken, De Niro hızlandırılmış İtalyanca kursu aldı. Oyuncu, bir kayıt cihazı alarak tablonun danışmanı Romano Pianti'nin akrabalarını ziyaret etmek için Palermo'ya gitti. Bir buçuk ay sonra, De Niro yerel lehçede ustalaştı ve gerçek bir Sicilyalı gibi konuştu. Filmdeki diyaloglarının çoğu İtalyanca olarak kaydedilmiştir. De Niro, Küçük İtalya'da çekime başladı ve sonunda Sicilya'da kaldı.

Genç Vito Corleone rolündeki De Niro, ilk bölümün kahramanları tarafından dile getirilen anılar için bir "temel" oluşturuyor gibi görünüyor. Bruno Kerby'ye mafya patronlarından biriyle yaptığı müzakerelerdeki taktiklerini anlatan Vito, "Ona reddedemeyeceği bir teklif yapacağım" sözünü söyler.

Çekimler 19 Haziran 1974'te sona erdi.

Paramount Pictures'ın şefinin The Godfather'dan hiç şüphesi yoktu. Bölüm II" büyük bir başarıdır. Bir devam filminin ilk seriden çok daha aşağı olmadığı ender durumlardan biriydi.

Time dergisinin bir köşe yazarı, "The Godfather 2'nin ana tonu, öncekinden keskin bir şekilde farklı" dedi. “Kaynak malzemenin melodramını aşmak ve gerçek bir trajediye ulaşmak için (tamamen gerçekleştirilmemiş) bir tasarımın ölçülü sadeliğiyle çok daha soğuk bir film. Filmin temel acımasız ironisi, Michael'ın aile üyelerinin mutluluğunu ve hatta hayatlarını feda etmek zorunda kalmasıdır. Sonunda, bir zamanlar değer verdiği her şeyden sıyrılır ve yalnızca en önemli olduğunu düşündüğü şeyi elinde tutar: inkar edilemez, sorgulanamaz güç.

Film on Oscar'a aday gösterildi ve en iyi altı Akademi Ödülünü kazandı (En İyi Film, En İyi Yönetmen ve Uyarlama Senaryo dahil).

Robert De Niro En İyi Yardımcı Erkek Oyuncu ödülünü aldı. İlk kez, iki oyuncu (1972'de Brando), ekranda aynı kahramanın (Vito Corleone) görüntüsünü somutlaştıran bir Oscar aldı.

1975'in sonunda, sadece Amerika'daki resim neredeyse 30 milyon dolar toplamıştı! Bütçe aşımlarına ve Coppola'nın lehine olan ilgiye rağmen, Paramount büyük bir kâr elde etti.

The Godfather'ın ikinci bölümünün sonunda, Michael Corleone ülkenin en güçlü insanlarından biri olur ama içten içe ölmüştür. Mafya hikayesi için mükemmel bir sondu. Eleştirmenlerin belirttiği gibi, entrikanın güç geriliminin tüm tematik hatları - göçmenlerin destanı, Amerika Birleşik Devletleri'ndeki iş ve girişimcilik tarihi, toplumun sosyopolitik taslağı, aile destanı - zekice bir araya getirildi.

Coppola haklı olarak artık gangsterlik sorunuyla ilgilenmediğini söyleyebilirdi.

Paramount Pictures'ın patronları, Coppola ve Puzo'nun katılımı olmadan The Godfather'ın devam filmi yapmak için birkaç başarısız girişimde bulundu. Ve 1986'da Puzo, ana karakterlerin Sonny Corleone ve gayri meşru oğlu Vincent Mancini olduğu senaryonun başka bir versiyonunu sundu.

The Godfather III'ün yönetmeni olarak Paramount Pictures, Martin Scorsese, Sidney Lumet, Costa Gavras, Alan J. Pakula, Robert Benton, Michael Cimino ve hatta filmin ana yıldızı olacak Sylvester Stallone'u kabul etti.

Ancak 1988'in sonunda Francis Ford Coppola, The Godfather'ın üçüncü bölümünün yapımcılığını yeniden üstlendi. Kendi şirketi mali sıkıntı içindeydi. Paramount Pictures başkanı Frank Mancuso, yönetmene senaryo için 1 milyon dolar, yönetmenlik için 3 milyon dolar ve gelecekteki kazancın yüzde 15'ini teklif etti. Buna, stüdyonun yaratıcı sürece müdahale etmeme garantisi eşlik etti. Film on altı ay sonra beyazperdede olacak.

Senaryo, Coppola ve Mario Puzo'nun bir taşra otelindeki koşuşturmadan saklandıkları dört haftada yazıldı.

Üçüncü bölümde, Michael Corleone saygın bir iş adamı olarak karşımıza çıkıyor. Prestijli bir ulusötesi şirketin yönetim kuruluna girmek için son adımı atması gerekiyordu. Ne yazık ki, mafya klanları Corleone'nin uyuşturucu işine geri dönmesini istiyor.

Eylem, üçlemenin başlamasından neredeyse kırk yıl sonra gerçekleşir. Ve Michael'ın ilk ortaya çıkışı seyirciyi ürpertiyor. Kırışık yüz. Kısa tüylü gri kirpi. Coppola'nın fikri, Michael Corleone'nin Kral Lear'a biraz benzeyen trajik bir figür olduğuydu. Ölümün kaçınılmaz olarak yaklaştığını hissederek gittiği yolu değerlendirir ve günahlardan arınmaya çalışır.

The Godfather'ın üçüncü bölümünün kitabesinde şu sözler yer alıyor: “Tek servet çocuklardır. Gücün veya paranın üzerindedirler.” Corleone'nin üçüncü nesli zaten melek gibi masum: Mary Maria bir hayırsever ve hayırsever, Anthony Antonio, Palermo Operası'nın prömiyeri olan Napoliten bir tenor. Çocuklar tüm aile kutlamalarına ve ritüellerine katılır, babalarını ve teyzelerini onurlandırır, ancak büyüklerinin iradesine uymaya zorlanamazlar.

Coppola, filme Michael Corleone'nin Ölümü adını vermek istedi. Corleone evinin kalıntıları üzerine, sahibi "üç numaralı vaftiz babası" Vincent olacak yeni bir bina inşa edilmeye başlandı bile. Vito'nun gücünü ve kararlılığını miras alan tek kişi o, ailesinde kendini tam ve özgür bir Amerikalı gibi hisseden ilk kişi o.

The Untouchables ve Black Rain filmleriyle tanınan Andy Garcia, Vincent Mancini rolü için şanslı bir bilet çıkardı. Genç Vito Corleone'nin imajını yaratan Robert De Niro'ya çok benziyordu.

Michael Corleone'nin kızı rolünü Winona Ryder oynayacaktı ama son anda vazgeçti. Ondan önce Julia Roberts ve Madonna kabul edildi. Coppola, 18 yaşındaki kızı Sofia'yı Maria rolünü oynaması için ikna etti.

Yönetmen, "Sofya en önemli niteliğe sahipti - samimiydi, gerçekti" dedi. "Al Pacino gibi görünmeliydin!" Örnekleri gördüyseniz, Sophia'nın kızları gibi göründüğünden emin olabilirsiniz.

Doğru, Sofia sette çok gözyaşı döktü. Ancak, meseleyi sona erdirecek iradeye sahipti. Film eleştirmenleri, profesyonel olmayan bir aktrisin performansından duydukları hayal kırıklığını gizlemediler. Coppola, çocuğunu korumak için elinden geleni yaptı.

Daha sonra ünlü bir yönetmen olan Sofia Coppola, kendisini hiçbir zaman bir aktris gibi hissetmediğini itiraf etti ve The Godfather'da sadece babası için rol aldı.

The Godfather'ın üçüncü bölümü bazen Coppola klanının filmi olarak adlandırılır. Nitekim dizinin önceki bölümlerinde olduğu gibi kardeşi olan aktris Thalia Shire, Michael Corleone'nin kız kardeşini canlandırmıştı. Yönetmenin annesi bir kamera hücresi rolünde rol aldı ve babası destanın ikinci ve üçüncü bölümlerinin müziklerini besteledi. Orkestrayı Francis Ford'un amcası yönetti.

Üç bölümde de Al Pacino, Diane Keaton, Thalia Shire ve Richard Bright rol aldı. Bu oyunculara Sofia Coppola da eklenebilir. İlk bölümde vaftiz sırasında bir bebek, ikinci bölümde genç Vito Corleone'nin yanındaki figüranlarda küçük bir kız ve üçüncü bölümde Michael'ın kızı Maria Corleone.

The Godfather'ın prömiyeri. Bölüm III”, 20 Aralık 1990'da Beverly Hills'de gerçekleşti. 54 milyon dolara mal olan film, seyirciler arasında başarılı oldu, ancak tüm hesaplara göre yine de öncekilerden daha düşüktü. Film akademisyenleri onu yedi Oscar adaylığı ile onurlandırdı. Dünya çapında kiralama ücretleri 140 milyon doları buldu.

Entertainment Weekly tarafından yayınlanan bir ankete göre The Godfather'ın ilk bölümü sinema tarihinin en iyi filmi olarak kabul edildi (ikinci bölüm yedinci sırada yer aldı). Amerikan Film Enstitüsü, The Godfather'ı tüm zamanların en iyi filmleri listesinde üçüncü sıraya yerleştirdi. "Ona reddedemeyeceği bir teklif yapacağım" ifadesi de not edildi - "sinema tarihindeki en iyi 100 cümle" listesinde ikinci sırada yer aldı.

2002 yılında yetkili dergi "Site and Sound", dünyanın eleştirmenleri ve yönetmenleri arasında başka bir anket yaptı. The Godfather (Bölüm I ve II), Orson Welles'in Citizen Kane'in ardından ikinci oldu.

"KABARE"

(kabare)

Yapım: Allied Artiste, ABC Pictures, ABD, 1972. Senaryo J. Masteroff, J. Van Druten, J. Allen, C. Isherwood'un hikayelerinden uyarlanmıştır. Yönetmen B. Foss. Operatör J. Unsworth. Besteciler J. Kender, R. Barnes. Sanatçı R. Zehetbauer. Oyuncular: L. Minelli, J. Gray, M. York, X. Grim, M. Berenson, F. Wepper ve diğerleri.

Bob Fosse'nin eseri, 20. yüzyılın son üçte birinin en parlak sanat olgusudur ve Cabaret (1972) adlı filmi, yalnızca müzik türünde değil, genel olarak dünya sinema tarihinin en seçkin filmlerinden biridir.

Foss, film yönetmenliğine geçmeden önce Broadway'de dansçı ve koreograf olarak çalıştı. Federico Fellini'nin İtalyan filmi "Nights of Cabiria" temelinde yarattığı müzikali şüphesiz bir başarıydı. Ardından Foss bu müzikali beyazperdeye taşıdı. Ancak film gişede başarısız oldu ve maliyetini karşılamadı.

Bob Fosse, resimlerini bir kamerayla yaratan başarısız bir ressam olduğunu söyledi. Sinemanın olanaklarının sonsuz olduğuna ve herhangi bir sınır varsa, o zaman sadece yönetmenin kafasında olduğuna inanıyordu. Foss'un kendisi, tür için yeni olanaklar açabilen ve engellerini yıkabilen bir yenilikçiydi. Bunu, hafif tür hakkında her zaman şüpheci olan izleyicileri bile büyüleyen müzikal Cabaret (1972) ile ikna edici bir şekilde kanıtladı.

Broadway müzikali Cabaret'in yönetmeni, ünlü tiyatro yönetmeni ve yapımcısı Harold Prince'di.

Film müzikalinin senaryosu Jay Allen tarafından Hugh Wheeler ile birlikte yazılmıştır.

Faşist darbenin arifesinde Berlin, faşist terör... ve tüm bunlar bir müzikal biçiminde mi? Pek çok çağdaşı için, böyle bir girişim şüpheli olmaktan da öte görünmüş olmalı. Ancak "Kabare", müzikal için tematik olarak herhangi bir kısıtlama olmadığını açıkça gösterdi.

Eylem, 1930'ların başında Berlin'de gerçekleşir. Burada genç bir İngiliz Almancı Brian Roberts (Michael York) ve "Kit-Kat" adlı bir kabare sanatçısı olan Sally Bowles (Liza Minnelli) tesadüfen tanıştı. Sally ünlü şarkısını “Hayat bir kabaredir” diyor. Tanışma hızla aşka dönüşür, ancak bu uzun sürmez. Ufukta, Sally'ye aşık olan Brian gibi genç bir Alman aristokrat olan heybetli, karşı konulamaz Baron Maximillian (Helmut Grim) belirir.

Burada önemi artan şarkılar ve danslar oldukça gerçekçi karakterlere hakimdir: genç Isherwood'u (Michael York) anımsatan bir yazar, güzel ve varlıklı bir Yahudi kadın (Marise Berenson), beş parasız hayranı (Fritz Wepper)...

Bu müzikalin film uyarlaması fikri, filmin yapımı için ABC televizyon şirketini çeken yapımcı Cy Fire'a ait. Patronları, başrollerde seçkin oyuncuları görmek istedi. Ancak yapımcının ısrarı üzerine yükselen sinema yıldızları Liza Minnelli ve Michael York davet aldı.

Liza Minnelli, Broadway'de Cabaret müzikalindeki Sally rolü için 14 kez seçmelere katıldı! Yine de rol Jill Hayworths'a verildi. Lisa pes etmedi ve gece kulübü performanslarına "Cabaret" şarkısını dahil etti. Ve şimdi, beş yıl sonra, aktrisin biyografisinde belki de en önemlisi olan bu rolü sinemada oynaması için bir davet aldı ...

29 yaşındaki İngiliz Michael York, Londra'daki tiyatro sahnelerinde başarılı bir performans sergiledi. İlk önemli film rolü, Joseph Losey'nin The Accident (1967) filminde genç bir aristokrat rolüydü ve ardından açık, saf gülümsemesinin yardımıyla kendisini genç, asil bir ahmak olarak kurdu. Aynı zamanda İtalyan yönetmen Franco Zeffirelli'nin "The Shrew of the Shrew" ve "Romeo and Juliet" filmlerinde oynadı.

Ateş, yönetmen mücadelesinde sertlik gösterdi. "Cute Charity" müzikalinin ticari başarısızlığından sonra, "Universle" stüdyosu aslında Bob Foss ile ilişkilerini kopardı. Fire sayesinde bir şansı daha oldu.

Voss bir zamanlar faşizmden kaçarak Almanya'dan göç etti. Açıktır ki, Hitler'in iktidara geldiği yıllar onun hafızasından silinmemiştir.

Bob Foss, müzikal deneyimleri Hollywood'da değil, Amerikan sahnesinde olan bir grup işbirlikçiyi etrafında topladı. Ne müzikalin sahne versiyonunun librettosunu yazan Joe Masteroff, ne besteci John Kender, ne de söz yazarı Fred Ebb daha önce sinemaseverler tarafından bilinmiyordu.

Foss, sahneden gelen birçok şarkıyı yenileriyle değiştirdi (müzik John Kender'e, sözler Fred Ebb'e ait).

Foss sadece kabare sahnesinde dans eder ve şarkı söyler. Sadece bir kez mutlu Sally Bowles (Liza Minnelli) şarkı söylemeye başladığında bu ilke ihlal edilir. "Belki Bu Zaman" şarkısı Sally'nin odasında başlar ve kabarede devam eder.

“Sahne prodüksiyonundan bazı şarkıları çıkararak Broadway şovunu büyük ölçüde değiştirdim; ortak yazarlarım benimle aynı fikirde, ”dedi Foss. Broadway hikayesi, müzikli bir tür komedi-dramdı. Tarzın saflığını elde etmek ve bir müzikal yapmanın alışılagelmiş "oynatarak filme" tarzından kaçınmak istedim. Yani, bir film müzikalinde tiyatroyu kopyalamaktan kaçınmak için.”

Joel Gray (gerçek adı Katz), bir Broadway prodüksiyonunda şovmen rolüyle ABD'nin en yüksek tiyatro ödülü olan Tony Ödülü'nü aldı. Bob Fosse filmindeki rolüyle zekice başa çıktı. Dumanlı bir kabare salonunda küçük bir şovmen hem yönetici hem de kukladır. Yanaklarındaki kırmızı kupalar, sarımsı dişler ve kaygan, kıvırcık saçlarla, seyirciyi fark edilmeden ele geçiriyor.

Resimdeki tüm dans numaraları (genellikle şarkıya eşlik ederler) muhteşemdir; Liza Minnelli ve Joel Gray'in seslendirdiği “Money” ve Gray'in pembe tül giymiş sessiz bir gorille birlikte canlandırdığı romantik foxtrot “If You See Her” öne çıkıyor.

Foss ve Minnelli, Kabare'de deli gibi çalıştılar. Ve uzun yıllar yönetmenin ölümüne kadar güçlü bir dostlukları vardı. Lisa'ya çok şey verdi ama ne yazık ki onu uyuşturucunun "sevinçlerine" alıştıran oydu.

Makyajla her şey yolunda gitmedi. Eleştirmenler daha sonra, Michael York'un gençliğin tazeliğini vurgulaması gereken kremsi teninin, baronun kremsi teniyle aynı gölgeye sahip olduğunu kaydetti: görünüşe göre makyaj aynı kaptan alınmış. (Ama York'un bir sokak çatışmasından sonraki makyajı oldukça başarılı.) Ama bunların hepsi önemsiz şeyler.

Ekranda aslında Almanca ne var? Kabare salonundaki seyirci, ülkedeki siyasi değişimlerle birlikte değişiyor. Sokaktan bir parça, Brian, iki fırtına askeriyle körü körüne nefretle boğuşuyor.

Doğada icra edilen tek melodi, duygusal yoğunluğuyla çarpıcı olan "Yarın Bana Ait" sayısında geliyor.

Kasabalıların Bavyera birasını yudumlarken, sarışın bir çocuğun eski bir halk şarkısını söylediğini duyguyla dinledikleri bir köy barında, ancak performansında "Yarın bana ait" şarkısı faşist bir marşa dönüşüyor. Bir melek fanatizmi kasabalılara ve onların iyi beslenmiş eşlerine yönelir. Sandalyelerinden fırlıyorlar, ellerini bir Nazi selamı gibi havaya kaldırıyorlar ve coşkuyla son mısrayı alıyorlar. Bu manzara karşısında dehşete düşen Sally ve arkadaşları partiden ayrılır...

Liza Minnelli, Cabaret müzikali yayınlandığında 26 yaşındaydı. Prömiyer 13 Şubat 1972'de New York'ta gerçekleşti. Liza Minnelli'nin yüzü tüm dünya tarafından tanındı. Filmin sonunda Michael York'a yaptığı delici bakışı ve parmaklarıyla yaptığı meşhur veda hareketini unutmak mümkün değil. Kırık ama ayık zihnini, çekiciliğini ve canlılığını koruyan - Sally Bowles ekrandan böyle ayrıldı. "Kabare"den sonra Lisa'nın adı efsane oldu.

Hevesli eleştirmenlerin belirttiği gibi, "Liza Minelli'nin şarkıları, dansları, esnekliği, doğallığı hiçbir şeyle karşılaştırılamaz ve tarif edilmesi imkansızdır - onun ne tür bir" Tanrı vergisi "aktris olduğunu görmelisiniz."

Sally Bowles rolü için Lisa Oscar aldı. Foss müzikali toplamda sekiz Akademi Ödülü kazandı (yönetmen, kameraman, sanatçı, oyuncu, yardımcı oyuncu - Gray, kurgu, müzik, ses). ABD'de film 42.765.000 $ hasılat yaptı.

"Kabare" filmi ayrıca İngiliz Film ve Televizyon Akademisi'nden en iyi film ve yönetmen dalları da dahil olmak üzere yedi büyük ödül ve üç Altın Küre aldı. İtalyanlar David di Donatello ödülünü Bob Fosse ve Liza Minnelli'ye verdi.

2003 yılında Smithsonian Enstitüsü, Kabare'yi gelecek nesiller için korunacak sekiz filmden biri olarak seçti.

"PARİS'TE SON TANGO"

(Ultimo tango ve Parigi)

Yapım: Fransa-İtalya, 1972 Senaristler

B. Bertolucci, F. Arcami, A. Varda. Yönetmen B. Bertolucci. Kameraman V. Storaro. Besteci G. Barbieri. Sanatçı F. Scarfiotti. Oyuncular: M. Brando, M. Schneider, J.-P. Leo, M. Girotti, M. Michi, G. Galletti, G. Magrini, C. Allegre, L. Marcan ve diğerleri.

Bertolucci'ye göre Paris'te Son Tango fikri, "hayallerindeki kızla sokakta tanışmak ve onunla adını bile bilmeden seks yapmak" adlı cinsel fantezisinden doğdu.

Bertolucci konuğu yönetmen Andrei Mikhalkov-Konchalovsky'ye alışılmadık fikirden bahsetti. Bernardo, "Şu anda senaryoyu yazıyorum," dedi. Bu benim en iyi senaryom olacak! İnanılmaz bir şey! Bu seksle ilgili. Biliyor musun, bence seks cinayettir. Duygusal ilişkilerde şüphesiz bir yıkım anı vardır.

Mikhalkov-Konchalovsky'nin daha sonra belirttiği gibi, "Paris'teki Son Tango" da seks gerçekten bir kadının bir erkek tarafından öldürülmesinin bir biçimi olarak gösteriliyor. Ama adamın kendisi de aynı şeyle kendini öldürür. Seks ve ölüm birbirine bağlı, birbirine bağlı şeylerdir.

Bertolucci'nin tablosu klasik trajedi türüne atfedilebilir. Bu, Paris'te küçük bir otelin sahibi olan karısının ve rastgele tanıdığı genç bir Fransız kadın olan Jeanne'nin intiharının yasını tutan 45 yaşındaki Amerikalı Paul'ün hikayesidir. Kahramanın, işe takıntılı bir film yönetmeni olan nişanlısı var. Hayatta hayal kırıklığına uğrayan Paul, insanlara olan güvenini kaybetmiştir, ancak Zhanna onu vahşi cinsel oyunlar lehine inzivasından vazgeçmeye zorlar. Genç bir burjuva için olgun bir erkekle ilişki sadece bir ilişkiydi. Cinsel ilişkileri, iyi bilinen "kız-baba" modeline göre gelişir. Bu nedenle Jeanne, ondan aşağılanmayı kolayca kabul eder ve küçük bir kız çocuğu gibi banyoda yıkanmasına izin verir. Son bölümlerin birinde ölen babasının asker şapkasını sevgilisine takıyor.

Riskli ve ürkütücü bir ilişkinin kurallarını kabul eden Jeanne, kısa sürede bu garip bağı koparır. Finalde Paul'ü öldürdükten sonra çılgınca polise "Adını bilmiyordum, beni taciz etti, bana tecavüz etmek istedi" dedi.

Filmin başarısı büyük ölçüde oyuncuların kesin seçimiyle belirlendi. Bertolucci'nin The Conformist (1970) filminde rol alan Jean-Louis Trintignant, Paul rolünü oynaması için davet edildi. Trintignat, daha sonra içtenlikle pişman olduğu bazı sahnelerin çirkinliğinden utanarak, o zamanki kararının sanatsal kariyerinin ana hatası olduğunu düşünerek teklifi geri çevirdi. Sonuç olarak rol, onu inanılmaz bir trajedi ve plastik mükemmellikle oynayan Marlon Brando'ya gitti.

Brando'nun ortağı Dominic Sanda olabilir. Oyuncu, "Son Tango ..." filmindeki Jeanne rolünün kendisi için yazıldığını iddia etti. Ancak film kariyerine geçici olarak ara vermeye ve bir çocuk doğurmaya karar verdi. Bernardo, Dominique'e çok kızmıştı.

Rol için bir başka yarışmacı, ünlü Alman aktris Romy Schneider olarak kabul edildi. Ancak o da reddetti. Romy daha sonra Bertolucci'nin ondan çok tuhaf bir şekilde intikam aldığını söyledi: Rol için onun adaşını aldı, bu yüzden "Son Tango ..." da Schneider hala oynadı, ama Romy değil, Maria.

Maria Schneider, orta sınıf bir ailede doğdu. Annesi kütüphaneci olarak çalıştı. Ünlü oyuncu Daniel Gelin'in gayri meşru kızı olan Maria, babasını hayatının ilk on altı yılında sadece bir kez görmüştür.

1968'de Schneider evden ayrıldı. Sette kızı kanatları altına alan Brigitte Bardot ile tanıştı. Maria, bir Fransız yıldızın evinde iki yıl yaşadı. Anı kitabında Bardo şöyle yazar: “Annesinin yaşındaydım ve ona kızı gibi davrandım. Akraba bir ruh hissettik ve birbirimize çok bağlandık. Maria, hem kadınlarla hem de erkeklerle yaşayan, partnerinin cinsiyetine fazla önem vermeyen bir sürtük olarak ün kazandığından, bu vesileyle kötü diller rafine edildi! Bu konuşmalara nasıl güldük!

Maria bir kez şöyle dedi: "Filmlerde oynarsam, o zaman iki yıl içinde yıldız olacağım." Ve birkaç ay sonra Paris'te Son Tango'da başrolü oynadı.

Yetmişli yılların başı, siyaset, sinema, caz, rock and roll, seks, felsefe, uyuşturucuların tek bir potada mayalandığı büyülü bir dönemdi ... “Bütün bunları açgözlülükle emdim, aşırı doz durumu sürekli ve tipikti. ”diyor Bertolucci.

Bertolucci alışılmadık bir şekilde çekime hazırlandı. Kameraman Vittorio Storaro'yu İrlandalı modernist Francis Bacon'ın Grand Palais'deki sergisine götürdü: “Senaryo üzerinde çalışırken bana ilham veren resimleri ona gösterdim. Filmde turuncu alt tonların hakim olduğunu muhtemelen fark etmişsinizdir. Bu, Bacon'ın doğrudan bir etkisidir." Ardından yönetmen Marlon Brando'yu da aynı sergiye davet etti.

Film, Ocak-Mart 1972 arasında çekildi. "Son Tango ..." da aksiyon, karakterlerin neredeyse hiç ayrılmadığı bir Paris apartman dairesinde gerçekleşir.

Bildiğiniz gibi Brando, New York'taki ünlü Lee Strasberg oyunculuk okulundan mezun oldu. Bertolucci'ye göre, bu okulun bir öğrencisinin maskesini Marlon'dan koparmak için çok çalışmak zorunda kaldı: “Ve oyun kurallarımı kabul etti, ardından benimle yirmi yıl konuşmadı. Film çıktığında kendini tamamen çıplak hissetti, bu hiç hoşuna gitmedi. Ama bugün yine Marlon'dan bahsediyorlar. O harika".

Çekimler sırasında Bertolucci, Brando'ya imajının özünü açıklamaya çalıştı. Paul deneyimli bir adamdır ve Jeanne onun hayallerinin kızıdır. Marlon daha sonra bu açıklamalardan hiçbir şey anlamadığını belirtti. Yönetmen doğaçlama yapmasına izin verdi, diyaloglar sette bestelendi ve Marlon tamamen özgürleşti.

Soruya: "Bu film ne hakkında?" Brando cevap verdi: "Bilmiyorum - yaşam ve ıstırap hakkında." Bertolucci, Paul'ü "ölmekte olan bir fil" olarak adlandırdı. Filmin en başında kahraman köprüden geçen metroya bakar ve "Lanet olsun!" Ve hemen mahkum edildiği hissi var ...

"Son Tango ..." da oyuncular, belirli koşullarda yaşadıkları kadar birbirlerini çılgına çevirerek oynamıyorlar. Çekimlerden sonra Brando tamamen tükenmişti. Bir keresinde şunu itiraf etmişti: "Bernardo, Maria'yla benim gerçek seks yapmamızı istiyordu." Schneider, "Son Tango ..." filminin çekilmesinden sonra tam olarak iyileşmedi.

Büyük Fransız yönetmen François Truffaut'nun en sevdiği aktör ve ikinci kişiliği Jean-Pierre Leo, Jeanne'ye aşık olan film takıntılı bir genç adam imajını yarattı. Yeni Dalga bir zamanlar genç Bertolucci'ye ilham kaynağı olmuştu ve şimdi, şeytani dillerin iddia ettiği gibi, Leo'yu yalnızca Truffaut'nun bir parodisini yapmak ve Yeni Dalga'ya sonsuza kadar son vermek amacıyla filmine davet etti.

Besteci Astor Piazzolla, film için Arjantin tangosu yazması için görevlendirildi, ancak Bertolucci, saksafon melodisinin filmin havasına daha uygun olduğunu düşünerek caz doğaçlamacısı Gato Barbieri'nin müziğini tercih etti.

"Paris'te Son Tango" 14 Ekim 1972'de New York Uluslararası Film Festivali'nde gösterildi.

Amerika Birleşik Devletleri'nde filmin dağıtımı United Artists tarafından yapıldı. Bir takım müstehcen sahneler nedeniyle filmin tekrarı yapılacaktı ama sonra daha kolay bir çıkış yolu buldular: “Paris'teki Son Tango”ya “X” kategorisini verdiler. On yıl sonra, resim "R" kategorisiyle yeniden yayınlandı. Bunu yapmak için bir dakikalık ekran süresinden fedakarlık etmem gerekti.

15 Aralık 1972'de "Paris'te Son Tango" filmi İtalya ve Fransa ekranlarında gösterime girdi ve neredeyse anında etrafında ciddi bir skandal patlak verdi.

İtalya'da resim yasaklılar kategorisine girdi. Bertolucci, Brando, Schneider ve yapımcı Alberto Grimaldi, Bologna mahkemesi tarafından "pornografi dağıtmakla" suçlandı. Bertolucci öfkeliydi: “Kendimi hapse attım, iki ay olağan şüphelilerle bir hücrede kaldım. Mesleğim beni bir suçlu yaptı…”

Film dünyasında, ekrandaki pornografinin ne olduğu üzerine tartışmalar kaynadı. Amerikalı eleştirmenlerden biri, "Tango" nun bu anlamda dünya sinemasını başlangıcından bu yana ulaşmak istediği hedefe, yani gerçek hayatı en iyi şekilde yansıtma hedefine yaklaştırdığını belirtti. Fransız meslektaşı, Bertolucci'nin filminin ancak sevmenin tek yolunu bilenleri şok edebileceğini ekledi. İsveçli yönetmen Ingmar Bergman, filmin ancak yazarlarının iki eşcinselin ilişkisinden bahsetmesi halinde kazanacağını kaydetti.

Maria Schneider en zor zamanlar geçirdi. 50 yaşındaki Brando çekimlerden sonra tecavüze uğramış hissettiğini itiraf ettiyse, o zaman 20 yaşındaki Schneider'in nasıl hissettiğini tahmin edebilirsiniz. Geçmesine izin verilmedi. Sürekli olarak kendisine yöneltilen alayları duydu. Schneider, "Paris'te Son Tango" filminin bir yandan onu yücelttiğine, diğer yandan oyunculuk kariyerini mahvettiğine inanıyor.

Açık erotik sahneler içeren bir resmin yayınlanmasıyla ilgili 1972'nin skandal hikayesi, birçok kişinin eserin derin özünü anlamasını engelledi. Bazılarına göre Bertolucci'nin filmi neredeyse pornografi ve ahlaksızlık propagandası gibi görünse de aslında insanın yalnızlığı hakkındaydı. Bertolucci yıllar sonra bu tartışmaları şöyle özetledi: “Orada her şey çok basit. Bir erkek ve bir kadın tesadüfen tanışır, birbirlerinden hoşlanırlar, sevişirler ve tıpkı ilk seferki gibi tekrar tekrar görüşmeye karar verirler. Birbirimizin adını bilmemek - birbirimiz hakkında hiçbir şey bilmemek - çok romantik bir fikir. Ama o zaman işe yaramadı ve bugün de işe yaramayacak. Bu sadece bir ilişki girişimiydi."

1974'te film, Amerikan Film Akademisi'nden yönetmenlik ve ana erkek rolü için iki Akademi Ödülü adaylığı aldı. İtalyanlar, Maria Schneider'e "David di Donatello" özel ödülü verdi.

Filmin bütçesi sadece 1,25 milyon dolardı. Eylül 1980 için dünya çapında brüt 96 milyon doları aştı. Bir Avrupa filmi için bu miktar nadirdir.

Film uzmanları, Bertolucci'nin filminin dünya sineması üzerinde gözle görülür bir etkiye sahip olduğunu, onu taklit ettiklerini, onunla yaratıcı bir şekilde tartıştıklarını, ancak hem tematik hem de sinematik, üslup ve biçimsel başarılarını ve keşiflerini daha çok özümsediklerini belirtiyorlar.

"GECE GÖREVLİSİ"

(II portiere di notte)

Yapım: İtalya, 1974. Senaryo yazarları L. Cavani, I. Moscati. Yönetmen L. Cavani, Kameraman A Contini. Sanatçılar J.-M. Simon, I. Azzini. Besteci D. Pari. Oyuncular: D. Bogard, S. Rampling, F. Leroy, G. Ferzetti, I. Miranda ve diğerleri.

Ekranın yayınlanmasından hemen sonra "Gece Bekçisi" filmi geniş çapta tanındı ve şiddetli tartışmalara ve son derece tartışmalı değerlendirmelere neden oldu.

Liliana Cavani, filmi için mekan olarak Viyana'yı seçti. Burası Orta Avrupa'nın kalbidir. 1957'de Sovyet birlikleri Viyana'dan yeni çekilmişti ve şehir sanki hiçbir şey olmamış gibi normal hayatını yaşamaya başladı. Turneye çıkan ünlü bir orkestra şefi, Viyana otellerinden birinde durur. Karısı Lucia, otel lobisinde gece bekçisi Max ile göz göze gelir. Karakterlerin tepkisine göre izleyici burada bir tür "sır" olduğunu hemen hissediyor. Max'in bir toplama kampında eski bir gardiyan olduğu ve Lucia'nın eski bir mahkum olduğu ortaya çıktı. Max, kampta sadomazoşist "oyunlar" düzenledi. Lucia'yı metresi yaptığı gibi, aynı zamanda onun celladıydı.

Resmin ikinci kısmı, Max ve Lucie'nin "ölümcül tutkusunun" yeni koşullarda gelişmesine ayrılmıştır. Lucie, kocası Berlin'e giderken Viyana'da kalır ve gece bekçisi ile tanışır. Max, geçmiş suçlarının tüm tanıklarını yok eden gizli bir Nazi örgütünün üyesidir. Komplocular, Lucia'yı öldürmesini talep ediyor. Metresiyle birlikte şehrin varoşlarında, yarı boş büyük bir dairede reddediyor ve saklanıyor. Burada bir toplama kampının atmosferi yeniden canlandırılıyor - cellatın ve kurbanın sürekli yer değiştirdiği bir genelev. Artık Lucia, Max'i kırık camların üzerinde çıplak ayakla yürütebilir ve o da, işe gitmek için otelden ayrılarak onu bir zincirle masanın altına koyar.

Filmin sonunda, SS üniformalı Max ve çizgili cüppeli Lucie sabahın erken saatlerinde ıssız bir sokağa çıkarlar. Bunu Wagner'in müziğine ciddi bir geçiş ve yükselen güneşe doğru köprüye trajik bir "yükseliş" izler. Şu anda, mermiler tarafından geçiliyorlar ...

The Night Porter'ın yönetmeni Liliana Cavani gençti. Savaş onun yanından geçti - ailesiyle birlikte bu yılları Kuzey İtalya'da güvenle yaşadı. Cavani, üniversiteye eski filoloji bölümünden mezun olarak girdi ve onun için savaş daha da geçmişte kaldı.

1965'te Liliana Cavani, televizyonda Direnişteki Kadınlar filmini çekti. Toplama kampından kurtulan iki eski partizanla röportaj yaptı. Aslen Cuneo'lu olan kadınlardan biri Dachau'da üç yıl geçirdi. Milano'dan bir diğeri Auschwitz'den geçti. Bu röportajlar Cavani'ye düşündürecek çok şey verdi. Ardından, İtalya'nın ilk dört saatlik kurgulanmış tarihi olan "Üçüncü Reich Tarihi" filmini yaptı.

The Night Porter'ın senaryosu, Liliana Cavani tarafından gece bekçisi Max'i oynaması amaçlanan Dirk Bogarde'ye gönderildi. Ama cevap alamadı.

Bir süre sonra Dirk Bogarde, televizyonda Fransızca altyazılı bir İtalyan filmi izledi. Sadece tablonun Galileo'ya ithaf edildiğini anlayabildi. Ama hemen bir şeye ikna oldu: Bu hikayenin anlatıcısı büyük bir usta ve adını öğrenmek için sonunu dört gözle beklemeye başladı. Son satır şöyle diyordu: Liliana Cavani.

Bogarde, bir zamanlar kendisine bu adla imzalanmış bir senaryo gönderildiğini hatırladı. Evet, işte burada, bir İncil'den daha kalın, özensiz daktilo edilmiş, Amerikan İngilizcesine kötü çevrilmiş, buruşmuş. Altın çerçeveli harfler soluk ama yine de okuyabilirsiniz: Liliana Cavani'nin yazdığı Gece Bekçisi.

Bogarde kitabında "O akşam senaryoyu yeniden okudum" diye yazıyor. - İlk üçte biri harikaydı, ortası bir tür akıl almaz karmakarışıktı, sonu ise sıradan bir melodramdı. Ancak bu sayfa yığınının ortasında bir yerde, çikolatadaki bir ceviz gibi, dokunaklı ve tamamen alışılmadık bir hikaye pusuda bekleyen kelimelerle kaplıydı. Ve ondan hoşlandım."

Dirk Bogarde, Roma'daki yapımcı Bob Edwards'ı aradı ve Cavani'nin diyaloğu kesmeyi, karakter sayısını azaltmayı ve hikayeyi tek bir hikayeye - iki hikayeye indirmeyi kabul etmesi halinde The Night Porter'da oynayacağını söyledi.

Charlotte Rampling, Lucia olarak rol aldı. Bogarde onunla The Death of the Gods setinde tanıştı, çalışmaları Dirk üzerinde güçlü bir etki bıraktı ve Visconti, aktris isteseydi birinci sınıf bir "yıldız" olacağını belirtti.

Bogarde, Londra'daki Charlotte'a telefon etti. Oyuncu, eski mahkum ile işkencecisi arasındaki ilişkinin tarihi karşısında şok oldu. Evet, Lucie rolünü oynamayı kabul ediyor. Doğru, bir bebeği var ama onunla hiçbir sorun olmayacak.

The Night Porter'ın çekimleri Roma'da 1974'te bir Ocak öğleden sonra Roma'da başladı. Tüm doğal alanlar gibi, Via Huscolona'daki eski tüberküloz sanatoryumu da Cavani tarafından tam olarak seçilmişti: Özlem, hastalık ve umutsuzluk duygularıyla dolu bir ölüm kampı atmosferi barındırıyordu.

Charlotte Rampling, “Çekimlere toplama kampı sahnelerinden başladık” diyor. - Her zaman çıplaktım, bir perukla. Nasıl hayatta kaldığımı bilmiyorum. Sanırım bir noktada otomatik pilot üzerinde çalışmaya başladım. Aksi takdirde, basitçe imkansızdı."

Dirk Bogarde siyah SS üniformasını giydi. Daha sonra izlenimlerini paylaştı: “Boş kışlalar arasında, karanlık koridorlarda, sanatoryumun bulunduğu bakımsız bahçenin ölü çalılarının yanından geçerek, güzelce dikilmiş siyah ve gümüş üniformasıyla, yüksek bir şapkayla yürümek veya daha doğrusu yürümek amblemi ile - ölü kafa, - kaçakçılığa gümüş saplı bir kırbaçla vurarak, rol oynayan bir aktör olmadığımı hissettim. Ben o kişiydim. Korku uyandırmak, güce sahip olmak, emir vermek. Onun içsel mücadeleleri benim kendi ruhumun içeriği haline geldi; ve rolün kendisinin ruhsal güç için daha az yorucu ve yıkıcı olmadığı ortaya çıksa da, onun içinde reenkarne olmak benim için fakir Aschenbach olmaktan çok daha kolaydı.

Üniformanın, incelik, sarkıklık, yaş ve solma izlenimine göre seçilen oyuncular birliği üyeleri tarafından makul bir ücret karşılığında oynanan "kamp" sakinleri üzerinde özel bir etkisi oldu. Bogarde yanından geçtiğinde bir yere saklanmak için acele ediyorlardı. SS üniforması, kendisine verilen rolle mükemmel bir şekilde başa çıktı: korkuya ilham vermek.

Cavani'ye çekimler sırasında sık sık politik bir film olup olmayacağı sorulmuştu. Cevap verdi:

“Hayır, Gece Bekçisi bilindik anlamda politik bir film değil. İçinde ne ünlü tarihi şahsiyetlere ne de gerçek tarihi olaylara değinmiyorum. Varoluş koşullarından, Nazizm'den bahsediyorum.

Bogard ve Rampling aklımdan geçeni yaptılar. Bunlar, psikofiziksel özleri politik bir film için en az uygun olan oyunculardır. Ancak bunlar, tüm tipik kahramanlar gibi, şu veya bu fikrin savunucuları olan trajik kahramanlardır. Filmde bu fikir kişinin içindedir. Bu derin bir hastalıktır ve semptomları sadece yeraltından gelen bir kişide bulunur.

Eski bir sanatoryumda iki hafta çekim yaptıktan sonra, Cavani'nin yaratıcı ekibi geçici olarak Chinechitta stüdyosuna taşındı ve ardından tekrar sert ve acımasız dünyaya geri döndü.

Bu sefer hurdaya ayrılacak boş bir evde çekim yapmak zorunda kaldık. İçinde tek tuvalet vardı, sıcak su yoktu. Soğuk kutup gibiydi, nem her yere nüfuz etti. Bir giyinme odası olarak, Bogarde'ye, sızdıran bir boru nedeniyle duvarların mantar tarafından saldırıya uğradığı devasa bir boş oda sağlandı. Aşırı yoksullukla döşenmişti - bir sandalye, bir masa ve bir elektrikli şömine. Charlotte Rampling bebeğiyle yan odadaydı. Bebeğin olduğu sepet yerdeydi.

Bogarde, "Ama her şeye rağmen mutluyduk," diye hatırlıyordu. - İstisnasız hepsi. Gece Bekçisi malzemesi ne kadar iç karartıcı olsa da, üzerindeki çalışmaya iyimser bir umut ve en derin heyecan atmosferi eşlik ediyordu. Gözlerimizin önünde büyülü ve olağandışı bir şey doğdu ve biz de bu mucizeye dahil olduk. Bu duygu, tüm zorlukları ödüllendirebilir ve benzersizliği gurur duymanıza izin vermez. Çok seyrek oluyor."

Filmin son bölümü tam Viyana sokaklarında çekildi.

Sonunda, filmin bir kopyası bittiğinde Bob Edwards, film için bir dağıtım ayarlamayı umduğu Kaliforniya'ya uçtu. Ancak büyük şirketlerin yönetimi, The Night Porter'ı Yahudi karşıtı bir film ve hatta ... yumuşak porno olarak adlandırarak onu reddetti.

“Ama Yahudi karşıtı ne var? Bogard öfkeliydi. - Yahudilerin anılacağı veya görüneceği tek bir çerçevemiz yok. Bu anti-faşist bir film ve daha çok anti-hiçlik.”

Neyse ki, Fransızlar filmi beğendiler ve en önemlisi, sadece aşk ilişkisini değil, fikri de anladılar. İtalyanlar gibi Fransızlar da zor ve aşağılayıcı bir işgal dönemi yaşamışlardı ve kurban ile cellat arasında gelişebilecek olağandışı ilişkinin gayet iyi farkındaydılar.

Kapalı görüntülemeyi ziyaret eden İngiliz Alexander Walker, The Night Porter'ın yazarını zevksiz olmakla suçlayan iki sayfalık yıkıcı bir inceleme gönderdi. Ancak Dilis Powell hem filmi hem de oyuncuları övdü. Margaret Hyneman, Charlotte Rampling'i Greta Garbo ile karşılaştırdı ve Felix Baker tabloyu "nadiren gördüğünüz bir klasik" ilan etti.

İngiliz eleştirmenlerin yorumları beklenmedik bir tepkiye neden oldu. Amerikalılar yeniden gösterim için The Night Porter'ı istedi. Fransızlar, filmi beyaz perdede yayınlamak için acele ettiler ve Başkan Georges Pompidou'nun o gün ölmesine rağmen prömiyeri gerçekleşti.

Ancak, Paris zaferinin ortasında, sansür görevlileri filmin İtalya'da gösterilmesini yasakladı. Cavani arbedenin içine daldı ve kazandı, basında büyük bir skandala yol açarak resme iyi bir tanıtım sağladı; Bu arada kadın feministlerin de desteği zamanında geldi. The Night Porter, tüm büyük İtalyan şehirlerinde hemen prömiyer yapma hakkını aldı ve eleştirmenlerden ve halktan oybirliğiyle başarı kazandı.

Gece Bekçisi, okyanusun ötesindeki "zor" resimlerin üstesinden gelme işini eline alan Joe Levin'e satıldı. Amerikan basını filme karşı şiddetli bir kampanya başlattı. Ancak seyirciler bir dalga halinde sinemalara koştu. Ve yine de, filmde bu tür tartışmalara neden olan şey neydi? Cavani, Parisli bir gazeteciye şunları söyledi: "Hepimiz kurbanlarız veya cellatlarız ve bu rolleri kendi özgür irademizle seçiyoruz. Bunu yalnızca Marquis de Sade ve Dostoyevski iyi anladı. Bu fikri geliştiren Cavani daha sonra bir basın toplantısında, kurbanların kendileri biraz çekicilik yaşamasaydı ve kendi eziyetlerinden belirli bir tatlılık çıkarmasalardı, muhtemelen daha az faşizm kurbanı olacağını belirtti.

Aynı zamanda eleştirmen Claire Clouseau, Max ve Lucie'nin tutkusuna mantıklı bir açıklama getirmenin imkansız olduğunu yazıyor. Bilinçaltından bahsettiğimiz için gerçekçilik ve psikoloji burada dışlanmalıdır. Eleştirmene göre film, ancak önümüzde "bilinçaltı dürtülerinin yarattığı iki canavar" olduğunu varsaydığımız andan itibaren anlaşılabilir.

"The Night Porter", Charlotte Rampling'i bir dünya "yıldızı" mertebesine yükseltti ve Lillian Cavani'nin büyük güce ve özel yeteneğe sahip bir yönetmen olarak ününü doğruladı. Cavani için bu film, yaratıcılığın zirvesiydi. Gece Bekçisi şüphesiz en büyük sanat eserlerinden biri ve hala ekrandan inmiyor.

"CHINAQUARTER"
(Çin Mahallesi)

Yapım: Paramount Pictures, ABD, 1974. Senarist R. Towne. Yönetmen R. Polansky. Operatörler J. A. Alonso, S. Cortes. Besteci J. Goldsmith. Sanatçı R. Silbert. Oyuncular: J. Nicholson, F. Dunaway, J. Houston, P. Lopez, J. Hillerman, D. Zwerling, D. Ladd, R. Jenson, R. Polansky ve diğerleri.

Çin Mahallesi'nin senaryosu aktivist çevreci Robert Towne tarafından yazıldı. Her şey, Güney Kaliforniya'daki petrol ve su gelişiminin tarihini ayrıntılarıyla anlatan Carey McWilliams'ın bir kitabını okumasıyla başladı.

Fitzgerald'ın romanından uyarlanan The Great Gatsby'nin senaryosu için Towne'a 125.000 $ teklif edildi, ancak haklı olarak büyük yazarla rekabet edemeyeceğini düşündü ve kendisine yalnızca 25.000 $ ödenen kendi hikayesini yazmaya karar verdi. Adı Çin mahallesiydi.

Sert dedektifler Raymond Chandler ve Dashiell Hammett'in büyük bir hayranı olan Town, Los Angeles su mühendisi William Mulholland'ın (1855-1935) öyküsündeki kilit karakterlerden birini modellemeye karar verdi.

Arsa gerçek bir hikayeye dayanmaktadır. 1930'larda, Los Angeles su sisteminin sahipleri okyanusa tatlı su boşalttı ve çiftçileri topraklarını neredeyse sıfıra satmaya zorladı. Arsalar, figüranların adına satın alındı.

Bu süreçte William Mulholland, Noah Cross'a dönüştü, Cross'un ensest ilişkisi olan Evelyn Mulvray adında bir kızı oldu.

Ancak Town, suçu çözen kahraman-dedektife odaklandı. Bu, boşanma davasının hazırlanmasında yer alan en sıradan kişidir.

Dedektif rolü, senaristin ellili yılların sonlarında tanıştığı Jack Nicholson için yazılmıştı. Hikayenin kahramanına Gee Gee ("Jake") Gittes adı verildi. Jake Town, Nicholson'ı aradı; Gittes, ortak arkadaşları yapımcı Harry Gittes'in soyadıdır.

Towne 1989'da verdiği bir röportajda, "Yarattığınız karakter ve o rolde gördüğünüz aktör, yavaş yavaş hayal gücünüzde tek bir kişide birleşiyor" dedi. - Jake Gittes insanlara Jack'le aynı şekilde davranır, dönüşümlü olarak onlarla dalga geçer ve sonra onları yatıştırır. Jack'in insanları beceriyle ve fazla çaba harcamadan manipüle etme yeteneğine tamamen sahiptir. Gittes'in kıyafetlerine olan ilgisi de Jack'ten ödünç alınmıştır. Bana öyle geliyor ki Jack yazdığım her şeyi mühürledi.

Eylem 1937'de Los Angeles'ta gerçekleşir. Ana karakter Dedektif Gittes, zekice giyinmiş, kibirli ve soğuk başarılı bir genç adamdır. Gözdağı verilen entrikanın dibine inme arzusunda inatçılık gösterir. Ancak bu sağlıklı alaycı bile kötülüğün şeytani gücüne hayret ediyor. Jack Nicholson yönetmen olarak Roman Polanski'yi önerdi. Ancak o sıralarda Roma'da yaşayan Polanski, eşi Sharon Tate'in dört yıl önce Satanist bir çete tarafından öldürüldüğü Los Angeles'a dönmek istemiyordu.

Yapımcı ve ardından Paramount Pictures stüdyosunun başkanı Robert Evans yine de yönetmeni Hollywood'a uçmaya ve senaryoyu tanımaya ikna etti.

Polanski'nin morali bozuktu ve hemen Bob Towne'ın çalışmasını eleştirdi. Ona göre senaryo fikirlerle, ilginç diyaloglarla, karakterizasyonlarla doluydu ama çok kafa karıştırıcıydı. Herhangi bir oryantal karakteri veya oryantal tadı olmamasına rağmen, "Çin Mahallesi" olarak adlandırıldı. Bu yüz seksen küsur sayfanın derinliklerinde bir yerlerde harika bir sinema filmi gizlenmiş olsa da, bu haliyle ona dayalı bir film yapmak imkansız.

Sekiz haftalık günlük sekiz saatlik çalışmada, Towne ve Polansky senaryoyu tamamen elden geçirdiler. Büyük ölçüde küçültülmesi, basitleştirilmesi, harika yazılmış birkaç karakterin çıkarılması gerekiyordu, ancak bunların olay örgüsü için hiçbir önemi yoktu.

Polanski, Chinatown'un 1970'lerin kamerasında görüldüğü gibi 1930'ların bir resmi olması gerektiğine inanıyordu. Filmde Hammett ve Chandler'ın dünyasının yeniden canlanmasını istiyordu ve bu, sahne ve kostümlerin titizlikle yeniden yaratılmasıyla sağlanmalıydı. Polanski'nin o dönemi hissedebilecek bir kameramana ihtiyacı vardı. The Magnificent Ambersons'ta Orson Welles ile çalışmış olan Stanley Cortez'i getirdi.

Evelyn Mulwray rolünün aktris Eli McGraw'a verilmesi gerekiyordu, çünkü kocası yapımcı Bob Evans bu konuda ısrar etti. McGraw, aktör Steve McQueen ile yeniden evlenerek kaçtığında, Evans başka bir aktris aramak zorunda kaldı.

Polanski, "zor bir oyuncu" olarak ününe rağmen, başından beri Faye Dunaway'i tercih etti. Yönetmen Dunaway'i iyi tanıyordu ve onun retro güzelliğinin filme çok uygun olduğunu düşünüyordu.

Polanski, John Huston'ın Noah Cross suç örgütünün başına geçmesini önerdiğinde herhangi bir itiraz olmadı. Efsane yönetmen hem eğlenmek hem de ekstra para kazanmak için filmlerde rol almıştır.

Diane Ladd (Bruce Dern'in eski karısı), Bay Mulwray'in ölümünü hazırlayan kadının küçük rolü için seçildi. Polanski'nin kendisi, Gittes'in burnunu kesen cüce, cılız bir suikastçı olan (ilk filmi "Knife in the Water"a gönderme yapılarak) "Bıçaklı Adam"ı oynayacaktı.

1930'ların atmosferini yeniden yaratmak için çok çaba harcandı. Sanatçı Richard Silbert ve üvey kız kardeşi kostüm tasarımcısı Anti Silbert, o yıllara ait fotoğrafları dikkatle inceledi.

Polanski sette katı disiplini sürdürdü. Neredeyse anında, Faye Dunaway'i başrolde oynadığına pişman oldu.

Oyuncu yüzünde çok fazla zaman geçirdi. İlk saniyelerden sonra çekim kesilirse, kendisine yeniden telafi etme fırsatı verilmesini talep etti.

Faye diyalogları nadiren ezberlerdi ve Polanski'den onları yeniden yazmasını isterdi. Sonra dileği yerine geldiğinde, "Biliyor musun, belki de orijinali daha iyiydi" dedi.

Dunaway, yönetmeni karakterin nüansları ve karakterinin eylemlerinin motivasyonları hakkında sorularla rahatsız etti. Polanski, kendisine ödenen paranın yeterli motivasyon olduğunu haykırdı.

Jack Nicholson, Faye Dunaway'in tam tersiydi. Polanski otobiyografisinde "Jack kendi üzerinde herhangi bir kontrole müsamaha göstermez" diye yazıyor. - Akşamları yürümeyi sever, sabahtan önce yatmaz, müzik dinler, ot içer. Sabah erkenden bir yere gitmesi benim için olduğundan daha da zor ama hem kendisinin hem de başkasının rolünü bilerek sitede beliriyor. O harika bir aktör, herhangi bir Hollywood metni ağzına büyüleyici geliyor.

Polanski her zaman çok sayıda çekim yaptı. Oyuncular için özel okumalar ayarladı. Yönetmenin oyuncuya nerede durması gerektiğini göstermek için seti plastik dairelerle işaretleme alışkanlığı da vardı.

Nicholson, Polyansky için "Tartışmayı sever, tartışma olmasaydı ne yapacağını bilemezdi," dedi. "Ve bununla bir fikir mücadelesini kastetmiyorum. Anlaşmazlıklar Ama hiçbir şeyden asla vazgeçmez, bu yüzden gerçekten bir tartışma yok."

Nicholson, Polansky'ye tam bir güven duyuyordu, hatta Gittes'in aniden açılan bent kapaklarından fışkıran su akıntılarıyla ayaklarının yerden kesildiği bölümde rezervuarın kendisiyle oynamayı kabul etmişti. Yönetmen, kanalı kapatan tel bariyere çarpan Nicholson'ın yüzünü yakın plan göstererek tek seferde filme almak istedi, bu nedenle dublörü Allan Gibbs'i kullanmak imkansızdı.

Polansky, "Gerçek bir profesyonel gibi," diye yazıyor. Su fışkırmak üzereyken Jack parmağını bana doğru salladı. Beni cehenneme gönderdiğini düşündüm. Sonunda bağırdı: "Bir!" Anladım. Benden tek seferde yapmamı istedi. Daha fazlasına ihtiyacımız yoktu. Jack çite öyle bir kuvvetle vurdu ki çizmeleri telde bir çukur bıraktı.

Polanski, Gittes'in burnuna bıçak saplayan kötü adamı kendisi oynadı. Bölümün çekimi zordu. En ufak bir basınçta bıçağın burun deliğinden geçtiği izlenimini verecek kadar zayıf bir yaya sahip bir bıçak tasarlanmıştır. Bıçağın üzerindeki bıçağın bir tarafında bir kan tüpü sabitlendi. Çarpıcı, Polanski onu sıktı. Her çekimden önce Nicholson, ortağının bıçağı sağ tarafı aşağı bakacak şekilde tuttuğundan emin oldu. Ne yazık ki, Amerika ve İngiltere'de sahne çok kanlı kabul edildi ve kesildi.

Amerikan sinemasının patriği, yönetmen John Huston, Cross rolünde çok etkileyici. Nicholson ve Houston arasındaki sahne, filmin en büyük hitlerinden biridir.

Polanski ve Towne senaryo üzerinde çalışırken iki sahne üzerinde hiçbir zaman anlaşmaya varamadı. Polanski, Gittes ve kızı Evelyn Mulwray'in sevgili olmasını istiyordu. Kasaba itiraz etti.

Ancak en acı tartışmalara son resim neden oldu. Towne'ın senaryosunda, kızı hayatta kalırken kötü iş adamı öldü. Evelyn Mulwray, Gittes'in elindeydi ve sahne, Los Angeles için nadir görülen bir kar yağışıyla sona erdi. Polansky, Evelyn'in ölümü konusunda ısrar etti: "Hayatın adaletsizliğine kızan seyirci sinemayı terk etmezse tüm dramatik etki kaybolacak."

Towne ile olan farklılıklar, yönetmene özgü bir şekilde çözüldü. Polanski, çekimden önceki gece son halini yazdı.

Evelyn Mulvray, Jake'le yatağa giriyordu. Final şuydu: Evelyn Mulvray'in "sırrını" öğrenen Gittes, onu kızıyla birlikte bir sığınma evine gönderir. Noah Cross, Çin Mahallesi'nde onların izini sürer. Sonuç olarak, Evelyn bir polis kurşunuyla öldürülür ve Cross kızıyla birlikte kaçar - Gittes ise tamamen bitkin bir halde onların arkasından bakar.

"Chinatown" un Amerikan prömiyeri 20 Haziran 1974'te gerçekleşti. Polanski'nin çalışmaları hakkında genel olarak olumlu olan incelemelerin çoğu, resimde çok fazla kan olduğuna dikkat çekti. Aslında Jack'in burnu ve sonundaki kısa bir ölüm sahnesi dışında filmde kan dökülmesi yok.

Chinatown 11 Akademi Ödülü'ne aday gösterildi, ancak yalnızca En İyi Senaryo dalında Oscar kazandı.

Film, 6 milyon dolarlık bir bütçeyle 30 milyon dolar (1 Ocak 2000) hasılat yaptı.

Entertainment Weekly tarafından yapılan bir ankete göre Chinatown, tüm zamanların en iyi filmleri listesinde dördüncü sırada yer alıyor. Amerikan Film Enstitüsü, Chinatown'u en iyi 100 Amerikan filminden biri olarak seçti.

BİRİSİ
guguk kuşunun yuvasının üzerinden uçtu (Biri guguk kuşunun yuvasının üzerinden uçtu)

Yapım: United Artists, ABD, 1975. K. Kesey'nin romanından L. Houben ve B. Goldman tarafından yazılmıştır. Yönetmen: M. Foreman. Operatörler X. Veksler, B. Butler. Sanatçı P. Silbert. Besteci D. Nietzsche. Oyuncular: D. Nicholson, L. Fletcher, W. Redfield, W. Sampson, S. Lassik, B. Dourif, M. Small, D. De Vito, D. Brooks ve diğerleri.

Ken Kesey'nin "Guguk Kuşu Yuvasında Biri Uçtu" adlı kitabı 1962'de yayımlandığında çok satanlar listesine girdi. Roman bir psikiyatri hastanesinde geçiyor. Ken Kesey bunu kişisel deneyimlerinden yola çıkarak yazdı. 1960 yılında parasızlık onu savaş gazileri için bir hastanenin idaresiyle bir sözleşme imzalamaya zorladığında yirmi beş yaşındaydı ve burada zihinsel bozuklukları tedavi etmek için sert ilaçların kullanımı üzerine deneyler yapıldı.

Hikaye, hastalardan birinin, Bromden's Indian'ın, lakaplı Lider lakaplı ve kendini aptal numarası yaparak dış dünyadan korumayı öğrenen bakış açısıyla anlatılıyor. Büyüleyici hasta Randle McMurphy klinikte belirir. Hapis cezasından kaçınmak için deli numarası yapıyor. Özgür ruhlu McMurphy, diğer hastaları bir araya toplar ve katı yürekli Rahibe Ratched'a sırtını döner. Bu hanımefendi uyuşturucu ve elektrik şokuyla disiplini sağlıyor. Ancak isyan bastırılır. McMurphy, son derece acı verici bir beyin ameliyatı geçirir - onu yaşayan bir ölüye dönüştüren bir lobotomi. Lider, bir merhamet anında Randle'ı bir yastıkla boğar ve ardından departmandan vahşi doğaya kaçar. Belki de Bromden için kader, McMurphy için olduğu kadar acımasız olmayacaktır...

1960'larda Kesey'nin romanı, asi gençler için adeta kutsal bir metindi. Rasyonel ve acımasız bir toplumu, vurgulanan dikkatsizlik, dünyevi başarılara kayıtsızlık, normlarla alay etme ve manevi özgürlük duygusuyla karşılaştırdı.

Ünlü aktör Kirk Douglas, romanın film haklarını ilk satın alan kişi oldu ve kendisi de McMurphy'yi oynamak istedi. Dale Wasserman tarafından sahnelenen Broadway'de bu rolü başarıyla oynadı. Bununla birlikte, Douglas, projedeki en büyük Hollywood stüdyolarından hiçbirinin ilgisini çekemedi, çünkü sinema tarihinde henüz akıl hastaları hakkında bir filmin gelir getirebileceği bir durum yoktu.

1973'te Kirk Douglas, McMurphy rolü için çok yaşlıydı ve film uyarlamasının tüm haklarını Streets of San Francisco dizisinin yıldızı oğlu Michael'a devretti. Douglas Jr., deneyimli Saul Zaenz'i yardıma çağırarak filmin yapımcısı olmaya karar verdi.

Çekoslovakya'dan ABD'ye göç eden Milos Forman yönetmen olarak davet edildi. Kitabı okuduktan sonra, film için en iyi malzemenin bulunamayacağını hemen anladı.

Foreman ile küçük bir miktar için bir sözleşme imzalandı. Ayrıca, filmin kiralanmasından elde edilen kârda da kendi menfaati vardı.

Foreman, "Film hakkında ne kadar çok düşünürsem, McMurphy'yi büyük bir aktörün oynamasını o kadar çok istiyordum," diye hatırlıyor. “Filmimiz izleyicileri tanıdık dünyalarından şiddet içeren, tehlikeli ve tamamen yabancı bir yere götürdü ve rehber onlara aşina olursa bu geçişin daha kolay olacağına karar verdim. Yapımcılarla bunun hakkında konuştum ve bana herhangi bir "rehberden" söz edip etmediğimi sordular. Jack Nicholson'ın harika bir McMurphy imajı yaratabileceğini düşündüm. O zamana kadar, Hollywood'da zaten ilk büyüklükte bir yıldızdı.

Yapımcılar, Nicholson'ı (ve ondan önce Marlon Brando, Gene Hackman, Bart Reynolds) davet etmenin artılarını ve eksilerini dikkatlice tarttılar. Bir Hollywood yıldızının katılımı bütçeyi dört milyon dolara çıkardı. Filmi prodüksiyona sokmak için mali güvencelerin olması gerekiyordu. Zaentz, destek için büyük şirketlere başvurdu. Reddetti, San Francisco'daki müzik şirketini ipotek etmeye karar verdi.

The Cuckoo's Nest'in senaryosunun ilk taslağı Ken Kesey tarafından yazıldı. Ancak romanı ayrıntılı bir şekilde yeniden anlatması yapımcılara uymadı. Ayrıca Kesey senaryoyu bitirdiğinde filmin hem yönetmeni hem de başrolü olmak istiyordu ve bu da ilişkilerinin sonunun başlangıcı olmuştu.

Foreman, "Senaryonun ilk taslağı üzerinde Larry Houben ile çalıştım ve daha sonra başka bir harika senarist olan Bo Goldman ile yeniden yazdım," diyor. Böylece çekimler başlamadan önce hem yeri hem de insanları tanıdım."

Foreman, hem ana hem de ikincil profesyonel aktörlerin tüm rollerini üstlendi. Ancak filmin kenarlarında çalışan pek çok profesyonel olmayan kişi vardı; böylece klinikteki hastaların, hemşirelerin ve diğer çalışanların çoğu gerçekten kendilerini oynuyor.

Foreman, başroller için binden fazla adayı taradı. Aktör Brad Dourif'i "Ne zaman döneceksin kırmızı Ryder?" ve hemen içinde Billy Bibbit'i gördü. Yönetmene göre Dourif, rol için gereken abartısız yeteneğe ve kırılganlığa sahipti.

Diğer hastaların da genel sahnelerde kaybolmaması için güçlü bir kişiliğe sahip olması gerekiyordu. Yapımcı Douglas, Martini'nin küçük rolü için Cuckoo's Nest'ten uyarlanan Broadway oyununda oynayan kısa boylu, şişman bir Danny DeVito'yu getirdi. Oyunculuk ajansı, Foreman'a eski New York arkadaşı Vincent Schiavelli'yi hatırlatan Christopher Lloyd'u gönderdi. Yönetmen, akıl hastası Taber'i oynaması için ona emanet etmekten çekinmedi.

Uzun süre Lider rolü için bir oyuncu bulamadılar. Foreman gerçek bir zorba olduğu konusunda ısrar etti. Uygun bir kişi ülkenin her yerinde arandı. Sonunda telefon Salem, Oregon'dan çaldı.

Milos! Böyle bir haydut buldum!” Arayan, kullanılmış bir araba satıcısı ve Zaenz'in arkadaşı olan heyecanlı bir Mel Lambert'ti.

Devin adı Will Sampson'dı ve Mount Raymyer Ulusal Parkı'nda korucuydu. Sampson genç bir adamken rodeoda yarıştı, ancak omurga yaralanması kariyerini yarıda kesti. Kızılderili yaratıcı bir doğaydı, harika manzaralar çizdi.

Kesey'nin romanında Hemşire Ratched bir düzen takıntısıdır, titiz bir fahişe gibi görünür.

Güzel sarışın, ince ve kibar Louise Fletcher görüşmeye geldiğinde, çekici bir gülümsemeyle, Hemşire Ratched için tamamen karakter dışı görünüyordu. Foreman ondan bir şeyler okumasını istedi ve birden kadife kabuğun altında bir sertlik ve otorite belirdi - tam da bu rol için gerekli olan şey. Çekimler başlamadan bir hafta önce Foreman, Hemşire Ratched'ı buldu.

Oregon Psikiyatri Kliniği'nin yöneticisi Dr. Dean R. Brooks, hastaların yardımcı işlerde çalıştırılması şartıyla film yapımcılarına izin vermeyi kabul etti. Çekimlere katılımın iyi bir terapötik etki sağlayacağına inanıyordu. Yapımcılar kabul etti, ancak her ihtimale karşı profesyonellerden oluşan bir yedek ekip vardı.

Hastalar mükemmel bir iş çıkardı. Brooks'un kesinlikle haklı olduğu ortaya çıktı: çalışma, özgüvenlerini önemli ölçüde artırdı.

Nicholson psikiyatri hastanesine ekibin geri kalanından önce geldi. Personelle konuşup hastalarla iletişim kurdu, elektroşok tedavisi görenleri izledi. Jack provalar yaptı, ancak gelecekte çekimler sırasında birçok şey doğaçlamaya dayanıyordu.

Nicholson bir röportajda “One Flew Over the Cuckoo's Nest'in gizemi ve kitapta yok,” dedi, “bu roldeki gizli planım, bu soytarı kendisinin karşı konulamaz olduğunu düşünmesi; hiçbir kadının ona karşı koyamayacağını ve Rahibe Ratched'ın da bir istisna olmayacağını düşünüyor. Bu onun trajik yanlış hesabı. Bu yüzden tamamen başarısız oluyor. Bunu Louise Fletcher'la tartıştım. Ve sadece onunla. Bence kahramanımın başına gelen tam olarak buydu: Bu kadını uzun süre baştan çıkardı ve inatla, başaracağından patolojik olarak emindi ve yanlış hesap yaptı.

Foreman, oyunculara sanki kliniğe gerçekten kabul edilmişler gibi yatak, önlük ve jilet verilmesi konusunda ısrar etti. Her biri için taklit edecekleri bir hasta seçti. Bu, hastalığın klinik belirtilerini inceleyen veya tıbbi kayıtlardaki kayıtları okuyan aktörlerle ilgili değildi, onlar sadece gözlemlemek, jestleri, konuşma tarzını, davranışların tüm tuhaflıklarını kopyalamakla ilgiliydi.

The Cuckoo's Nest'te bu arada çok eğitimli bir kişi olan Dr. Brooks kendini, yani bir psikiyatri kliniğinin müdürünü oynadı. McMurphy'yi kliniğe kabul ettiği bölüm, Foreman'ın oyunculara diyalog yazmalarına izin verdiği birkaç bölümden biriydi. Basitçe durumu özetledi, birkaç anahtar cümle söyledi ve ardından Nicholson ve Brooks'un dizginlerini serbest bıraktı. Deney başarılı oldu.

Filmin çoğu bölümünde öyle ya da böyle, Jack Nicholson'ın kahramanı yer alıyor. Foreman, “Böyle bir oyuncuyla çalışmak ancak hayal edilebilir” diyor. - Onda bir damla ukalalık, bencillik, yıldız hastalığı yoktur. Her zaman çalışmaya hazırdı, her zaman tam olarak ne istediğini biliyordu. Mizahı sayesinde herkes kendini rahat hissetti ve bu sette çalışmak için çok önemli. Jack her zaman ortaklarına yardım etmeye hazırdı çünkü onlar ne kadar iyi oynarlarsa final sahnesinin o kadar iyi olacağını biliyordu.

Yapımcıların önerisi üzerine Who's Afraid of Virginia Woolf? filmindeki rolüyle Oscar kazanan ve Kesey'nin romanının büyük bir hayranı olan Haskell Wexler kameraman olarak onaylandı. Foreman, filmin cimri, gerçekçi bir şekilde çekilmesi gerektiğini ve izleyicilerin dikkatini olay örgüsünden uzaklaştırmaması gerektiğini açıkladı.

Çalışma sürecinde Foreman'ın yetkinliğini sorgulamaya başlayan Veksler, Çek yönetmenin olağanüstü bir Amerikan filmi çekebilecek kapasitede olmadığını söyledi. Bu gerçek bir sorun haline geldi ve grupta gerginlik yarattı, bu nedenle yapımcılar işe koyulmak zorunda kaldı. Sonuç olarak, Wexler'ın yerini Bill Butler ("Jaws", "Conversation") aldı, Butler görüntüleri inceledi ve filmin ikinci bölümünü aynı şekilde çekti. Foreman programın bir hafta gerisindeyken, tekne gezisi sahnesini çekmesi için başka bir görüntü yönetmeni olan Bill Fraker getirildi.

Filmin müzikleri ise Jack Nitzsche tarafından yapılmıştır. Kayıt, Fantasy Record stüdyosunda yapılacaktı. Belirlenen saatte besteci, yanında büyük bir bavul taşıyan yaşlı bir adamla birlikte göründü. Müzisyen ordusuna bakan Jack, orkestraya eve gitmelerini emretti.

Yaşlı adam valizi açtı - içinde farklı yükseklik, kalınlık ve genişlikte bardaklar vardı. Onları düzgün bir şekilde masanın üzerine yerleştirdi, ardından bardakları suyla doldurup dikkatlice seviyesini kontrol etti. Milos Forman şunları hatırladı: “Parmaklarıyla bardakların kenarlarını ovuşturdu, sudan ve camdan tuhaf, hüzünlü sesler çıkardı. Bu sesler tüylerimi diken diken etti. Daha sonra Jack, testere ve diğer doğaçlama enstrümanlarla çalınan parçaların yanı sıra birkaç geleneksel pasaj daha ekledi, ancak müzik eşliğinin ana kısmı bu sabah yalnızca yaşlı adam ve onun "orkestrası" tarafından kaydedildi. bavul. Bu müziği beğendim."

"Biri Guguk Kuşunun Üzerinden Uçtu" filminin galası (Sovyet gişesinde - "Biri Guguk Yuvasının Üzerinden Uçtu") 19 Kasım 1975'te Los Angeles ve New York'ta yapıldı ve ertesi gün resim çekildi. Chicago'daki Uluslararası Film Festivali'nde sunuldu.

Milos Forman bir basın toplantısında şunları söyledi: “One Flew Over the Cuckoo's Nest filminde gösterdiğim akıl hastanesi, akıl hastalarına yönelik bir klinik değil. Bu, barış içinde yaşamak için yarattığımız, kendimiz yarattığımız bir devlet kurumudur. Ama bu kurumların bizi yönetmeye, ne yapmamız gerektiğini dikte etmeye, kısacası bizi ezmeye başladığı ortaya çıktı...”

Distribütör, ilk hafta ücretlerinden memnun kaldı. United Artistes, filmin yaklaşık 15 milyon dolar getirebileceğini tahmin etti.

Sonuç olarak, "The Cuckoo's Nest" yalnızca Amerika'da yaklaşık 112 milyon dolar topladı ve dünya çapındaki kiralamalardan 255 milyon dolar geldi! Foreman, sözleşme kapsamındaki kârın bir yüzdesine sahip olduğu için zengin bir adam oldu.

29 Mart 1976'da Biri Guguk Kuşunun Üzerinden Uçtu, en prestijli kategorilerde (film, oyuncu, oyuncu, yönetmen, uyarlama senaryo) beş Oscar kazandı. Başka bir deyişle, Hollywood Grand Slam'i aldı. Ayrıca Foreman'ın filmi dört aday daha aldı (Yönetmen, Kurgu, Müzik, Yardımcı Erkek Oyuncu - Brad Dourif).

"Biri Guguk Kuşunun Üzerinden Uçtu" filmi dünya sinemasının bir klasiği oldu.

"DUYGU İMPARATORLUĞU" ("AŞK CORRIDA")
(Ai no corrida)

Yapım: Japonya, 1976 Yazan: N. Oshima. Yönetmen N. Oshima. Operatör X. Ito. Besteci M. Miki. Sanatçı S. Toda. Oyuncular: E. Matsuda, T. Fuji, A. Nakajima, A. Koyama, T. Tonoyama, K. Kobayashi, M. Seri ve diğerleri.

Japon Yeni Dalgası'nın babası Nagisa Oshima her zaman bir tabu yıkıcı olmuştur - Empire of the Senses (1976) adlı eseri seks hakkındaki ilk felsefi resimdi. Hala faturalarla Japonya'da gösterilmektedir.

Nagisa Oshima, 1932'de Kyoto'da doğdu.

1959'da "Sevgi ve Umut Sokağı"nı tek başına çekti. İlk filmin başarısı, bir yıl sonra A Tale of a Cruel Youth ve Cemetery of the Sun'ın vizyona girmesiyle pekiştirildi. Oshima'nın ilk resimlerinin kahramanları serseriler, kaderi kırık insanlar, suçlular.

1960'lardaki siyasi, manevi ve sanatsal arayışlarının sonucu, Sakurada ailesinin tarihinin savaş sonrası Japonya'nın kaderini en dramatik anlarında yansıttığı "Tören" (1971) filmidir. Filmin bir nevi özetleme olduğu ortaya çıktı. Oshima bu resimde konuşuyor gibiydi. Film eleştirmenleri tarafından "yılın en iyi yönetmeni" olarak tanınan, birkaç yıl sinemadan ayrılıyor.

Son olarak 1976'da Batı perdesinde "Duyular İmparatorluğu" adıyla gösterilen "Aşk Corrida" filmini Fransa'da sahneleyerek yeniden sinemaya döndü.

Bu film, 1972 gibi erken bir tarihte, Oshima'nın Fransa'dayken Fransız yapımcı Anatole Doman ile birlikte yönetmenlik yapması için komplo kurduğu zaman tasarlandı. Libretto için birçok seçenek arasından Doman, Oshima'nın 1936'da geçen gerçek bir hikayeye dayanan bir resim sahneleme teklifini onayladı. 18 Mart günü saat 14:30'da Masaki Oteli'nden bir hizmetçi, Nagano'dan bir restoran işletmecisi olan 42 yaşındaki Kişizo Ishida'nın odasını temizlemeye geldi. Konuğu ölü buldu. Adli tabip, Isis'in uyku haplarıyla uyuşturulduğunu, desenli bir kemerle boğulduğunu ve hadım edildiğini belirledi. Öldürülen kişinin cesedini örten çarşafta "Sada, Kichi futari-kiri" - "Sada + Kichi \u003d Ebedi aşk" sözcükleri sergilendi. Polis, Ishida'nın restoranında garson olarak çalışan eski bir geyşa olan 31 yaşındaki Sada Abe'yi arananlar listesine koydu.

Sada Abe'nin davası ulusal bir olay haline geldi. Abe, sevgilisini kimseyle paylaşmak istemediğini söyledi. Son iki hafta boyunca, katil ve kurbanının çılgınca bir tutkuya kapılarak kesintisiz seviştikleri ortaya çıktı.

Abe, tek aşkını öldürdükten sonra intihar edeceğini itiraf etti ve hatta Ikoma Dağı'nın bulunduğu Nara bölgesine, talihsiz aşıkların geleneksel olarak atladıkları kratere bir bilet aldı. Ancak yeni filmi Tokyo Rhapsody'yi izlemek için gezisini erteledi.

Yazar Ano Sakaguchi, Abe'nin eylemini bir suç olarak değil, sınırsız sevginin bir tezahürü olarak nitelendiren ilk kişiydi.

Abe oldukça müreffeh bir hayat yaşadı, hatta evlendi. 1960'ların sonunda Osaka yakınlarındaki bir Budist manastırına gitti. Eylemi, Japonya'da "sadaizm" olarak adlandırılan bir fenomene yol açtı: 50 yıl içinde yaklaşık kırk kadın onun örneğini izledi. Nagisa Oshima, "Empire of the Senses" filminin çekimlerine hazırlanırken Abe'yi manastırda ziyaret etti ve ondan izin ve tavsiye istedi.

Oshima'nın filminde aşk ve tutku izole bir dünyaya yerleştirilmiştir. 1936 yılı bir zaman referansı olsa da yönetmen bunu vurgulamıyor. Tutku, cinsel istek, aşk, paroksizmaya ulaşma, intihar, aşk, bilinçsiz bir ölüm arzusu olarak hareket etme mekanizmasını inceler.

Felsefi olarak resim, cinsellik ve ölüm arasında mutlak bir ilişki olduğu fikrine dayanmaktadır. Filmdeki aşk yıkıcıdır, uyumsuzdur, en başından beri ölümün amansızlığına sahiptir. Aşk Boğa Güreşinde ölüm, adeta aşkın coşkusunu tamamlar, onun en yüksek tezahürüdür.

Felsefi Bilimler Doktoru A. Kobzev, "Duygu İmparatorluğu veya Aşkın Boğa Güreşi filmi" diye yazıyor, "doğası gereği bir centaura benziyor: vücudunun bir kısmı batı, diğeri doğu, bu da öncelikle ifade ediliyor. bu ciddi filmin anlamsal katmanlaması. Bununla birlikte, bazı eleştirmenleri filmi pornografik olarak adlandırmaya teşvik eden yüzeysel "çilek katmanının" önemini abartmazsak, o zaman birçok sahnenin bariz riskliliğine rağmen, önümüzde uyarlanmış bir erotik Japon meselinin mükemmel bir örneği var. Batı estetiği için.”

"Corrida of Love" filminin aşırı natüralizmi, aynı derecede aşırı bir estetizmle birleşiyor. Sada yere beyaz bir kimono, ardından kırmızı bir atlet düşürür. Oshima, cinayet sekansında bile renk kontrastlarından yararlanmaya devam ediyor. Sada, kimono ipiyle uyuyan Kiichi'yi boğar. Ancak, bağcıkları nihayet sıkmadan önce, ondan ölüme sessizce rızasını almak için uyuklayan sevgilisini uyandırır. Ve sonra, onun cesedine saygısızlık ettikten sonra, gümüş beyazı bir kimono içinde sevgilisinin kanlı vücudunun yanına uzanır.

Oshima filmi Japonya'da Japon oyuncularla (ana roller E. Matsuda ve T. Fuji oynadı) Japonca çekti. Ancak filmin kurgusu Fransa'da yapıldı.

15 Mayıs 1976'da Cannes Film Festivali'nde "Yönetmenler Haftası" kapsamında "Duyuların İmparatorluğu" ("Aşk Koridoru") adlı tablo gösterildi. Yüksek bir skandal patlak verdi. Duygu İmparatorluğu yarışma programına dahil edilmedi.

Doğru, Cannes 1978'de Oshima'dan "özür diledi". Oshima'nın filmi "Empire of Passion" ("Phantom of Love"), "Corrida of Love" ile aynı temanın, her şeyi yok eden aşk tutkusu temasının artık bu kadar şok edici bir dürüstlükle çözülmediği, yönetmenlik ödülü aldı. Cannes.

1977'de Berlinale'de "Empire of the Senses" galasından sonra filmin makaralarına Alman polisi tarafından el konuldu. Duruşmanın nedeni "Duyuların İmparatorluğu" oldu ve bunun sonucunda Oshima'nın kasetinin pornografik olarak değerlendirilmemesine karar verildi. On sekiz ay sonra film, herhangi bir sansür kesintisi olmadan Alman beyaz perdesinde gösterime girdi.

Resim, ahlakın saflığına özen göstermeye hiçbir şekilde alışık olmadıkları ülkelerde bile sansür kısıtlamalarıyla karşılaştı. Japonya'da, Eirin sansür komitesi tarafından önemli revizyonlarla gösterildi. Yapımcı, filmi yalnızca İsveç'te sınırlı bir gösterimle yayınlamak için izin almayı başardı (prömiyeri 8 Ekim 1976'da yapıldı).

Abe'yi oynayan yirmi beş yaşındaki Eiko Matsuda'nın kariyeri mahvoldu. Japonya'da kimse "İmparatorluk" un tam sürümünü görmedi, ancak oyuncu yine de dışlandı: ona pembe eiga'da (özel Japon yumuşak pornosu) bile rol verilmedi. Matsuda uzun yıllardır Fransa'da yaşıyor.

Oshima daha sonra Japonya ile tüm bağlarını koparmaya ve Avrupalı bir yönetmen olmaya çalıştı. “Duyular İmparatorluğu hâlâ skandal sayılıyor. umurumda değil..."

"Corrida of Love", neredeyse kesintisiz erotik bölümlerin küstah dürüstlüğünün, karakterlerin psikolojisine nüfuz etme derinliğinin ve rafine ve sofistike estetizmin birleşimi nedeniyle tam olarak benzersiz bir resim. Son yıllarda "Corrida of Love" birçok ülkede ve televizyonda gösterildi.

"TAKSİ SÜRÜCÜSÜ"

(Taksi sürücüsü)

Yapım: Columbia Pictures, ABD, 1976. Senarist P. Schrader. Yönetmen M. Scorsese. Operatör M. Chapman. Sanatçı C. Rosen. Besteci B. Herrmann. Oyuncular: R. De Niro, S. Shepard, P. Boyle, J. Foster, X. Keitel, L. Harris, A. Brooks, D. Abbott ve diğerleri.

Taxi Driver, Vietnam Savaşı gazisi Travis Bickle'ın hikayesidir. Uykusuzluktan muzdarip, New York'un tehlikeli sokaklarında dolaşan bir gece taksi şoförü olarak çalışmak zorunda kalıyor. Travis yalnızdır, izleyici her zaman yabancılaşmasını hisseder. Senarist Paul Schrader, Bickle'ı Thomas Wolfe'un şu sözleriyle karakterize ediyor: "Tanrı'nın unutulmuş adamı." Travis, pezevenklerden, serserilerden ve fahişelerden nefret eder. Sadece iki kişi dikkatini çeker: Başkanlık seçim kampanyasında işbirliği yapması için tutulan soğuk sarışın Betsy ve acımasız bir pezevengin eline düşen genç bir fahişe olan Iris (Jodie Foster tarafından canlandırılıyor).

Travis, Betsy'nin kampanya yürüttüğü konuşkan politikacıyı öldürmeyi planladı, ancak planı gizli servisler tarafından engellendi. Sonra Iris'i porno sektörünün zincirlerinden kurtarmaya karar verir. Bickle, genelevlerden birinde kanlı bir katliam düzenler. Iris eski ailesinin yanına döner ve Travis basında bir kahraman ve kurtarıcı olarak selamlanır.

Filmin sonunda sokağın kenarında Betsy'yi fark eder ama yanından geçer. İkisi de birbirini tanımıyormuş gibi yapıyor. Hayat Devam Ediyor...

Senarist Paul Schrader, Taksi Şoförü'nün senaryosunu 1972'de hayatının çok zor bir döneminde yazdı: “Sürekli intiharı düşündüm, kimseyle iletişim kurmadım. Çok içti, porno kulüplerini ziyaret etti - tam olarak "Tanrı tarafından unutulmuş bir adam" olarak. Ve elbette tüm bunlar senaryoda mevcut, ”dedi Schrader.

Senarist, senaryosunda akli dengesi yerinde olmayan genç bir adam olan Arthur Bremer'in öyküsünü de kullanmış. 1972'de Alabama Valisi ve başkan adayı George Wallace'a suikast düzenledi. Öldürmeye gitmeden önce, Bremer kurbanını uzun süre takip etti. Neyse ki, Wallace felçli kalmasına rağmen hayatta kaldı. Amerikan tarihindeki diğer birçok siyasi suikastçı gibi, Bremer de daha sonra "yalnız" ilan edildi. 1976'da "Taksi Şoförü" vizyona girdiğinde Bremer, filmin kahramanı Travis Bickle gibi 26 yaşındaydı.

Senaryo, yapımcılar Tony Bill, eşler Michael ve Julia Phillips'in eline geçti.

Martin Scorsese, Taxi Driver'ın senaryosunu çok beğenmiş. Julia Phillips, Mean Streets'in düzenlenmemiş bir versiyonunu izledikten sonra, senaryoyu Scorsese'ye vermeyi kabul etti, ancak Robert De Niro'nun başrolü oynaması için davet edilmesi şartıyla.

Columbia Pictures, bütçe 2 milyon doları geçmediği takdirde filmi finanse etmeyi kabul etti. Scorsese ve De Niro ücretlerini düşürmek zorunda kaldı. Örneğin,

Oscar ödüllü De Niro sadece 35.000 $'a film çekti.

Schrader'in orijinal senaryosunda kötüler ağırlıklı olarak siyahiydi. Martin Scorsese endişeli: "Paul, ırkçılıkla suçlanabiliriz!" Schrader, talebini kısmen kabul ederek birkaç kötü adamı beyaz yaptı.

Rol için hazırlanırken, Robert De Niro stajyer taksi ehliyeti aldı ve ardından bir ay boyunca günde 12 saat New York sokaklarında dolaştı. Bir gün tanıdık bir oyuncu arabasına biner.

"Yüce Meryem! diye haykırdı şaşkın yolcu. "Oscar aldın, bu piçler gerçekten seni vurmak istemiyorlar mı ve sen yine direksiyona oturmak zorunda mı kalıyorsun?" De Niro ona, tanıdığının sempatik bir şekilde yanıtladığı rol için hazırlandığını açıkladı: "Hiçbir şey, hiçbir şey, Bobby, ben de fasulyeye gittim ve neşelendim ..." Meslektaşı açıkça De Niro'ya inanmadı, çünkü ona bir bahşiş bırakmıştı...

Scorsese, Travis'in gizli tutku nesnesi Betsy rolü için "Cybil Shepherd" gibi bir aktris, yani soğuk bir sarışın arıyordu. Neredeyse tüm Hollywood aktrislerinden geçti. Son olarak, Sue Major'ın temsilcisi yapımcılarla temasa geçti ve neden Betsy rolü için Cybil Shepard'ı denemediklerini sordu. Eski top model, Peter Bogdanovich'in filmlerinde rol alarak adından söz ettirdi.

Çocuk bir fahişe olan Iris rolü için bir aktris seçimi ile o da acı çekmek zorunda kaldı. Scorsese, Jodie Foster'ı seçti. O sırada, kahramanı gibi on iki buçuk yaşındaydı. Jodie Foster, çocukken filmlerde rol almaya başladı. Senaryo ona verildi ve "Oynamaya çalışma, kendin ol" dedi. Bu yönetmenin enstalasyonu onun icra tarzını belirledi.

Jody gerçekten bir fahişeyi oynamak istemiyordu, arkadaşlarının alay etmesinden korkuyordu. Ancak annesi Brandy Foster, rolün bir kızı yüceltebileceğini anlamıştı. Tüm formaliteler halledildiğinde Los Angeles Ahlak Birliği, genç oyuncunun filmde yer almasına karşı çıktı. Uzlaşmak zorunda kaldım - en açık bazı sahnelerde, Jodie'ye yirmi yaşındaki kız kardeşi Connie ses verdi.

"Taxi Driver" filminin çekimleri Haziran'dan Eylül 1975'e kadar Manhattan'ın en bakımsız bölgelerinde gerçekleşti.

De Niro, kahramanının davranış tarzını takip etti. Kendini grubun geri kalanından ayırdı ve taksiden nadiren ayrıldı. Çekimlerden önce Scorsese, oyuncusuna gitmeye hazır olup olmadığını dikkatlice sordu.

De Niro, Cybil Shepard'ın profesyonellik eksikliğinden rahatsız olmuştu. Metni iyi hatırlamıyordu ve yönetmen bir yönlendirici olarak hareket etmek zorunda kaldı.

Yönetmen ve Jodie Foster'a çok fazla sorun çıktı. Ama profesyonel olmadığı için değil. Çekimlerden önce, bir psikolog kızla dört saat boyunca konuştu ve sosyal hizmetten bir kadın sette sürekli görev başındaydı ve Robert De Niro'nun onun huzurunda uygunsuz sözler söylemediğinden emin oldu. Kanında küfür olan genç Foster'ı bir şeyin yozlaştırması pek olası olmasa da.

De Niro'nun çalışmasını izleyen Jodie Foster, oyunculuk mesleğini daha ciddiye almaya başladı. “Bob sayesinde bir rol hazırlama sürecinin her zaman bireysel olduğunu fark ettim: ne kadar çok sanatçı, o kadar çok yöntem. Ve yaşla birlikte, oyuncunun öz algısı da değişir - özgüven gelir, ”dedi Foster yıllar sonra.

Harvey Keitel, Scorsese ile 1965'te tanıştı. Gazetede, New York Üniversitesi'nde yönetmenlik bölümü öğrencisi olan Martin Scorsese'nin mezuniyet filminde rol almaları için oyuncuları davet ettiğine dair bir ilan okudu. 26 yaşındaki işsiz aktör Keitel ilanı yanıtladı ve o ve Marty kısa sürede çok iyi arkadaş oldular. Harvey onunla Mean Streets'te rol aldı ve Taxi Driver'da Sport lakaplı bir pezevenk rolünü önemli ölçüde genişletti.

Scorsese, Taxi Driver'da küçük bir rol oynadı. O, sadakatsiz karısıyla ne yapacağına karar veren Bickle'ın arabasının arka koltuğundaki yolcudur.

Bir genelevde kanlı bir hesaplaşmaya başlamadan önce, Travis kendisini kelimenin tam anlamıyla tepeden tırnağa her türden silahla donatır. Askeri kamuflaj ve anında silah çekmesini sağlayan özel olarak tasarlanmış bir kılıf giyiyor. Büyük bir aynanın önünde durur ve kendini inceler. "Benimle konuş! Travis yansımasına homurdandı. - Benimle konuş! Burada başka kimse yok, yani benimle konuşuyorsun!"

Bu sahne tamamen oyuncu tarafından doğaçlama yapılmıştır. Paul Schrader'ın senaryosu basitçe "Travis aynaya bakar" diyor.

Pezevenklerin toplu imha sahnesi, resimdeki en unutulmaz ve muhteşem sahne haline geldi. Yapımcıların isteği üzerine yönetmen, ekrana sıçrayan kanın çok parlak görünmemesi için renkleri gölgelemek zorunda kaldı. Aksi takdirde resim, kiralamayı önemli ölçüde sınırlayan bir "X" kategorisi alabilir. Travis'in fermuarlarının açılma sesinin genç Foster'ın kahramanıyla sonraki cinsel ilişkiyi ima ettiği bir başka tartışmalı çekim, kiralamanın Amerikan versiyonunda kaldı, ancak İngilizlerde kesildi.

"Taxi Driver"daki özel efektler, daha önce "The Godfather"ın ikinci bölümünde De Niro ile birlikte çalışmış olan Dick Smith tarafından gerçekleştirildi. Jodie Foster, "Genelevdeki katliam sahnesi ruhumu gerçekten kötü etkileyebilir," diyor. “Ama her şey çok iyi yapıldı. Kan kırmızı şurup ve kemikler Strafor. Ve bir kurşun bir kişiye çarpmış gibi göründüğünde içinden bir kan çeşmesinin sıçradığı başka bir pompa.

Efsanevi besteci Bernhard Herrmann filmin müziklerini yapmak istememiş ama Bickle'ın ekmeğin üzerine likör döktüğü sahneyi görünce fikrini değiştirmiş.

Herrmann, Taxi Driver için müzik kaydını bitirdikten birkaç saat sonra, Aralık 1975'in sonlarında öldü. Martin Scorsese filmini maestroya adadı.

Başlangıçta Columbia Pictures, bütçesi 2 milyon doları geçmediği takdirde filmi desteklemeyi kabul etti. Scorsese 1.3 milyonu vurdu ama patronlar resimdeki kanlı sahnelerin bolluğundan endişeliydi. Bu nedenle "Taksi Şoförü" nün galası 8 Şubat 1976'da Los Angeles'ta küçük bir tiyatroda gerçekleşti.

Scorsese, "Halkın ekrandaki şiddete nasıl tepki verdiği karşısında şok oldum" diye itiraf ediyor. - Sadece onay değil, aynı zamanda bir korku tadıydı ... Prömiyerde seyirci kan dökülen final sahnesinde ciyakladı. Filmi çekerken salondaki insanların: hadi bitirin şu işi! diye bağırmasını istemedim. Benim fikrim katarsisti, önce onlara evet, öldür dedirtmek ve sonra düşündükten sonra haykırmak istedim: hayır Tanrım, yapma! .. İşte bu yüzden neler olduğunu görmekten ve duymaktan korktum kamu.

Genelevdeki katliam sahnesi, Mayıs 1976'da Cannes Film Festivali'nde jüri başkanlığı yapan oyun yazarı Tennessee Williams'ın öfkesine neden oldu. Martin Scorsese'yi şiddeti şiirselleştirmekle suçladı. Açıklama bir skandala neden oldu, ancak Taksi Şoförünün Altın Palmiye ve ardından birkaç ödül daha almasını engellemedi.

İngiliz Film Akademisi, sosyeteye en iyi sosyeteye takılan ve yardımcı kadın oyuncu dalında Jodie Foster ödüllerini verdi. Bernard Herrmann, film müziği için (ölümünden sonra) Anthony Esquith Ödülü'ne layık görüldü. Foster ayrıca Venedik Film Festivali'nde "David di Donatello" özel ödülünü aldı.

Taxi Driver, Sinema Sanatları ve Bilimleri Akademisi tarafından En İyi Erkek Oyuncu (De Niro), Yardımcı Kadın Oyuncu (Foster), Müzik (Herrmann) ve En İyi Film (Philippe) dallarında aday gösterildi.

Scorsese, “Taxi Driver zor bir film ama biz onu sevgi ve sıkı çalışmayla yaptık” diyor. “Filmimizi kimsenin görmeyeceğini düşünmüştüm. Sadece Bobby, filmin hepimizin düşündüğünden daha başarılı olacağına dair bir önseziye sahipti.

"YILDIZ SAVAŞLARI"

(Yıldız Savaşları)

Yapım: "XX yüzyıl - Fox", ABD, 1977 J. Lucas'ın yazıp yönettiği. Operatör J. Taylor. Sanatçı J. Barry. Besteci J. Williams. Oyuncular: M. Hamill, X. Ford, K. Fisher, A. Guinness, P. Cushing, D. Prowse, E. Daniels, K. Baker, P. Mayhew ve diğerleri.

Yönetmen George Lucas, dünya sinemasının tanınmış bir klasiğidir. Ancak kariyerinin başlangıcı bulutsuz olmaktan çok uzaktı. 1976'da sadece iki uzun metrajlı filmi vardı: THX 1138 (1971) ve ticari açıdan çok başarılı American Graffiti (1973). 33 yaşındaki Lucas, üçüncü filmi "Yıldız Savaşları" sayesinde sadece dünya çapında ün kazanmakla kalmadı, aynı zamanda sinema tarihine de girdi.

Lucas uzun zamandır büyük bir uzay destanı yapmak istiyordu ama Hollywood patronları onun fikrini çılgınca buldu. Universal ve United Artistes dahil olmak üzere birçok büyük şirket, yönetmenin başvurusunu geri çevirdi. Sadece "XX yüzyıl - Fox" stüdyosu bir şans almaya karar verdi.

Lucas bir röportajda Star Wars'ın gelecekle ilgili bir bilim kurgu filmi değil, bir uzay fantezisi olduğunu söyledi. Grimm Kardeşler'e Kubrick'in başyapıtı 2001: A Space Odyssey'den çok daha yakın. Bunun en uygun tanımı eğlencedir. Ve çocuklara ve yetişkinlerin her birinde her zaman kalan o çocuksuluğa hitap ediyor.

Kozmik bir zorbaya karşı özel efektlerle dolu bir başkaldırı öyküsü, “Uzun zaman önceydi, bizden çok uzakta, Galaksinin enginliğindeydi” diye başlıyor.

Galaktik İmparatorluğun ücra bir gezegeninde yaşayan Luke Skywalker, gerçek dostlarından - ayrılmaz robotlar C-ZRO ve R2-D2'den, İmparatorluğun zulmüne karşı çıkan güzel Prenses Leia Organa'nın cesur yaşlıyı çağırdığını öğrenir. savaşçı Obi-Wan Kenobi yardım edecek. Luke, genç adamda "barışçıl İmparatorluk" günlerinden arkadaşının oğlunu tanıyan Kenobi'yi bulur.

Arkadaşlar galaksi boyunca asilerin üssüne aktarılır. Yolda onlara bir uzay serseri, lazer tabancalı bir tür kovboy olan Han Solo katılır. Garip maymun benzeri bir yaratık olan dev Chewbecca ona eşlik ediyor.

Ancak kısa süre sonra "kurtarma ekibi" İmparatorluğun korkunç silahı Ölüm Yıldızı tarafından ele geçirilir ve prenses, karanlığın kralı ve diktatör Darth Vader tarafından ele geçirilir.

Esirler, Vader'ın Kenobi'yi öldürdüğü cüretkar bir kaçış gerçekleştirir, ancak asilerin cesur ve kararlı eylemlerinin bir sonucu olarak, Ölüm Yıldızı zararsız hale getirilir ve Prenses Leia Organa kurtarılır. Doğru, Vader intikamdan kaçmayı başarır.

Lucas'a Star Wars'u yaratması için ilham veren kaynaklar arasında sadece eski güzel çizgi romanlar değil, aynı zamanda Akira Kurosawa'nın (Toshiro Mifune kabul edildi) “Gizli Kalede Üç Alçak” (1958) ve “The Bodyguard” (1961) filmleri de var. Kenobi'nin rolü), "Oz Büyücüsü" (1939), "İradenin Zaferi" (1936) Riefenstahl, "Metropolis" (1926) Lang, John Ford ve diğerleri tarafından "Arayanlar" (1956). George Lucas'ın senaryoyu yazarken mitolog Joseph Campbell ve yazar Carlos Castaneda'nın eserlerini incelediği iddia ediliyor. Başka bir efsaneye göre Lucas, Star Wars yapımına hazırlanırken 2. Dünya Savaşı it dalaşlarının belgesel görüntülerini izleyerek saatler geçirdi.

George Lucas, sonunda kahramanları Luke Skywalker ve Prenses Leia Organa'yı tanıdığı Mark Hamill ve Carrie Fisher'ı görene kadar düzinelerce genç oyuncu izledi.

Hollywood sanatçıları Eddie Fisher ve Debbie Reynolds'ın kızı olan Carrie ünlü olamayacaktı ve okuldan sonra spiker olarak okumak için Londra'ya gitti. Star Wars'a tesadüfen girdi: “George Lucas tarafından yazılan diyalogların metnini başka kimse hızlı bir şekilde telaffuz edemezdi. Her ikinci kelime uyduruldu - hiperpatlar, Jedi'lar ve gerçekte var olmayan diğer şeyler.

Han Solo rolü için Christopher Walken, Nick Nolte, Kurt Russell ve daha pek çok kişi düşünüldü. Harrison Ford, Star Wars'ta rol almayacaktı. Lucas, bir arkadaşından seçmelere yardım etmesini istedi. Ford senaryoyla dalga geçmeye başladı ve sonunda bu karaktere alaycı bir hava verildiği için Han Solo rolünü üstlendi. Ve kabul edilmelidir ki, Ford'un canlandırdığı korkusuz ve asil maceracı, resmin tartışılmaz başarılarından biridir.

Ünlü İngiliz tiyatro ve sinema oyuncusu Alec Guinness kurnazlıkla cezbedildi - senaryo soyunma odasına atıldı. Oyuncu, sahneye çıkacağı beklentisiyle senaryoyu okumaya başladı ve kendini kaptırdı. Sör Alec, menajerinin tavsiyesine rağmen Obi-Wan Kenobi rolünü hemen kabul etti çünkü "bir Japon samuray ve büyücü Merlin'in karışımını oynama şansını kaçıramazdı."

Resimdeki en sıra dışı karakter, insansı maymun Chewbecca'dır. Derisinin altında, daha önce Yorkshire Hastanesinde hademe olarak çalışmış olan Peter Mayhew vardı. 221 santimetre boyundaki dev sandalyesinden kalkarken George Lucas, "Yeter, kabul edildin" diye mırıldandı.

Peter, "İlk postum, kabarıklık için eklenmiş yakı kılı ile yapıldı," dedi. -Vücudun dış hatlarının gözükmemesi için omuzlardan bele kadar lastik astar giydim. Spot ışıklarının altında, sıcaktan ölüyordum.

Galaktik İmparatorluğun Kötülüğünün temsilcisi Tarkin rolünde sayısız Drakula ile tanınan aktör Peter Cushing'in ortaya çıkması şaşırtıcı değil.

Resimde, esprili bir şekilde sunulan alıntılardan oluşan bir saçılma. 1930'ların çizgi roman ikilisi Stan Laurel ve Oliver Hardy'yi anımsatan iki robottan, bir batı barının galaksiler arası bar parodisine. Belki de sinemada ilk kez komik, komik yaratıklar olarak robotlar insanlara tehlikeli durumlarda yardım ediyor. Robotlardan birinin adı Lucas tarafından American Graffiti'yi düzenlerken, yardımcısı Walter Murch ondan R2-D2 olarak kısaltılan ikinci makara Geei 2, dialog 2'yi teslim etmesini istediğinde seçildi.

Anthony Daniels (C-ZRO) ve Kenny Baker (R2-D2) rollerini gerçek bir şevkle oynadılar.

Lucas filmi Geoffrey Unsworth'un yönetmesini istedi ama o meşguldü. Sonra Gilbert Taylor'ın adaylığı vardı. Filmin çoğu, yüksek görüntü kalitesi sağlayan 1950'lerin Vistavision kamerasıyla çekildi.

Mart 1976'da film ekibi, Tatu gezegeninin manzarasının inşa edildiği Tunus'a geldi. Çöl, konukları korkunç bir fırtına ile karşıladı. Neredeyse tüm dekorasyonlar yok edildi, onları restore etmek bütün bir gün sürdü.

Sağlık durumunun kötü olmasına rağmen Lucas kendini veya başkalarını esirgemedi. Grubu günde 10-15 saat çalıştı, sonra izledi, uyumak için dört saatten fazla yoktu. Minimum sayıda çekimle idare edilmesi gereken en zor bölümlerde, çekimler aynı anda altı kamera ile gerçekleştirildi.

Teknoloji sürekli bozuktu. Radyo kontrollü model Art-to-Dee-tou, operatörün sinyallerini almayı reddetti. Hamill tek başına o günlere dair mutlu anılara sahip: “Sürat teknemde oturuyordum, yanımda robot kostümlü Tony Daniels vardı. Film ekibini avucumla kapattım ve kendimi gerçekten Tatooine'de buldum.

Carrie Fisher ve Mark Hamill, pratik olarak yedek oyuncuların yardımına başvurmadı ve hilelerin çoğunu kendileri yaptı.

Tunus'a yapılan zorlu bir film gezisinden sonra herkes Londra'da olmaktan memnundu. Lucas, Elstrin Studios'taki uzay gemilerinin iç mekanlarını tasarladı.

Özel efektler, George Lucas tarafından kurulan Industrial Light and Magic tarafından gerçekleştirildi. 1977'de John Dykstra, Alva Miller ve Jerry Jeffries, Star Wars'ta öncülük eden bir elektronik kamera kontrol sistemi geliştirdikleri için ödüle layık görüldü. George Lucas nesneleri öyle hareket ettirdi ki, olan bitenin gerçekliğinden kimsenin şüphesi olmasın.

Star Wars müziği John Williams tarafından yazılmıştır. Londra Senfoni Orkestrası'nı kendisi yönetti.

Resmin ilk versiyonu George Lucas tarafından Ocak 1977'de sunuldu. Luke ile bazı sahnelerin Kaliforniya çölünde yeniden çekilmesi gerekiyordu. Ve burada neredeyse Mark Hamill'in hayatına mal olan bir kaza oldu. Arabanın ön camından uçarak yüzünü parçaladı.

Star Wars 25 Mayıs 1977'de gösterime girdi. Yapımcılar, özellikle içinde tek bir yıldız olmadığı için filmin başarısız olacağından emindi. 20th Century Fox sadece 40 sinema salonunun desteğini aldı. Ancak film hafta sonu 1,5 milyon dolar hasılat yaptı. İnanılmaz olan oldu: Birkaç ay sonra Amerika ve ondan sonra tüm dünya “yıldız çılgınlığı” tarafından ele geçirildi.

Bununla birlikte, eleştirmenler başlangıçta belki de başarılı özel efektlere dikkat çekerek filmi soğuk karşıladılar. Fizik yasalarının ihlal edildiğine dair birçok şikayet yapıldı. Örneğin, bir ışık demeti kaynaktan bir metre uzakta kopamaz ve sıfır yerçekimindeki galaktik gemiler gürültüyle patlamamalıdır.

Lucas'ın ilk basın toplantısına şu sözlerle başlaması tesadüf değil: “Beyler, uzayda sesin duyulmadığını çok iyi biliyorum. Ve şimdi sorularınız.

Uzay destanı, yaratıcılarına 322,8 milyon dolar kazandırdı (yaklaşık 11 milyon bütçeyle). Film on Oscar'a aday gösterildi ve altı kategoride (kurgu, müzik, ses, görsel özel efektler, kostümler, sanatçı) kazandı.

Star Wars'ta ana karakter yoktur, çünkü başrol karakterlerinden her biri kendi yerini talep edebilir. Film eleştirmenleri bunun hakkında bir kereden fazla yazdılar. Kenobi'yi yüceltirseniz, Amerikalı edebiyat eleştirmeni Frank McConnell'e göre film, "kralın ölümü, kurucunun ölümü ve yeni bir düzenin doğuşu hakkında eski bir hikaye" olacak. Arsa Luke ile bağlantılıysa, o zaman başka bir eski plana dönüşür - "gelecekteki bir şövalye olan genç bir adamın, medeniyetin korunmasıyla ilgili olgun bir adamın haklarına ve görevlerine adanması hakkında."

Bunu Han Solo'nun bakış açısından da düşünebilirsiniz ve ardından film, "hayatını değerli kılan davranış ve ahlak yasalarını öğrenen açık sözlü bir dönek hakkında" eski bir destana benziyor. Ford'un kahramanı geleneksel bir kovboya benziyordu - her zaman güvenebileceğiniz ve sizi hiçbir koşulda hayal kırıklığına uğratmayacak nazik, dürüst, akıllı bir adam.

Aksiyonun ana aktörleri olarak robotlar alınırsa, "gerçek kahramanlık ve gerçek korkaklık parodi yoluyla gösterildiğinde" olay örgüsü yeniden eski bir kahramanlık efsanesine dönüşecektir.

Filmin olağanüstü gişe başarısının gizemine bu yaklaşımla, "Kenobi epik bir kahraman, Luke romantik bir kahraman, Solo ("küçük erkek kardeş" Chewbecca ile) melodramatik bir kahraman, robotlar hiciv arketipleri. "

Lucas'ın filminde, İyi İmparatorluğun "iyi adamları", Kötü İmparatorluğun "kötü adamlarına" karşı ışın kılıçlarıyla savaşır. Birkaç yıl sonra ABD Başkanı Ronald Reagan, Sovyetler Birliği'ni Şeytan İmparatorluğu olarak adlandırırken bu sinematik görüntüleri kullandı ve Amerika doğal olarak ahlaki idealin merkezinde yer aldı. Lucas'ın filminin adı, insanlığa yönelik en korkunç tehditlerden biriyle ilişkilendirildi.

Yıldız Savaşları'nın devamı, diğer yönetmenler tarafından yönetildi ve Lucas, şirketi Industrial Light and Magic için genel yönetmenlik ve özel efektler sağladı.

Uzay destanı The Empire Strikes Back (1980) ve Return of the Jedi'ın (1983) beşinci ve altıncı bölümleri ilk dizinin neredeyse tekrarıydı, yönetmenler Lucas'ın tüm bulgularını saklamaya çalıştı. Her zaman olduğu gibi yeni karakterler ortaya çıktı, özel efektlerin üst düzeyde olduğu ortaya çıktı.

Empire Strikes Back'in yönetmenliğini Irvin Kershner üstleniyor. Ekranda görünen Luke Skywalker'ın akıl hocası bilge Yoda, hikayeye gerekli ironiyi getiriyor.

İlk üç bölümde Darth Vader'ın kara pelerini altında İngiliz vücut geliştirmeci David Prowse saklanıyordu. Doğru, dövüş sahnelerine katılmadı ve güçlü İngiliz aksanı nedeniyle Vader'ı seslendirmedi. Sonuç olarak, Sith'in lideri üç yüzlü hale geldi: David Prowse görkemli pozlar aldı, siyah aktör James Earl Jones metni okudu ve profesyonel kılıç ustası Bob Anderson bir kılıç kullandı. İkincisi, Prowse'dan çok daha kısaydı, bu yüzden platform botları giyiyordu.

5. bölümde olay örgüsü beklenmedik bir şekilde değişiyor: Filmin ana kötü adamı Darth Vader'ın aslında Luke Skywalker'ın babası olduğu ortaya çıkıyor! Lucas bu sırrı galaya kadar sakladı. Uzun yıllar Dart oynayan David Prowse bile bunu bilmiyordu.

Altıncı bölüm üzerinde çalışırken Lucas, bir tür röportaj çektiğine dair bir söylenti çıkardı. Senaryo sınıflandırıldı, çekimlerden önce oyunculara getirildi. Filmin adının "Jedi'ın İntikamı" olması gerekiyordu, ancak daha sonra Jedi'ların intikam almamasına karar verdiler ve filmin adını "Jedi'ın Dönüşü" (yönetmen Richard Marquand) olarak değiştirdiler. Burada Luke Skywalker nihayet babasıyla bir düelloda karşılaştı ve ahlaki bir zafer kazandı. Bu dizide masal bölümleri geniş bir yer kaplıyor, komik bir orman insanı ortaya çıkıyor - ewoks.

Dizi boyunca, Han Solo birbiri ardına başarı sergiliyor ve finalde kurtarılan Galaksinin sakinlerinin minnettarlığını ve en nazik prensesin sevgisini kazanıyor. Neyse ki, Ford rolünü "ciddiye" almamak için yeterince mizah anlayışına sahipti, bu nedenle mükemmel Luke'un yanında, mükemmelden uzak Solo özellikle kazanıyor...

Filmlerin gişe başarısı önemliydi. Empire Strikes Back 228 milyon dolar, Jedi'ın Dönüşü ise 264 milyon dolar hasılat elde etti. Star Wars'ın zaferi, 20th Century Fox'u olası bir iflastan kurtardı.

1970'lerde Lucas bir röportajda, senaryo malzemesinin miktarı Leo Tolstoy'un Savaş ve Barış romanındakiyle karşılaştırılabilir olduğu için dokuz film çekmeyi planladığını söyledi. Ama sonra altı bölümde durmaya karar verdi. Lucas, ilk üç Star Wars serisini çektikten sonra bir sonraki üçlemeyi on yıl içinde yayınlayacağını duyurdu. Ama sözünü tutmadı.

1997 yılına kadar George Lucas, bir Star Wars prequel bölüm I, II ve III'ü çekmeye başlayacağını duyurdu. Aynı zamanda Lucas, 1970'lerde teknik nedenlerle çekemediği birkaç sahneyi ekleyerek ve sesi dijital formatta kaydederek ilk üçlemeyi yeniden yayınladı.

20 yaşındaki Star Wars, herkesi şaşırtacak şekilde rakiplerini gişe tablosunun zirvesine çıkardı. Lucas'ın şu anda 2.000 ekranda gösterilen ilk çocuğu 138,2 milyon dolar hasılat elde etti ve 780 milyon dolar hasılat açısından Spielberg'in "ET" filmini geride bıraktı. Üçlemenin yeniden düzenlenen ikinci ve üçüncü filmleri sırasıyla 67,6 milyon dolar ve 45,4 milyon dolar hasılat elde etti.

Prequel'i yaratırken zorluk, I, II ve III bölümlerinin IV, V ve VI bölümlerinden daha modern görünmesi gerekmemesiydi. Lucas, ilk üç filmin karakterlerini, ortamlarını ve koyu renklerini yavaş yavaş ve titizlikle olay örgüsüne ve resimsel dolaşıma sokmak zorunda kaldı.

Star Wars: Episode I: The Phantom Menace'i çekerken Lucas büyük fırsatlar yakaladı. Film yıldızlarını davet etti: Natalie Portman, Ewan McGregor ve Liam Neeson. Yoda ve iki robot sağlam kaldı. Film 19 Mayıs 1999'da gösterime girdi. Yalnızca ABD'deki ücretler 431 milyon doları buldu.

Güncellenen döngünün ikinci serisinin adı Star Wars: Episode II: Attack of the Clones. Bütçe - 140 milyon dolar.

Görsel konsept sanatçısı Doug Chiang ve yapım tasarımcısı Ian McCaig, klonlamanın gerçekleştiği yağmurlu Kamino ve kızıl gezegen Geonosis gibi yeni dünyalar yaratmakla görevlendirildi. Ayrıca bilinen dünyaları - Tattoo in, Naboo, Coruscant'ı canlandırmak ve düzene sokmak gerekiyordu.

Lucas, Anakin Skywalker rolü için binlerce aday arasından Toronto'dan bir televizyon oyuncusu olan Hayden Christensen'i seçti. Amidala - Natalie Portman ile organik olarak eşleştirilmiş görünüyordu. Mekan çekimleri Tunus, İtalya ve İspanya'da gerçekleşti.

19 Mayıs 2005'te Lucas uzay destanı "Yıldız Savaşları: Bölüm III: Sith'in İntikamı" nın (115 milyon dolar bütçeli) kronolojideki üçüncü ve son bölümünün dünya prömiyeri gerçekleşti. Bu filmde ana sır ortaya çıktı: akıl hocası Obi-Wan Kenobi ile tartışan soylu Jedi Anakin Skywalker'ı kabus gibi Sith Darth Vader yapan şey.

Revenge of the Sith'in yayınlanmasının ardından George Lucas, Star Wars temasının nihayet kapandığını açıklayarak üç bölüm daha çekmeyi planladığı yönündeki söylentileri çürüttü.

Merakla, oyuncular arasında sadece Anthony Daniels (C-3RO) ve Kenny Baker (R2-D2) Star Wars'un altı bölümünde yer aldı.

Lucas, özel efekt filmlerinin büyük karlar getirebileceğini göstererek gerçek bir atılım yaptı ve bu politika, Amerikan sinemasının geleceğini birçok yönden değiştirerek Hollywood'un gelecek on yıllar boyunca önceliklerini belirledi. Gençler sinema salonlarının ana izleyici kitlesi haline geldi.

İngiliz televizyon kanalı British Sky Premiere'in izleyicileri arasında yapılan bir ankete göre, Star Wars sinema tarihinin en çok izlenen filmi. 1999'da 162.000 kişi ona oy verdi. İkincisine Titanik adı verildi. Ardından Rüzgar Gibi Geçti ve Kazablanka melodramları geldi.

"MARIA BROWN'UN EVLİLİK"

(Die Ehe der Maria Braun)

Yapım: Almanya, 1979. Senaryo yazarları R. V. Fasbinder, P. Frolich, P. Martesheimer. Operatör M. Ballhaus. Sanatçılar X. Ballhaus, N. Scherer. Besteci P. Raben. Oyuncular: X. Shigulla, K. Loeish, I. Desny, K. Holm, E. Trissenaar, G. John ve diğerleri.

Alman yönetmen Rainer Werner Fassbinder'in Hanna Schigulla'nın oynadığı ilk filminin adı "Aşk ölümden daha soğuktur" idi. 1960'ların ortalarında bir oyunculuk okuluna giriş sınavlarında tanıştılar. Münih Üniversitesi Filoloji Fakültesi öğrencisi ilginç bir meslek arıyordu. On yedi yaşındaki Fassbinder, tiyatro sanatında kesin bir reform hayali kuruyordu.

Bir süre sonra yolları ayrıldı, ancak 1967'de, aktrislerden biri olan Fassbinder ile geçirdiği bir kazadan sonra, Müzayede Tiyatrosu'ndaki galadan iki gün önce Shigulla'ya Antigone rolünü teklif etti. Kabul etti. Yönetmenin 1982'de ölümüyle sona eren bu uzun soluklu işbirliği böylece başlamış oldu.

Hanna Schigulla ve Rainer Werner Fassbinder'in hikayesi uzun süredir sinema tarihinin bir parçası. 1969-1980'de ortak filmlerinden ondan fazla gösterime girdi. Hanna, Fassbinder'in yıldızı oldu, ancak ekibinin bir parçası olmadı. Bunun için açıklamasını buluyor: “Bunu farklı bir şekilde yapamazdım. Kendimi garip hissederdim. Takıma uyum sağlamak benim için zor değil ama içinde tamamen erimek - hayır, bu bana göre değil. Bu benim doğam, ben hiç bir takım insanı değilim. Elimde değil.

Shigulla, gangsterlerin, hizmetçilerin, gece kulüplerinden şarkıcıların kız arkadaşlarının rolünü oynadı. Fassbinder aktrisine değer verdi, bazen sevdiklerine ihanet etmek zorunda kalsa da, her zaman parlak bir kahraman olan umut imajını kişileştirdi.

Büyük bir ticari başarı, "Effie Briest" (1972-1974) resminin payına düştü. Theodore Fontane'nin romanından uyarlanan, yönetmenin bütün bir dönemin, bütün bir neslin, bir kadının kaderinin öyküsünü gözler önüne sermeyi başardığı muhteşem film uyarlaması, sadece Alman seyircisinde değil, dünya sinemasında da büyük beğeni topladı. Shigulla ve Fassbinder hakkında ulusal kahramanlar olarak yazıldı. Ancak oyuncu, resmi yaratıcı yenilgisi olarak değerlendirdi. Fassbinder'in tüm talimatlarını yerine getirmesine rağmen, kahramanını daha fazla ifade ve duygu baskısı ile oynaması gerektiğine inanarak, onun rolü yorumlamasına içten içe karşı çıktı. Ve Reiner yeni planlar yapmaya başladığında, Hannah ona "Yeter" dedi. Yönetmen için bir şoktu. Yolları tam dört yıl boyunca ayrıldı.

Shigulla sinemayı bırakmaya karar verdi, üniversiteden mezun oldu, hatta tezini yazmaya başladı ama sonra sinemasız yaşayamayacağını anladı. Yine de sete dönmek için hiç acelesi yoktu. Fassbinder uzlaşma yolunda ilk adımı attı. 1977'de Reiner ona The Marriage of Mary Brown'ın senaryosunu gönderdi.

Fassbinder'in tüm filmleri şu ya da bu şekilde geçmişin ve bugünün tarihini, toplumun parlaklığını ve yoksulluğunu, insanların kariyerini ve çöküşünü yansıtıyor. Bunun için ona genellikle "Alman Balzac" denir. Yönetmenlik stratejisini üç unsur üzerine kurdu: dramaturji, oyuncu, konu ortamı.

Shigulla şöyle hatırlıyor: "Senaryoyu aldıktan sonra homurdandım:" Ne hikaye! "Kesinlikle başka bir yönetmen, genel olarak kitsch unsurlarından yoksun olmayan böyle bir resim yapamazdı." Yine de Fassbinder'in teklifini kabul etti ve pişman olmadı: Bu rol, onun en iyi film çalışması olmaya mahkumdu. Shigulla daha önce hiç bu büyüklükte bir görüntüyle karşılaşmamıştı.

Maria Braun'un Evliliği, Alman tarihinin savaş sonrası dönemine ve sözde "ekonomik mucize" zamanına adanmış bir üçlemenin (1981'de Lola ve 1982'de Veronica Foss'un Özlemi) ilk bölümüdür. Adenauer dönemi. Fassbinder, sayısız maddi zorluğun üstesinden gelmeyi başaran, ancak manevi değerlerini ve hümanist ideallerini israf eden Almanya'nın gelişiminin sapkınlığını göstermek istedi. Reiner, "Kendime bakıyorum, kendim neredeyim - Alman olduğum için ülkemin tarihinde," dedi.

Mary Brown'ın Evliliği, 1945'ten 1955'e kadar on yılı kapsar. Savaşın sonunda Maria tatil askeri Hermann Braun (Klaus Lowisch) ile evlenir. Hayali mutluluğu için savaş tarafından sadece bir buçuk gün serbest bırakıldı. Brown cepheye döner. Yakında faşist Reich çöktü. Maria, kocasının ölüm haberini alır. Amerikan ordusunda bir subay olan siyah bir Amerikan Bill ile tanışır. Ama Herman Brown aslında hayatta kaldı. Maria zaten bir Amerikalıdan hamileyken esaretten döndü. Bill'i öldürür ve Herman karısının suçunu üstlenir ve hapse girer. Maria çocuktan kurtulur.

Şimdi, Maria'nın iddialı düşünceleri, sanayici Oswald'ın (Ivan Desny) yardımıyla yapmayı planladığı bir kariyerle bağlantılıdır. Girişimci Frau, metresi ve şirket sekreteri olur.

İş, Maria Brown'ın gerçek tutkusu, hayatının özü ve içeriği haline gelir. Gardiyan, Maria'nın kocasıyla yaptığı ziyareti yarıda keserek, "Süreniz doldu," diyor. "Yanılıyorsun, benim zamanım daha yeni başlıyor," diye meydan okurcasına cevap verir. Mary'nin serveti artıyor. Hapishaneden çıktıktan sonra karısına layık olmak isteyen Herman, çalışmak için denizaşırı ülkelere gider.

Birkaç yıl sonra buluşurlar. Maria, kocasına söyleyeceği sözleri düşünerek evin içinde koşuşturur. Maria bir gaz ocağından bir sigara yakar ve gazı kapatmayı unutur. Ve ev havalanır.

Eleştirmenler, resmin sonu hakkında çok tartıştılar. Bazıları, kahramanın ve kocasının ölümünün bir kaza olduğuna inanırken, diğerleri onun intihar etmeye karar verdiğine inanıyordu. Her halükarda, bu trajik son, kadın kahramanın yanlış idealler ve altın buzağı arayışıyla mahvolmuş hayatının doğal bir sonucu olduğu ortaya çıktı.

Hanna Shigulla kendine göre heyecan verici, canlı ve trajik otantik bir kadın imajı yarattı.

Rus film eleştirmeni G. Krasnova, "Maria Braun'un tarihi, Alman idealizminin tarihidir" diye yazıyor. İdeal ve gerçeklik keskin bir şekilde ayrılmıştır. Bana öyle geliyor ki Fassbinder, Alman karakterinin özünü, rüya ile gerçeklik arasındaki boşluğu çok doğru bir şekilde aktarmayı başardı. Maria bir yandan kocası hakkında iç çekerken, diğer yandan duyulmamış bir verimlilik gösteriyor. Yolunda karşılaşan herkes onun boyun eğmez iradesine itaat eder. [...] Maria Braun'un hikayesi, alışılmadık bir kadının ve alışılmadık bir kaderin hikayesidir, ancak Fassbinder, kahramanın karakteri aracılığıyla Almanya'nın savaş sonrası gelişiminin ana özelliklerini çok doğru bir şekilde göstermeyi başardı.

Fassbinder küstah bir adamdı ve aklına gelen fikirler bazen çok beklenmedikti. Yaratıcı heyecanını diğer insanlara bulaştırma konusunda ender bir yeteneğe sahipti. Sitede arama ve yeniliklere izin verilmemiştir. Olan her şey planının çerçevesine uymak zorundaydı.

Fassbinder aynı sahneyi elli kez çekebilirdi, ancak aynı zamanda senaryo tarafından sağlanan kameranın konumunu değiştirmedi, sadece oyunculardan performansın doğruluğunu istedi. “Her planı bir noktadan çekiyorum çünkü sadece bu pozisyon benim hayal gücüm ve ahlakım için kabul edilebilir. Bazı yönetmenlerin aynı sahneyi farklı açılardan çekmelerini ve sonra kurgu masasında en iyi olduğunu düşündükleri şeyi seçmelerini garip buluyorum. Bu doğru değil".

“Setteyken,” diyor Shigulla, “kasıtlı olarak trajik ve komik unsurları dengelemeye çalıştı. Trajik bir bölüm çekiyorsak, o zaman kesinlikle içinde komik özellikler bulmaya ve vurgulamaya çalıştı. Ve tam tersi, komik sahnelerde trajik yanlar buldu. Belki de bu yüzden bu film en geniş izleyici kitlesi ile başarılı oluyor.

Editör Thea Amesh, başka bir ilginç özelliği fark etti: Fassbinder, onu, sonraki her kare beklenenden saniyenin onda biri kadar geç görünecek şekilde filmleri monte etmeye zorladı ve bu, görüntünün "plastik şekillendirilebilirliği" konusunda özel bir izlenim elde etti.

Maria Brown'ın Evliliği prömiyerini 20 Şubat 1979'da Batı Berlin Uluslararası Film Festivali'nde yaptı. Film, Fassbinder ile on dokuz filmde birlikte çalışan aktris Hanna Shigulla'nın en büyük başarısıydı.

Resmin küresel başarısına rağmen, yönetmen ile Amerika'da "ikinci Marlene Dietrich" olarak anılmaya başlanan yıldızı arasında gerginlikler ortaya çıktı.

1979'da Batı Berlin'deki uluslararası film festivalinde oyuncu en iyi kadın oyuncu ödülünü aldığında ve yönetmen sadece Altın Ayı'ya aday gösterildiğinde, ilişkilerinde yeni bir soğuma başladı. Ayrıca Shigulla, İtalyanlardan özel bir "David di Donatello" ödülü aldı. Shigulla, "Başarım ilişkimize fayda sağlamadı" diyor ve ekliyor: "Herkes Fassbinder'ın kim olduğunu gerçekten ancak ölümünden sonra anladı."

The Marriage of Maria Brown'ın başarısından ilham alan Fassbinder, Shigulla'ya Lily Marlene'de bir rol teklif etti. Film, alışılmadık bir kaderi olan ünlü şarkıcı Lala Anderson'ın anılarına dayanıyor. Kabare şarkıcısı, duygusal şarkı "Lili Marlene" (filmde Hanna Shigulla tarafından söyleniyor) performansı sayesinde bir gecede ünlendi. Gösterişsiz sanatını Nasyonal Sosyalizm fikirlerinin propagandasına tabi kılarak faşist dönemin bir idolüne dönüştü.

"Lily Marlene" filmi, Fassbinder ve Shigulla arasındaki son işbirliğiydi. Tartışmanın resmi nedeni paraydı: Hannah, filmin dayandığı yer olmasına rağmen, ortağından daha az maaş alıyordu.

Yönetmen bu zamana kadar kokainin yıkıcı gücünü çoktan öğrenmişti. İlk başta çok mutluydu, sonra bunalıma girdi. Fassbinder uyuşturucu almanın tehlikelerini anladı. Adenauer üçlemesini tamamlayan Veronika Foss' Hasret (1982) filminde, ünlü eski Alman sinema oyuncusu Sibylla Schmitz'in kadın kahramanı uyuşturucu bağımlısıdır ve her şeyini kaybeder - aile, şöhret, servet, iş...

Reiner, ölümünden kısa bir süre önce Meksika'da Shigulla'nın izini sürmeye çalıştı. Rosa Luxembourg hakkında bir film sahnelemeye karar verdi ve şimdiden en sevdiği aktris için bir sözleşme hazırlıyordu. Bu planlar gerçekleşmeye mahkum değildi: Fassbinder, 10 Haziran 1982'de sabah saat üç ile beş arasında bir yerde (resmi versiyona göre - "beyin damarlarının tıkanmasından", ama aslında bir ilaçtan) aniden öldü. aşırı doz) 37 yaşında. Ölümünden bir yıl önce, "Görüldüğü gibi, tüm küreselliği içinde Almanya'yı temsil edecek bir düzine film daha yapacak kadar uzun yaşamayı umuyorum" dedi.

Mary Brown'ın Evliliği gerçekten mükemmel bir resim, sanat ve ticaretin "yüksek melodram" türünde birleşiminin başarılı bir örneği.

"Şimdi Kıyamet"
(Şimdi Kıyamet)

Yapım: Zoetrope Studios, ABD, 1979. J. Milius tarafından yazıldı. Yönetmen F. F. Coppola. Kameraman V. Storaro. Sanatçı D. Tavularis. Besteci K. Coppola. Oyuncular: M. Sheen, M. Brando, D. Hopper, R. Duvall, F. Forrest, X. Ford, S. Bottoms, A. Hall, L. Fishburne ve diğerleri.

Francis Ford Coppola, The Godfather'ın iki bölümünün kiralanmasından büyük bir gelir elde ederek, destansı Vietnam destanını Mart 1976'da çekmeye başladı. Coppola, Vietnam'daki "kirli savaş" hakkında dürüst bir film yapmayı planladığını belirtti.

John Milius senaryoyu 1969'da yazdı. Buna "Psychedelic Soldier" adı verildi. Senaryo, Joseph Conrad'ın Belçika Kongo ormanlarında bir kötülük ve şiddet kültüyle bir cüce imparatorluğu kuran bir fildişi tüccarını anlatan "In the Heart of Darkness" hikayesine dayanıyor. John Milius, eylem zamanını geçmişten bugüne taşıdı.

Senarist, “Her şey başladığında, savaşa karşı bir film değildi,” diye hatırlıyor, “insan doğasının hayvani tarafını gösteren apolitik bir filmdi. Film adeta savaşın tam ortasına daldı ve izleyiciye şöyle dedi: “Şimdi her şeyi göreceksiniz, şimdi savaşın hasadını, tüm dehşetini göreceksiniz - ara vermeden içine dalacaksınız. ”

Francis Ford Coppola, The Godfather'ın iki bölümünü yönetti ve ardından Vietnam Savaşı'nı konu alan filme geri döndü.

Kıyamet Şimdi Yeşil Bereliler bölümünün eski komutanı Albay Kurtz'un birliğiyle Kamboçya'ya taşınmasının ve ormanda kendi "imparatorluğunu" kurarak onun diktatörü olmasının hikayesini anlatıyor. Amerikan komutanlığı, genç kaptan Willard'a asi albayı iade etmesi ve itaatsizlik durumunda onu yok etmesi talimatını verir. Willard'ın yolculuğunun iniş çıkışları, yol boyunca tanık olduğu ve katıldığı savaşlar, Kurtz'la karşılaşması ve albayın öldürülmesi Apocalypse Now'ın olay örgüsünü oluşturur.

Kaptan Willard rolü için ilk tercih Steve McQueen'di. Bu sırada senaryonun adı "Üçlü Kıyamet" idi. Coppola, helikopter pilotu da dahil olmak üzere üç karakterin kaderini takip etmek istedi. Ancak daha sonra planlar değişti.

Kaptan Willard Harvey Keitel olarak başladı, ancak iki hafta sonra Coppola onun yerine Martin Sheen'i aldı.

Harrison Ford'un karakterine, aktörün American Graffiti (1973) ve Star Wars (1977) filmlerinde ünlü olduğu yönetmen George Lucas'ın onuruna Lucas adı verildi. Ford, “Apocalypse'i izleyen insanların çoğu beni hiç hatırlamıyor” diyor. - İlk sahnelerden birinde rol aldım - Michael Sheen'in kahramanına emir veren bir albayı canlandırdım. Coppola birkaç kez daha büyük bir rol üstlenmem için bana yalvardı... Sonsuza kadar Filipinler'de sıkışıp kalmak istemedim."

Denis Hopper, Vietnam Savaşı'na tanık olan efsanevi fotoğrafçı Tim Page'den ilham alan bir savaş fotoğrafçısını canlandırdı. Kıyamet'te muhabir, T. S. Eliot ve R. Kipling'in şiirlerinden alıntı yapıyor.

Resim Filipinler'de çekildi. Başkan Marcos, gruba savaş helikopterleri sağladı. Bu sırada ordusu isyancılarla savaştı ve pilotlar sürekli olarak cepheye geri çağrıldı. Mürettebatın başı dertteydi. Kurtz'un milyon dolarlık imparatorluğu, Mayıs 1976'da takımadaları kasıp kavuran bir tayfun tarafından yok edildi. Çalışma birkaç ay boyunca kesintiye uğramak zorunda kaldı.

"Kıyamet" setinde Vietnam'daki gibiydi - her şey göz önünde yapıldı ve herkes buna katıldı. Sam Bottoms açıkça LSD, esrar kullandı. Martin Sheen sık sık sarhoş olur. Willard karakterinin bir otel odasında tek başına uyuşturulduğu bölümün çekimleri sırasında Martin gerçekten sarhoştu. Bir aynayı kırdı ve elini kesti, ardından çığlık atarak Coppola'ya saldırdı.

Her şey Martin Sheen'in kalp krizi geçirerek hastaneye gitmesiyle sona erdi. Mümkün olduğunca, bir yedek oyuncu ile değiştirildi - Martin'in erkek kardeşi genellikle bu rolü oynadı.

Coppola'nın kendisi sinir krizi geçirdi. Daha önce izin vermediği pek çok şeye izin verdi: çok miktarda sigara içti, esrar kullandı.

Yönetmen sadece zihinsel olarak değil fiziksel olarak da aşırı derecede tükenmişti. Eşi Eleanor, Francis Ford'u kurtarmak için uçtu (bu arada, festivallerden birinde ödül alan "Apocalypse ..." yapımı hakkında bir belgesel film yaptı).

Küçük Kurtz rolünü oynayan Marlon Brando, bir milyon dolarlık avans aldı. Coppola, film yıldızının Conrad'ın hikayesini okuyacağını, rolü hazırlayacağını ve tamamen hazırlıklı olarak Filipinler'e geleceğini umuyordu.

Oyuncu çekimlere geç kaldı. Yönetmenin dehşetine göre, Marlon'un kahramanı hakkında çok az fikri vardı, ayrıca çok şişman geldi - 123 kilo ağırlığındaydı ve Conrad'ın hikayesinde albay uzun ve zayıf.

Buna karşılık Marlon Brando, çekime vardığında yönetmeni depresif bir durumda bulduğunu hatırladı: Coppola, operatörle tartıştı, filmi nasıl kuracağını bilmiyordu, senaryonun korkunç olduğuna inanıyordu. Brando konuyu Conrad'ın romanına geri getirmeye karar verdi. Senaryoda Walter Kurtz'un rolü otuz sayfalık sürekli diyalogdan oluşuyordu, romanda neredeyse mitolojik bir imgeydi. Coppola, Brando'nun tekliflerini karşılamaya gitti. Ekranda Vietnam Savaşı'nın getirdiği kabusun tüm gerçek dışılığını simgeleyen bir kahraman belirdi.

"Apocalypse Now", adeta savaşın çılgınlığının ve dehşetinin vücut bulmuş hali haline gelen çarpıcı görüntülerle başlıyor. Bir Amerikan helikopter filosu, Vietnam'ın huzurlu bir köyünü napalm ile yakar... Wagner'in Nibelungen hakkındaki operasından "Ride of the Valkyries"in tehditkar sesleriyle, çılgın pilotlar kadınları ve çocukları bile kovalar, cinayetten, korkudan ve ölüm.

Eleştirmenler, yönetmenin savaşın dehşetini göstermedeki ifadesine dikkat çekti - bu, hem ifade gücü, film çekme ve düzenleme kapsamı hem de film teknolojisindeki en son gelişmeleri kullanan çok kanallı stereofoni ile elde edildi. Coppola, cehennem gibi bombalamaların dehşetini göstermeyi başardı.

ölümcül ateş

Coppola, "Savaş sahneleri sırasında normal konuşamadım: Etraftaki her şey ateş ediyor, cıvıl cıvıl, vızıldıyordu" diye hatırlıyor. - Buna kendim karar verdim: sette yaşadığım her şeyi filmimde aktarmalıyım. Sonuçta, Vietnam'da muhtemelen daha da kötüydü. Bu yüzden, Marlon Brando'nun Albay Kurtz olarak ruhunu dökmeye başladığı noktaya kadar her şeyi olduğu gibi bıraktım. Bana daha yakın ve daha kolay gelecek sıradan bir insan dramı çekebilirdim. Ama ben farklı bir karar verdim. Vietnam Savaşı'nın nasıl bir şey olduğunu duygusal düzeyde göstermenin benim görevim olduğunu hissettim. Ve bunun anlamı - bir gümbürtü, kesintisiz bir helikopter gürültüsü, ateş etme, hoparlörler, gürleyen rock and roll, uyuşturucu deliryumu ... "

Burada Eleanor Coppola'nın günlüğünden alıntılar yapmak uygun olacaktır. Örneğin, Francis'in "Milius'un senaryosuna göre çekim yapmaya devam edemeyeceğini çünkü fikirlerini ifade etmediğini" kaydetti. Yan karakterler konusunda ise Coppola tamamen net ama Kurtz ve Willard'ın görüntüleri hiçbir şekilde çözüm bulmuyor.

8 Eylül 1976 tarihli bir yazı merak uyandırıcıdır: “Basit bir çözüm olmadığını yeni anladı. Tıpkı neden Vietnam'da bulunduğumuz sorusunun net bir yanıtı olmadığı gibi. Ne zaman senaryonun altında yatan anlamı çıkarmaya çalışsa, içinden çıkılmaz bir çelişkiyle karşı karşıya kalır, çünkü savaş bir çelişkidir. Ve insanın kendisi çelişkilerden örülmüştür. Keşke kendimizle ilgili gerçeği kabul edebilsek ve içimizde var olan çelişkiler, aşk ve nefret, barış ve şiddet arasında bir denge bulabilsek... "

Marlon Brando'nun son monologunun 45 dakika sürdüğü söyleniyor. Ancak Coppola, Kurtz gibi bir karakterin özel muameleye ihtiyacı olduğuna inanıyordu. Kurtz neredeyse bir yanılsamadır. Albayın imajı yalnızca gizem üzerine kuruludur. Bu nedenle "Kıyamet" te Kurtz gün ışığında görünmez. Ya tamamen karanlıkta ya da meşalelerin titreyen ateşiyle zar zor aydınlanıyor. Hep yarı gizli, hep karanlıkla aydınlığın sınırındadır. Ve bu sadece albayın kendisinin değil, aynı zamanda sözünü ettiği fikrin de bir özelliğidir. Ne de olsa Kurtz'un son sözleri Conrad'ın karakterininkilerle aynı: “Korku! Korku!.."

Bu korku onun ana "fikridir" ama aynı zamanda içinde rol aldığı atmosferdir. Coppola'nın filmindeki Kurtz'un "imparatorluğu"nun kareleri izleyeni şok edebilir. Direklerde her yerde kopmuş insan kafaları var ve insanlar diri diri asılı ya da ağaçlara çömelmiş acıdan öldüler. Kurtz Sarayı ve "imparatorluğu", soykırımın vücut bulmuş hali olan bir korku diyarıdır.

Çalışmanın sonunda yönetmen anlamsal bir çıkmaza girdi. Filmi nasıl bitireceğini bilmiyordu. Eleanor, kabilelerden birinin ritüel sırasında bir hayvanı nasıl kurban ettiğini anlatarak kurtarmaya geldi. Boğanın öldürülmesiyle paralel olarak gösterilen Willard'ın Albay Kurtz'u öldürme sahnesi, Coppola'nın filmindeki en etkileyici sahnelerden biri oldu.

Filipinler'e film gezisi altı hafta olarak tasarlandı ve on altı ay sürdü. United Artists'in milyonları hızla tükendi ve Coppola, The Godfather'dan elde ettiği geliri kullanmak ve ardından mülkü için büyük meblağlar borç almak zorunda kaldı. Filmin bütçesi yaklaşık 32 milyon dolardı.

Çekimler Ağustos 1977'de tamamlandı. Coppola, emrinde 200 saatlik çalışma malzemesi aldı. Düzenleme ve seslendirme yaklaşık üç yıl sürdü.

"Apocalypse Now" filmi üzerindeki yorucu çalışma Francis Ford Coppola, Mayıs 1979'da Cannes Film Festivali'ni tamamladı. Bu zamana kadar, filmin bir felaket ve Coppola'nın deli olduğunu ilan eden düzinelerce makale çıktı.

Birçokları için resim çok kasvetli, karmaşık ve düşünce açısından belirsiz görünüyordu. Ancak Apocalypse Now Altın Palmiye'yi kazandı. Bir basın toplantısında Coppola, eleştirmenleri Cannes'a getirdiği düzenlemenin nihai olmadığı ve resmi nasıl tamamlayacağına henüz karar vermediği konusunda uyardı. İlk versiyonda, Kurtz'u öldüren Willard, büyük bir yerli kalabalığıyla tanışmak için dışarı çıktı. Cinayet, tropik çalılıklarda dans ve müzik eşliğinde muhteşem bir kutlamanın zemininde işleniyor. Bir katilin özü haline gelen bir şenlik. Willard, bundan sonra ne yapacağını düşünür gibi evin eşiğinde durdu. Kalabalık, yeni bir hükümdarın önündeymiş gibi onun önünde diz çöktü. Willard, Kurtz'un çılgınlığı onu ele geçirdiği için şaşkınlık içinde duruyor.

Ancak bu son, Coppola'nın memnuniyetsizliğine ve şüphelerine neden oldu. Seyirciler de filmin son derece garip, kendi bakış açılarından hayal kırıklığına uğradılar.

Ağustos 1979'da Moskova Film Festivali'nde yönetmen Apocalypse Now'ı farklı bir sonla getirdi. Kurtz'un evinden ayrılan Willard, eşikte birkaç saniye oyalanır ve ardından kanlı bıçağı bir kenara atarak teknesini bıraktığı nehre iner. Yoluna çıkanlar da silahlarını bırakıyor. Willard, deliler tarikatının yeni tanrısı olmayı reddeder. Coppola, Moskova'daki muhabirlerine "Willard'a ayrılma fırsatı verdik" dedi.

Apocalypse Now, 15 Ağustos 1979'da ABD'de prömiyer yaptı. Yerel halk ve eleştirmenler, her şeyden önce filmin kapsamı, ölçeği, destansı ve en yüksek teknik seviyesi karşısında şok oldular. "Apocalypse..." sekiz Oscar adaylığı aldı, ancak daha az prestijli iki aday kazandı: En İyi Ses ve En İyi Sinematografi (Vittorio Storaro).

Coppola, "Film alkışlanmıyor, seyirci sinemalardan kasvetli, hatta bazen depresif olarak ayrılıyor" izlenimlerini paylaştı. - Ama - ve bu benim için en önemli şey - filme gidiyorlar. Şimdiye kadar hem biçim hem de içerik basit olmasa da nakitten daha fazlası. Böyle bir film de para getirebilirse çok mutlu olurum. Böyle bir durumda yeni nesil bu tür filmlerin çıkması umulmaktadır, yönetmenler korkusuzca ciddi konuları ele alacaktır.

11 Mayıs 2001'de Coppola, Cannes Film Festivali'nde filmin tam versiyonunu sundu. Yönetmen kararını "Kullanılmayan çok fazla malzememiz kaldı - her şeyi orijinal versiyona koyamadık" dedi. “O zamanlar filmin iki buçuk saatten fazla sürmeyeceğine inanılıyordu.”

Filmin uzunluğu 54 dakika artarak şu an 3 saat 16 dakika.

Elbette filmin ilk versiyonunda yer almayan sahneler en güçlü duyguları uyandırıyor. Bunlardan birinde, Willard'ın ekibi, bir Fransız ailesinin yaşadığı ormanda kaybolan bir çiftliğe düşer (Christian Marcan ve Aurora Clement'in oyunculuk çalışmasına dikkat edilmelidir). Coppola, soyulmuş bir biçimde filme sığmayacağını düşünerek bu sahneyi hariç tuttu. Ve şimdi kısaltmalar olmadan monte etmeye karar verdim.

Coppola, "Bence bugün bu sahne kulağa yeni bir şekilde geldi, filme alışılmadık bir anlam kazandırdı" diyor. "Bu, Tarihin büyük harfle yansıması, Fransız ve Amerikan Güneydoğu Asya'yı fethetme girişimleri arasında bir paralellik..."

Now "Apocalypse Now" bir dünya sineması klasiğidir. İngiliz dergisi "Site and Sound" ve Danimarkalı "Ekran", Coppola'nın başyapıtını son yirmi beş yılın en iyi filmi olarak kabul etti.

"TENEEK DRUM"
(Die Blechtrommel)

Yapım: Almanya-Fransa, 1979. Senaryo Yazarları: J, - K. Carrière, F. Schlendorf, G. Grass'ın romanından uyarlanmıştır. Yönetmen F. Shlendorf. Operatör I. Luther. Besteci M. Jarre. Sanatçı P. Dadzinski. Oyuncular: D. Bennent, M. Adorf, A. Winkler, D. Olbrychsky, K. Talbach, T. Engel ve diğerleri.

Günter Grass'ın ünlü romanından uyarlanan "Teneke Davul" filminde 20. yüzyılın ilk yarısında Almanya'nın tarihi karikatürize görüntülerin yuvarlak bir dansında geçiyor.

Grass'ın düzyazısını beyaz perdeye aktarma fikri 23 Nisan 1977'de Alman yönetmen Volker Schlöndorff'tan geldi. Sonra günlüğüne şunları yazdı: “Bugün ilk kez Teneke Davul'u okudum ve bu romandan yola çıkarak bir film hayal etmeye çalıştım. Ruh olarak çok Alman bir fresk olduğu ortaya çıkabilirdi. Dünya tarihine aşağıdan ve oradan bakın, bu düzeyde onunla temasa geçin, bir gencin algısıyla birbirine bağlı büyük ölçekli, sansasyonel olayları gösterin. Çekimler on beş ay sonra başladı.

Teneke Davul'un içeriği iyi bilinmektedir.

1924'te bir kolonyal eşya dükkanının sahibi Alfred Macerath ile evlenen Agnes, annesinin rahminden ayrılmak istemeyen bir erkek çocuk doğurdu ve yalnızca yetişkinlerin ona teneke bir davul verme vaadi onu bir şekilde barıştırdı. dünyaya girmek gerekiyor. Üç yıl sonra Oscar gıpta ile bakılan davulu aldı ve aynı gün asla büyümemeye karar verdi. Bunun için mahzenin arızasına atlamaktan çekinmedi.

Oscar'ın ergenliği ve gençliği faşist diktatörlük yıllarına denk geldi. Bu zamana kadar, cam nesneleri havaya uçurmak için delici bir çığlıkla ender bir yetenek gösterdi. Cüce, etrafındakileri korkutmayı severdi.

Oskar, gerçekte babasının kim olduğunu tam olarak bilmiyordu - dükkan sahibi Macerat mı yoksa amcası Vronsky mi? Her halükarda, ailenin üç yaşlı üyesi de birbirleriyle iyi geçiniyor, akşamları iskambil oynamak için bir araya geliyorlardı.

Agnes'in ölümünden sonra, Oscar'ı baştan çıkaran hizmetçisi Maria onun yerini aldı. Doğum tarihinden sonra, Macerat'ın oğlu değil torunu olan en büyük Kurtchen bebeği doğdu. Ama görünüşe göre yaşlı adamın kendisi bundan haberi bile yoktu.

Bir gün cüce Bebra, Oskar'a sanatçı olmasını tavsiye etti ve onu Nazi patronlarına hizmet ettiği sirke davet etti. Grupta cüce, küçük uyurgezer Roswitha ile tanıştı ve ona aşık oldu. Ancak bombardıman sırasında sevgilisi öldü ... Kahraman, Sovyet birlikleri tarafından Nazilerden kurtarılan memleketi Danzig'e döner.

Alfred Macerath, olayların özünü araştırmadan yalnızca dışsal gidişatı takip edebildi. Hitler iktidara geldiğinde duvardan Beethoven'ın bir portresini kaldırır ve yerine Hitler'in bir portresi dikilir. Ama yıllar geçer, zaman yeniden değişir. Ve babam yine duvara Beethoven'ın bir portresini asıyor.

Filmin en sonunda Alfred ve Oscar kazananlara bakmaya karar verdiler. Fetiş sevgisi yaşlı Matzerath'a pahalıya mal oldu. Oğlunun elinde bir Nazi rozeti görünce rozeti yanağının arkasına saklamaya karar verdi ama boğularak öldü.

Oscar'lar yeniden yükselmeye başladı. Ve bilge büyükanne ve Kurtchen ile birlikte trenle batıya gidiyor.

Tabii ki, en ayrıntılı yeniden anlatım, Teneke Davul'un normal insanların dünyasını temelde reddeden bir cücenin gözünden görülen tuhaf dünyasını yeniden yaratamaz.

İmge ve dil açısından en karmaşık olan Günter Grass'ın romanı beyaz perdeye kayıpsız aktarılamadı. Film üzerindeki çalışmalar tüm hızıyla devam ederken, Schlöndorff acı bir şekilde malzemeye çok fazla bulmacanın, sembolün ve gizemin nüfuz ettiğini, içinde çok az somutluk olduğunu, sinemada çok sevdiği şeyin - doğallık ve gerçek olduğunu fark etti.

Sonunda, yönetmen ve senarist Carrier nihayet orijinal kaynaktan uzaklaştı ve kendini özgür hissetti.

Yazarlar, kahramanın annesinin anlayışıyla başlayan resmin mantığına göre inşa ederek bireysel sahnelere odaklandılar; sonra kadının rahminden doğumu gösterildi - sanki her şeyi görüyormuş gibi. Büyümek istemeyen bir kahramanın hayatının iniş çıkışları, annesinin her biri kendini babası olarak gören biri Polonyalı diğeri Alman iki adamla olan ilişkisinin hikayesiyle serpiştirildi.

Almancılar arasında, ana karakter Oscar Macerath'ın imajının nasıl yorumlanacağı konusunda bir fikir birliği yoktur. Bazıları onu bir aptal olarak görüyor, diğerleri - bir bilge, diğerleri - "çocukça Nazizm" in vücut bulmuş hali, dördüncüsü - bir asi ve bir devrimci. Volker Schlöndorff, karaktere tamamen beklenmedik bir yorum getirdi. “Oscar'ı tarihimizde 1968 sonrası dönemin bir peygamberi olarak gördüm. İnatçı protesto, gerçekliği değiştirmenin gerçek olasılıklarını görmeyi tamamen reddetmekle birleştirilir. Hayır, Oskar bir terörist değil ama Baader-Meinhof grubunun insanları da doğuştan terörist değil. Ancak Batı Almanya'nın kabusu haline geldiler."

Yazarlar, faşist Almanya'nın suçlu, çirkin ve sefil dünyasını bir cüce yardımıyla teşhir etmek için renklerden kaçınmıyorlar. Karikatür resimlerin yuvarlak dansına Sovyet askerleri de dahil oldu. Macerat ailesinin saklandığı bodrum katına girerler. Ve doğudan gelen asker intikam alıyor...

Schlöndorff, romanın aksiyonunun geçtiği Teneke Davul'u filme aldı - demiryolu seti ile tramvay hattı arasındaki banliyö: bir kilise, bir okul, bir bira fabrikası, birkaç dükkan ... "Bu mikro kozmos, Oscar için tüm dünya" yönetmen notları. Bu dünyayı elinden geldiğince bir davul sesiyle uyandırdı.

Volker Schlöndorff, resmi oluşturmak için Almanya, Fransa, İsviçre ve Polonya'dan ünlü aktörleri kendine çekti...

Angela Winkler, Oskar'ın annesi Agnes Macerath rolünü oynadı. "Uzmanlığı" her zaman acı çeken kadın kahramanlar olarak kabul edilen aktrisin trajikomediye hiç de yabancı olmadığı ortaya çıktı.

Agnes'in doğumuna katkıda bulunan koşullar merak uyandırıyor. Annesi Anna Vronskaya tarlada barışçıl bir şekilde patates pişirirken aniden iki iri jandarma tarafından takip edilen küçük bir adam fark etti. Kaçağı eteklerle örttü ve jandarmalar dışarı çıkmak zorunda kaldı. Dokuz ay sonra Anna Vronskaya, Agnes'i doğurdu. Kız bir solucan deliği ile doğdu. Acı onu kemiriyordu ve dikkatini dağıtmak için her hafta ünlü cücenin babası olduğu anlaşılan kuzenini ziyaret ediyordu. Agnes tekrar hamile olduğunu öğrenince oldukça garip bir şekilde intihar etti - uzun süre açgözlülükle balık yedi.

Agnes Macerath, koca ve sevgilinin barış içinde bir arada yaşadığı üçlü bir aile birliğinin üyesi olarak ironi ve alay konusu oluyor. Angela Winkler'ın görüntüsünde, daha çok dünyayla karmaşık ilişkilere karışmış trajikomik bir figür olarak görünüyor. Korkunç ölümü, hem gerçekliğe karşı bir protesto hem de yeni ucubeler üretmeyi reddetme.

The Tin Drum'da Oskar'ın babası ve Agnes'in kocası Alfred Macerath önemli bir rol oynuyor. Nasyonal Sosyalizm fikirlerinin yayılması için bir üreme alanı haline gelen Alman darkafalılığını sembolize ediyor.

Mario Adorf'u bu role davet eden Schlöndorf, onu görünüşünü değiştirmeye zorladı. Siyah saç yerine sallanan sarı bir perçem ortaya çıktı ve Alfred Macerath'a dalgın bir bakış attı. Genellikle hareketlerde keskin olan oyuncu yavaşladı. Başkalarının onu parmağının etrafında daire içine alması zor değil. Agnes'in kendisini kuzeni Jan ile aldattığını fark etmez.

Daha sonra eleştirmenler, Adorf'un inanılmaz çizgi roman yeteneğinin, hayatı boyunca başkalarını dolandırmanın hedefi olan ve taptığı Führer'in rejimiyle birlikte ölmekte olan sokaktaki bir Alman adamın renkli bir portresini yaratmasına yardımcı olduğunu not edecekler.

12 yaşındaki David Bennent de filmin başarısına katkıda bulundu. Onun adına, eski Danzig - Gdansk'ın yeni tarihinin arka planına karşı ailenin hayatı hakkında bir hikaye anlatılıyor.

David Bennent, bir aktör ve dansçının oğludur. 9 Eylül 1966'da İsviçre'de doğdu ve Almanya ve Fransa'da yaşadı. Bennent, filmin rekorlar kitabına erotik bir sahneye katılan en genç sanatçı olarak girdi. Gelecekte, David iyi bir oyuncu oldu.

Teneke Davul 3 Mayıs 1979'da gösterime girdi. Cannes'da Altın Palmiye alan film, Amerikan Film Akademisi (Oscar), Japon Film Akademisi ve Los Angeles Film Eleştirmenleri Derneği tarafından yılın en iyi yabancı filmi seçildi.

"The Tin Drum" un Almanya ölçeğindeki gişe başarısı tek kelimeyle muhteşemdi: üç milyon kişi izledi.

"DELİ BOĞA"

(Azgın boğa)

Yapım: Chatof-Winkler Productions, ABD, 1979. Senaryo P. Schrader ve M. Martin'e ait. Yönetmen M. Scorsese. Operatör M. Chapman. Sanatçı J. Rudolph. Film, P. Mascagni'nin müziğini kullanıyor. Oyuncular: R. De Niro, C. Moriarty, J. Pesci, F. Vincent, M. Gallo, N. Colasanto ve diğerleri.

"Öfkeli Boğa" lakaplı profesyonel boksör Jake La Motta'nın otobiyografisine dayanan bir film yapma fikri Robert De Niro'ya ait.

La Motta, 1949'da en iyi orta sıklet boksör unvanını kazandı. Amerikalı eleştirmenlerden birine göre, boksörün ana rakibi ... kendisiydi. La Motta'nın boyun eğmez, skandal doğası, ona hem özel hayatında hem de profesyonel sporlarda çok fazla sorun çıkardı. Suç dünyasıyla bağlantısı, sonunun başlangıcıydı. Hapishanede yattıktan sonra, La Motta gece kulüplerinde Shakespeare okuyarak hayatını kazanmaya başladı.

İtalyan kökenli Amerikalı bir boksörün hikayesi, De Niro üzerinde o kadar güçlü bir etki bıraktı ki, hemen biyografisini çekmeyi düşündü.

Aktör, "Kitabı en başından beri beğendim, bazı güzel sahneler vardı" diye hatırlıyor. "İyi bir sahnede dram, ironi ve mizah vardır ve bir kişi için önemli olan, Marty ve benim anladığımız anlamda önemli olan bir şey vardır."

Marty, yönetmen Martin Scorsese'dir. De Niro, okuması için ona La Motta'nın otobiyografisini verdi. Ancak "Raging Bull" un yönetmeni ilgilenmedi.

Dört yıl geçti. Scorsese için işler pek iyi gitmiyordu. Karısından boşandı ve son filmi New York, New York gişede başarısız oldu. 1978 sonbaharında Martin iç kanama nedeniyle hastaneye kaldırıldı. Doktorlar uyuşturucu almasını yasakladı.

Hastaneye gelen De Niro, La Motta'nın biyografisinden bir kez daha bahsetti: “Dinle Marty, bir kitaptan uyarlanan ilginç bir film yapabilirsin. Neden çıkarmıyorsun?"

Bu sefer Scorsese kabul etti. Daha sonra şöyle hatırladı: “Her şey parçalanıyordu ve ben çok kötüydüm. Durumumu ifade edebileceğim bu projeye sahip olduğum için şanslıydım ... Ondan önce birkaç yıl çılgın bir yaşam tarzı sürdüm ve bu, Raging Bull'da yoğun bir ifade buldu. Zor, zor bir resim ve muhtemelen kadınlardan çok erkekler için. Bilmiyorum… Ben sadece doğru olduğunu düşündüğüm şeyi yaptım…”

Scorsese'nin yakın arkadaşı Mardik Martin tarafından yazılan senaryonun ilk taslağı rafa kaldırıldı. Scorsese, işbirliği yapması için Taxi Driver yazarı Paul Schrader'ı getirdi. Senarist coşkuyla çalışmaya başladı. Genel olarak senaryosu onaylandı, ancak projeyi finanse eden United Artistes stüdyosu, La Motta'nın kirli bir suçtan hapse girdiği bölümün kaldırılmasını talep etti - Miami'deki gece kulübüne reşit olmayan kızları işe aldı ... La Motta başlıyor mastürbasyon yapmak, sırayla tüm kadınlarını hatırlamak. Ancak birdenbire onlara ne kadar acımasız davrandığını anlayınca heyecanı uçup gidiyor. Eski boksör beceriksiz eline kızmaya başlar ve bir öfke nöbeti içinde onu hücrenin duvarına vurur. Schrader, bu üç sayfalık sahnenin yaratıcı biyografisinin en iyilerinden biri olduğuna inanıyordu.

Sonunda, Scorsese ve De Niro işe koyuldu. Senaryoyu rahat bir ortamda yeniden yazdıkları St. Martin adasında (Karayipler) üç haftalık bir tatil geçirdiler. Ancak yazarları yine de Paul Schrader ve Mardik Martin idi.

Raging Bull'daki kilit rollerden biri Jake La Motta'nın kardeşi Joey rolüydü. De Niro, "Ölüm Koleksiyoncusu" filminden hatırladığı Joe Pesci'yi bu role terfi ettirdi.

Personelden sorumlu müdür yardımcısı Sne Korman La Motta'nın ikinci eşi Vicki rolü için yaklaşık yüz aktrisi değerlendirdi. Joe Pesci, on yedi yaşındaki Cathy Moriarty'yi denemeyi önerdi. Scorsese, sosyeteye takdim edilen kişinin bu zor rolle başa çıkabileceğine karar verdi. Moriarty, üç ay boyunca oyunculuğun temellerini inceledi. Kızın yetenekli olduğu ortaya çıktı ve her şeyi anında kavradı.

Raging Bull'a hazırlanırken Scorsese, boksla ilgili birkaç 8 mm film çekti. Onlara bakan Michael Powell aniden şöyle dedi: "Boks eldivenleri kırmızı olmamalı." Söz, resimlerinde kırmızı rengin baskın olduğu bir adamdan geldi... Ancak Scorsese haklı olduğunu kabul etti ve kameraman Michael Chapman, parlak rengin görüntüleri küçülttüğünü söyledi.

Raging Bull'un çekimleri Nisan 1979'da California'da, Madison Square Garden spor sarayının salonu olarak donatılmış bir stüdyo setinde başladı.

De Niro, mükemmel bir atletik formu korudu. Çekimlere giden iki yıl boyunca boksla uğraştı. Scorsese, 1977'de "New York, New York" tablosu üzerinde çalışırken, De Niro'nun molalar ve tren sırasında karavanına nasıl gittiğini hatırlıyor. Raging Bull'u çekmeden kısa bir süre önce Robert, Sylvester Stallone'dan bir koç "ödünç aldı". De Niro'nun zor bir oyunculuk görevi vardı: karakterini hayatının farklı dönemlerinde oynamak. La Motta, gençliğinde boks ringinde ve ötesinde başıboş dolaşan taşralı bir çocuktur. Film, spor mücadelelerini yıl, şehir, partner adı ile gösteriyor.

De Niro sık sık gerçek La Motta ile çıkıyordu. Ünlü boksör, oyuncuya yengeci andıran alçak bir duruş öğretti ve bu da şampiyonun korkunç darbelere dayanmasına yardımcı oldu. De Niro yetenekli bir öğrenci olduğunu kanıtladı. New York Daily News muhabirine konuşan La Motta, "Bobby birinci sınıf bir dövüşçü" dedi. "Ve şaka yapmıyorum. Otuz beş yaşında ama on dokuz yaşındaki biri gibi hareket ediyor ve vuruyor. Oyunculuğu bırakmaya karar verirse onu bir boks şampiyonu yapacağım."

De Niro, yüzüğün bir köşesine bir kum torbası asmayı önerdi. Scorsese ve grup diğer köşede çekim yapmaya hazırlanırken, onu şiddetle dövdü. De Niro, sanki birkaç tura katlanmış gibi çoktan köpürdüğünde, karşı köşeye geçti ve kameraman kamerayı açtı. Sonuç etkileyiciydi: Ekranda oyuncu, izleyicinin şüphe duymadığı bir şekilde boks yaptı: evet, bu gerçekten harika bir atlet.

Ses efektleri Frank Warner tarafından yapıldı ("Üçüncü Türden Yakınlaşmalar", "Taksi Şoförü") Çok ketum olduğu ortaya çıktı ve hatta daha sonra bulduklarını kimse kullanmasın diye tüm malzemeleri yaktı. Sadece puanlama için kavun ve domates kullandığı biliniyor.

Yüzüğün dışında, La Motta aile skandalları çıkardı. Ve gerçek hayatta, filmdekinden bile daha sert davrandı.

Raging Bull'daki en önemli bölümlerden biri, kıskançlık tarafından tüketilen Jake'in kardeşi Joey'i karısı Vicki ile yatmakla suçladığı bölümdür. Her şey yeterince masum bir şekilde başlıyor, kardeşler Jake'in evinde televizyonun karşısına oturmuş şundan bundan bahsediyorlar.

De Niro, "Sahne güçlü bir izlenim bırakıyor" diyor. - Ev eşyaları, televizyon, her türlü saçma sapan konularda gevezelik ve sonra birden alında bir soru: “Karımı düzdün mü?” Tam sette bu sahneyle karşılaştık. Denemeye karar verdik - ya karakterler TV izlerse? Bu kadar küçük bir ev detayı ama ondan kirli bir oyun beklemeye başlıyorsunuz. Görünüşe göre atmosfer sakin, izleyici huzurlu, ama sonra kıskançlıktan kör olan Jake, kardeşine saldırıyor ve onu dövmeye başlıyor ... Ve birden Joey'in karısı Vicki ile gerçekten yattığı ortaya çıktı ... "

Joey ve Jake arasındaki kavga, bir boksörün hayatındaki birçok aile içi çatışmadan biridir. De Niro sahneyi çekerken o kadar karaktere büründü ki ortağı Joe Pesci'nin kaburgasını kırdı. Neyse ki yaşanan talihsiz olay, oyuncular arasındaki dostluğu bozmadı.

Film eleştirmeni Elena Kartseva'nın belirttiği gibi, “filmin tarzı zıtlıklar üzerine kurulu: kaba içerik ve zarif mizansen; ışık ve gölge, boks maçlarının sağır edici gürültüsü ve samimi sahnelerin pamuksu sessizliği. Ancak kahramanın spor yıldızı aşağı yuvarlanırken, sanki bir ses alıyor, daha yüksek ve daha yüksek bir ses çıkarıyor.

Bir sonraki kare "Miami, 1956" başlığıyla açılır, yani o kader düellosunun üzerinden altı yıl geçmiştir. Jake ekranda göründüğünde, bu şişkin şişman adamda eski şampiyonu tanımak zordur.

De Niro'nun inanılmaz dönüşümüne hayran olmamak elde değil. Yaşlı bir boksör imajı yaratmak için en zor yoldan gitti: kasıtlı ve ısrarla kilo almaya başladı.

Aralık 1979'da De Niro 23 kilo almıştı! Scorsese, "Bobby o kadar kiloluydu ki, bir nöbet sırasında astımlı gibi nefes alıyordu" diyor. - Tabii artık otuz kırk çekim çekemezdim. Üç ya da dört, artık yok. Bob farklı bir insana dönüştü."

De Niro böyle alışılmadık bir hareketi "Oyunculuğumda öylece rol yapamam," diye açıkladı. Evet, sinema bir yanılsamadır ve birinci yasası rol yapmaktır ama bana göre değil. çok meraklıyım Kahramanım olarak tamamen reenkarne olmak istiyorum. Şişman bir insanın nasıl hissettiğini merak ediyorum. Sağlığımı izleyen doktor, deneyin durdurulmasını talep etti. Bazı küçük tansiyon bozukluklarım var. Ama pes etmedim ve yoluma devam ettim.

La Motta'nın boks kariyerinin bitiminden sonra bıraktığı tek şey, şiddetli mizacıydı. Jake beklenmedik bir şekilde yanlış bir suçlamayla hapse atıldığında, yumruklarını hücre duvarına vurur ve “Ben bir hayvan değilim! Ben bir hayvan değilim!"

Hapishanede yattıktan sonra, La Motta kendisinin işkence görmüş bir parodisi haline geldi. Gece kulüplerinde Shakespeare'in televizyon oyunlarını okuyarak geçimini sağlıyor. Scorsese, eski boksörün sahneden Richard III'ten bir parça okumasını istedi, ancak filmin yönetmeni Michael Powell itiraz etti: Bu, Amerikalı bir boksör hakkında bir Amerikan filmi ve Shakespeare burada yersiz. Scorsese, Elia Kazan'ın On the Port adlı dramasından bir parça almak zorunda kaldı.

Son kare bizi filmin başına, 1964'teki New York'a götürüyor. Orada, şovmen olarak oynadığı küçük bir kabarenin sahibi olan gerçek hayattaki Jake LaMotta, bir belgesel kurgusunda görünüyor. Burada prototipine çok benzeyen Robert De Niro, sahneye çıkmadan önce soyunma odasında bir aynanın önünde duruyor. Aynı anda yaptığı birkaç güçlü boks saldırısı, tüm dış dönüşümlerine rağmen kahramanının özünde değişmediğini gösteriyor.

Scorsese, resmi bir araya getirmek için acı verecek kadar uzun bir zaman harcadı. Bu sefer bestecinin hizmetlerini reddetti. Filminde İtalyan Pietro Mascagni'nin "Cavalleria rustikana" operasından "Intermezzo" müziğinin yanı sıra 1940'lar-1960'ların popüler şarkılarını kullandı. Üstelik her şarkı La Motta'nın hayatının belirli bir dönemine karşılık geliyordu ve o dönemde radyoda çalmayan hiçbir kamera arkası melodisi yoktu.

Raging Bull, New York'ta 14 Kasım 1980'de, son kurgu tamamlandıktan sadece dört gün sonra prömiyerini yaptı.

İncelemeler çok iyiydi. Steven Spielberg, "Öfkeli Boğa'daki bazı sahneler beni gerçekten çok etkiledi" dedi. "Kulak misafiri oluyormuş gibi hissettim. Dikizlediğim hissi ... Ve tüm bunlar ekranda değil, gerçek hayatta ve gerçek insanlarla ... "

Resmi gördükten sonra gerçek Jake LaMotta, ne kadar korkunç bir insan olduğunu artık anladığını söyledi. Filmin sloganı istemeden akla geliyor: "Sadece kör olduğumu biliyorum ve ancak şimdi görüşümü geri kazandım."

Scorsese, De Niro ve editör Thelma Schoonmaker filmi Avrupa festivallerinde uzun bir tura çıkardı. Hemen hemen her yerde onları sıcak bir karşılama bekliyordu. Raging Bull, 1981 Berlin Film Festivali'nin açılışını yaptı.

Akademi Ödülleri 30 Mart 1981 Pazartesi günü sahiplerini bulacaktı. Önceki yıllardan farklı olarak, bu sefer tanınmış bir lider yoktu ve adaylıklar birkaç film arasında paylaştırıldı: Raging Bull, Miner's Daughter, The Elephant Man ve Ordinary People. Raging Bull ve The Elephant Man sekizer, The Miner's Daughter ise yedi adaylık aldı.

31 Mart'ta De Niro en iyi erkek oyuncu, Thelma Schoonmaker ise editör seçildi. Gelecek vadeden oyuncular Joe Pesci ve Cathy Moriarty'nin Amerikan Film Akademisi ödüllerini talep etmeleri dikkat çekicidir.

Entertainment Weekly tarafından yapılan bir ankete göre "Azgın Boğa" sinema tarihinin en iyi filmleri listesinde beşinci sırada yer aldı. ESPN, son 25 yılın spor filmleri arasında ikinci sırada yer aldı.

"YABANCI"

(E.T.: Dünya Dışı)

Yapım: Universal Pictures, ABD, 1982. Senaryo S. Spielberg'in fikrinden M. Matheson'a ait. Yönetmen: S. Spielberg. Operatör A. Davu. Besteci J. Williams. Sanatçı JD Bissell. Oyuncular: G. Thomas, R. McNaughton, D. Barrymore, Dee Wallace-Stone, P. Coyote, K. K. Martel, S. Fry, T. Howell ve diğerleri.

Ünlü Hollywood yönetmeni Steven Spielberg, "Alien"ın çocukluk anılarına dayanan en kişisel filmi olduğunu belirtti. Konu nihayet yönetmenle birlikte 1980'de Tunus'ta "Raiders of the Lost Ark" filminin çekimleri sırasında şekillendi. Sahra çölünde Spielberg kendini yalnız ve depresif hissetti, kum fırtınalarını, uçakları, uçurtmalarını, kavgaları filme aldı ... “Muhtemelen o zaman, bir akşam gerçekten bana gökten bir şey indi ve küçük bir iyilik şeklinde ruhuma yerleşti. -doğalı uzaylı” diye hatırlıyor yönetmen.

Spielberg fikrini senarist Melissa Matheson ile tartıştı. Ona göre, Spielberg'in kafasında "dünya dışı bir varlık" imajının neredeyse oluşturulmuş olmasına rağmen senaryo zordu: "Konuyu birlikte geliştirdik. Daha önce gösterilen tüm işgalcilerin aksine, uzaylıyı arkadaş canlısı olarak gördüm. Stephen, yaratığın empati uyandırmasını ve çocuklara hitap etmesini istedi. Ek olarak, uzaylının boyu küçük olmalıdır. Nasıl bir boynu var? Bir deftere bir şeyler çizmeye çalıştım ve içeri bakan Stephen, bir kaplumbağa gibi eğlenceli bir şekilde boynunu kaldırdı; birbirimize baktık ve sorun kendiliğinden çözüldü.”

Filmin konusu sinemaseverler tarafından çok iyi bilinmektedir. Bir grup bilim adamı, ormana inen dünya florasının uzaylı kurtarıcılarının izini sürdü. Keşfedilmekten korkan uzaylılar, bir mürettebat üyesini unutarak uçup gitti. Talihsiz uzaylı, Elliot adlı çocuk tarafından bulundu. Çocuk, herkesten gizlice, çirkin bir yabancıyı evine getirdi ve bir süre sonra ağabeyi Michael ve küçük kız kardeşi Gertie'yi onunla tanıştırdı. Pek çok maceradan geçen çocuklar, komik yaratığın gezegenlerine dönmesine yardım eder.

Filmin orijinal adı "E.T.: The Extra-Terrestrial" (kelimenin tam anlamıyla: "I.P. Ino the Planetary"). Bu nedenle, uzaylıya farklı diyoruz - Iti (İngilizce "ET" den) veya Ip ("uzaylı" kelimesinden).

"Alien" da neredeyse tüm roller genç sanatçılar tarafından oynandı. Geleceğin Hollywood yıldızı olacak yedi yaşındaki Drew Barrymore, Gertie'nin kız kardeşini oynaması için davet edildi. Spielberg onunla Poltergeist için bir ekran testinde tanıştı. Kız anında yönetmeni büyüledi. Spielberg, "Gertie rolü için pek çok aday arasından geçtim, ancak Drew Barrymore ortaya çıktığında, oynaması gereken kişinin kendisi olduğu anlaşıldı" diyor Spielberg. - Drew odaya girer girmez, herkes onun serseri olduğunu ve her an grubuyla dünya turnesine çıkacağını anladı. Ve konuşan altı yaşında bir kızdı! Filmi daha iyi hale getirmeye yardım edeceğine söz verdiğinde beni tamamen şaşırttı!”

Elliot'ın ağabeyi Michael rolü 14 yaşındaki Robert McNaughton'a gitti. Genç yaşına rağmen daha şimdiden tiyatro sahnesinde oyunculuk deneyimine sahipti.

Meryem Ana'yı az tanınan aktris Dee Wallace-Stone, bilim adamı Keyes'i ise daha önce Indiana Jones rolü için seçmelere katılan Peter Coyote canlandırmıştı.

Spielberg, yeni filmde ünlülerin olmaması gerektiğine karar verdi. Harrison Ford bir okul öğretmeni olarak rol aldı, ancak sahnesi kurgu sırasında kesildi.

1981 yazı sona eriyordu ve Elliot rolünün oyuncusu bulunamadı. Son olarak Universal için yeni bir film çeken Jack Fisk, Spielberg'e oğlu Sissy Spacek'i oynayan San Antonio'dan on yaşındaki Henry Thomas'a dikkat etmesini tavsiye etti.

Ekran testi sırasında Spielberg, Thomas'tan hayal gücünü çalıştırmasını istedi: bir arkadaşınız var ve hükümet onu alıp üzerinde çeşitli deneyler yapacak. Henry Thomas, ölü köpeğini hemen hatırladı ve gözlerinde yaşlar parladı. Spielberg derinden etkilendi ve hemen Henry'yi filmine davet etti.

Ama yine de, uzaylı nasıl görünmeli? Spielberg resimli kitaplar okudu, büyük insanların portrelerini dikkatle inceledi. Şair Carl Sandburg, yazar Ernest Hemingway ve bilim adamı Albert Einstein'ın fotoğrafları onun üzerinde en büyük etkiyi yaptı. Bir uzaylı imajını oluştururken özellikleri kullanıldı.

Steven Spielberg, uzaylının uzun ve ince bir boyuna, kısa bacaklara sahip olmasını ve en önemlisi yaklaşık bir metre boyunda olmasını istiyordu.Çekimlerde birlikte çalıştığı Dino de Laurentiis stüdyosundan ünlü tasarımcı Carlo Rambaldi ile sözleşme imzaladı. film türünden."

Yönetmenden talimat ve illüstratör Ed Verro'dan bir uzaylının birkaç eskizini aldıktan sonra, usta Rambaldi işe koyuldu. Bir Himalaya kedisinin ona "poz verdiğini" söylüyorlar.

Yabancı, seyircilerin karşısına kösele gibi bir kaplumbağa ağzı, uzun parmaklı pençeleri ve buruşuk göz kapaklarının altında kocaman, bilge ve şaşkın mavi gözleri olan dokunaklı, beceriksiz bir yaratık olarak çıktı.

Rambaldi, toplam maliyeti 700 bin dolar olan üç uzaylı modeli yaptı.

İlk model tam büyüme içindedir. Bu tasarım, onu özel bir kabinden kontrol eden on iki operatör tarafından harekete geçirildi. Elektrikle çalışan ikinci kukla, yakın çekimler için kullanıldı. Ve son olarak cüce oyuncular için üçüncü model yapıldı.

Film ekibinde uzaylı modellere canlı varlıklarmış gibi davranıldı. Bir gün makyaj asistanı E.T.'ye şaka yollu sormuş. başını çevir. Operatörler bir oyun oynamaya karar verdi ve isteğini yerine getirdi. Korkan makyaj sanatçısı neredeyse bayılacaktı.

8 Eylül 1981'de The Alien'ın çekimleri başladı. Los Angeles içinde ve çevresinde, Culver City'deki stüdyolarda ve Tujunga ve Northridge'in yerleşim bölgelerinde gerçekleştiler. Orman sahneleri Kuzey Kaliforniya'daki Crescent City'de çekildi.

"ET", Steven Spielberg'in büyük sinemada ilk çıkışını yapan görüntü yönetmeni Allen Davu ile birlikte hazırladığı bir plana göre çekildi. Spielberg'in çocukları ve yetişkinleri birbirlerini anlamamakla kalmıyor, birbirlerini görmüyorlar. Kamera dünyayı bir çocuğun bakış açısından çekiyor ve sadece Elliot'ın annesi ara sıra çocuklarına doğru eğiliyor - ve sonra onun yüzünü görüyoruz. Elliot'ın kız kardeşi Gertie, E.T.'yi tanıştırmaya çalışır. annesiyle ama ev işleriyle çok meşgul ve uzaylılardan bahsetmek istemiyor.

Spielberg, küçük oyuncularla hızlı bir şekilde ortak bir dil bulmayı başardı. Truffaut'nun "çocuklar ideal oyuncular olabilir, çünkü gururla sınırlanmazlar ve oyun onlara zevk verir" sözlerini her zaman hatırladı.

Stephen, genç oyuncuların doğaçlama yapmasına izin verdi: "Bazen Henry Thomas veya Drew Barrymore'a belirli bir durumda ne yapacaklarını sordum ... Çocuklar harika replikler buldular ..."

Spielberg filmi kronolojik sırayla çekti, bu yüzden uzaylıdan ayrılma sahnesinde genç sanatçılar bunu gerçekten yaşadılar. Steven Spielberg şöyle hatırlıyor: “Çocuklar bir arada kalmaya çalıştı. Birkaç çekim yapsaydım, koğuşlarım buna dayanmazdı çünkü E.T. ile arkadaşlıklarının son gününün geldiğini biliyorlardı. ve onu bir daha görmeyecekler. Henry Thomas'a fısıldadım, "İşte bu kadar. Çok yakında ondan ayrılacaksınız. Tabii ki çocuk sözlerimden heyecanlandı, bu yüzden kamera açıldığında duygulara boğuldu.

"The Alien" ın son sahnesi, İngiliz televizyon kanalı "Channel 4" izleyicileri tarafından dünya sinema tarihinin en duygusal sahnesi olarak kabul ediliyor. Küçük uzaylının Elliot'tan ayrılıp gemisine döndüğü bölüm, The Green Mile ve Titanic'ten dokunaklı anlardan daha fazla oy topladı.

Görsel efektler, Dennis Muren liderliğindeki Industrial Light and Magic tarafından gerçekleştirildi. Çalışanları, görevleriyle başarıyla başa çıktı. Oluşturması üç aydan fazla süren uçan gemiyi (Ralph McQuarrie tarafından tasarlanan) hatırlamak yeterli. Ve Elliot ile bir uzaylının ay fonunda bisikletle yanlarından geçtiği ünlü kare, iki yıl sonra Spielberg tarafından kurulan Emblyn Entertainment film stüdyosunun logosu oldu.

John Williams'ın bestelediği müzik. Spielberg'e göre, filmi için bu kadar harika bir film müziği hayal bile etmemişti. Williams'ın müziğini dinlerken gözyaşlarını tutamadı. Spielberg, "John harika bir müzik buldu, içindeki tek bir notayı değiştiremezsiniz" dedi.

Çekimler Aralık 1981'de tamamlandı. Başlangıçta, uzaylı Steven Spielberg ve Deborah Winger'ın sesiyle konuştu (Cadılar Bayramı bölümünde küçük bir rol oynadı - korkunç maskeli bir doktor). Ardından, daha önce Star Wars'ta çalışmış bir ses efektleri uzmanı olan Ben Bart devraldı. E.T. Marin County'den (California) belirli bir Pat Welch buldu. Bu yaşlı kadın, bir zamanlar aktris olmayı hayal eden bir ev hanımıydı. Uzaylının tüm diyaloglarını kaydeden Pat Welsh'di.

Filmin prömiyeri 26 Mayıs 1982'de Cannes Film Festivali'nde yapıldı. Yarışma dışı programda "Alien" gösterildi. İzleyiciler fotoğrafı coşkuyla karşıladı.

Film, 11 Haziran 1982'de ABD'de gösterime girdi. Steven Spielberg, Beyaz Saray'da Başkan Ronald Reagan ve eşi Nancy için özel bir oturum düzenledi. Yönetmen, seansın sonunda Nancy Reagan'ın nasıl gözyaşlarına boğulduğunu ve ABD başkanının on yaşında bir çocuk gibi göründüğünü anlatmaktan hoşlanıyordu.

Film dokuz Oscar'a aday gösterildi, ancak yalnızca dört kategoride kazandı - müzik, ses, görsel efektler ve ses efektleri kurgusu. Amerika Birleşik Devletleri'nde akredite olan Yabancı Basın Derneği, ET'ye iki Altın Küre Ödülü (drama ve müzik filmi) verdi. Besteci John Williams ayrıca Grammy Ödülü kazandı.

Japon Film Akademisi, İspanyol Film Eleştirmenleri Birliği, Alien'ı yılın en iyi yabancı filmi seçti. İtalyanlar, Steven Spielberg'i David di Donatello ödülüyle onurlandırdı.

Alien'ın bütçesi 10.5 milyon dolardı. "Alien" uzun süredir gişede rekor sahibi oldu.

Eleştirmenlerden gelen olumlu eleştiriler ve büyük bir ticari başarı, Spielberg'e derin bir memnuniyet getirdi. Melissa Matheson ile birlikte, Elliot ve arkadaşlarının uzaylılar tarafından kaçırıldığı ve şimdi Zrek adlı E.T.'nin onların eve dönmelerine yardım ettiği, geçici olarak Night Terrors adlı bir devam filmi konseptini geliştirdi.

Yeni teknoloji, Spielberg'in filmi güncellemesine, teknik hataları düzeltmesine ve 1982'de feda edilmesi gereken bir dizi sahneyi dahil etmesine izin verdi.

16 Mart 2002'de dijitalleştirilmiş film yeniden gösterime girdi. Özel Sürüm "E.T." resmin yirminci yıldönümüne ithaf edilmiştir. Güncellenen "Alien" in galası Los Angeles'ta yapıldı. Steven Spielberg ve başrol oyuncuları Drew Barrymore ve Henry Thomas katıldı.

"Bir Zamanlar Amerika'da"

(Bir Zamanlar Amerika'da)

Yapım: Warner Brothers, ABD, 1984. Senaryo: S. Leone, L. Benvenuti, P. de Bernardi, E. Medioli, F. Arcali, F. Ferrini ve S. Kaminsky. Yönetmen: S. Leone. Kameraman T. Delli Colli. Sanatçı K. Simi. Besteci E. Morricone. Oyuncular: R. De Niro, J. Woods, E. McGovern, T. Williams, T. Weld, B. Young, D. Eyelo, J. Pesci ve diğerleri.

1953'te, Suç Sendikası üyesi Harry Goldberg'in biyografik romanı ABD'deki kitapçıların raflarında görünerek tüm ülkeyi dehşete düşürdü. Yazar, Sing Sing Hapishanesinde hücre hapsinde yazdığı Gangsterler adlı kitabını Harry Gray takma adıyla yayınladı.

1967'de yönetmen Sergio Leone, Amerikan mafyasının hayatından "Gangsterler"e dayanan destansı bir destan yapmaya karar verdi. Baskın ve çatışma hikayelerinin arkasında, Leone kayıp bir ruhun trajik hikayesini gördü.

Hatta Sergio Leone, Gray-Goldberg ile görüşmek için New York'a geldi ve onunla yaptığı sohbetten çok etkilenmiş olarak evine döndü. Gray, kitabı yalnızca gangsterlerin üzerinden romantizm halesini çıkarmak amacıyla yazdığını belirtti. Leone ve yazarları, Gray ile birden fazla kez görüştü. Ne yazık ki, filmin galasından kısa bir süre önce eski gangster yazarı öldü.

Leone, projeyi hayata geçirmek için hayatının on beş yılını ve kendi parasının çoğunu harcadı. Çekimler sadece 1982'de başladı.

"Bir Zamanlar Amerika'da" iki çocukluk arkadaşı - Noodles lakaplı David Aronson (Robert De Niro) ve Doğu Yakası'nda büyüyen Maximilian Berkovich (James Woods) arasındaki karmaşık ilişkinin hikayesidir. New York'un en fakir mahallelerinden. Çocukluktan itibaren, hayatın efendileri gibi hissederek yoksulluktan kurtulmayı hayal ettiler.

Filmin aksiyonu dört zaman dilimini kapsıyor: XX yüzyılın onuncu, yirmili, otuzlu, altmışlı yılları. Arsa, yaşlı bir gangster David Aronson'ın bir afyon inindeki anılarında ortaya çıkıyor. Otuz beş yıl boyunca, bir arkadaşının ihaneti ve ölümü nedeniyle suçluluk duygusuyla eziyet çekti ve sadece hayatta kalmakla kalmadı, aynı zamanda ondan para ve sevgili kızını da çaldı.

1970'lerin ortalarında Leone, Max veya Noodles rolü için Gerard Depardieu'yu davet etmek istedi. Ancak Fransız, bu adamların karakterini hissedemeyeceğini söyledi - bunun için Amerika'da doğmanız gerekiyor.

Max rolü için bir başka yarışmacı da Richard Dreyfuss'du. Leone, ilgi alanında 200'den fazla oyuncu olduğunu iddia etti.

Max Joe Pesci'yi oynamayı hayal ediyordu, ancak Leone'ye göre bu rolde ikna edici görünmeyecekti. Pesci, filmin ana yıldızı Robert De Niro'nun en yakın arkadaşıydı, bu yüzden yönetmen Joe'ya farklı bir karakter seçmesini önerdi. Pesci, orijinal senaryoda son kurgudan çok daha uzun olan Frankie Minardi rolünü tercih etti.

Max Berkovich'in rolü James Woods'a gitti. Broadway sahnesinde oynamaya başladı ve ilk filmini 1972'de Elia Kazan'ın Misafirleri'nde yaptı. Ancak, James Woods'a ün kazandıran Max'in rolüydü.

Elizabeth McGovern (Deborah), Treat Williams, Burt Young, Danny Eyelo da kadroya çok iyi uyuyor. Claudia Cardinale, Carol rolü için seçmelere katıldı ama Tusdy Weld, Leone'u tercih etti.

Leon, filmin karakteri David Aronson hakkında şunları söyledi: “Noodles'ı çocukken New York'un Doğu Yakası'nda gördüm. Onu haraççıların hizmetinde olan bir çocuk olarak gördüm. Sonra onun Hristiyanları nasıl kasten ve tutkuyla öldürdüğünü gördüm. Sonra onun organize suç sütunlarına karşı tek başına savaş açmasını izledim. Ancak Noodles, Doc Schultz veya Peter Lorre, Alain Ladd veya Lucky Luciano, Al Capone veya Humphrey Bogart değildi. Kimse ona aldırış etmiyordu: Sanki bir bar penceresiymiş gibi dünyanın bakışları onun üzerinden geçiyordu. O Noodles'dı. Ve bu kadar. Arka mahlalle bebesi. Alkolün yasak olduğu, kentsel şiddet oyunlarının yasak olduğu bir dönemde elinde bir Thompson makineli tüfekle şansını deneyen Bay Hiçkimse henüz tarihe geçmemişti. Bir çete savaşından sağ kurtulan ve daha sonra parmaklıklar ardına kapatılan diğer binlerce küçük suçlu gibi, kendisi için çok büyük bir çarmıhta çarmıha gerildi. Yazın bile gangster estetiğinin parodisi olan bir palto giyiyordu. Bu palto, sanki bir oyuncunun dekorundan ödünç alınmış gibi, ona mafya görünümü veriyordu ama yine de bir çanta gibi üzerinde asılı duruyordu. Çok geniş, Kötü Samiriyeli'den Bowery piçine bir hediye gibi. Ona gerçekten uymuyordu. Ve ardından gelen her şey onun için bir felakete dönüştü.

De Niro, Once Upon a Time in America'da kimin oynayacağını seçebilir: Noodles veya Max. Erişte'yi tercih etti - acı verici bir suçluluk bilinciyle bunalmış bir adamın rolü.

Gray'in David Aronson için prototipleri, ünlü gangsterler Bugsy Siegel ve Meyer Lansky idi. Siegel, bir Las Vegas kumarhanesi inşa etmeyi hayal etti ve daha makul olan Lansky, bu hayali gerçeğe dönüştürdü.

Noodles'ın rolü, Robert De Niro'nun yaratıcı biyografisindeki en iyilerden biridir. Film eleştirmeni E. Kartseva'nın yerinde sözlerine göre, bu filmde, oyuncunun önceki rollerinin çoğu, bir mozaik parçaları gibi, insan yaşamının trajedisinin tek bir freskine dönüştürüldü ve gangsterliğin sunağına getirildi. Görünüşü neredeyse hiç değişmeyen oyuncu, karakterinin neredeyse yarım asırdır geçirdiği evrimi gösteriyor. Sadece başta canlı olan, yaşama sevinciyle parıldayan gözler, artık kaderden hiçbir şey beklemeyen bir insanınkiler gibi sonlara doğru donuklaşır.

Leone, "Bob'un bir aktörden çok oynadığı herhangi bir karakterin vücut bulmuş hali olduğunu düşünüyorum" dedi. - Kendini "yabancı bir deride" hissedene kadar ateş edemeyiz. Aynı eksiklik bizde de var. Ayrıntılar konusunda tutkuluyuz ve manyakça mükemmellik için çalışıyoruz. Altı ay çekim yaptık. Birçok ünlü oyuncunun adaylığını değerlendirdim. Neyse ki doğru seçimi yaptım. Amerikalı oyuncular kadrajda çok doğal ama aralarında bile De Niro en iyisi."

Bu sefer De Niro, havasında olmadığı açıkça belli olan aşk sahnelerini de oynamak zorunda. David, arkadaşının kız kardeşi Deborah'a (Elizabeth McGovern) çocuklukta başlayan aşkı tüm hayatı boyunca sürdürdü. Deborah, kaderini bir gangsterle ilişkilendirmek istemedi ve bir sanatçı olarak kariyer yapmayı tercih etti.

Genç oyuncular da rolleriyle başarılı bir şekilde başa çıktılar: Scott Tyler (Noodles), Rusty Jacobs (Max), Michael Monetti (Fat Moe) ... Küçük Deborah rolünü Jennifer Connelly oynadı.

Jennifer rol için seçildi çünkü burnu yetişkin Deborah Elizabeth McGovern'ın burnuna çok benziyordu. Genç Connelly, on ikinci doğum gününü Once Upon a Time in America setinde kutladı.

"1982'den bu yana ne kadar zaman geçti - düşünmek bile ürkütücü!" diyor, "İlk film - ve hemen Sergio Leone ile! Her yerde harika oyuncular var. Ama o zamanlar ben bir çocuktum ve bunların hiçbirini anlamadım! Düşünün, 20. yüzyılın en iyi filmlerinden birinde rol aldığımı fark etmem yirmi yılımı aldı!

Leone, çekimlere başlamadan önce aşağı Doğu Yakası'nın yaşamını ve yapısını üç yıl boyunca inceledi. Sergio Leone, o dönemin çetelerinin hayatını da inceledi.

Çekim dönemi: 14 Haziran 1982-22 Nisan 1983. Leone filmi İtalya'nın yanı sıra Fransa, Kanada ve Amerika Birleşik Devletleri'nde çekti. Noodles'ın Deborah'yı kazanmaya çalıştığı restoran ve ardından geceleri sahil Venedik'te çekildi. Akşam yemeğinden sonra New Jersey sahiline dramatik dönüş. Deborah'ın Hollywood'a gitmek üzere yola çıktığı sahne, bir Fransız treninin yolda durduğu bir Paris tren istasyonunda çekildi. Noodles'ın arabayı suya sürdüğü sahne Montreal'dir. Ama New York'un Doğu Yakası aslında Doğu Yakası'dır.

"Bir Zamanlar Amerika'da", yavaş yavaş, telaşsız, ayrıntılı olarak ortaya çıkan destansı bir eserdir. Dolayısıyla - sanatçıların tutması gereken o kadar önemli duraklamalar, jestlerin ve hareketlerin yavaşlığı.

Film eleştirmenlerinin de belirttiği gibi kilit sahnelerde oyuncuların imdadına sesler yetişti. Gerçekten de David, Max'in bankaya saldırı planını anlatırken şekeri karıştırırken kahve fincanındaki kaşığın şıngırtısını unutmak zor. Ya da önce gerçekte, sonra kahramanın zihninde çalan, polisi kendisinin aradığını ve arkadaşlarının hayatını kurtarmaya çalıştığını hatırlatan bitmeyen bir telefon görüşmesi.

Once Upon a Time in America'nın orijinal müziği, çekimler başlamadan yedi yıl önce yazılmıştı! Yönetmen, besteci Ennio Morricone'nin senaryoyu okumasına izin vermedi, ancak bütün gün gelecekteki film hakkında konuştu. Morricone, her karakter için beş veya altı motif oluşturdu.

Morricone, "Sergio Leone Once Upon a Time in America'nın kurgusunu yaparken benden müzisyenleri seçmemi ve belirli müzik parçalarının kaydını takip etmemi istedi. Neyse ki, o anda neredeyse özgürdüm ve Sergio'ya orkestramı teklif ettim. Bizden istediği neredeyse her şeyi kaydettik, geriye sadece "Deborah'nın teması" adını verdiği merkez hat kaldı. Bana göre her şey yolunda gidiyordu ama Leona mızıkanın sesini beğenmemişti. Müzisyene eziyet etti, orkestraya tecavüz etti ama yine de kafasında duyduklarını anlamadık. 150. kez çalmaya başladığımızda, Leone öfkeli görünüyordu: kontrol odasından dışarı fırladı ve mızıka üfleyen yaşlı adamı boğmaya başladı! Yaşlı adam itaatkar bir şekilde gözlerini kapattı ve aniden enstrümanından garip bir ses çıktı ... “İşte! İşte bu!" diye bağırdı Sergio. Sonra stüdyodaki kayıt sırasında büyükbabayı hafifçe boğdu ve neredeyse tüm film boyunca duyduğunuz o harika ses - yazarlığını patentlemeyi teklif ettim! Ve büyükbabam daha sonra, seyircileri öksürüğüyle korkuttuğu için Once Upon a Time in America'yı izleyemediğini itiraf etti."

Leone, filminin müziklerini seçmek için üç yıl harcadı. Ezgilerden biri - Rusya yerlisi Irving Berlin tarafından yazılan "God Bless America", Amerika'nın resmi olmayan marşı olarak kabul ediliyor. Once Upon a Time in America bu ezgiyle başlar ve biter. Beatles'ın ağlamaklı melodisi "Dün" de filme başarılı bir şekilde sığdı.

Film, kısmen 10 milyon dolar sağlayan Ladd Company tarafından finanse edildi. Toplam bütçe, bazı verilere göre 30, diğerlerine göre - 40 milyon dolardı.

"Bir Zamanlar Amerika'da" filminin taslak hali, resmin süresinin 10 saat olduğu anlamına geliyordu. Yazarın baskısında resmin süresi 3 saat 47 dakikaydı.

17 Şubat 1984'te filmin prömiyeri New York'ta yapıldı. Eğlenceli bir gösteri özlemi duyan Amerikan halkı, kendi bakış açılarından kederli filmden son derece memnun değildi. Korkmuş üreticiler Leone'den daha fazla kesinti talep etti. Leone reddetti. Ardından, Leone'ye göre resmin olay örgüsünü anlamak için hayati bölümleri kaldırarak bitmiş kopyadan 45 dakika kesen editör Zack Steinberg işe alındı. Amerikan versiyonu 2 saat 19 dakika sürdü.

Leone bu filme sadece tecrübesine ve becerisine değil, aynı zamanda ruhuna da yatırım yaptı. Haklı olarak filmin sadece kesilmediğine, aynı zamanda "barbarca sakat bırakıldığına" inanıyordu. Etkili New York Times eleştirmeni Vincent Canby, resmin stüdyo versiyonunun "rulet topunun yönlerine göre kesilmiş" gibi göründüğünü yazdı. Canby, filmi "dikkatsizce yapıştırılmış bir çekim seti" olarak bile adlandırdı. Leone yaşananlara çok üzüldü, kalp krizi geçirdi.

Leone, "Tipik bir gangster filmi yapmak istemedim," dedi ve "Amerikan stüdyo versiyonunda öyle görünüyor, çünkü kronolojik sırayla yalnızca" havalı "bölümleri bıraktılar ..."

Amerikalılar "Bir Zamanlar Amerika'da" ile coşku duymadan tanışırsa, Leone Avrupa'da bir zafer bekliyordu. Filmin orijinal versiyonu Mayıs 1984'te Cannes'da gösterildi ve övgü dolu eleştiriler aldı. İzleyici, uzun yaşam yolculuğunu tamamlayan bir ustanın ifşası olarak kabul etti.

Once Upon a Time in America, İngiliz Film ve Televizyon Akademisi tarafından En İyi Kostümler (Gabriella Pescuzzi) ve En İyi Müzik (Ennio Morricone) dallarında ödüllendirildi.

Bir Zamanlar Amerika'da ayrıca En İyi Yabancı Film dalında Japon Film Akademisi Ödülü'nü kazandı.

İtalyan Ulusal Film Eleştirmenleri Sendikası, Gümüş Kurdele'yi görüntü yönetmeni Tonino Delli Colli, yönetmen Sergio Leone, besteci Ennio Morricone ve sanatçı Carlo Simi'ye verdi. Ek olarak, özel efektler not edildi.

Sergio Leone, Once Upon a Time in the Far West'ten yüzde 90 ve Once Upon a Time in America'dan yüzde 99 memnun olduğunu söyledi. Yönetmen alçakgönüllülükle, "İkincisinde çok şey başardım," dedi.

2003 yılında, yetkili bir film dergisi olan İngiliz film dergisi Site and Sound, son yirmi beş yılın en iyi on filmini belirlemek için uzmanları arasında bir anket yaptı. Sergio Leone'nin "Bir Zamanlar Amerika'da" adlı filmi haklı olarak bu onursal listeye dahil edilmiştir.

"BERLİN ÜZERİNDE GÖKYÜZÜ"

(Der Himmel uber Berlin)

Yapım: Almanya - Fransa, 1987 Senaryo Yazarları: P. Handke, R. Reitinger, W. Wenders. Yönetmen V. Wenders. Operatör A. Alekan. Sanatçı X. Ludi. Besteciler Y. Kniper, N. Mağara. Oyuncular: B. Ganz, O. Zander, S. Dommartin, K. Beuys, P. Falk ve diğerleri.

1987'de Alman yönetmen Wim Wenders bir röportajda, çocukken sık sık kendi kendine gerçekten her şeyi gören bir Tanrı olup olmadığını sorduğunu söyledi. Ve hiçbir şeyi unutmamayı nasıl başarıyor - ne bulutun hareketini, ne her insanın jestlerini ve adımlarını ne de rüyalarını. Böyle bir anının var olduğunu hayal etmek imkansızdır ve olmaması daha da üzücüdür.

"Sky over Berlin" filmi, Wenders'in Almanya'daki kökenlerine (Amerika, Portekiz ve Japonya'da çekim yaptıktan sonra) dönüşünü işaret ediyor. Berlin bir şehir sembolüdür. Wenders burayı "gerçeğin tarihi yeri" olarak adlandırıyor.

Yönetmen, "Sekiz yıl Almanya'dan uzakta yaşadım" dedi. - Ve ancak "Hammett" i havaladıktan sonra eve döndü. Bu kadar uzun bir aradan sonra vatanımı yeniden keşfetmek zorunda kaldım. Sky Over Berlin bunun nasıl olduğunu, Almanya ile ilişkimi ve çocukluğumu nasıl yeniden kurduğumu anlatan bir film. Film, tıpkı bir şiirin yazıldığı gibi senaryosuz çekildi. İçgüdü üzerine inşa edilmişti ve hiçbir planı yoktu. O zamanlar seksen yaşında olan büyük Fransız görüntü yönetmeni Henri Alekan ile çektim. Ve bu film üzerinde gerçekten paha biçilmez bir etkisi oldu."

"Sky over Berlin" in konusu, modern sinema için orijinaldir. Ölümsüzlüğe mahkum olan melekler Berlin'de yaşarlar, süper bilgileri vardır, geleceği bilirler, insanların düşüncelerini duyarlar, ancak etraflarındaki yaşamı düşündüklerinde onun akışına müdahale edemezler. Çocuklar dışında kimse onları fark etmez.

Wenders Melekleri sıra dışı. Uzun siyah paltolar giymiş, atkuyruğu omuzlarından sarkan iki adam bunlar. Şehir kilisesinin yüksek çan kulesinden insanların dünyasını izlemek gibi tuhaf bir alışkanlıkları olmasa, sıradan ölümlüler olarak kabul edilebilirlerdi.

Aslında bu melekler işsizdir. Ne de olsa elçileri "çalıştıkları" Tanrı, insanlardan ayrıldı. Ataletle, insan ırkına hiçbir şekilde yardım edemeyeceklerini anlamalarına rağmen görevlerini yerine getirmeye devam ederler.

Çaresizliğinin farkına varması, melek Cassiel'in (Oscar Zander) yüzünde kaçınılmaz bir hüzün mührü bıraktı. Bununla birlikte, arkadaşı Damiel (Bruno Ganz) günahkar insanlığa o kadar yakınlaştı ki, ölümsüzlüğünü sıradan bir ölümlünün kaderi için değiştirmek için oldukça olgunlaştı. Ve yalnızlıktan muzdarip bir havacı olan Marion (Solveig Dommartin) ile tanıştığında, tüm zayıflıkları ve kusurları ile bir adama dönüşür. Film, bir melek ve bir sirk sanatçısı olan aşıkların birleşmesi ile sona erer.

Wim Wenders, "Yanlış Hareket" filmini birlikte yaptığı ünlü Avusturyalı yazar Peter Handke'yi senaryo üzerinde çalışması için cezbetti. Senaryo, Rainer Maria Rilke'nin "Duino Elegies"ine dayanıyordu. Handke güzel şiirsel diyaloglar yazdı.

Wenders'ın filmleri genellikle ithaflarla sağlanır. "Berlin Üzerindeki Gökyüzü", "üç meleğe" - Andrei, Francois ve Yasujiro, yani Tarkovsky, Truffaut ve Ozu'ya hitap ediyor. Onları birleştiren nedir? Wenders şöyle açıkladı: "Aynı şeye farklı şekillerde gittik."

“Meleklerim İncil'deki ve hatta İncil öncesi mitolojik karakterlerdir. Bu geleceğe bir bakış, ”dedi Wenders. - Benim filmim elbette dinsel değil, buradaki melek insanla Tanrı arasında bir aracı ama ben Tanrı olmadığına inandığım için meleklerime iş yok, çünkü taşıyacak kimse yok. insan düşüncelerinin ve hayallerinin mesajı. Bir tür ruhani imge, tabiri caizse. Bizi seviyorlar ama tanık olarak. Hiçbir şey yardımcı olamaz. Onların bize bakışı, hepimizin muktedir olduğu masum bakış açısıdır ve insanlık için daha iyi bir gelecek için umut varsa, o da çocukluğa dönmemizdir. Bir kişi olarak deneyimlediğiniz deneyim sonsuzluğa değer. Çocukların bir peri masalına şaşırması gibi, her şeye şaşırma yeteneğini yeniden kazanmanız gerekiyor. Ona ve benim filmime benziyor.

Melek Damiel rolünü oynayan Bruno Ganz, Peter Stein'ın tiyatrosunda oyuncu olarak sinemaya geldi. 1982'de Oscar Zander (The Sky Over Berlin'deki melek Cassiel) ile birlikte iki yaşlı aktör - Kurt Beuys ve Bernhard Minetti hakkında siyah beyaz bir belgesel film "Memory" yaptı.

Sky Over Berlin'de Bruno Ganz meleğini oynarken çok eğleniyor. Daha önce hiç bu kadar ilham verici bir gevşeklikle oynamamıştı.

Bir sirk sanatçısının rolü, Solveig Dommartin'in ilk filmidir. 1992 yılına kadar Wenders'ın karısıydı.

Peter Falk düşmüş meleği oynadı. Bu karakter, Berlin'de son savaş ve Yahudilerin imhası hakkında bir film çekiyor.

"Sky over Berlin" filmiyle, en ilginç rock sanatçılarından biri olan Nick Cave'in dünya çapındaki ünü başladı. Cave ve grubu Bad Seeds, ekranda bir oda seansı çalan isimsiz bir yeraltı grubu olarak görünür.

Melekler dünyayı siyah beyaz görürler. Siyah beyaz film, Wenders'ın olup bitenlerin özünü yakalamasına yardımcı olurken, renkli görüntü alakasız ayrıntılarla değiş tokuş ediliyor. Belki de bu yüzden filmin ikinci bölümünde Damiel bir erkeğe dönüştüğünde dünya renkleniyor.

"Berlin Üzerinde Gökyüzü", Fransız kameraman klanının yaşlısı Henri Alekan tarafından çekildi. 1920'lerin ortalarında sete geldi. Alekan'a İkinci Dünya Savaşı sırasında profesyonel ün geldi: Fransız Direnişinde aktif rol aldı, yakaladığı savaşların kronik bölümleri René Clement'in ünlü filmi "Raylarda Savaş" (1945) dahil edildi.

Savaştan sonra Alekan, Cocteau, Duvivier, Wyler, Allegre, Carnet, Hans, Young, Losey ve diğer sinema ustalarıyla çalıştı. Wenders ile ilk kez The State of Things'de (1982) tanıştı.

The Sky over Berlin, melekler temasının muhteşemliğini organik olarak birleştiren, büyük, bölünmüş bir şehrin yaşamını, Alman halkının kaderi üzerine felsefi yansımaları esprili tür eskizleriyle vurgulayan belgesel bir tarzla organik olarak birleştiren alışılmadık derecede bütünsel bir çalışmadır. Bu bir peri masalı, bir şaka, bir aşk hikayesi ve yaratıcılık psikolojisi üzerine bir çalışma.

Wim Wenders, Sky Over Berlin için Cannes Film Festivali'nde En İyi Yönetmen Ödülü'nü ve Felix Ödülü'nü kazandı. Kurt Boyce, yardımcı bir rol için "Felix" aldı.

1992'de Wenders, melek Damiel ve arkadaşı Cassiel'in hikayesine So Far, So Close filminde devam etti. Wenders'in kendisine göre, yeni bir işe başlamak için Berlin'de meydana gelen değişiklikler onu harekete geçirdi: Berlin Duvarı yıkıldı, Almanya tek bir devlet oldu.

Bununla birlikte, Sky Over Berlin'de melek, aşkın ne olduğunu bilmek için bir erkek olursa, o zaman So Far, So Close filminde melek aşık olmaz ve aşk bile istemez. İnsanların neden melekleri giderek daha az dinlediğini öğrenmeye çalışıyor. İnsanlara daha iyi hizmet verebilmek için bunu anlaması onun için önemli...

Schindler'in
Listesi

Yapım: Universal Pictures, ABD, 1993. Senaryo S. Zailyan. Yönetmen S. Spielberg, Görüntü Yönetmeni J. Kaminsky. Sanatçı A. Starsky. Besteci J. Williams. Oyuncular: L. Neeson, B. Kingsley, R. Fiennes, K. Goodall, D. Sagall, E. Davidtz ve diğerleri.

1982'de Thomas Kinelli, Schindler'in Gemisi'ni yazdı ve bu kitapla prestijli Booker Ödülü'nü kazandı. Aynı zamanda, Universal şirketinin başkanı Sid Scheinberg, yönetmeni Steven Spielberg için kitabın film haklarını satın aldı.

Eserin kahramanı Oskar Schindler gerçek bir insandır (1974 yılında öldü). Bir hanımefendi, bir dolandırıcı, bir spekülatör, bir afiyet olsun, Schindler işgal altındaki Polonya'da iş yaptı. Sosyal etkinliklerde iş bağlantıları kurdu ve güzel kadınlarla Naziler kurdu. 1944'te Naziler geri çekilmeye hazırlanırken, Schindler sözde askeri uzmanlar olan binden fazla Yahudiyi cephe hattından uzakta bulunan yeni bir fabrikaya götürmek için izin aldı. Ve böylece mahkumların hayatını kurtardı.

1983'te Spielberg, Oskar Schindler hakkında bir televizyon filmi izledi ve ardından etkinliklerde katılımcılarla buluşmaya karar verdi. Stephen, toplama kamplarındaki eski mahkumların yanında oturmuş, onların hikayelerini dinliyordu. "Bize dokunabilirsiniz çünkü Oskar Schindler Tanrı tarafından gönderildi" dediler. Spielberg, tüm dünyanın bu olağanüstü insanı tanıması için elinden gelen her şeyi yapacağına söz verdi.

Spielberg, prodüksiyonu kendisinden daha yaşlı, daha akıllı ve daha makul birine emanet etmeye karar verdi. Kurt Liedtke, Martin Scorsese, Sydney Pollack'e film uyarlamaları teklif etti. Ama sonra işi kendisi almaya karar verdi.

Auschwitz'i ziyaret eden Spielberg gücenmiş ve öfkelenmişti. Onu en çok etkileyen şey kampın büyüklüğüydü. Yıkılan krematoryumun görüntüsünden daha çok şaşırdım.

Spielberg, gettonun temizlenmesinden sonra Yahudilerin ve Plaszow kampında ölenlerin gömüldüğü Krakow yakınlarındaki Ostry Kholm adlı yerde daha az şok yaşamadı. Yeri karıştırırken, muhtemelen fırında yanmış bir adamın kafatasından düşmüş bir mermi buldu.

Spielberg kendi ulusundan utanıyordu çünkü Amerikan okul mezunlarının üçte ikisi Holokost (II.

Spielberg, “Bu filmi yapma arzusu inanılmazdı” diye hatırlıyor. - Görünüşe göre doksan dördüncü yılın Şubat ayına kadar birkaç ay bekleyebilirdim ve ardından birçok sorun önlenebilirdi (Schindler hakkında bir film çekiyordum ve aynı zamanda Jurassic Park'ı bitiriyordum). Ama sanki Yüce Allah beni gecikmeden bir film yapmaya çağırmış gibi yakıcı bir ihtiyaç doğdu ve ben de kendi kendime karar verdim: "Ya şimdi ya da asla." Arkadaşların cesareti kırıldı: “On yıldır bekliyordun, kitap seksen ikinci yılından beri seninle. Neden biraz daha beklemiyorsunuz?' Onlara, 'Açıklaması zor ama şu anda Holokost hakkında bir film yapmak benim için çok önemli' dedim. İşte bu kadar, Polyiu'ya gidiyorum."

Ama önce dinozorlar "Jurassic Park" hakkında filme bahis yapan "Universle" stüdyosunun yönetimi ile anlaşmak gerekiyordu. Patronlar, Spielberg'in kendilerinden planlanandan üç buçuk ay önce ayrılacağını öğrendiklerinde paniğe kapıldılar. Ancak dinozorlarla ilgili filmin kurgusu o zamana kadar tamamlanmıştı. Spielberg, The Park'taki çalışmaları Polonya'dan uydu aracılığıyla takip edeceği konusunda yönetime güvence vermekte gecikmedi. Ve sözünü tuttu.

Spielberg, "Schindler's List" filminin başarısının büyük ölçüde başrol için tam olarak aktör seçimine bağlı olduğunu anlamıştı. Schindler çelişkili bir yapıydı. Spielberg, "İnsanları nasıl korkuttuğunu, sıralarının geldiği ve hatta ölümlerini onun ellerinden kabul edecekleri konusunda korkuttuğunu hayal edebiliyorum" dedi. -Başka bir olayda, elinde bir çikolatadan başka bir şey olamayacağını açıkça belirtmişti. Bir iş adamının demir pençesine sahipti ve aynı zamanda bir şefkat duygusuna sahipti. Mantıklı ve sakin bir oyuncuya ihtiyacım vardı.” Yönetmen tüm bu nitelikleri İngiliz aktör Liam Neeson'da buldu.

Schindler'in gizemlerinden bir diğeri de, on binlerce insanı idam eden toplama kampının komutanı Amon Göth ile olan yakın ilişkisidir. Spielberg, Britanyalı Ralph Fiennes ile tanışmamış olsaydı, piç Goeth rolü için bir Alman'ı seçerdi.

Fiennes, Royal Shakespeare Theatre'da çalışmaya başladı. Bir yıl sonra, eleştirmenler şimdiden Kral Lear ve Troilus ve Cressida'daki performansını övüyorlardı. Yönetmen Chris Meno, Dangerous Man: Lawrence After Arabia adlı TV filminde oyuncuyu aldı. Danger Man, Drama kategorisinde Emmy kazandı ve Fiennes sinemalara davet edilmeye başlandı.

Fiennes, Danger Man'de Spielberg üzerinde çok güçlü bir izlenim bıraktı, bu yüzden onu kişisel olarak tanımaya karar verdi. Fiennes odaya girdiğinde yönetmen şöyle düşündü: "Bu sıska İngiliz ikiyüzlü beni nasıl bu kadar korkutabilir ki onun bir insanı öldürebileceğine inandım?!". Sonra konuştular ve Spielberg, önünde her şeyi oynayabilecek yetenekli bir aktör olduğunu fark etti. Hem iyiliğin hem de kötülüğün gizlendiği büyüleyici gözleri var. Fiennes'in mükemmel Amon Goth olacağını anladı.

Fiennes'in karakteri kötülüğün vücut bulmuş hali gibi görünüyor, ancak yalnızca insanlara işkence edip öldürdüğü için değil. Goethe'deki en korkunç şey, etrafındaki herkesi - hem arkadaşlarını hem de kurbanlarını - saran karşı konulamaz cinsel çekiciliktir.

Fiennes, karakterinin nefretinin uçurumuna dalmaktan mı korkuyordu?

Oyuncu, “Bu adamın yaptıklarını okuyunca korktum” diyor. - Ama oynamak için - hayır. Çelişkili insanları oynamak o kadar ilginç ki tüm korkular bir kenara bırakılıyor. Yine de, belki de bir noktada korktum. Korkunç çünkü her şey çok kolay çıktı ... "

Başka bir Britanyalı Ben Kingsley, muhasebeci Itzhak Stern rolünü oynadı. Bu kişiye Schindler'in vicdanı denir. Stern, Oscar'ın hayalini gerçekleştirmek için çok çalıştı.

Spielberg, grubuna görüntü yönetmeni Janusz Kaminsky'yi, kostüm tasarımcısı Anna Bedzrich-Sheppard'ı, Plaszow'daki kampın dekorunu yaratan Varşova doğumlu yapım tasarımcısı Alan Starsky'yi, Varşova Güzel Sanatlar Akademisi mezunu davet etti. Filmde ayrıca Schindler'in eski fabrikasını ve Krakow'daki dairesini de görebilirsiniz.

Spielberg işleri olabildiğince hızlandırmaya çalışsa da çekimler beş ay sürdü. Schindler'in Listesi 126 karakterden oluşuyor. Ekstralara otuz bin kişi katıldı. Filmde 35 farklı mekanda çekilmiş 148 sahne bulunuyor.

Ama Oskar Schindler'e geri dönelim. Spielberg için bu adam bir sır olarak kaldı: “Sadece bin yüz kişiyi kurtardığını biliyorum. Ve şüphe götürmez tek şey bu." Hayatta kalan tanıklar, görünüşünü ve zarif tavrını anlatmakla yetindiler. Schindler'in özel sekreterlerinden biri Spielberg'le üç gün geçirdi. Yahudilerin Kurtarıcısı neredeyse bir süperstar gibi görünüyordu (modern terimlerle).

Schindler beğenilmekten hoşlanırdı. Fabrikasının dükkanlarında dolaşırken yarısı içilmiş sigaraları Yahudilerin alması için yere attı. Ancak mahkumlara tütün vermeyi düşünmedi bile. Filmin bölümlerinden birinde Schindler yanlışlıkla Goeta'nın hizmetçisi Helen Hirsch'e rastlar (bu dava hayattan alınmıştır). Ona sordu: “Kim olduğumu bilmiyor musun? Kız tereddüt etti. "Ben Schindler'im, Ben Schindler'im!" Helen sevindiğini ifade etmedi ve Schindler ona çikolata ikram etmeye başladı. Ve böylece kız ona sempati duyana kadar devam etti.

Senaryoda gettoyla ilgili sahneler sadece bir sayfayı kaplıyor. 20 dakika ekranda. Spielberg sürekli olarak bir şeyler ekledi, daha çok senaryosuz çekim yaptı. Ancak yalnızca gerçek gerçekleri, kamplardan geçen insanların tanıklıklarını ekledi.

Film başlangıçta siyah beyaz olarak tasarlandı. Binlerce fotoğraf, belge, haber filmi Spielberg'in gözlerinin önünden geçti - hepsi siyah beyaz. Birkaç renkli sahne çekti ama sonra hepsini kesti ve geriye yalnızca iki tane kaldı: "Bence insanlar Holokost hakkında bir şey ve çoğunlukla belgeseller ve fotoğraflar gördüyse, onu siyah beyaz olarak görüyorlardı, dört dakikalık olay kaydı dışında. George Stevens tarafından çekilen Dachau'nun kurtuluşu. Benim için siyah ve beyaz kombinasyonu, virüsü durdurmak için vücuda enjekte edilen bir serumdan başka bir şey değil. Ve renk bir ağrı kesicidir.”

Film, yaratıcılarına 22 milyon dolara mal oldu ve bu, Spielberg için "ucuz" anlamına geliyor. Ancak Schindler'in Listesi daha fazla para gerektirmedi.

Ancak yönetmen, resmin ticari başarısını umursamadı. "Schindler'in Listesi" Aralık 1993'te yayınlandı ve hemen büyük beğeni topladı. Film hızla karşılığını verdi, kar getirdi. Spielberg, çeşitli Yahudi vakıflarına ve hayır kurumlarına önemli meblağlar bağışladı.

Büyükannesi Naziler tarafından ölen İngiliz Parlamentosu üyesi D. Kaufman, "Schindler'in Listesi"ni "sinema tarihindeki tüm filmlerin en büyüğü" olarak nitelendirdi. New York Books Review eleştirmeni Jon Gross, Spielberg'in filmini sinemanın olağanüstü başarılarından biri olarak sıraladı.

Schindler'in Listesi 13 Oscar adaylığı aldı ve yedisini kazandı (film, yönetmen, kurgu, senaryo uyarlaması, sanat, sinematografi, müzik).

Fiennes, Goeta rolü için "En İyi Yardımcı Erkek Oyuncu" kategorisinde Oscar'a aday gösterildi, ancak altın heykelciği Tommy Lee Jones'a kaptırdı. Yine de basın, kötülüğü ekranda mükemmel bir şekilde somutlaştırmayı başaran bir aktör olarak onu övdü.

Yönetmenliği için Oscar heykelciği alan Spielberg, savaşın ve kurbanlarının derslerini unutmamaya çağırdı.

"PULP FİCTİON"

(Pulp Fiction)

Yapım: Miramax, ABD, 1994. Senaryo K. Tarantino ve R. Avory. Yönetmen K. Tarantino. Operatör A. Sekula. Sanatçı D. Vasco. Oyuncular: D. Travolta, W. Thurman, B. Willis, S. L. Jackson, R. Arquette, T. Roth, A. Plummer, K. Tarantino, X. Keitel, M. de Medeiros ve diğerleri.

... Mart 1992'de genç Amerikalı yönetmen Quentin Tarantino, Amsterdam'a gitti ve orada beş ay kaldı. Rahatlamasına izin verdi: Uyuşturucu bağımlılarıyla dolu barlarda vakit geçirdi ve sabaha kadar içti. Gündüzleri sinemaya gider ve bol bol okurdu. Amsterdam'da Quentin'in "Ucuz Roman" film fikri şekillendi.

Bir yönetmen olarak Tarantino, film kariyerine yeni başlıyordu. İlk uzun metrajlı filmi Rezervuar Köpekleri, 18 Ocak 1992'de Utah, Park City'deki Sundance Festivali'nde gösterildi ve hemen bir sansasyon yarattı. Yaratıcılara yirmi milyon dolardan fazla para getirdi. Toronto Film Festivali'nde Rezervuar Köpekleri, Yılın En İyi Filmi ödülünü kazandı.

Tarantino, "Ucuz Roman'ın arkasındaki fikir, eski Black Mask dergisindeki gibi üç kısa öykü yaratmaktı" diyor. Raymond Chandler'ın, Dashiell Hammett'in polisiye romanlarının çoğu ilk olarak tabloid dergilerinde yayınlandı. Senaryomun bununla hiçbir ilgisi yok ama başlangıç noktası buydu. Bir hikayeden diğerine serbestçe hareket eden, aynı karakterleri içeren birbirine bağlı üç hikaye."

Tarantino, uzun metrajlı bir film sahneleyecek parayı bulacağından şüpheliydi. Her seferinde bir kısa hikaye çekmeyi ve ardından bunları birleştirip ekranda yayınlamayı planladı.

Kısa öykülerden biri Tarantino'nun arkadaşı Roger Avory tarafından icat edildi ve dövüşü kaybetmeyi reddeden bir boksörün öyküsü, uzun metrajlı film "Mess Rules the World"ün senaryosuyla sonuçlandı.

Roger Avory'ye göre, "Quentin Rezervuar Köpekleri'ni bitirdiğinde beni aradı: 'Roger, bana farklı projeler sunuyorlar ama yapmam gereken tek şey Ucuz Roman.' Ben de onu destekledim: "Güzel, hadi yapalım." Başladığımız yere geri döndük, "Dünyayı Düzensizlik Yönetiyor" senaryosunu aldık ve "Altın Saatler" kısa romanına indirdik. Sonra True Love'dan son senaryoya (arabadan atılan kafa hakkında) ve Quentin'in diğer filmler için yazdığı sekanslara girmeyen sahnemi aldılar ve hepsini bir araya getirdiler. Sonra Amsterdam'a gittik, yani senaryonun neredeyse yarısı benim."

Avory'nin paraya ihtiyacı vardı, bu yüzden küçük bir meblağ karşılığında Tarantino'ya senaryonun kendi bölümünü sattı. Pulp Fiction kredilerinin fikrin yazarı olarak Avory'yi listeleyeceği konusunda anlaştılar.

Buna karşılık Tarantino, Avory'nin senaryosunu kökten elden geçirdiğini iddia ediyor: “Filmde diyaloğun bir Roger tarafından yazıldığı tek bir sahne var ve bu, Bruce Willis karakterinin ne yapacağını açıkladığı banyodaki sahnedir. yapmak. Bu sahneyi seviyorum ve bu konuda hiçbir şeyi değiştirmedim."

Tarantino'nun filmlerinin alamet-i farikası, komik ile korkunçun birleşimidir. Bu, izleyicinin kafasını karıştırıyor: Komik bir bölümün bir tür pislikle mi yoksa cinayetin bir ceset üzerinde inanılmaz derecede komik bir şakayla mı biteceğini asla bilemezsiniz. Ucuz Roman'da bu neredeyse her zaman olur.

Çekimlerin 20 Eylül 1993'te başlaması planlanıyordu ve bundan bir ay önce The Hollywood Reporter'da bir duyuru yayınlandı: "Eylülde çekimlerine başlanması planlanan Ucuz Roman (Jersey Films), James Dean, Donna Reed gibi oyuncular gerektiriyor. , Elvis ve MM"

Tüm oyunculara eşit koşullar verildi: haftada yaklaşık 1.400 dolar maaş ve filmin kiralanmasının bir yüzdesi. Elbette film yıldızlarının davetine güvenmek gerekli değildi.

Ucuz Roman'daki ana karakterlerden biri, profesyonel bir tetikçi olan Vincent Vega'dır.

Tarantino, John Travolta'nın yeteneğinin büyük bir hayranıydı: “O, Amerika'nın en iyi oyuncularından biri. De Palma's Puncture'da beni sarstı. Bu filmi defalarca izledim ve yönetmenlerin onun dahiyane yeteneğini neden kullanmadıklarını merak ettim.

Tarantino, Vincent rolü için daha iyi bir oyuncu bulamayacağına karar verdi. Ucuz Roman'da Vega eroin enjekte ediyor, ayak masajlarından bahsediyor, süper casus Modesty Blaze hakkında çizgi romanlar okuyor, cha-cha-cha dansı yapıyor ve soğukkanlılıkla öldürüyor.

Travolta, "Alışılmadık bir senaryoydu" diye hatırlıyor. - Sadece çok zeki değil, aynı zamanda canlı ve orijinaldi. Şöyle düşündüm: “Keşke bu kahramanı oynayabilseydim, ama iki kahretsin bana izin verecekler! ""

Nitekim Hollywood'da John Travolta'nın yıldızının battığına inanılıyordu. Miramax, yönetmen Daniel Day-Lewis'i kandırdı. Ancak Tarantino kategorik olarak şunu söyledi: Travolta yoksa film de olmayacak.

Oyuncu, "Quentin benim yüzümden her şeyi tehlikeye attı" diyor. "Umutlarını haklı çıkarmakta başarısız olamadım ve sonuna kadar ortaya koydum." Ucuz Roman'daki rolü için Travolta, bir kült aktör olarak itibarını ve statüsünü geri kazandıracak bir Oscar'a aday gösterilecek.

Suç patronu Marcellus'un gizemli karısı Mia Wallace rolü için birkaç aktris seçmelere katıldı: Holly Hunter, Meg Ryan, Meg Tilly, Rosanna Arquette...

Yapımcı Bender, “Quentin patronun karısını kimin oynayacağını bilmiyordu - İtalyan mı, İngiliz mi siyah mı, hiçbir fikri yoktu” diyor yapımcı. Ancak Tarantino, bir restoran soygununa katılan (filmde Amanda Plummer tarafından canlandırılan) Bal Tavşanı rolü için bir ajan tarafından hedef alınan 24 yaşındaki Uma Thurman ile tanıştığında, mükemmel oyuncuyu bulduğunu hissetti.

Uma, "Ucuz Roman senaryosu beni şaşırttı ve bu filmde oynamayı hemen kabul etmedim" diyor. “Ama Quentin'in inanılmaz enerjisi ve coşkusu beni yakaladı... Büyük bir garaja benzeyen bir stüdyo olan Jersey Films'te birkaç gün geçirdik. Kart masasına oturdular ve çalıştılar. Büyük şeyler genellikle acı çekmekten doğar. Filmimiz neşeden doğdu."

"Ucuz Roman"dan sonra Uma sadece popüler olmayacak. Onu taklit eden milyonlarca kız, benzer bir saç kesimi yapacak ve saçlarını siyaha boyayacak. Ünlü "alkolsüz beş dolarlık kokteyl" barlarda görünecek - kahramanının en sevdiği içecek. Thurman, X Kuşağı'nın en şık oyuncusu olarak tanınacak.

Bruce Willis'in oyuncu kadrosunda yer alması kaderin bir hediyesiydi. Willis'in komşusu aktör Harvey Keitel, Tarantino ve yapımcı Bender'ı öğle yemeğine davet etti. Willis, senaryoyu okuduktan sonra Ucuz Roman'a katılmayı hemen kabul etti. “Belirli bir rol istemedim, herhangi birini oynayacağımı söyledim. Herhangi bir ücretten söz edilmedi."

Willis, boksör Butch Coolidge rolünü üstlendi. Ringdeki "emredilen" yenilgisi için para alan bu karakter, beklenmedik bir şekilde rakibini yener ve kızgın haydutlardan saklanır. Bruce iyi durumdaydı: "Gecenin Rengi" filminin birkaç sahnesinde çıplak çekim yapmıştı. Doğru, "Ucuz Roman" da gerçekten boks yapmasına gerek yoktu.

Tarantino, belli bir oyuncu beklentisiyle bazı roller yazdı. Cesetlerin yok edilmesinde uzman olan Bay Wolfe'un imajı Harvey Keitel göz önünde bulundurularak oluşturulmuş, mağazalara ve restoranlara silahlı baskınlar düzenleyen aşıklar Honey Bunny ve Balkabağı rolleri Tim Roth'tan yola çıkarak yazılmış ve Amanda Plummer.

Mafya babası Marcellus'u Tarantino'nun gözdelerinden biri olan Sid Haig oynayacaktı ama aktör son anda bu teklifi geri çevirdi. Rol, aynı anda iki kat ücret karşılığında Rönesans Adamı'nda rol alma teklifi alan Ving Rhames'e gitti. Buna rağmen Rames, Tarantino ile çalışmayı seçti.

Rosanna Arquette, bir uyuşturucu satıcısının karısı olan Jodie'yi moda piercinglerine hayran kaldı. Vücudunun tüm mahrem yerlerini on sekiz kez deldi ve diline bir çivi çaktı - bu daha seksi. Butch'un karısı çocuksu Fransız kadın Fabien rolü Maria de Medeiros'a gitti.

Afrikalı-Amerikalı Samuel Jackson senaryoyu şu notla aldı: "Başkasına gösterirsen seni öldürürüm!" Tanrı'nın sağ elinin dokunuşunu hisseden ve doğruların yolunu almaya karar veren kahramanı acımasız katil Julius Winnfield'ın monologlarına boyun eğdirildi. Ona göre bu uzun monologlar kulağa müzik gibi geldiği için akılda kalıcıydı.

Eric Stoltz uyuşturucu satıcısı Lance'i oynadı. Eric, Quentin ile ilk kez 1992'de Sundance Festivali'nde tanıştı. Tim Roth tarafından tanıtıldılar.

Tarantino, Rezervuar Köpekleri film ekibini getirdi. Bunlar, görüntü yönetmeni Andrzej Sekula (ciddi bir trafik kazası geçirdi ve çoğu sahneyi tekerlekli sandalyede otururken çekti), kurgucu Sally Menke, kostüm tasarımcısı Betsy Hayman, set dekoratörü Sandy Reynolds-Vasco, ana artist David Vasco.

Tarantino, Los Angeles'ın kenar mahallelerinde, örneğin Echo Park'ta çekim yaptı. Orada Lance'in dairesini bulmuşlar.

Quentin, diyaloğun ritmini ve modelini bozmadığı sürece oyuncuların doğaçlama yapmasına izin verdi.

Bölümlerden birinde, kahraman Thurman "tozlardan" geçer ve komaya girer. Vega, kalbine dev bir sahte şırıngayı vurarak kızı kurtarır.

Uma, aşırı dozda sakinleştirici alan ve ardından onu adrenalinle kurtarmaya çalışan kaplanın hikayesini hatırladı. Makale, "bir roket gibi havalandığını" ve Thurman'ın da aynı şekilde atlamak istediğini söyledi.

Aktris, “Tam bir şakaydı” diyor. John göğsüme hayali bir iğne sapladı ve ben bir Tazmanya canavarı gibi odanın öbür ucuna uçtum. Rosanna Arquette'in çenesine çarptım, yere düştüm ve dizlerimin derisini yüzdüm."

Filmin en unutulmaz sahnelerinden biri, masalar için açık arabaların ve Monroes ve Presley'ler gibi giyinmiş garsonların bulunduğu Elliler temalı bir restoran olan Jack Rabbit Slims'teki sürpriz yarışma sahnesiydi. Vincent ve Mia, Tarantino'nun en sevdiği film olan Jean-Luc Godard'ın Dangerous Gang filmindeki karakterler gibi dans ediyor.

Bu sahne, 1992'de Londra'ya yaptığı bir gezi sırasında Quentin'in hayal gücünde doğdu. Erge Overkill'den eski bir plak aldı. Neil Diamond'ın şarkılarından birinin adı "Kızım, kadın olacaksın" idi. Tarantino, Mia Wallace'ın kendisiyle Jean-Luc Godard'ın ilham perisi Anna Karina tarzında dans ettiğini canlı bir şekilde hayal etti.

Olay örgüsünü dinamik bir şekilde döndüren Tarantino, film karakterlerinin seyirciler tarafından "doğuştan katiller ve suçlular" olarak değil, iradeleri dışında gangster oyunları oynayan insanlar olarak algılanmasını sağlar. Bazıları şanslı, diğerleri değil. Örneğin, Vincent Vega yaptıklarından dolayı iki kez cezadan kaçınır ve yalnızca üçüncü kez ölür, tuvalette bir porno dergisi okuyarak ve bu arada üç filmde şanslı olan Butch'un gelişini fark etmeden ölür. kez (belki şanslı bir tılsımı olacağı için - altın bir baba saati?). Ancak sonlara doğru Vincent, sanki başına hiçbir şey gelmemiş gibi ekranda belirir.

Tarantino, "Filmin bir sonu var, ancak başa döndüğünüzde, tüm döngüyü gördüğünüzü anlıyorsunuz" dedi.

15 Mayıs 1994'te Quentin Tarantino, Cannes Film Festivali'ne geldi. "Ucuz Roman" seyircilerin ve basının ilgi odağıydı. Travolta, Willis, Thurman, Jackson ve de Medeiros kısa süre sonra yönetmene katıldı. Burada oyuncular ilk olarak filmin tam versiyonunu gördüler. Willis'e göre gerçek bir şok yaşadı.

Samuel L. Jackson şunları hatırlıyor: “İzleyiciler, mermiler, silahlar ve lanetlerden oluşan korkunç bir karışımdan daha fazlasını izledikleri için şok oldular. Yapısında kesinlikle yeni ve orijinal bir şeye bakıyorlardı. Normalde ürkütücü olabilecek anlarda güldüler. Benim için bir keşif ve şok oldu.”

Festival organizatörleri Amerikan delegasyonundan kapanış törenine katılmalarını istedi. "Ucuz Roman"ın yönetmenlik ya da yazarlık ödülü aldığına karar veren Tarantino ve arkadaşları, Saray'a gittiler.

Ödüller dağıtıldı ve Ucuz Roman hâlâ hiçbir şey alamadı. Sonunda jüri başkanı Clint Eastwood son zarfı açtı ve "Ucuz Roman" dedi!

1994 sonbaharında Tarantino'nun tablosu Amerika Birleşik Devletleri'nde ve aynı zamanda dünya çapında 1.200 sinemada gösterime girdi. Eleştirmenler, "Ucuz Roman"ın birçok yönden klasik bir estetik film olduğunu, "Amerikan sinemasının tüm ana akımlarının dönüşümünden başka bir şey olmadığını" yazdı.

Şubat 1995'te Ucuz Roman yedi Oscar adaylığı aldı (En İyi Film, Erkek Oyuncu - John Travolta, Yönetmen, Yardımcı Kadın Oyuncu - Uma Thurman, Yardımcı Erkek Oyuncu - Samuel L. Jackson, En İyi Senaryo ve Kurgu - Sally Menke).

Ucuz Roman büyük bir gişe başarısı yakaladı. Film, yalnızca ABD'de 107 milyon doların üzerinde hasılat yaptı.

"Ucuz Roman" taklitleri, modern sinemada bütün bir akımı oluşturdu.

ÜÇLEME "ÜÇ RENK"

(Üçlü renkler: Mavi)

(Trzy kolory. Biaty)

(Trois couleurs: Rouge)

Yapım: Polonya - İsviçre, 1993-1994 Senaryo yazarları K. Pesevich, K. Kieslowski ve diğerleri, Yönetmen K. Kieslowski. Operatörler P. Sobochinsky, E. Klosinsky, S. Pdzyak. Besteci 3. Preisner. Sanatçılar X. Dobrovolska, K. Lenoir.

diğerleri

"Üç renk: beyaz". Oyuncular: 3. Zamakhovsky, J. Delpy, E. Shtur, J. Gayosh ve diğerleri.

"Üç renk: kırmızı". Oyuncular: J.-L. Trintignat, I. Jacob, J.-P. Laurie, F. Feder ve ark.

Seçkin Polonyalı yönetmen Krzysztof Kiełowski'nin "Üç Renk" film döngüsünde, 1789 Fransız Devrimi'nin üç rengi olan "özgürlük, eşitlik, kardeşlik" kavramlarını sanatsal olarak yeniden düşünmek için cesur bir girişimde bulunuldu. Fransa'nın ulusal bayrağı mavi, beyaz ve kırmızıdır.

Kieślowski, ancak Mayıs 1988'de prestijli Cannes Film Festivali'nde "Cinayet Hakkında Bir Kısa Film" ile Jüri Ödülü ve FIPRESCI Ödülü'nü kazandıktan sonra gerçek bir takdir gördü ve Kasım ayında aynı zamanda ilk Felix ödüllerinde Avrupa'nın en iyi filmi seçildi. tören. Ve aynı yılın Eylül ayında, Polonyalı yönetmen "Aşk Üzerine Bir Kısa Film" ile San Sebastian'da özel bir ödül kazanmayı başardı. Altı yıl süren "Kieslowski patlaması" başladı.

47 yaşında bir adam ve sağlam sinema tecrübesi olan bir yönetmen için garip bir doğum. Kieślowski, Łódź'daki ünlü Film Okulu'nda okudu. İlk başta belgesel filmlerle ve 1975'te uzun metrajlı filmlerle uğraştı.

15 Mayıs 1991'de Fransa'da "Veronica'nın Çifte Yaşamı" filmi gösterildiğinde, Kieślowski bir sonraki filmi yapımcı Marin Kormitz ile çekeceğini zaten biliyordu. Daha doğrusu şu filmler, çünkü akıl almaz bir maceraya atıldı: teması mavi, beyaz ve kırmızı ile belirlenen üç film. Üçlemeyi Eylül 1992'den Mayıs 1993'e kadar sadece sekiz ayda çekecek.

"Üç Renk" üçlemesi, yönetmenin güvencelerine göre, döngünün ikinci bölümünün ikinci yarısı dışında Polonya'da icat edilmiş olmasına rağmen, bu ülke dışında çekildi.

Blue, besteci kocasını ve beş yaşındaki kızını bir araba kazasında aniden kaybeden Fransız bir kadın olan Julie'nin (Juliette Binoche) hikayesini anlatıyor. Julie onların ölümüyle yüzleşemez, içine kapanır ve yeni bir aşk istemez. Rastgele toplantılar, tanıdıklar, temaslar rastgele kalır.

Krzysztof Kieslowski'ye göre aşk ve müzik birbiriyle kafiyelidir - Julie, merhum kocası Patrice'in son müzik bestesinin notasını çıkarır. Onu bitirmeyi üstlenen kocasının bir arkadaşı olan Olivier (Benoit Rezhan), Julie'yi hayata döndürmeye çalışıyor. Müzik, olay örgüsünün iniş çıkışlarının ve karakterlerin hikayelerinin ayrılmaz bir parçası haline geldiğinde tam anlamını kazanır ve ana teması Julie'nin hayata dönmesiyle gelişir.

Kahraman, harika Fransız aktris Juliette Binoche tarafından canlandırıldı. Venedik'te En İyi Kadın Oyuncu Ödülü'nü ve Fransa'da César'ı kazandı.

Kieślowski, Binoche'yi "yaşı olmayan bir kadın" olarak çekilmiş bir fotoğrafından buldu. Yönetmen, Juliette'e özgürlük hakkında bir film yapmak istediğini söyledi. Kahraman yeniden yaşamayı öğrenir. Ona ruhu ölmüş gibi görünüyor ama yeniden doğuşun kaçınılmaz olduğunu henüz bilmiyor.

Juliette Binoche, "Bu film benim için ahlaki bir hidroterapi oldu ve ilk filmlerin çekimlerinde biriken tüm duygular, tüm acılar, anlaşmazlıklar, kızgınlıklar, yanlış anlamalar ruhumdan silinip gitti" diye hatırlıyor. “Hayatım boyunca yaptığım en kolay atıştı. Bana en iyi rol ödülünü verdiklerinde çok şaşırdım!”

Karmitz, filmin bir senfoni ya da bir konçerto gibi üç bölümden oluşan bir yapıya sahip olduğunu söyledi. "Mavi"nin ezgisi hayata kavuşmanın ezgisi, aşkın marşı ve gerekçesidir. Bu bağlamda Polonyalı yönetmenin daimi bestecisi haline gelen Zbigniew Preisner'in katkısını takdir etmemek elde değil.

"Üç Renk: Mavi" sinematik ustalığıyla, her şeyden önce görsel- ses çözümüyle keyif veriyor. Film, 1993 Venedik Film Festivali'nde Büyük Ödül kazandı.

İngiliz eleştirmenlerden biri, film döngüsünün ikinci bölümünü "Üç Renk: Beyaz", Kieślowski'nin bir tür müzik bestesiyle "scherzo" olarak adlandırdı. Bununla birlikte, her türden eleştirmen tarafından saldırıya uğrayan Beyaz'dı, aynı anda her iki toplum için de kötü bir hiciv gördü ve yönetmeni Mavi'deki gibi çok parlak ve mecazi bir renk oyunu olmadığı için suçladı. Yine de "Üç Renk: Beyaz" filmi Berlin Film Festivali'nde "Gümüş Ayı" aldı.

Budapeşte'de tanıştığı genç bir Fransız kadın Dominique (Julie Delpy) ile evlenen bir kuaför olan "Beyaz" Kutup Karol'un (Zbigniew Zamakhovsky) kahramanı. "Beyaz" ın konusu bir şakayı andırıyor.

Karol, Paris'te ne Fransızca öğrenebiliyor ne de genç karısını cinsel olarak tatmin edebiliyor. Dominique'den boşandıktan sonra kendini Paris sokaklarında parasız ve pasaportsuz bulur. Vatandaşı Nikolai (Janusz Gaiosz) ile tesadüfi bir karşılaşma sayesinde Polonya'ya dönmeyi başarır - bir bavulun içinde, bir uçağın bagaj bölmesinde! Ve bu "değerli" kargo, elbette, Varşova havaalanının çalışanları tarafından çalındı ve sonunda bavulu Karol ile birlikte çöp sahasına attılar. Dövülmüş kahraman onu şu sözlerle selamlıyor: "İşte evdeyiz!"

O andan itibaren Karol, duruşmada kocasının iktidarsız olduğunu açıklayan Dominique'ten intikam almak için kurnazca bir plan yapmaya başlar. Karol ve Nikolai esprili bir "yaşayan ceset" operasyonu gerçekleştiriyor. Karol, kendi cenazesini düzenledikten sonra Dominik'i Varşova'ya çeker. Ve evinde insan ve erkek zaferini kazanır.

Sadece sahte bir cenazede ağlayan ve hatta parmaklıkların arkasında olan Dominik, şanssız Karol'a gittikçe daha yakın hale geldi. Kendisinin koyduğu hapishanedeki Fransız karısını ziyaret etmek için acele ediyor. Karol, hapishane bahçesinde aydınlanmış bir yüzle duruyor ve parmaklıklı penceredeki tiyatro dürbünü Dominique'e bakarak bolca gözyaşı döküyor.

Kieślowski, üçlemede çalışmaları için dikkat çekici oyuncuları çekmeyi başardı: Juliette Binoche, Julie Delpy, Irene Jacob, Jean-Louis Trintignant, Zbigniew Zamakhovsky, Benoit Réjean ve diğer sinema ustaları.

Kieslowski, oyuncuların seçimini bir filmin yaratılmasındaki belirleyici aşamalardan biri olarak görüyordu, bu yüzden üzerinde çok zaman harcadı. “Oyuncuları seviyorum” dedi. - Onların rahatlığı için senaryoda ve sette çok, çok şey değiştirmeye hazırım. Çünkü ne kadar rahat olurlarsa işlerini o kadar iyi yaparlar. Sette iyi bir atmosfer yaratmaya çalışıyorum. Oyuncular rahat olmalı. İşimizi beğenmiş olmalılar. Bu nedenle bacaklarına üflemediklerinden ve iyi beslendiklerinden emin olmam gerekiyor.

Sette Kieślowski tahmin edilemezdi. Bazen aktifti, her şeyi araştırdı, ortaya çıkan sorunların ve önerilen çözümlerin tartışılmasına katıldı. Ve bazen sanki hiçbir şey onu ilgilendirmiyormuş gibi sessizce kenarda oturuyordu.

Oyuncuları doğru ruh haline sokmayı nasıl başardı? “... Her zaman bir sahneyi oynayabileceklerini umuyorum ve bu beklenti onlarda belli bir heyecan uyandırıyor. Oyuncular, onlardan bir şey beklediğimi hissediyor ve bana bir şeyler göstermeye çalışıyor. Neşeli, teşvik edici bir heyecan."

Kieślowski, onurlarına sürekli ilahilere ihtiyaç duyan ve tanrılaştırılmayı talep eden yıldızlarla dolu oyunculardan kaçınmaya çalıştı. Bu nedenle Jean-Louis Trintignant ve Irene Jacob ile çalışmayı seviyordu: “Onlar gerçek yıldızlar ama hayatta sıradan normal insanlar. Senin ve benimle aynı kafelerde kahve içmeye gidiyorlar. Ben ancak eşitlik atmosferinde film yapabilirim. Belki de bu yüzden Amerika'da hiç çalışmadım."

Irene Jacob ilk filmini Louis Malle'in Goodbye Children (1987) filminde küçük bir rolle yaptı. Bundan sonra Kieslowski, The Double Life of Veronica'da onu başarıyla kaldırdı. Bu rol, Irene'e 1991'de en iyi kadın oyuncu unvanını ve uluslararası üne kavuştu. Kendini ifade etmek için mükemmel fırsatı Kieślowski ile birlikte buldu. "Üç Renk: Kırmızı" filminde, aktrisin kahramanıyla tam özdeşleşmesi görülebilir - Irene, eski bir yargıçla (Jean-Louis Trintignant) tanışan İsviçreli bir öğrenci ve manken Valentin rolünü oynar. Valentine aradaki büyük yaş farkına rağmen yalnız bir yargıçla yakınlaşır. Eski yargıç ikinci bir genç bulur. Tüm film, ince yarı tonlar ve ayrıntılar üzerine inşa edilmiştir.

“Benim için on yıl önce bıraktığım ve şimdi olduğum kişiyle çok garip bir karşılaşma oldu. Bu nedenle resim, sahip olduğumuz umutlar ve inanç hakkında bir diyalog olarak ortaya çıktı, ardından gerçeklik hayalleri nasıl kırdı. Hepimizin iyi ve nazik olmaya ihtiyacı var ama sonra uyum sağlamamız, hayır demeyi öğrenmemiz, karşılık vermemiz ve öfkeye kapılmamız gereken yetişkinliğe geçiyoruz."

Eski yargıç, komşuların telsiz konuşmalarına kulak misafiri olur. Alışılmadık bir şekilde yalnızlığıyla mücadele ediyor. Film eleştirmeni Viktor Gulchenko'nun yerinde sözlerine göre, "Bu onun için hiç kulak misafiri olmadığı, ancak dinlediği hayatın müziği."

Kieślowski'den "Üç Renk: Kırmızı" - oradaki kahraman biraz bana benziyordu. Genellikle bunun tersi doğrudur," diyor Jean-Louis Trintignant. - Kieslow'un bilgiçliği. Ama... Sizden istediğini tam olarak yapmazsanız, o zaman kendi kendine sorar... O hiç de terörist yönetici tipinde değil. Kieślowski tanıdığım en etkileyici, akılda kalan yönetmen. İncelikli bir psikolog, psikolojiden bahsetmiyor ama kimsenin düşünmediği bir şeyi ima ediyor.

...Genç bir kadının ruhani güzelliğiyle kendini açan yaşlı, safralı bir tipi oynuyorum. Seksi bir şey yok. Bu tip öfke ve acı doludur ve kendi içinde iyiyi aramaya başlar. Kefaret tarihi ... "

"Kırmızı"nın finalinde Manş Denizi'ni geçen bir feribot kaza yapar. Mucizevi bir şekilde hayatta kalan birkaç kişi arasında "Üç Çiçek" in tüm ana karakterleri vardı: "Mavi" den Julie ve Olivier, "Beyaz" dan Karol ve Dominique, Valentine ve "Kırmızı" dan eski yargıç.

"Üç Renk: Kırmızı" filmi, En İyi Film Müziği dalında César Ödülü'nü kazandı. Cannes Film Festivali'nde Kieślowski'nin resmi, Quentin Tarantino'nun Ucuz Roman'ına kaptırdı. Tabii ki Polonyalı yönetmen üzgündü. Ve boşuna. "Üç Renk" daha ilk karesi çekilmeden tüm dünya ülkelerine satıldı. Gerçek bir başarı ölçüsü olarak algılanan festival ödülleri değil, budur.

Ünlü üçlemenin ardından Kieslowski yönetmenlikten uzaklaştığını açıklamıştı. Buna kimse inanmadı. Ayrıca, yeni bir triptik - Cennet, Araf, Cehennem - senaryosunda Krzysztof Pesiewicz ile çalıştı. Ancak yönetmen sözünü tuttu.

Gerçek şu ki, ölümcül hastaydı. Yönetmen 54 yaşında Varşova'da öldü. "Üç Renk" üçlemesi onun zaferiydi.

ORMAN GAMPİ
(Forrest Gump)

Yapım: Paramount Pictures, ABD, 1994. Senaryo E. Roth, W. Groom'un romanından uyarlanmıştır. Yönetmen: R. Zemeckis. Operatör D. Burgess. Sanatçı R. Carter. Besteci A. Silvestri. Oyuncular: T. Hanks, R. Wright, S. Field, R. Williams, M. Williamson ve diğerleri.

"Forrest Gump" filmi olağanüstü bir başarıydı: 13 adaylık dalında Oscar'a aday gösterildi ve sonunda altı gıpta ile bakılan heykelciği aldı. 35 haftada Forrest Gump, yüzyılın gişe şampiyonları listesinde beş numaraya yükseldi.

Film, Alabama'nın güney eyaletindeki Amerikan "taşrasında" geçiyor. Forrest Gump, bacaklarını düzeltmek için kullandığı demir destekler yüzünden çocukken dışlanmıştı. IQ'su sadece 75 (Amerika Birleşik Devletleri'ndeki kapsamlı okullar, IQ'su en az seksen olan çocukları kabul ediyor). İlk başta, Forrest çirkin bir ördek yavrusu gibi görünüyor - beceriksiz, utangaç, ortopedik botlarına ağır basıyor. Akranları ona aptal ve aptal dedi. Ve sadece babası tarafından zorbalığa uğrayan komşu kızı Jenny, talihsiz Forrest'e sempati duyuyor. Ona ana yaşam emrini öğreten oydu: saldırıya uğrarsan koş!

Ve şimdi kendini aşan Gump, protezlerini fırlatıyor ve yeni keşfedilen özgürlüğün tatlılığını hissederek yuhalayan çocuklardan kaçıyor.

Üniversitede zaten Amerikan futbolu oynamıştı. Milli takımın bir üyesi olan Forrest, takımla birlikte Başkan John F. Kennedy ile randevu aldı.

Gump'ın devlet başkanıyla yaptığı görüşmenin bir tarihçe olarak stilize edilmiş siyah beyaz görüntüleri, gerçekmiş izlenimi veriyor. Forrest'in Lyndon Johnson, Richard Nixon, John Lennon ve Elvis Presley ile yaptığı toplantıların yanı sıra.

Forrest bir arkadaşıyla - genç bir siyah adamla savaşa gider ve profesyonel bir asker olan başka biriyle geri döner.

Gump bir kahraman olur ve başkandan bir cesaret madalyası alır. Üniforma içinde Washington'da dolaşırken genç anti-militaristlerle karşılaşır ve hatta onlarla konuşur. Forrest, militan bir zenci örgütünün üyeleri olan Kara Panterlerle tanışır, göstericiler arasında Jenny'yi bulur, ardından masa tenisi takımının bir parçası olarak ülke çapında seyahat eder (Gump'a hastanede oynaması öğretildi).

Filmin kahramanı, son kırk yılın Amerikan tarihinin tüm ünlü olaylarına katılıyor. Biyografik roman, farklı bir kültürde büyümüş olanlar için her zaman net olmayan ulusal mitolojiyle doludur.

Gump sığ kıyı sularında karides yakalayarak bir servet kazandı. Karides yakalamak, Vietnam'da ölen bir zenci arkadaşı tarafından kahramana miras bırakıldı. Ayrıca bu meslek, ormanda iki bacağını da kaybetmiş olan Teğmen Dan Taylor'ın ruhani dirilişiyle ilişkilendirilir. Sonra, Forrest ve Dan teknesi hayatta kaldığında bir fırtına çıktı, o zamandan beri Tanrı tarafından terk edilmediğine inanıyordu.

Forrest Gump'ın ekran biyografisi 1980'lerin ortalarında sona eriyor. Finalde, küçük bir çocuk ilk kez okul otobüsüne biner ve tıpkı babasının bir zamanlar yaptığı gibi şoföre kendini tanıtır: "Merhaba, benim adım Forrest Gump." Ve gelecekteki öngörülemeyen yaşamını simgeleyen beyaz bir tüy rüzgarda uçuşuyor...

Kitle sinemasının önde gelen ustalarından biri olan yönetmen Robert Zemeckis, "Amerikan yaşam tarzı" hakkında nazikçe ve bazen iğneleyici şakalar yaparak, insan katılımının sıcaklığı ve modern dünyada hayatta kalan sıradan insanlara sempati duyarak resmi ısıttı.

Filmin başarısından sonra yapımcı Wendy Finerman'ın dokuz yıl boyunca Forrest Gump'ı çekmekle ilgilenecek bir film şirketi bulamamış olması inanılmaz görünüyor.

Her şey 16 Ekim 1985'te başladı. Yapımcı Steve Tisch, Amerikan beyzbol maçlarını coşkuyla izledi ve Tisch Company'nin başkan yardımcısı Wendy Finerman, Winston Groom'un yazdığı "Forrest Gump" kitabının el yazmasını coşkuyla okudu.

1985'in sonunda, Finerman ve Warner Bros. Prodüksiyondan Sorumlu Başkan Yardımcısı Allyn Stewart, filmi yönetme zorunluluğu olmaksızın romanın geçici film haklarını aldı.

Stuart, Groom tarafından yazılan senaryonun ilk taslağını genç editör Kevin Jones'a okuması için verdi. Jones, "Gump nihai kahramanlık testini geçti," dedi. "Hikaye bittikten sonra bile okuyucu bu adamla kalmak istedi." Editörün tavsiyesi üzerine, en saçma unsurlar hikayeden çıkarıldı - örneğin, Gump'ın aya yolculuğu ve Forrest'in fiziksel parametreleri azaltıldı.

Yine de ünlü oyuncu ve yönetmenlerin hiçbiri ne filme ne de role ilgi gösterdi.

1990'da Finerman, Tish Company'den ayrıldı ve kendi film stüdyosunu kurdu. Ve Kevin Jones, Paramount Pictures'da Prodüksiyondan Sorumlu Başkan Yardımcılığı görevini devraldı.

Columbia projeyi üstlenmeyi reddetti, bu yüzden Jones Gump uyarlamasını Paramount Pictures'ın yapım başkanı Gary Lucchesi'ye sundu. Lucchesi, "Bütün gece bu şeyi nasıl okuduğumu ve yatağın sallanması için güldüğümü çok iyi hatırlıyorum" diyor. - Karım histerik, sinir krizi geçirdiğime karar verdi. İş yerinde deli olduğumu düşündüm."

Gump için Lucchesi, Warner Bros.'a aksiyon filmi Executive Decision'ın senaryosunu ve 400.000 doları verdi. Bundan sonra, Gump'ın o sırada ilk filmi The Addams Family'yi bitirmekte olan eski görüntü yönetmeni Barry Sonnenfeld tarafından yönetilmesini önerdi. Sonnenfeld evet dedi ve hemen başrol için Tom Hanks'i aday gösterdi. Son senaryo Eric Roth tarafından yazılacaktı.

Hanks, Philadelphia'da çekimleri yeni bitirmişti. Finerman senaryoyu eve götürmesi için ona gönderdi. Ertesi gün oyuncu onu aradı ve “Hoşuma gitti. Kabul ediyorum".

Bu sırada Barry Sonnenfeld, Paramount Stüdyoları'nın yeni başkanı Sherry Lansing'den reddedemeyeceği baştan çıkarıcı bir teklif aldı: Addams Ailesi'nin ikinci serisini Gump için söz verdiğinden üç kat daha yüksek bir ücret karşılığında yönetmek.

Hayal kırıklığına uğrayan Finerman, senaryoyu Zemeckis'in ajanı Jack Rapka'ya gönderdi ve o da senaryoyu "acil" olarak işaretleyerek yönetmene verdi. Bir gün sonra olumlu yanıt geldi.

Roth senaryoyu tamamladıktan sonra, Paramount Pictures'ın yönetim kurulu 40 milyon dolarlık bir bütçeyi onayladı.

Ancak böyle bir bütçe, Zemeckis'in özel efektleri tam olarak kullanmasını engelledi. Yapımcı Steve Starkey tüm masraf kalemlerini hesapladığında, Gump'ın 10 milyona daha mal olacağı ortaya çıktı. Lansing, "yalnızca" 5 milyon dolarlık bir bütçe artışı sağladı. Zemeckis öfkeliydi, ancak daha sonra stüdyo yöneticilerinin haklı olduğunu kabul etti: “Kendinizi onların yerine koyun. İçinde canavar veya yıldız gemisi olmayan bir film için 50 milyon isteniyor. Ve sonra ana karakterin başkanla el sıkışması için dört milyon daha ... "

Forrest Gump için çekimlerin 1993 yazının sonunda başlaması gerekiyordu, ancak hala boş oyunculuk pozisyonları vardı. Jenny rolü için acil bir oyuncu arayışı vardı. Jodie Foster reddetti. Zemeckis, Demi Moore ve Nicole Kidman ile bir araya geldi ancak ekran testlerine karşıydılar ve Zemeckis, aktrisi filmin ana yıldızı Tom Hanks ile eşleştirmek istedi.

İlki, Robin Wright için bir ekran testinden geçmeyi kabul etti. Sekiz aylık hamile olduğu için, Jenny'nin köprüde Forrest'e veda ettiği sahneyi zekice oynadı. Sonuç olarak, Wright bu rolü aldı.

Çekimler başlamadan birkaç gün önce özel efektlerin olması gerekenin iki katına mal olacağı ortaya çıktı. Ardından Lansing soruna kendi çözümünü önerdi: Zemeckis, Finerman ve Hanks ücret yüzdelerini artırırken ücretlerin bir kısmından vazgeçeceklerdi. Düşündüklerinde, bu işten milyonlarca dolar kazanarak ve hala filmin dünya çapındaki dağıtımından kar elde etmeye devam ederek anlaştılar.

Çekimler 1993 yazının sonlarında Güney Carolina'da başladı. Öngörülemeyen harcamalar -kötü hava, konum sorunları, güvenilmez özel efekt ekipmanı- bütçeyi 10 milyon dolar daha artırdı.

Forrest Gump'ta Tom Hanks'le çalışma anılarınız neler?

Oyuncu bir röportajında "Çekimler sırasında büyük bir heyecan yaşadım, her şey içimde titreşti" dedi. "Haftalarca aralıksız çalıştık ve hava çok sıcaktı. Zaten provalar sırasında biz oyuncular bizden ne elde etmeye çalıştıklarını anladık. Gergin bir içki dönemi geçirdik: yönetmen Robert Zemeckis, senarist Eric Roth, filmde rol alan tüm oyuncular, her sahneyi, karakterlerin davranışlarının mantığını saatlerce tartıştılar. Bunu çekimler sırasında da sürdürdük. Bir görüntü yaratmak, bir uzaylı rolü üzerinde çalışmak gibiydi. Dünyaya farklı bir bakış açısıyla bakmam gerekiyordu ... "

Kitapta Gump da saf ama hiç de o kadar masum ve şanslı değil: seksin gizemine inisiye oluyor, ot içiyor ve eğer filmde kahramana bir aile verilirse, kitabın sonu farklı oluyor. Jenny rolünü genişleten senarist Eric Roth, ona Gump'ın tüm kusurlarını verdi. Film eleştirmeni Richard Corliss şöyle diyor: “Robin Wright, Jenny'yi zamanın kasırgalarına kapılmış kibar bir yaratık olarak oynuyor. Güzel bir kadının vücudunda korkmuş bir çocuk. Forrest onun kurtarıcısıdır. Ve soru, onu kurtarıp kurtarmayacağı değil, kendisinin kurtarılmasına izin verip vermeyeceğidir.

Aralık ayında çekimler bitti, filmin bütçesi 55 milyonu geçti ve stüdyodaki herkes Forrest Gump grubuna o kadar kızmıştı ki, çekimlerin bitmesi şerefine geleneksel ziyafete 20 bin bile ayırmadılar.

Düzenleme ve dublaj sırasında skandallar devam etti. Zemeckis sırıtıyor, "Artık onların çıkış yolu olmadığını biliyordum," diye küstahça ilan ettim: beyler, zaten elli beş milyon harcadınız, talihsiz bir yirmi bin için gerçekten üzülüyor musunuz?

4 Temmuz'daki ulusal tatilin ertesi günü yayınlanan Forrest Gump'ın kiralamaya başladığı ilk günlerin verileri etkileyici değildi. Ama sonra durum dramatik bir şekilde değişti. Zemeckis'in resmi, 300 milyon doları aşarak genel gişe rekorları listesinde beşinci oldu.

21 Ocak 1995'te Hollywood'da akredite olan yabancı gazeteciler, Forrest Gump'a üç Altın Küre Ödülü verdi: film, yönetmen ve ana erkek rolü için, Amerikalı eleştirmenlerle yalnızca Ucuz Roman senaryosu ödülüyle ilgili olarak dayanışma.

Bu arada, Oscar dağıtımında Forrest Gump'ın ana rakibi Quentin Tarantino'nun ünlü filmi oldu. Rekabetin nasıl sona erdiği biliniyor. Forrest Gump'ın zaferi. Tom Hanks üst üste ikinci Akademi Ödülünü aldı. Eşsiz durum! Ayrıca yılda 70 milyon dolar alarak bir rekor daha kırdı.

Forrest Gump, 1990'ların ortalarında hemen bir kült figür haline geldi. Prestijli siyasi dergiler bile "gampizm" fenomenine birkaç makale ayırdı ve Amerika'nın her yerinde "gampomaniacs" kulüpleri türemeye başladı. Amerikalılar, filmde kullanılan 1960'ların şarkılarının CD'lerini kaparak plak dükkanlarına baskın düzenledi. Winston Groom'un romanını ve Gumpisms: The Wit and Wisdom of Forrest Gump'ın yanı sıra süper çok satanlar listesine aldılar.

"İNGİLİZ HASTA"

(İngiliz Hasta)

Yapım: "Miramax", ABD, 1996. Senaryo E. Minghella, M. Ondaatje'nin romanından uyarlanmıştır. Yönetmen: E. Minghella. Operatör J. Seal. Sanatçı S. Craig. Besteci G. Önceki Oyuncular: R. Fiennes, J. Binoche, W. Defoe, C. Scott Thomas, N. Andrews, K. Firth ve diğerleri.

Yapımcı Saul Zaentz (One Flew Over the Cuckoo's Nest, Amadeus, The Unbearable Lightness of Being) bu film üzerinde dört yıldır çalışıyor. Her şey 1992'de yazar Michael Ondaatje'nin Booker Ödülü'nü kazanan İngiliz Hasta'yı yayınlamasıyla başladı. Kısa süre sonra Zaentz, "Saygılarımla, derinden, delice" filmiyle ünlenen yönetmen Anthony Minghella'dan bir telefon aldı.

Michael Ondaatje'nin romanı yanıltıcı - tamamen sinematik görünüyor. Minghella'nın belirttiği gibi, en parlak görüntüler tutarsız bir anlatım mozaiği içinde sayfalara dağılmıştır - sanki biri resmi çoktan görmüş ve unutmamak için en iyisini yazmak için acele ediyormuş gibi.

Bunun üzerine Minghella, çılgın bir projeyi üstlenebilecek tek yapımcı olan Berkeley'deki Saul Zaenz'i aradı ve ondan romanı okumasını istedi. Saul iyi bir kitabı severdi. İngiliz Hasta'yı çok sevmişti.

Zaents daha sonra "Bundan hiçbir şey çıkmayacağını düşündüm," diye itiraf etti. “Stüdyolar savaş ve ıstırapla ilgili bir filme asla para vermezler, A sınıfı oyuncular asla Hollywood olanaklarının olmadığı çöle gitmezler. Stüdyolar için, geçmiş bir döneme ait pek çok kostüm, sahne ve mekan çekimi içeren böyle bir proje, tanımı gereği bir felakettir. Buna, pazarlama departmanı başkanlarının bakış açısından projenin bariz dezavantajlarını ekleyin: olay örgüsünün doğrusal olmayan gelişimi, kavga etmek yerine acı çekmesi ve ünlülerden herhangi birini ana rollerde oynama umudunun tamamen olmaması. . Yine de Zaentz film haklarını satın aldı ve Minghella senaryoyu yazmaya başladı.

Senaryonun son taslağında Minghella, Zaents ve Ondaatje birlikte çalıştı.

İngiliz Hasta'da başkahraman Macar aristokrat Laszlo de Almasy'dir (Ralph Fiennes). Kuzey Afrika'da II. Dünya Savaşı'nın patlak vermesinden önce yakalanan İngiliz aristokrat Katherine Clifton (Kristin Scott Thomas) ile tanışır. Karşılıklı tutku, tutkulu bir aşka dönüşür, ancak Katherine evlidir, bu yüzden aşkları sona ermiştir. Almashy, sevgilisini kurtarmak uğruna Almanlara gizli kartlar verir.

Ardından aksiyon 1946'ya, İtalya'nın Toskana bölgesine aktarılır. Almashy, Sahra Çölü'nde bir uçak kazası sırasında korkunç yanıklara maruz kaldı ve şimdi bir manastırda saklanıyor. Hana (Juliette Binoche) onunla ilgileniyor. Yavaş yavaş gözden kaybolan "İngiliz hasta" tek gerçek aşkını hatırlar.

Hana'nın da birçok denemesi oldu: sevgilisi öldürüldü, ardından arkadaşı bir mayın tarafından havaya uçuruldu. Onu saran umutsuzluk ("Bana yakın olan herkese ölüm getiriyorum") onu Toskana manastırında ölmekte olan kahramanla kalmaya zorluyor. Orada Kip (Navin Andrews) ile tanışır. Resim, aşklarını en iyi çekimlere borçludur: Hana'nın Kip'in onu getirdiği tapınağın kemerleri altında uçması ve Kip'in ölümü kaçınılmaz göründüğünde bombanın mayın temizlemesi.

Sonra elleri parçalanmış Kanadalı Caravaggio (Willem Dafoe) manastıra gelir. Caravaggio, Almashy'ye karşı uzun süredir devam eden bir nefret besliyor ve geçmiş şikayetleri için ondan intikam almaya can atıyor...

Bu oldukça karmaşık aşk, ıstırap ve ihanet benzetmesi, muhteşem bir aktörler topluluğu tarafından işgal ediliyor. Neredeyse tüm sanatçılar Avrupa'da bulundu. Schindler'in Listesi filmindeki rolüyle İngiltere'de yılın en iyi erkek oyuncusu seçilen Ralph Fiennes, Minghella'nın filmini çekmeyi çok tereddüt etmeden kabul etti.

Fiennes'e teklif edilen ücret normal ücretinin yarısı kadardı. Fiennes'in esnekliği, projenin finansman sorununu ortadan kaldırmaya yardımcı oldu.

Catherine Clifton'ın rolü, Bitter Moon ve Four Weddings and a Funeral filmleriyle ünlenen İngiliz aktris Kristin Scott Thomas tarafından oynandı. Kendisi Anthony Minghella'ya bir mesaj gönderdi: "Ben senin K'nım" ve kısa süre sonra rol için onaylandı.

Önde gelen Fransız tiyatro ve sinema aktrislerinden biri olan Juliette Binoche, uzun süre Hollywood'dan kaçındı, çok para rollerini reddetti (örneğin, Spielberg'in Jurassic Park'ında), ama sonra bozuldu. Yapımcı Saul Zaentz, bir keresinde onu "Var Olmanın Dayanılmaz Hafifliği" filmine davet ederek bundan "suçlu". The English Patient'da Hana'nın hemşiresi rolü için onaylanan kişinin Binoche olduğu konusunda ısrar etti.

Zaentz ayrıca filminde Amerikalı Willem Dafoe ve Wuthering Heights yıldızı Colin Firth'ü almayı başardı.

Saul Zaentz, Hollywood'un önde gelen stüdyolarından birinin desteğini aldı. Ancak oyuncu seçimi konusunda yapımcı ile şirket yönetimi arasında anlaşmazlıklar çıktı. Zaentz, "Büyük isimlere, birçok büyük isme ihtiyaçları vardı" diye hatırlıyor. - Çekimler ertelendi, kimse başlayıp başlamayacağını bilmiyordu ama tüm grup sabırla İtalya'da bekliyordu. Fiennes'in oyundan çekilme hakkı vardı, yine de kimse ona kesinti için para ödememesine rağmen üç hafta bekledi."

Yeni bir finansör bulmak birkaç hafta sürdü ve sonunda Zaentz, Disney şirketi Miramax'ın başkanı Harvey Weinstein ile anlaştı. Filmin bütçesi 27 milyon dolardı. Beş milyon Zaentz, kendi üretim şirketinin hazinesinden bir araya topladı.

Grup Toskana'ya, ardından Roma'ya, Venedik'e ve son olarak çekimlerin çoğunun yapıldığı Tunus'a gitti. Cehennem koşullarında çalışmak zorunda kaldım. Her gün kumlarda deve ve eşeklerin çekildiği yere gitmek gerekiyordu. Üstelik, film gezisinin en başında yönetmen bacağını kırdı. Sabahtan gün batımına kadar çalıştılar. Oyuncular çöldeki bu çekimleri hatırlamaktan hoşlanmıyor, çok yorucuydu.

Filmin ana figürü "İngiliz hasta" idi. Fiennes'in performansında bu, kendisine acı çeken ve başkalarına acı çektiren karmaşık, huzursuz, çelişkili bir kişidir.

Anthony Minghella, "Ralph Fiennes her şeyi Tanrı'dan aldı: zeka, yetenek ve yakışıklılık," diye övüyor onu. “Ama tüm bunlara sahip olan, yıldız olmaktan başka bir şey yapamaz. Ralph ne yaparsa yapsın, eylemlerinde belirli bir alt metin vardır. Bu adamda gizli bir sır var. İçinde biraz karanlık var."

Fiennes'in sevgilisini oynayan Kristin Scott Thomas, “Ralph'ın inanılmaz yakışıklı bir yüzü var” diye ekliyor. “Meraklı bir zihne sahip, kendi kuşağının aktörlerinde nadiren bulunan niteliklere sahip bir haysiyet duygusu geliştirdi. Ralph gerçek bir erkek. Kadınları zayıf hissettiriyor. Acımak, okşamak ve beslemek isteyen erkekler var. Önlerinde secde etmek istediğin kimseler var. Ralph ikinci tipe ait ... "

Görüntü yönetmeni John Seal, yapım tasarımcısı Stuart Craig, editör Walter Murch, kostüm tasarımcısı Ann Roth, besteci Gabriel Yared ile birlikte tüm ihtişamlarıyla kendilerini gösterdiler. Eleştirmenler, çeşitli dış ve iç mekanların zarafetine ve doğruluğuna, renklerin hassasiyetine ve ölçeklerin karmaşıklığına dikkat çekti.

Rus film eleştirmeni Gennady Demin, prömiyerin hemen ardından, "Görünüşe göre Minghella romana profesyonelce aşık olmuş," diye yazmıştı, "ona çok dikkatli davranıyor, tüm detayları titizlikle ve titizlikle senaryoya aktarıyor. Senarist, zarif bir kadının çölde ilk kez ortaya çıkışı, kaderindeki erkekle tanışması ve kocasıyla çocuksu bir sevginin olduğu ilişkisi için de önemlidir. Önemli olan, her şeyi tüketen bir tutkunun doğuşu ve kocanın içgörüsü ve sıkı düğümü bir uçak kazasıyla kesme kararıdır. Yönetmen Minghella, senaristten sapmıyor, her şeyi doğru ve güzel bir şekilde çekiyor, sıcak atmosferi ve bir kum fırtınasını ve terk edilmiş bir manastırın huzurunu ve uzun zamandır beklenen bir yağmurun tazeliğini aktarıyor.

İngiliz Hasta prömiyerini 6 Kasım 1996'da Los Angeles'ta yaptı. Hollywood, İngiliz filmine coşkuyla tepki gösterdi. İngiliz Hasta on iki Oscar'a aday gösterildi ve dokuz kategoride kazandı (en iyi film, yönetmen, görüntü yönetmeni, set tasarımcısı, kostümler, yardımcı kadın oyuncu - Binoche, orijinal müzik, ses, kurgu).

Film eleştirmeni Owen Gleiberman şöyle yazıyor: “Kolaylıkla pembe dizi olabilecek bir hikaye, savaşın insan bedenlerini ve ruhlarını nasıl yok ettiğine dair zekice, eksiltili bir destan haline geldi. Burada aşk, Kaderin ezici baskısı altındadır... Fiennes, kahramanının ıstırabını ve coşkusunu mükemmel bir şekilde aktarır - Almashy'si, geçmişe şiddetle takıntılıdır ve bu takıntı, onun zihnini ve ruhunu boyunduruk altına alır.

Hemşire Hana'nın rolü, Juliette Binoche'ye dünya çapında ün ve birkaç film ödülü getirdi.

Minghella'nın tablosu dünya çapında gıpta edilecek bir ödül hasadı topladı. İngiliz Film ve Televizyon Akademisi de İngiliz Hasta'yı yılın en iyi filmi seçti. Ayrıca, İngiliz filmi şu kategorilerde kazandı: sinematografi, kurgu, yardımcı kadın oyuncu (Binoche), senaryo. Anthony Esquith'in adını taşıyan en iyi müzik için özel ödül Gabriel Yared'e gitti.

"İngiliz Hasta" tüm dünya ekranlarında bir başarıydı. Dünya çapındaki ücretler 231 milyon doları buldu.

"TİTANİK"
(Titanie)

Yapım: "XX yüzyıl - Fox", ABD, 1997 J. Cameron'un yazıp yönettiği. Kameraman R. Carpenter. Sanatçılar P. Lamont, M. Ford. Besteci J. Horner. Oyuncular: L. DiCaprio, K. Winslet, G. Stewart ve diğerleri.

14-15 Nisan 1912 gecesi, tehlikede olan bir transatlantik gemisi olan Titanic'ten bir SOS sinyali alındı. Newfoundland'in güneyinde bir buzdağıyla çarpışan gemi, iki saat kırk dakika içinde battı. Afette 1.500'den fazla insan öldü. Geminin kalıntıları 1985 yılında 4000 metre derinlikte bulundu.

Titanik'in batışının ilk film versiyonu trajediden sadece bir ay sonra yayınlandı. Batan bir gemiden mucizevi bir şekilde kaçan bir aktrisin ana rolü oynadığı on dakikalık bir kasetti. Naziler, Üçüncü Reich'ı açıkça yücelten Titanik'lerini serbest bıraktılar. İngiliz resmi "Unutulmaz Bir Gece" (1958) trajik olayların yeniden inşasına bir örnek olarak kabul edildi.

1995'te Titanik hakkında bir belgesel çekildi ve bir yıl sonra Robert Lieberman'ın yönettiği, popüler aktör George Scott'ın kaptan olduğu bir uzun metrajlı film yayınlandı. Ancak ticari sinemanın önde gelen isimlerinden, ünlü Terminatör'ün yazarı James Cameron herkesi geride bıraktı.

Terminatör 2'deki çalışmalarını bitirdikten sonra Cameron, Hatırlanması Gereken Bir Gece'yi izledi ve sonraki beş yıl boyunca bu transatlantik gemisi ve ölüm koşullarıyla ilgili her şeyi inceledi. Yönetmen tarihçileri, Titanik'teki tanınmış uzmanları, Don Lynch'i ve Ken Marshall'ı danışman olarak davet etti.

James Cameron, “Titanik trajedisi insanlar tarafından neredeyse bir efsane olarak algılanıyor. Zamanla tamamen insani, duygusal rengini kaybetti. Yolcular Rose ve Jack'in aşk hikayesi aracılığıyla insanlara trajedinin bu tarafını hatırlatmak istedim.

1995 sonbaharının başlarında yönetmen, iki derin deniz denizaltısı ile donatılmış Rus araştırma gemisi Akademik Keldysh'i kiraladı. Su altında çekim yapmak için 400 atmosfer basınca dayanabilen özel bir kamera yapıldı. Cameron bu deneyimi bir başarı olarak kabul ediyor: "Felaketten bu yana kimsenin görmediği nesneleri ve dekoratif öğeleri yakalayabildik. Sonra filme su altı çekimlerini ekledik, bu yüzden sadece fayda sağladı.”

31 Mayıs 1996'da Meksika sahilinde, bir tanker bazında, 236 metre uzunluğundaki (gerçek astarın uzunluğu 270 metre olan) Titanik'in bir modelinin yanı sıra dev bir havuzun inşasına başlandı. yaklaşık on yedi milyon galon su kapasitesi.

17 yaşındaki aristokrat Rose'un rolü İngiliz kadın Kate Winslet tarafından onaylandı. İngiliz televizyonunda, Winslet ilk çıkışını The Psychoanalysts dizisinde yaptı. 1995'te Kate, Sense and Sensibility'de En İyi Yardımcı Kadın Oyuncu dalında Oscar'a aday gösterildi. Ayrıca Heavenly Creatures, A Child in King Arthur's Court, Jude ve Hamlet filmlerinde rol aldı.

Titanik'te, Winslet'in yüksek sosyete Philadelphia karakteri, zengin ve sevilmeyen bir adamla evlenmek zorundadır. Çaresiz, intihar etmeye çalışır, ancak üçüncü sınıfta seyahat eden zavallı sanatçı Jack tarafından kurtarılır. Bu tesadüfi karşılaşmadan inanılmaz bir aşk hikayesi filizlenir.

Rose rolü için bir İngiliz kadını alan Cameron, Jack rolünü bir Amerikalıya vermesi gerektiğini anladı. Yapımcılar Cameron'a Chris O'Donnell gibi deneyimli bir oyuncuyu oynamasını tavsiye etti. Gerçekten 35 yaşındaki genç Jack Tom Cruise'u oynamak istiyordum. Son olarak Cameron'ın görüş alanı Gilbert Grape'de gördüğü DiCaprio oldu.

Cameron, "Leo teste meydan okuyan bir bakışla geldi, sanki şimdi ne olacağı hiç umurunda değilmiş gibi ofisimde sigara içerek oturdu," diye hatırlıyor. Beni biraz endişelendirdi, yanıldığımı düşündüm. Sonra ayağa kalktı ve hemen sahneyi oynadı, böylece tüylerim diken diken oldu! O an neler yaşadığım hakkında hiçbir fikriniz yok. Sanki uçan daireyi gören tek kişi benim ve herkes sarhoş olduğumu düşünüyor. Ondan sonra, kahramanımı bulduğumu haykırarak yapımcılara koştum. DiCaprio ekran testinin çekilmesini yasakladığı için Cameron'ın bunu kanıtlaması kolay olmadı. Yapımcılar, az bilinen bir oyuncuyu büyük bütçeli bir filmde nasıl çekebileceğinizi içtenlikle anlamadılar mı? Ancak DiCaprio'nun katılımıyla "Romeo ve Juliet" in galası zamanında geldi ve sorun Cameron lehine çözüldü.

Ancak şimdi DiCaprio, ana karakterin fazla olumlu ve masum göründüğüne inanarak sözleşmeyi imzalamayı reddetti. Yönetmen yanıt olarak Jack'i bir psikopata dönüştürmeyeceğini, kahramanın da topallamayacağını veya sinir tikinden muzdarip olmayacağını söyledi. Aktörü kışkırtan Cameron, Leo gibi şımarık bir adam için masumiyeti oynamanın pek mümkün olmadığını sırıtarak kaydetti. Ertesi gün sözleşme imzalandı.

DiCaprio ve Kate Winslet harika bir çift oluyor. Yönetmen, “Zengin, biraz gergin oyunculuğa yatkın Leo, kendi yaşam gücüyle Jack'i daha da çekici yapacakmış gibi geldi bana” diyor. - Kate'e gelince, sesi, yüzü, gözleri öyle bir ışık saçıyor ki seyirciyi kendi kendilerine çekiyorlar. İzleyicinin Titanik felaketini yeniden yaşaması Rose ve Jack'in kaderi sayesinde olduğu için, bu niteliklerin film için en önemli nitelikler olduğu ortaya çıktı.”

Filme katılmak için figüranların çekirdeğini oluşturan 150 figüran seçildi. Herkese kıyafet ve saç verildi. Aynı zamanda bir koreograf olan görgü kuralları uzmanı Lynn Hockey şunları söyledi: “Yüksek sosyetede, kıyafet, konuşma, tavırla ilgili her şeyde kurallar çok katıydı. Bu çok yorucuydu."

DiCaprio kahramanı üçüncü sınıf bir yolcuydu, yani görgü kurallarını bilmiyor olabilirdi ve Jack'in karakterinin kendisinin de açıkça sözleşmelere uyması gerekmiyordu. DiCaprio, “Bu görgü kuralları derslerine gittim ama karakterimin davranışlarına kendi özelliklerimi de kattım. Bana Jack'in hala bazı şeyleri bilmemesi gerektiğini düşündüm, bu yüzden daha inandırıcı olurdu. Geleneklere uymuyor, Rose'u kendine çeken de bu."

Çekimlerden önce muazzam bir hazırlık çalışması yapıldı.

Filmin baş sanatçısı Peter Lamont, "Mexico City, Los Angeles ve Londra'da yaklaşık bir yıl boyunca bizim için setler ve iç öğeler hazırladılar" diye hatırlıyor. “Şezlonglar, masa lambaları, aynalar, kristal ve porselen eşyalar, valizler, can yelekleri ve gemi teçhizatı gibi binlerce ve binlerce öğeyi yeniden inşa ettik. Titanik'in neredeyse gerçek boyutlu bir modelini yapmak, neredeyse gerçek bir Titanik yapmak kadar zordu. Ve on kat daha az zamanımız vardı.”

Tarihçiler Don Lynch ve Ken Marshall, Titanik'in ve ona çok benzeyen Olimpiyat gemisinin fotoğraflarını dikkatlice incelediler. Sonuç olarak, birinci sınıf restoranın, spor salonunun, birkaç kabin süitinin yanı sıra radyo odası, makine dairesi ve kargo ambarının iç mekanlarını yeniden yaratmayı başardılar.

"Ice Planet" çalışma adını alan filmin çekimleri Halifax, Nova Scotia'da başladı. Resmin başında seyirci, bir zamanlar felaketten kurtulan Rose ile tanışır. Şimdi yüz bir yaşında. Bu rolü 86 yaşındaki Gloria Stewart oynadı.

Eylül 1996'da film ekibi, sahnenin inşa edildiği Rose Rio Beach kıyısındaki Meksika'ya gitti.

Bitmiş sahneyi gören oyuncular, Ken Marshall'dan bahsetmeye bile gerek yok, sadece şok oldular. "Zamanda yolculuk ediyormuş gibi hissettim," diye itiraf etti. “Çalışma mükemmeldi. Üç boyutlu olarak inşa edilmiş bu manzarayı ilk gördüğümde kelimenin tam anlamıyla şaşkına dönmüştüm. Otuz yılı aşkın bir süredir kendime şu soruyu soruyorum: İnsan Titanik'e bindiğinde ne hisseder? Ve şimdi ben de gemideydim. Duygu basitçe tarif edilemez."

James Cameron, "162 fitlik [yaklaşık 50 metre] bomu olan büyük bir kule vinci inşa ettik," diye hatırlıyor, "ve gemi boyunca raylar döşedik. Geminin borularının üzerine bir kamerayla çıkıp tüm Titanik'i sadece beş dakikada "etrafından dolaşabiliriz". Gemideki her nokta bizim için müsaitti.” Daha sonra helikopterden ateş etmeye başladılar.

James Cameron, "sert" yönetmenlerin sayısına atfedilebilir. Bir önceki filmi True Lies'ın ekip üyelerinin kendileri için "Hiçbir şey beni korkutamaz - James Cameron ile çalıştım!"

Yönetmen çalışma gününü sınıra kadar uzattı, sette bağırdı ve genellikle çok ince davranmadı. Cameron sürekli olarak insanüstü stresten kalp krizi geçirmenin eşiğindeydi.

James Cameron, oyuncuları geçiş bölümlerinde bile 20-25 çekim yapmaya zorladı ve olay örgüsü için önemli olan sahneleri neredeyse 100 kez yeniden çekerek yalnızca kendisinin bildiği bazı özel nüanslar elde etti.

DiCaprio ve Winslet kısa sürede arkadaş oldular. Çekim döneminin tüm zorluklarına en zor anlarda bile mizah anlayışlarını kaybetmeden katlandılar. Kate Winslet, bir keresinde her an çökebilecekmiş gibi görünen yarı su basmış bölmeler boyunca kamera önünde ilerlemek zorunda kaldıklarını hatırlıyor: “Düşündüm ki: eğer bu duvarlar çökerse, benden geriye hiçbir şey kalmayacak. . Leo'ya döndüm ve ona "Bebek istiyorum!" O da gözünü kırpmadan cevap verdi: "Hemen şimdi mi?"

Kate akıntıda neredeyse iki kez boğuluyordu, kurtarıcılar tarafından dışarı çıkarıldı. Ve bir kez Leo kendini aynı durumda buldu; ayağını kaybetti ve zeminin nerede olduğunu, tavanın nerede olduğunu anlayamadı. Ayrıca kurtarma ekipleri tarafından sudan çıkarıldı.

Ancak bazen oyuncular daha ciddi bir tehlikeyle tehdit edildi. Eric Braden, final sahnesinde bölmelere 40.000 galon okyanus suyu doldurulması gerektiğinde gerçekten korktuğunu itiraf etti. Ayrıca Cameron, daha büyük bir etki için başlangıçta planlanandan üç kat daha fazla su pompalanmasını emretti. Neyse ki, her şey yolunda gitti.

Filmin prodüksiyonu sırasında filmin bütçesi 135 milyon dolardan 200 milyon dolara çıktı. 20th Century Fox'un ayıracak parası yoktu, bu yüzden patronları Paramount'a Titanic'i Amerika Birleşik Devletleri'nde kiralama haklarını sadece 65 milyon dolara satmak zorunda kaldı. İlginç bir şekilde, 1997 fiyatlarıyla, gerçek Titanic'in inşasının 120-150 milyon dolar olduğu tahmin ediliyordu.

Cameron, Titanik pahasına kendini hiç zenginleştirmeyeceğinden emin olarak bahaneler uydurmak zorunda kaldı. James, yönetmenin maaşını (8 milyon dolar) ve kiralamanın bir yüzdesini reddederek büyük bir jest yaptı. Aslında sadece senaristin maaşını alıyordu.

Çekimler 23 Mart 1997'de tamamlandı. "Titanic" in taslak versiyonu on iki saatlik gösteri için tasarlandı, sonuncusu - 3 saat 17 dakika.

Cameron, yalnızca seyirciyi manipüle etmede değil, aynı zamanda ekipmanı manipüle etmede de hiçbir sorunu olmadığını kanıtladı. "Titanic", en zor (bir bilgisayar için bile) element olan su ile yapılan bir çalışma şaheseridir. Cameron her şeyi hassasiyetle yaptı. Mizanpajları yalnızca orijinalin boyutuna göre oluşturmakla kalmadı, aynı zamanda her kare karmaşık bilgisayar işlemlerine tabi tutuldu.

Özel efektler Digital Domain tarafından gerçekleştirildi. Geminin genel görüntüsünü göstermek için okyanus dalgalarını keserek Titanik'in 1'den 20'ye kadar bir maketi yapıldı. Geri kalan her şey - güvertedeki insanlar, okyanus, borulardan çıkan duman - bilgisayar düzenlemesi sayesinde çerçevede ortaya çıktı.

DiCaprio çekimlerden sonra "Titanic muhtemelen kariyerimin en zor, en çılgın ve en heyecan verici filmi olmaya devam edecek" dedi. "Çalışmamızın sonucunu ekranda gördüğümde kendi kendime "Cameron gerçek bir dahi!" dedim.

Titanic'in uluslararası prömiyeri 1 Kasım 1997'de Tokyo'da gerçekleşti. Seansın sonunda DiCaprio sahneye çıkınca salonda akıl almaz bir gürültü yükseldi, seyirciler onun adını haykırdı, her yaştan kadın sahneye koştu. Genç Japon kadın kalabalığı sokakta Leo'yu kuşattı.

19 Aralık 1997'de Titanic, Amerika Birleşik Devletleri'nde gösterilmeye başlandı. Resim Amerika'da 2674 sinemada gösterildi. Arnold Schwarzenegger Titanic'in izlediği en iyi film olduğunu söylemiştir.

The New York Post için bir eleştirmen, "197 dakikada, yazar-yönetmen James Cameron bize her şeyi içeren bir gösteri verdi: harika bir aşk hikayesi, heyecan verici maceralar ... Bu performans nefes kesici, asla unutulmayacak."

Sonra Titanik, Avrupa'daki zafer yürüyüşüne başladı. DiCaprio, Paris galasına uçtu. Fransız başkentinin tüm rengi ve çok sayıda gazeteci salonda toplandı. İncelemeler en coşkuluydu, "Titanic" efsanevi melodram "Rüzgar Gibi Geçti" ile karşılaştırıldı.

18 Ocak 1998'de Titanic, Amerika Birleşik Devletleri'nde akredite olan Foreign Press Association'dan dört Altın Küre aldı ve ardından 14 Oscar'a aday gösterildi ve böylece All About Eve (1950) rekorunu kırdı. Uzmanlar, ana erkek ve kadın rolleri de dahil olmak üzere neredeyse tüm büyük adaylıklarda zaferini tahmin etti. Sonuncusu dışında her şeyde tahminler gerçek oldu: ne Winslet ne de DiCaprio ödülü almadı.

Titanik'ten önce, yalnızca Ben Hur (1959) Amerikan Film Akademisi'nden on bir heykelcik aldı - Yüzüklerin Efendisi: Kralın Dönüşü (2003).

87 yaşındaki Gloria Stewart, Oscar'a aday gösterilen en yaşlı aktris (maalesef Winslet gibi o da ödül alamadı).

Yılın en iyi şarkısı Celine Dion tarafından seslendirilen "My Heart Will Go Op" ("My Heart Will Beat") oldu.

İlk kez bir filmden uyarlanan bir kitap, New York Times'ın en çok satanlar listesinde bir numaraya yükseldi.

"Titanik", 19 Aralık 1997'den 2 Nisan 19

98'e kadar 15 hafta boyunca gişe lideri olarak kaldı.

Titanic'in sinema tarihinde ilk kez dünya çapındaki gişe hasılatı bir milyar doları aştı ve 1.848.000.000 $'a ulaştı ve bunun Amerika Birleşik Devletleri dışında - 1.248.000.000 $ oldu.

Sadece ABD'de 600 milyon dolar topladı (yarım milyar doların dönüm noktasına gelmeden önce herhangi bir resim göndermedi).

Edebiyat

Antonioni hakkında Antonioni / Comp. O. B. Bobrova. M.: Raduga, 1986.

Bardo B. Baş harfleri B.B. M.: Vagrius, 1997.

Belenky K. V. Dustin Hoffman. M.: Sanat, 1988.

Bergman I. Laterna magica. M.: Sanat, 1989.

Bergman hakkında Bergman / Comp. A. V. Parina, V. V. Gulchenko. M.: Raduga, 1985.

Bergman İ., Burgess A. Hayatım. M.: Raduga, 1988.

Bereznitsky Ya.A. Kendinizi nasıl yaratırsınız? M.: Sanat, 1976.

Bohem TD Vittorio De Sica. M.: Sanat, 1963.

Bohemsky T. D. İtalyan sinemasının oyuncuları. Moskova: Tüm Birlik Film Propaganda Bürosu, 1986.

Braginsky A. V. Jean-Paul Belmondo. Sinemada ve hayatta. Rostov-on-Don: Phoenix, 1998.

Braginsky A. V. Alain Delon. M.: EKSMO, 2003.

Braginsky A. V. Catherine Deneuve. M.: Panorama, 2000.

Brunelin A. Jean Gabin. M.: Sanat, 2001.

Luis Bunuel / Comp. L. G. Dularidze. M.: Sanat, 1979.

Bunuel, Bunuel hakkında. M.: Raduga, 1989.

Jean Vigo. M.: Sanat, 1979.

Visconti, Visconti hakkında. M.: Raduga, 1990.

Luchino Visconti. Nesne. Kanıt. Hatıralar. M.: Sanat, 1987.

Gens I. Yu Toshiro Mifune. M.: Sanat, 1974.

Gens I. Yu. Challengers: 60'ların ve 70'lerin Japon Film Yönetmenleri. M.: Sanat, 1987.

Gigi L. Kino, Griffith ve Ben. M.: Sanat, 1974.

Grachev A. V. Bruce Willis ve Demi Moore, Hollywood'un “sert çifti”. M.: Panorama, 2000.

Cesare Zavattini / Comp. G. D. Bogemsky. M.: Sanat, 1982.

Dietrich Marlene. Hayatımın ABC'si. M.: Vagrius. 1997.

Dawson J. Tarantino. M.: Vagrius, 1999.

Dugan E. Ulaşılamaz Robert De Niro. M.: TERRA, 1997.

Batı sanatı. XX yüzyıl. M.: Nauka, 1991.

Hollywood Yıldızları (80-90'lar) / Ed. ed. E. N. Kartseva. M.: Sanat, 1995.

Karaganov A. Francis Ford Coppola - dün ve bugün // Ekran. 1978-1979. M.: Sanat, 1981.

Cardinale K, Mori A. M. Şanslıydım. M.: Vagrius, 1997.

Kartseva E. N. Batı. Türün evrimi. M.: Sanat, 1976.

Katsev I. G. Giuseppe De Santis. M.: Sanat, 1965.

Büyük Britanya Sineması. Makalelerin özeti. M.: Sanat, 1970.

Clarkson W. Tom Cruise. Rostov-on-Don: Phoenix, 1998.

Kozlov L.K. Luchino Visconti ve sinematografisi. Moskova: Tüm Birlik Film Propaganda Bürosu, 1987.

Kolodyazhnaya V. S. William Wyler. M.: Sanat, 1975.

Cottrell J. Laurence Olivier. M.: Raduga, 1985.

Krakauer 3. Alman sinemasının psikolojik tarihi. Caligari'den Hitler'e. M.: Sanat, 1977.

Krasnova G. V. Dustin Hoffman. M.: VTPO "Kinotsentr", 1988.

Krasnova G.V. Almanya Sineması. M.: Sanat, 1987.

Christian-Jacques / Comp. A. V. Braginsky. M.: Sanat, 1981.

Kukarkin A. V. Charlie Chaplin. M.: Sanat, 1988.

Akira Kurosawa. M.: Sanat, 1977.

Leproon P. Modern Fransız film yönetmenleri. M.: Yabancı edebiyat yayınevi, 1960.

MarkulanYa. K. Film melodramı. Korku filmi. L.: Sanat, 1978.

Minyaev V.V., Schwelle F. Steven Spielberg ve atölyesi. M.: Panorama, 2000.

Mitler ve gerçeklik. Doygunluk. Bugün yabancı sinema. / Komp. G. A. Kapralov. Sorun. 3. M.: Madde, 1972.

Ekranda Amerika / Comp. I. E. Kokarev. Moskova: İlerleme, 1978.

Plakhov A. S. Catherine Deneuve. M.: Sanat, 1989.

Satyajit Ray / Comp. A. Safyan. M.: Sanat, 1979.

Alain Resnais / Comp. L. Zavyalova ve M. Shaternikova. M.: Sanat, 1982.

Jean Renoir / Komp. I. Lishchinsky. M.: Sanat, 1972.

Renoir J. Hayatım ve filmlerim. M.: Sanat, 1981.

Summers E. Tanrıça. Marilyn Monroe'nun Yaşamının ve Ölümünün Sırrı. Smolensk: Rusiç, 1997.

Slavin Yu.M.STARS: film yıldızlarının özel hayatlarından. M.: Panorama, 1996.

Solovieva N. N., Shitova V. V. Ondört seans. M.: Sanat, 1981.

Steven Spielberg. Amerikalı yazar ve gazetecilerin eserlerine dayanan biyografi / Author-comp. E. S. Yurchenko. Rostov-on-Don: Phoenix, 2000.

Spoto D. Ingrid Bergman. Smolensk: Rusiç, 1998.

Parker J. Sean Connery. M.: TERRA - Kitap Kulübü, 1998.

Trauberg L. 3. David Wark Griffith. M.: Sanat, 1981.

Truffaut'tan Truffaut'a. Doygunluk. M.: Raduga, 1987.

François Truffaut / Comp. I. Belenki. M.: Sanat, 1985.

Walker A. Audrey. Smolensk: Rusiç, 1997.

Utilov V. L. Vivien Leigh. M.: Sanat, 1992.

Utilov V. L. Charles Lawton. M.: Sanat, 1973.

Orson Welles / Comp. K. E. Razlogov. M.: Sanat, 1975.

Wells / Comp. I. M. Tsyrkun. M.: Raduga, 1990.

Fellini'nin üzerine Fellini. M.: Raduga, 1988.

Federico Fellini / Comp. G. D. Bogemsky. M.: Sanat, 1968.

Federico Fellini / Comp. E. Şalneva. Rostov-on-Don: Phoenix, 1999.

Ferrara J. Yeni İtalyan Sineması. M.: Yabancı edebiyat yayınevi, 1959.

Gerard Philip. Ann Philip tarafından toplanan anılar. L.-M.: Art, 1962.

Khanigi M. Yağmurdaki şarkılar hakkında. M.: Raduga, 1984.

Chaplin C. Biyografim. Rostov-on-Don: Phoenix, 1997.

Çernenko M. M. Andrzej Wajda. M.: Sanat, 1964.

Shmakov G. G. Gerard Philip. L.: Sanat, 1974.

Ekran-90 / Komp. Yu Tyurin, G. Dolmatovskaya. M.: Sanat, 1990.

Yurenev R.N. Sinematografinin Kısa Tarihi. M.: Yayın Merkezi "Akademi", 1997.

Yanugievskaya I. N., Demin V. P. Jean Mare. M.: Sanat, 1969.

süreli yayınlar

Abdullaeva 3. Kıta sineması. Sinema sanatı // 1995. 2 numara.

BayenM. Juliette Binoche: "Sinemayla aranıza mesafe koyun!" Ekran ve sahne // 1997. No.22.

Baxter J.Stanley Kubrick. biyografi. Sinema Sanatı // 1999. Sayı 11-12.

Baxter J. Quentin Tarantino: Adam ve Sineması. Sinema sanatı // 1997. No. 1-2.

Biskind P. , Dustin Hoffman'ın eşliğinde. Sinema sanatı // 1989. 10 numara.

Viole B. Delon'un Sırları. Sanat // 2003. No.6.

WoodM. Çift hayat. Sinema sanatı // 1992. No.6.

Goralik L. George Lucas'ın kutsal yerlerinden. Kino Parkı // 2002. No.7.

Gulchenko V. Zamanın Renkleri, Krzysztof Kieślowski. Ekran ve sahne // 1997. No. 14.

Demin G. Ayrıcalıklı hasta. Ekran ve sahne // 1997. No.22.

Dularidze L. "Orpheus", Fransa (1949). Sinema sanatı // 1989. No.9.

Zarhi N. Telefon faturası. Sinema sanatı // 1995. 2 numara.

Karasev L. Odyssey aracılığıyla. Sinema sanatı // 1999. No. 11.

Keslevsky K. "Hepimiz orada yaşadık." Sinema sanatı // 1995. 2 numara.

Cocker Cheo Hodari. Yıldız Savaşları. Açık tehdit. Haber filmi Prömiyeri // 2002. Sayı 48.

Coppola F. F. Kaderin gücü ve gücün kaderi. Sinema sanatı // 1992. No.3.

KordaM. Alexander Korda'nın İngiliz macerası. Sinema sanatı // 1995. 4 numara.

KordaM. Göz kamaştırıcı hayat. Sinema sanatı // 1997. 11 numara.

Corliss R. Gump'ın gözünden dünya. Ekran ve sahne // 1994. Sayı 49.

Kuznetsov S. Yıldız Savaşları yeni bir yüzyılın eşiğinde. Sinema sanatı // 1999. No. 12.

Kulik I. Uçup gitti. Canım canım ... Kino Park // 2002. No.8.

Lelouch K. Kaderin sevgilisi. Sinema sanatı // 2003. Sayı 8-10.

Lipatov A. Temel içgüdü. Kino Parkı // 2002. 11 numara.

Musina M. John Huston ve üç arkadaşı: Bogart, Wells ve Lord God. Video-ACC-Premier // 1995. No.29.

O'Neill K. "Forrest Gump" nasıl çekildi? Ekran ve sahne // 1995. No.24.

Plakhova K. Kieslowski gülüyor. Sinema sanatı // 1995. 2 numara.

Polansky R. Roman. Sinema sanatı // 1995. 10 numara.

Pier Paolo Pasolini: "Dünyadaki her şeyi mitolojikleştirmeye meyilli değilim." Sinema sanatı // 1995. 8 numara.

Rathaus M. Fritz Lang. "M". Sinema sanatı // 1994. No. 11.

Stuart Galbraith IV. Dünyaya açılan kapı. Film senaryoları // 2002. 3 numara.

Telingater E. "Kazablanka" - bizimle olmayan bir tatil. Ekran ve sahne // 1992. Sayı 34-35.

Üç Tahvil yeterli değil. Haber filmi Prömiyeri // 2002. Sayı 54.

Trofimenkov M. Suç ödenir. Sinema sanatı // 1994. No. 11.

Travers P. Hollywood tarafından mahvolmadı. Ekran ve sahne // 1997. No.30.

Hitchcock'ta Hitchcock. Sinema Sanatı // 1990. No.11.

Howard S. Apocalypse-2001. Ekran ve sahne // 2001. Sayı 35-36.

Howard S.Jack Lemmon. Son görüşme. Ekran ve sahne // 2001. Sayı 43.

Howard S. Peter O'Toole, yaşayan efsane. Ekran ve sahne // 2003. Sayı 9-10.

Tsyrkun N. Corleone'nin Amerika'daki kaderi. Sinema sanatı//1992. 3 numara.

Shaternikova M. King Kong yaşıyor mu? Sinema sanatı.

Shevtsov N. "Son Tangosu". İşçi-7, 15 Kasım 2001

Sternberg, J. von. Marlene Dietrich olağanüstü bir kadın. Film senaryoları // 1994. 5 numara.

Bu Blogda Ara

İlber Film

Translate

100 Harika Yabancı Film

İgor Musky

"AY'A YOLCULUK"

Benzer Yazılar